Daft Punk

Electroma

Daft Punk  Electroma

source: filmdeculte

C’est dans une voiture noire immatriculée en Californie et qui porte le nom prédestiné de “Human” que les deux robots vont entamer leur quête d’humanité. L’histoire commence comme un road-movie, avec le magnifique désert californien en toile de fond. La caméra suit, précède, survole le véhicule lancé à toute vitesse, s’attardant sur ses occupants ou encore sa carrosserie. Quand ils débarquent en ville, le spectateur note tout de suite un contraste avec les autres robots qui, s’ils portent eux aussi tous des casques, sont par contre habillés normalement alors que les deux héros sont tout de noir vêtus. Peut-être faut-il être un peu marginal pour souhaiter devenir humain? De plus, ces autres robots ont une attitude quasi léthargique. Une fois arrivés au centre, changement de décor: le monde devient noir et blanc et saturé, les deux robots reçoivent leur visage et après une courte euphorie, leur existence humaine va prendre un accent tragique. Il ne reste plus aux deux qu’à aller panser leurs plaies dans le désert.

Pour leur premier long métrage, les Daft Punk prouve une fois de plus qu’ils sont doués d’un extraordinaire sens musical (outre les morceaux de Chopin, Brian Eno ou encore Curstis Manfield, ils ont également fait un intéressant travail sur les sons), doublé d’un sens esthétique indéniable. Le spectateur appréciera l’histoire ou pas mais ne pourra nier la superbe photographie de Thomas Bangalter. Le trip sera sensoriel ou ne sera pas. Car il s’agit bien d’un voyage particulier auquel nous invitent les deux hommes, dans lequel aucune parole n’est prononcée et dans lequel aucune parole n’est nécessaire. La force des images étant suffisamment éloquente pour l’histoire contée. La fantastique odyssée des deux robots est à la croisée des chemins entre Gerry, L’invasion des body snatchers ou encore Star Wars, avec en plus l’inimitable touche du célèbre duo. Soit les soixante-quatorze minutes de la projection vont ressembler à une interminable traversée du désert, soit elles vont passer beaucoup trop vite et c’est avec un véritable sentiment de frustration que le générique mettra un terme à ce magnifique voyage. Quoi qu’il en soit, Daft Punk’s Electroma est un exercice de style haut en couleurs auquel il serait dommage de ne pas donner une chance.
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source: sentireascoltare

