Philippe Parreno

ФИЛИПП ПАРРЕНО
فيليب بارينو
菲利普·帕雷诺

H {N)Y P N(Y} OSIS

Philippe Parreno  H {N)Y P N(Y} OSIS

source: designboom

philippe parreno把纽约的派克大街兵工厂变成了一个艺术体验中心,这是迄今为止他在美国规模最大的作品,该装置探索了艺术展览作为一个独立个体所展现出来的潜力,而不是像以前一样,把展览当做许多展品的组合。

parreno构建了一个不断变化的场景,从根本上重新定义了传统的画廊-游客展览模式。在巨大的韦德-汤普森大厅(wade thompson drill hall),不断变化的各种元素交织在一起,包括声音-mikhail rudy预先录制的和现场演奏的-电影、灯光、特效和记忆元素,这些元素引导游客去体验、去感知,游客们自此开启了一趟感官之旅,parreno的新作品和老作品把这座建筑变成了一个不断变化的艺术展览。

派克大街兵工厂的展览是parreno迄今为止在美国举办的最大的展览

该展览名叫“H {N)Y P N(Y} OSIS”,由hans-ulrich obrist和alex poots主策划,以及tom eccles作为策展顾问。有许多雕塑灯挂在天花板上,白色的吊灯悬挂在游客的头顶,该设计的灵感来自电影跑马灯,往地面上投射着不同的图案。作为一名游客,游走在展览大厅内,他们会遇到视频装置、投影、钢琴、凳子、扬声器以及各种声音,所有这些都是经过精心安排的,以营造一个不断变幻的感官体验,让人有身临其境之感。
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source: designboom

for his largest work in the U.S. to date, philippe parreno turns new york’s park avenue armory into an experiential, evolving and site-specific process. the installation explores the potential of an art exhibition as a singular object, rather than a collection of individual works.

parreno radically seeks to redefine the traditional gallery-visitor-encounter by constructing a scripted scene that includes a series of constantly-changing events. within the monumental interior of the wade thompson drill hall, the dynamic grouping of happenings around the space fuse sound — both recorded and performed live by mikhail rudy — film, light, apparitions, and memory. these various elements guide the viewer’s experience through and perception of the vast site. the visitor is taken on a sensory journey through both parreno’s existing projects and new works that turn the building into a perpetually evolving organism.
philippe parreno park avenue armory the installation within the park avenue armory marks parreno’s largest exhibition in the U.S. to date

the exhibition ‘H {N)Y P N(Y} OSIS’ — co-curated by hans-ulrich obrist and alex poots, with consulting curator tom eccles — includes a vast collection of sculptural lighting that suspends from the cavernous ceiling. glowing white shapes informed by the design of movie marquees hang above visitors in bundles and as single geometries, casting dynamic patterns on the ground. as a participant walks through the site, they meet video installations, projections, pianos, chairs, speakers and sounds, all which have been carefully orchestrated to produce an immersive, sensory, and constantly-unfolding creative environment.
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source: serpentinegalleries

Philippe Parreno was born in 1964 in Oran, Algeria. In No More Reality (1991–93), Parreno gave ‘video conference’ lectures incorporating footage from television shows such as Alf and Twin Peaks, and movies such as Tim Burton’s Batman (1989). The film Vicinato (1995) was a collaboration with Carsten Höller and Rirkrit Tiravanija, based on a conversation between the three artists. The speaking roles have been juggled in the film version and actors portray the artists to confuse attribution of authorship. Other projects by Parreno include Untitled (2002), a sculptural undertaking with Jorge Pardo, and Sodium Dreams (2003), with Gonzalez-Foerster, Huyghe, and a number of other artists. Parreno also collaborated with Douglas Gordon to produce the ninety-minute film Zidane: A Twenty-First-Century Portrait (2006). Parreno has had solo exhibitions at the Kunstverein in Hamburg (1995), Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (1998 and 2002), Moderna Museet in Stockholm (2001), Kunstverein in Munich (2004), and Centre Georges Pompidou in Paris (2009), among other venues. His work has also appeared in the Venice Biennale (1993, 1995, 2003, 2007, and 2009), Lyon Biennale (1997, 2003, and 2005), Let’s Entertain at the Walker Art Center in Minneapolis (2000), Istanbul Bienali (2001), The Big Nothing at the Institute of Contemporary Art at the University of Pennsylvania in Philadelphia (2004), and theanyspacewhatever at the Solomon R. Guggenheim Museum in New York (2008). He lives and works in Paris.
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source: egsedu