Se Alive 2007 è electro-dance’n’roll per masse adoranti, Electroma si interroga sulla robotica stessa dal di dentro. Se il primo è rock da stadio il secondo è ambient isolazionista. È curioso come il DVD esca proprio a corollario dell’esperienza superomista dell’ultima tournée (peraltro ancora non conclusa), curioso perché non sembra affatto un impacciato cartoon su due robot che cercano di diventare umani. Piuttosto è la tragedia di due macchine autocoscienti che fallendo nel tentativo di diventare delle posticce caricature di umani (erano felici anche così, e anche funky a modo loro…) decidono di suicidarsi in un deserto rosso di gusvansantiana memoria. Se ancora ci fosse bisogno di verificare lo stretto legame che intercorre tra la moderna grammatica dei videoclip e quella classica della settima arte, ecco che con Electroma abbiamo un case history che frulla e trasuda immaginario cinematografico, ma come se fosse geneticamente modificato dall’estetica video. Per parafrasare i Daft Punk stessi: Electroma è un robotico videoclip che cerca in tutti i modi di trasformarsi in umano cinema. Vista in quest’ottica anche le citazioni sono come un mascherarsi per il pubblico dei festival e servono per farsi accettare presso la comunità cinefila.
Il film infatti inizia in un’alba desertica senza declinazioni geografiche di sorta secondo un immaginario preso in prestito da Kubrick (2001: Odissea nello spazio), prosegue come il più classico dei road movie sulle note di Todd Rundgren (International Feel) e si immerge nella tipica paesaggistica da neighborhood americano che è perfetta come una cartolina, ma non accetta i diversi (Twilight Zone e tanta sci-fi anni ‘50). Non è più il momento per narrare di macchine che anelano ad avere una coscienza propria (HAL 9000) o che già mimetizzatesi tra gli umani vorrebbero durare in eterno (i Nexus 6 di Blade Runner). I robot dei Daft Punk sono più simili a Robocop, hanno problemi di verosomiglianza e di conseguente accettazione sociale, ma sostanzialmente anche loro si infatuano del sogno americano e vorrebbero farne parte. Il momento del maquillage è quindi tutto giocato con una virginale estasi cromatica di bianco che richiama quella di THX-1138 di Lucas e cerca di convertire il nero androide delle tute e dei caschi in bianco pallore carnale. Ma le maschere umanoidi sono biodegradabili come quelle della Maschera di Cera e di Darkman. Ai due robot non resta quindi che scappare dalla città e ritirarsi a vagare nel nullificante deserto senza tempo e senza storia, già frequentato dai ragazzi di Gerry, cui si fa riferimento anche in senso prettamente cinematografico. Si riprendono i robot a vagare senza metà nella stessa maniera di Van Sant (lenti sfocate, panoramiche laterali, soggettive frontali). Il film termina con un suicidio rituale. Thomas Bangalter preme il bottone dell’autodistruzione ed esplode in un milione di pezzi come il televisore di Zabriskie Point. Guy-Manuel De Homem-Christo, rimasto solo, si spoglia della sua corazza e sulle tristissime note di Jackson C. Frank si lascia bruciare come un Icaro di silicio che ha cercato di arrivare troppo vicino al sole e si è scottato. Vice Records ha predisposto l’uscita del DVD nordamericano per la fine dell’anno. In accordo col sito ufficiale dei Daft Punk, sarà distribuito in tutti gli store inglesi il 15 Ottobre 2007.
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source: filmwebpl

Do niewielkiego miasta przyjeżdżają dwa roboty, które zamiast głów mają kaski. Ich celem jest laboratorium, gdzie naukowcy mają zrobić im prawdziwe twarze, jednak ludzka postać wzbudza niechęć mieszkańców miasta, co nieodwołalnie prowadzi do katastrofy. Film opowiada nie tylko o odrzuceniu przez otaczające społeczeństwo, ale przede wszystkim o pragnieniu realizacji nawet tych najbardziej abstrakcyjnych marzeń.

“Electroma” to opowieść o dwóch robotach, które pragną stać się ludźmi. Poszukują człowieczeństwa, ale nie ludzkich zwyczajów, typowych cech czy cielesności. Owszem, próbują wyzbyć się swojej mechanicznej powierzchowności i zamienić ją w ciało. Ale prawdziwym celem ich wędrówek jest istota człowieczeństwa, którą – paradoksalnie i bezwiednie – w końcu przed nami odkrywają.
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source: rottentomatoes

Guy-Manuel de Homem-Christo and Thomas Bangalter, the two founding members of the house electronica band Daft Punk, wrote and directed the memorably eccentric and bizarre sci fi opus Daft Punk’s Electroma. Peter Hurteau and Michael Reich star as Hero Robot #1 and Hero Robot #2, two androids clad in ever-present motorcycle helmets. The two drive through the desert en route to Inyo County, CA, where the entire population, regardless of age, dresses in identical attire. Upon arrival in the town, the two enter a scientific facility where experimenters pour hot latex over their helmets to make nightmarish flesh-covered masks that infuriate town residents. The robots then embark on a lengthy trek across an endless expanse of salt flats.
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source: omeleteuol

O conjunto de música eletrônica Daft Punk sempre teve uma relação muito próxima com o vídeo. Seus clipes completavam sua música e vice-versa. Após o lançamento de seu segundo álbum, Discovery, a dupla francesa, formada por Guy-Manuel de Homem-Christo e Thomas Bangalter, resolveu trabalhar com Leiji Mastumoto, o mago japonês da animação. O projeto virou o longa-metragem Interstella 5555. Como a produção foi muito bem recebida pela crítica e pelo público, o grupo decidiu trilhar o mesmo caminho depois do lançamento do disco Human After All e anunciou mais um projeto cinematográfico. Dessa vez, porém, eles trocaram de funções: dirigem e roteirizam a história, deixando a trilha sonora a cargo de outros artistas.

Daft Punks Electroma (2006), que participou da Quinzena dos Realizadores do Festival de Cannes de 2006, é uma odisséia visual e musical. A história acompanha o caminho de dois robôs (Peter Hurteau, Michael Reich) que pretendem se tornar humanos. O filme começa com a dupla pilotando um carro preto pelas estradas ensolaradas da Califórnia. Na placa do veículos está a palavra human. As imagens são belíssimas e remetem a um filme dos anos 70 pelo colorido da película.

A câmera se move no mesmo ritmo do carro. Acompanhamos tudo por diferentes ângulos e seqüências. Após dirigirem pelo deserto, eles chegam a uma cidade, na qual até os bebês são robóticos. Notamos um contraste em relação aos outros robôs. Os da cidade estão vestidos de forma comum, já os protagonistas usam roupas de couro preto. Até sua forma de andar é diferente, mais rápida. Isso demonstra que eles são uma espécie de rebeldes, que estão na contramão dos habitantes da cidade. Ao chegarem num tipo de laboratório, eles recebem seus rostos humanos. Isso irrita a comunidade local, causando o começo de uma odisséia final para os dois. A partir daí a narrativa ganha ares de tragédia.

O filme não é recomendado para o público em geral. Mesmo os fãs das canções do grupo francês podem ficar desapontados, já que a trilha sonora se concentra nas músicas de Chopin, Todd Rundgren, Brian Eno, Sebastien Tellier e Curtis Mayfield. Mas isso não significa que o filme seja ruim. Pelo contrário. Electroma é cheio de referências visuais e cinematográficas. Encontramos elementos de THX 1138, de George Lucas, a Zabriskie Point, de Michelangelo Antonioni, fora o óbvio tema presente em toda a obra do Daft Punk: Deus Ex Machina, que significa literalmente Deus surgido da máquina. A espressão veio do teatro grego e é usada hoje em dia para representar uma história que não leva em consideração a sua lógica interna.

A fotografia de Thomas Bangalter é crucial na proposta ousada do Daft Punk. As imagens contrastam com a música, que muitas vezes é alternada com momentos de puro silêncio. A história é toda narrada como se fosse um exercício de estilo através de imagens eloqüentes. Prepare-se para mais uma viagem sensorial, característica presente em todos os projetos do grupo.
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source: bitsmag

O duo francês Daft Punk , que fez uma aparição surpresa na festa do Grammy 2008 ao lado do rapper Kanye West, vai ter o DVD de seu filme Electroma lançado nos Estados Unidos.

O filme, que foi exibido no Brasil em 2006 no Festival do Rio e na Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, é uma louca viagem de dois robôs pelo deserto. Na trilha simplesmente nenhuma música do Daft Punk e sim seleções de artistas escolhidos pelo duo francês. Sem diálogo, apenas efeitos sonoros, o filme é para quem gosta de apreciar imagens estranhas e boa música.
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source: musikfilmnet

Wer einen Film sucht, der wortgewaltig, persönlich und dokumentarisch ist, wird als Fan des Genres ‘Essayistischer Film und Musikfilm’ voll auf seine Kosten kommen. Bei der Besetzung der Hauptrollen entschied man sich für Darsteller wie Peter Hurteau und Michael Reich. Das Drehbuch zu “Daft Punk’s Electroma” schrieb Thomas Bangalter. Die Regie bei diesem 74 Minuten dauernden Film hatte Thomas Bangalter unter sich. Gedreht wurde der Film im Jahre 2006 in Frankreich und Amerika. Im Internet erfahren Sie unter imdb.com mehr über den Film.
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source: becausetv