Philippe Parreno, is an accomplished artist and filmmaker. He was born in Oran, Algeria in 1964 and currently is based in Paris, France. Parreno rose to prominence in the 1990s, earning critical acclaim for his work, which employs a diversity of media including film, sculpture, performance and text. Throughout his work there is a constant questioning of the relationship of the formation of images and the modes by which the image is exhibited. Through combining previously created works and his own unique vision, the narrative structure of his work creates an interesting juxtaposition between creation and re-creation.
Philippe Parreno studied Math from 1981 to 1983. He then went on and studied from 1983 to 1988 at the Ecole des Beaux-Arts de Grenoble. Later his studies continued at the Institut des Hautes Etudes en arts plastiques in Palais de Tokyo, Paris in 1989. Philippe Parreno has shown at at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, the Museum of Modern Art in San Francisco and the Kunstverein Münich. His work is included in the collections of the Museum of Modern Art New York (MoMA), the Walker Art Center (USA), the Centre Georges Pompidou (France), the Paris Museum of Modern Art (France), the Guggenheim Museum New York (USA), the Museum of Modern Art in San Francisco and the Museum of the 21st Century (Japan).
In May 1995 Philippe Parreno created a production that challenged the terms and ideas of ‘production’ itself. On May 1st, he invited a number of friends and artists to a studio to participate in creating T-shirts and teddy bears, reminiscent of a factory line up. The Teddy Bears were of the “My First Secret Teddy Bear” brand. These Teddies record the voices of the little kids who speak into them, a recording that can be accessed by pushing on one of the bears, paws. This time the teddies played back fragments of conversations and background noise that had inadvertently been taped by the actual workers who had created them. This process was a way of challenging multiple notions of work, fetish, and play. Through asking friends to work on May Day he embraced a celebration of exploitation, in a uniquely hypocritical way. In some ways this work can be thought of as ways of providing alternatives to the nature of assembly-line work, through an embracing of the power of one’s own living labor, which can be seen as similar to the concept as elaborated in Empire by Antoni Negri and Michael Hardt.
Philippe Parreno is a unique and visionary filmmaker. In Invisibleboy (2010), the viewer is delved deep into a world of both fantasy and reality where the boundaries between fiction and documentary began to blur. The movie features the story of an illegal Chinese immigrant boy who sees imaginary monsters that are scratched onto the film stock. June 8, 1968 (2009) portrays the train voyage that transported the corpse of assassinated senator Robert Kennedy from New York to Washington D.C. Kennedy’s invisible body and the Invisibleboy are characters that float between several layers of reality. Set in Asia, The Boy from Mars (2003) follows dimming points of light and reflections of the sun, before lingering on buffalo tied to a purpose-built structure containing an electricity-generating machine that provides the power required to make the film. Philippe Parreno collaborated with Scottish artist and filmmaker Douglas Gordan in 2006 to create Zidane, A 21st Century Portrait. The film was a feature length documentary produced by Universal International. Inspired by the Hellmuth Costard film Football as Never Before (1970), Gordon and Parreno aimed to use new technologies to recreate the immediate feeling of the Costard film. In the Costard film he used 16mm film to follow Machester United legend Goerge Best, in real time, for the course of an entire game against Coventry City.
Philippe Parreno has directed many films including: 8 Juin 1968. (8 mn, 2009), The Writer. (3 mn 58 s, 2007), with Douglas Gordon Zidane, un portrait du 21e siècle. (Anna Lena Films. 2006), with Rirkrit Tiravanija Stories are Propaganda. (8mn 29s. 2005), with Liam Gillick Briannnnnn & Ferryyyyyy. (Animated movie, 30mn. 2004), Boy From Mars. (10mn 39s. 2003), El Sueno De Una Cosa. (2001. 35 mm, 1mn.), Anywhere Out of the World. (2000, 3D animated movie, (installation), 4mn.), Vicinato II. (2000), with Charles de Meaux. Le pont du trieur. (Anna Sanders Films. 1999), Some Products. (1998. video / installation 3:10mn), Zoe. (1996. video 4mn), OU/Or. video / installation, (7mn, 1996), Vincinato I. (1995), Cinemascope. (1994), L’Homme Public. (1995), Anna. (vidéo, 4 mn, 1994), La nuit des héros. (Les Films du Requin. 1994. 35mm film, 13mn), Snaking. (1992), No More Reality. (1991) and No More Reality. (1991. video, 38 mn).
Philippe Parreno is the author of several publications including: Philippe Parreno. (JRP|Ringier. October 31, 2009), with Hans Ulrich Obrist. Hans Ulrich Obrist & Philippe Parreno: The Conversation Series. (Walther Konig. March 1, 2008), Philippe Parreno. (2004), Parade ? (Editions du Centre Pompidou. 2009), Suicide in vermillon sands. (Friedrich Petzel Gallery. 2008), All Hawaii entrées / Lunar reggae. (Irish Museum of Modern Art. 2006.), Philippe Parreno: Fade to Black. (MFC-Michele Didier. March 1, 2006), The boy from Mars. (CCA Kitakyushu. 2004), Alien Affection. (Paris Musées. 2002), Speech Bubbles. (Les Presses du Réel. 2001), [Was Nun?] (Schipper und Krome. 1997), Snow Dancing. (GW Press Ltd. 1995). He has also published the following chapters in books: “An Interview with Pierre Boulez.” in: Paul Miller aka DJ Spooky (Editor). Sound Unbound. (MIT Press. 2008), “Fantôme de Sitcom.” in: Rirkrit Tiravanija : Une rétrospective (Tomorrow is Another Fine Day). (Paris musées. 2005), “Bjork.” in: Björk. (Bloomsbury USA. 2001), “Pièces versées au contentieux relatif au temps libre (Evidences to be submitted to the free time litigation).” in: Kunstverein München (Editor). Pierre Huyghe. (Kunsthalle Zürich, Seccesion Wien, Le Consortium Dijon. 2001), “My days are shorter than your t-shirt.” in: Olafur Eliasson: Surroundings Surrounded: Essays on Space and Science. (The MIT Press. January 1, 2002) and “tʼs me and the system…” in: Jörn Schafaff (Editor). Jorge Pardo: What Does This Object Do? (Hatje Cantz Verlag. 2000).
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source: palaisdetokyo