DAFT PUNK’S ELECTROMA IS THE EAGERLY ANTICIPATED DIRECTORIAL FEATURE FILM DEBUT FROM GUY-MANUEL DE HOMEM-CHRISTO AND THOMAS BANGALTER, BETTER KNOWN TOGETHER AS DAFT PUNK. A PSYCHEDELIC VISUAL AND MUSICAL ODYSSEY, ELECTROMA FOLLOWS THE JOURNEY OF TWO ROBOTS ON THEIR QUEST TO BECOME HUMAN. FEATURING A STUNNING SOUNDTRACK WITH MUSIC FROM TODD RUNDGREN, BRIAN ENO, CURTIS MAYFAIR, SEBASTIEN TELLIER AND CHOPIN, ELECTROMA PLAYS OUT BEAUTIFULLY ‘LIKE MUSIC FOR THE EYES’. DAFT PUNK FANS EVERYWHERE HAVE BEEN WAITING TO SEE WHAT WOULD HAPPEN IF THESE LEGENDARY FRENCH ELECTRO-DANCE PIONEERS WERE LET LOOSE WITH A CAMERA AND THIS HYPNOTIC ROAD MOVIE CUM SCI-FI TALE DOESN’T DISAPPOINT. ALREADY A HUGE HIT WITH THEATRICAL AUDIENCES ACROSS THE UK & IRELAND, ELECTROMA HAS ENJOYED A SELLOUT SCREENING TOUR WITH CINEMAS REPORTING RECORD PRE-SALES.
APPEALING TO DAFT PUNK FANS, SCI-FI HEADS AND FILM ENTHUSIASTS ALIKE, THIS SPECIAL UK ONLY LIMITED EDITION DELUXE DVD & FULL COLOUR 44 PICTURE BOOK IS A MUST HAVE FOR ANY COLLECTION.
I”DAFT PUNK’S WIDESCREEN DEBUT IS A BEAUTIFUL, SUN-BLUSHED NUGGET OF CINEMA” – GUARDIAN GUIDE
“ELECTROMA IS DESTINED TO BECOME CULT VIEWING FOR GENERATIONS NOT YET BORN” – OBSERVER MUSIC MONTHLY
“A SPELLBINDING SCI-FI ODYSSEY.” – DAZED & CONFUSED FILM OF THE MONTH
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source: iloudjp

 今年のサマーソニックでは、ピラミッド型のステージ上で、久々の来日ライヴを行ったダフト・パンク。フランスの音楽シーンを一変させ、ダンス・ミュージックに新たな扉を開いた存在として、絶えずその動向が注視されている。  そんな彼らが、映画作品としては『Interstella 5555』に続く第二作目となる『ELECTROMA』を完成させた。今年のカンヌ国際映画祭に監督週間特別上映作品として出品され、話題になっている作品だ。
 というわけで、日本での公開を大幅に先行するかたちで、LOUDは注目の映画『ELECTROMA』をピックアップ。ダフト・パンクのふたり、トーマ・バンガルテルとギ=マニュエルに本作の話を聞いてみた。

僕らは以前から“テクノロジー対自然”という構図、コンビネーションに引かれてきた。 『ELECTROMA』のストーリーも、そこに端を発している。

―『daft punk’s ELECTROMA(原題)』の構想が持ち上がったきっかけを教えてください。
「プロジェクト自体は、比較的新しいものだよ。アルバム『HUMAN AFTER ALL ~原点回帰』のときに、二本のPVを手がけたんだけど、そのとき思いついた映像アイディアの一つなんだ。そこから、“もうちょっと尺を長くしてやってみたらどうかな?”という話に発展して誕生した作品が『ELECTROMA』。実際に長編を手がけることになってから、二人で映画の世界観をつくりあげていったよ」
―監督のほか、脚本や絵コンテも、二人で手がけたんですか?
「そうだね。脚本は、映画製作会社と一緒に共同執筆した。絵コンテに関しては、僕らは撮影担当だったから、カメラ・アングルやフレーミングに関しての簡単なアイディアを出したね。もともと、ずっと昔から映画を撮りたいという願望はあったんだ。映画は僕らの活動の一環になっているよ」
―昔から映画を撮りたいという願望があったということは、子供の頃から映画フリークだったんですか?
「ぼくらは出会って、まず一緒に映画を観に行ったんだ。音楽を始めたのはその5、6年後なんだよ。まだ子供だったし、スポーツ好きではなかったから、ビデオを観たり、映画館に行ってスタンリー・キューブリックの作品を全部観たりしてた。『アッカトーネ』、ポール・モリセイの作品、ホラー映画、無声映画、フランク・キャプラやエルンスト・ルビッチといった監督の作品、みんな大好きだった。つまり、良い映画は全部好きなんだ」
―『ELECTROMA』の舞台設定は、一風変わったものですが、その着想はどこから得たんですか?
「僕らは以前から“テクノロジー対自然”という構図、コンビネーションに引かれてきた。『ELECTROMA』のストーリーも、そこに端を発している。テクノロジーはクールで利便性に優れているけれど、同時に“怖さ”を内包していると思うんだ。テクノロジーによって、人間は何か人生の本質的な部分から遠ざけられてしまうのではないか、そんな風に思えることがある。そういったテクノロジーの両義性が、本作のアイディアになっているんだ」
―ダフト・パンクがデビュー当初から追求してきたテーマを、映画化したということでもあるんですね? 「そうだね。アルバム、PV、ピラミッド型ステージでのライヴ・パフォーマンス、僕らのやっている活動全体が『ELECTROMA』とリンクしている。そのリンクは、“テクノロジー対自然”、“ロボット対人間”、“無機的なモノ対有機的なモノ”という対比をベースにしているんだ。全てがリンクしているからこそ、今回の映画は一気につくり上げることができた。シンプルでミニマルな内容ではあるけどね」 ―その世界観を表現するために、製作において注意したことを教えてください。
「“視覚のための音楽”をつくるような感覚で、独自の手法でフィルムとカメラを操ったよ。僕らのインスピレーション源は、主に絵画やシュールリアリズムだったから、インストゥルメンタル音楽のような“非日常的かつ抽象的な”手法を使ったんだ。具体的なストーリーや役者を必要としない、肉体的な感覚を分かち合うことで、観客を巻き込む手法だ。だから、まずは映像のもつ力、つまり“視覚に訴えかける力”を獲得する作業から取りかかった。その力とは、この30年くらいで映画から失われてしまったものだ」
―全体的には悲観的なトーンを持っていると感じましたが、あなた達独特のユーモア・センスも発揮されていますね。そういった点は意識していますか?
「もちろんだよ。一瞬笑ってしまうシーンが出てきたと思ったら、次のシーンでは悲しい気持ちになっているような、チャップリンの映画のような感覚を意識したね。ユーモアと悲しさは、僕らの日常生活の中にあるものでしょ?僕らを取り巻いているごく普通の感情だと思う。でも、ものの見方は一つではないから、それを探求していくことは面白いんだ。何事もコンビネーションだよ。どのシーンとどのシーンをつなげるかといった編集によっても、効果はかなり違ってくるしね」
―過去の名画をモチーフにしているシーンが多くあると感じました。また、ガス・ヴァン・サントやヴィンセント・ギャロの作品のように、最近の映画を出発点にしたような作品でもあると思います。それらの作品をサンプリングしようという意図はあったのでしょうか?
「あからさまに引用しようとしたわけじゃないんだ。ギャロやヴァン・サントの作品にも、彼らが影響を受けた’70年代の作品があるだろ? それが何で、元をたどるとどこに行き着くのか、その探究自体を取り上げたのさ。それらは当然同じものにはならないから面白い。僕らの作品では『イージーライダー』と『2001年宇宙の旅』をミックスしようとしている。すごく熱いものとすごく冷たいものをミックスして、僕らが追求し続けている感覚、つまり映画館を出たあとに記憶に残るような感覚をつくりだそうとしたんだ。こういう柔軟性のある感覚的なアプローチは、’70年代の映画に限らず、ヒッチコックや黒沢の作品にも見ることができると思う」
―ダフト・パンクがマスクをつけてロボットの容姿になった背景には、ダンス・ミュージックの匿名性をアピールする意図がありましたよね。『ELECTROMA』の主人公には、現在のあなた達自身の心情を投影していますか?
「うーん…パーソナルな内容ではあると思うけど、キャラクター自体に僕らが投影されているかという点に関して言うと、そうでもないだろうね。あまり投影されていないと思う。むしろ映画自体に、僕らのものの見方が反映されている。自分たちのセルフポートレートというよりも、僕らの頭の中のイメージ、シンボル、コンセプトを描いた作品なんだ。間違いなく僕らも観客と一緒に視覚的な旅をしているわけなんだけど、それは主人公としてではなく、カメラの反対側に立っている監督の立場としてだね。ストーリーの解釈を、みんなに委ねるようなエンディングにしてあるのも、そのためだね」
―映画製作は、音楽制作よりも簡単でしたか?
「全くそんなことはなかったよ(笑)。僕らにとって今回の映画はチャレンジだった。映画では、大勢のスタッフと一緒に共同作業をしなくちゃいけないからね。大勢の人とコラボレーションした結果、報われた感じがするね。音楽づくりの中では、あまり大規模なチームワークを経験することがないから、とても良い経験になったよ」
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source: miradasnet