Figure majeure de la scène artistique française et internationale, Philippe Parreno (né en 1964, vit et travaille à Paris) doit sa renommée à une oeuvre protéiforme et souvent éphémère qui remet en question les formats d’exposition et la nature des images. En s’inspirant du cinéma comme de la télévision, du théâtre comme du spectacle, Philippe Parreno élabore différents dispositifs pour construire des situations, pour concevoir des lieux à traverser, pour créer des trames qui interrogent, simultanément, le statut de l’oeuvre d’art et celui de l’exposition. Véritable espace expérimental, l’exposition est considérée comme un format ouvert et indéterminé. « Une exposition n’est jamais finie » ; « je travaille sans scénario définitif » explique-t-il.

Philippe Parreno qui émerge sur la scène artistique au début des années 1990, considérait, lui et ses acolytes de l’Ecole des Beaux-arts de Grenoble – Dominique Gonzalez Foester, Bernard Joisten, Pierre Joseph – que « le projet était plus important que l’objet ». De fait, son oeuvre ne se matérialise qu’accessoirement sous formes d’objets et elle ne peut exister sans une mise en exposition, une mise en tension. Sa première vidéo, Fleurs, réalisé en 1988, était destinée à une diffusion cathodique aléatoire. Cette image fixe qui jouait de la mise au point sur un bouquet de fleurs annonce, la notion de « plan-séquence », devenue fondamentale, dans l’élaboration de ses expositions. Quant à No More Reality, une manifestation d’enfants avec banderoles et slogans, filmée en 1995, elle transforme l’image télévisuelle en « jeu » et la construction en « effet de réel ».

Curieux, ouvert, Philippe Parreno puise dès la fin des années 1990 dans le langage, la narration, la temporalité mais aussi dans le théâtre, les codes télévisuels et cinématographiques pour élaborer une oeuvre qui met en tension ces différents univers. Il met ainsi en scène des figures de la télévision comme Yves Lecoq, Dagmar Bergdoff, mais aussi des ventriloques comme Ronn Lucas, détournant les codes du monde du spectacle afin de flirter avec la mince frontière qui sépare la réalité de la fiction. Nombreux sont aussi les exemples d’oeuvres de cette période qui investissent, parfois littéralement, le champ du cinéma ou de la télévision. Autre composante essentielle : l’absence, la fascination pour les fantômes et les revenants, la disparition et leurs traces. Snow Dancing est une exposition qui se mue en fête le temps d’une soirée. Cette oeuvre majeure, conçue au Consortium à Dijon en 1995, est réalisée à partir d’un récit pré-éxistant : elle est issue d’un livre, qui est à la fois le scénario et le commentaire de l’événement. Elle invite les visiteurs à découvrir les traces d’une fête révolue ; ces empreintes dessinant à leur une absence, un vide habité d’imaginaire. Ce caractère labile et imaginaire est aussi évoqué par les Speech bubbles (1997), supports de paroles en attente de discours, qui demandent, à leur tour, d’être remplis d’imaginaire. Ce principe d’un corps habité, d’une coquille qui s’incarne, se cristallise, en 1999, autour du projet – No Ghost Just a Shell – mené avec Pierre Huyghe, autour du personnage manga Ann Lee. Ils sollicitent une vingtaine d’artistes à réinventer, sous d’autres formes et selon des histoires différentes, le personnage manga, Annlee, acheté à une agence japonaise. Cette oeuvre leur a, par ailleurs, permis d’imaginer de nouvelles façons d’être et de travailler ensemble. Cette démarche collective est récurrente dans le travail de Philippe Parreno, qui, dès ses débuts, opte pour une esthétique de collaboration.