Robots en el desierto

Hay películas que llegan transmitir emociones a través de una construcción formal poco elaborada, incluso desastrada, dejando lugar a la improvisación u ofreciendo imágenes movedizas, imprecisas… No es el caso de Daft Punk’s Electroma, film que también alcanza a generar sensaciones muy intensas pero en el que la forma de encuadrar y la labor de montaje se encuentran siempre en el primer plano, llamando la atención sobre sí mismas como lo harían los ejercicios manieristas más exacerbados del mejor Brian De Palma. Estamos ante el debut en la dirección de Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo, más conocidos en el mundo de la música electrónica como Daft Punk, quienes firman asimismo la fotografía y colaboran en el guión junto a Cédric Hervet y Paul Hahn, si bien siguiendo un método cercano al surrealismo, pues las secuencias se fueron generando a partir de imágenes procedentes del inconsciente. El balance como directores de la pareja antes de Electroma consistía en sus propios video-clips, y aunque la película está protagonizada por los humanoides de cabeza robótica en los que se transmutan los componentes del grupo (interpretados en esta ocasión por Peter Hurteau y Michael Reich), las canciones de Daft Punk no comparecen a lo largo del metraje, sino música de autores como Todd Rundgren, Curtis Mayfield, Brian Eno, Haydn o Chopin. Un producto así viene a demostrar (por si no lo había hecho ya gente como Wong Kar-wai) que el sintagma “estética de videoclip” no tiene por qué tener necesariamente connotaciones negativas, y menos aún cuando se consigue un nivel tan notable de depuración (el film es casi estética pura, despojada de todo ornamento y convertida finalmente en esencia, aunque esto no anula su capacidad de generar tormentas de ideas y sugerencias).

En una concisa y esclarecedora entrevista de Manuel Yáñez publicada en el blog de Letras de cine, los chicos de Daft Punk señalan algunos de sus referentes y afinidades cinematográficos (aunque los más conscientes son pictóricos, con el ejemplo de Magritte), y la lista de nombres que manejan, que sorprende en unos casos (cf. Akira Kurosawa) más que en otros (cf. Michelangelo Antonioni), resulta harto significativa, en tanto confirma que nos hallamos ante una obra que, si bien ha sido concebida desde unos postulados cercanos al surrealismo, demuestra alto grado de auto-consciencia, pues tiene muy claro el lugar que quiere ocupar en el audiovisual contemporáneo así como los autores y propuestas junto a los cuales desea (y consigue) alinearse.

Sucede en la segunda mitad del film: los androides encaminan sus pasos, sin explicaciones ni retóricas (estamos en territorio radicalmente alejado de los excesos de palabrería en pantalla que tanto molestaban a Aki Kaurismäki), hacia el desierto, y resulta entonces inevitable pensar en algunas gemas (aún bastante escondidas) del cine reciente, como The Brown Bunny (2003. Vincent Gallo) o Gerry (2002. Gus Van Sant). Los fascinantes planos que siguen a los robots o al coche que conducen al principio son casi idénticos a muchos de los presentes en la propia Gerry o en Elephant (2003), y como en dichas películas de Gus Van Sant, la propuesta de Daft Punk llegará a alcanzar prácticamente el grado cero de narración.

El uso de las simetrías y lo cuidado de las composiciones remiten a algunos trabajos de Stanley Kubrick, pero no sólo a 2001: Una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey, 1968), de la que, no obstante, Electroma hereda en algunos momentos la asepsia extrema de los decorados, además de lo ceremonioso de ciertos movimientos, sino también a trabajos como El resplandor (The Shining, 1980): la manera en que la cámara sobrevuela los paisajes hace pensar en los planos iniciales que presentan el viaje de la familia rumbo al Overlook Hotel en la pieza de Kubrick. En general, el exquisito uso de la música como catalizador emocional y la forma en que se cuidan las transiciones entre planos o el diseño de los títulos de crédito en Electroma nos retrotraen al creciente celo puesto por Kubrick (puntilloso hasta lo enfermizo) en todos y cada uno de los aspectos de sus obras, prestando atención a detalles que muchos otros cineastas aún hoy ignoran, desprecian o pasan por alto.

En un instante de la película, los robots cubren sus metálicos cascos con sendas cabezas de apariencia humana, para terminar siendo perseguidos por una temible multitud. Llama la atención la secuencia porque contiene planos rodados cámara en mano que se alejan diametralmente de la tónica habitual en el resto del metraje. De hecho traen al recuerdo algunos productos de los años sesenta, como Easy Rider (1968. Dennis Hopper), y más particularmente la escena del viajecito lisérgico de dicho film. No es casual que ésta modificación en la estrategia formal coincida con el que puede considerarse el instante de Electroma de mayor carga subversiva explícita, relacionada con la imposibilidad o inutilidad de la aceptación social o, a la inversa, con la aversión a una sociedad inhabitable. Sea como fuere, la película acaba arrimándose así a una cierta contracultura (o a sus restos) estadounidense, restaurando a su manera lazos de unión artística entre Europa y Norteamérica que, aunque estuvieron a punto de romperse por causa de la depredación mercantilista, tal vez no llegaron a desaparecer completamente.

¿Y qué les parece si, para finalizar (y para variar, exclamará algún lector con vena irónica), introducimos el nombre de David Lynch en esta coyuntura? El de Montana también es capaz de construir films a base de encadenar abstracciones, y lo surreal no es, desde luego, algo ajeno a sus intereses. Electroma contiene un plano que es simultáneamente un icono fundamental del imaginario lynchiano: Me refiero a la visión frontal de una carretera con las líneas del asfalto pasando, especialmente notable en el comienzo y final de Carretera perdida (Lost Highway, 1996), pero también en Corazón salvaje (Wild at Heart, 1990). El instante en el que los robots observan a sus semejantes mientras atraviesan una “población” a bordo de su vehículo puede resultar asociable a las estampas que llegan a las cansadas retinas del viejo Alvin mientras contempla el país desde su segadora en Una historia verdadera (The Straight Story, 1999). A mi entender, la mayor conexión la hayamos en la forma de recrearse en ciertas texturas. Tras ver el instante en el que el fluido rosáceo es extendido por las cabezas de los protagonistas de Electroma es difícil no acordarse de Justin Theroux embadurnando las joyas con pintura en Mulholland Drive (2001), o, más aún, de una inquietante fotografía tomada por Lynch en 1988 consistente en un muñeco de plástico con un chicle masticado cubriéndole la cabeza y titulada “Man thinking“. Pero, sobre todo, y como suele ocurrir con cada nueva obra del autor de INLAND EMPIRE (2006), enfrentarse a Electroma es hacerlo a un espectáculo audiovisual arriesgado e incomplaciente capaz de conectar con nuestro más íntimo fuero interno a través de caminos que, por suerte o por desgracia, no suelen ser los habituales en el mundo del cine.