« C’est une manière d’aller plus vite, d’absorber des idées, des informations. Je ne travaille pas sous vide, les frottements et les résistances peuvent changer la nature d’une oeuvre » affirme-t-il. Il en sera de même avec le projet d’exposition mené en 2003 – Alien Seasons – au Musée d’art moderne de la ville de Paris pour lequel, il collabore avec des scientifiques, comme Jaron Lanier, transformant, l’exposition en espacetemps, en un lieu d’expérimentation, en un monde où la réalité virtuelle se confond avec la vie.

Philippe Parreno pense l’exposition comme un objet, comme un espace-temps, une expérience dont il réévalue, sans cesse, les limites spatiales et temporelles. Il élabore ainsi des modèles d’exposition susceptibles d’offrir de multiples points de vue sur la création : elle tisse des liens entre les différents éléments qui la constituent et reflète une pratique artistique à bien des égards non linéaire. Il intervient, selon ce principe, en 2012 dans l’exposition qui s’est tenue au Philadelphia Museum, Dancing with the bride. Tel un metteur-en-scène, un chef d’orchestre, l’artiste crée une mise en scène inédite pour explorer les liens entre John Cage, Merce Cunningham, Jasper Johns, Robert Rauschenberg et Marcel Duchamp. Cette exposition se situe dans le prolongement de son exposition éponyme à la Serpentine Gallery en 2010 dans laquelle il joue des effets et combinaisons sonores, pour inviter les visiteurs, selon un enchainement précis à se déplacer de salles en salles afin de découvrir ses films. En 2009, l’exposition du Centre Pompidou, était aussi synchronisée sur une boucle temporelle de 10 minutes, transformant la visite en séance cinéma autour du film June 8, 1968. En 2012, sur ce principe, à la Fondation Beyeler, il met en scène deux nouveaux films dans une chorégraphie de sons et d’images qui guide le visiteur à travers l’espace.

La même année, dans les arènes d’Arles, Philippe Parreno et Liam Gillick invitent à suivre pendant quatre jours une exposition faite d’événements hétérogènes. Composée d’installations, de performances, de concerts, de projections et d’autres pièces, cette exposition a été un champ d’intervention inédit. En constante évolution, elle a été une véritable promesse de voyage : Vers la lune en passant par la plage. « Il s’agit d’une exposition sur le travail, la production et la transformation » annoncent Liam Gillick et Philippe Parreno, chefs d’orchestre de ce vaste projet. Ainsi, le temps de la gestation, le temps de production et le temps de l’exposition : cette boucle temporelle qui explore les trois temps de l’oeuvre d’art est pulvérisée. Dés 2007, il fait du temps le principal lieu de son travail, le principal objet de ses expositions. Dans l’exposition de groupe Postman time, Tempo del postino, qu’il dirige et conçoit avec Hans Ulrich Obrist dans le cadre du Manchester international festival, Philipe Parreno élabore une grammaire artistique fondée sur le langage, l’échange, la collaboration et le partage qui joue de l’entremêlement et/ou de la négation de différentes temporalités. Plus de 15 artistes sont invités à collaborer pour jouer de ces déplacements de formes et de sens dont Douglas Gordon, Liam Gillick, Anri Sala, Tino Sehgal et Rirkrit Tiravanija.

Sa proposition pour le Palais de Tokyo se situe dans le prolongement de sa démarche artistique et de ses précédentes expériences. Sa démarche qui fait de l’exposition un objet et du temps une matière prend dans le cadre de sa carte blanche au Palais de Tokyo une ampleur et une importance inédite.

Il a récemment exposé au Garage Center for Contemporary Culture, Moscow (2013) ; Barbican Art Gallery, Londres (2013) ; Fondation Beyeler, Riehen/ Bâle (2012) ; Philadelphia Museum of Art (2012) ; Serpentine Gallery, Londres (2010-2011) ; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris ; Centre for Curatorial Studies, Bard College, New York (2009 – 2010) ; Irish museum of modern art (2009) Kunsthalle Zürich (2009) et Centre Pompidou.
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source: theartwolf

Philippe Parreno nació en 1964 en Orán, Argelia, y vive y trabaja en París. Otras exposiciones importantes de la obra del artista han tenido lugar en: Centro de Arte Contemporáneo, CCA, de Kitakyushu, Japón, 2006; Kunsthalle Zürich, 2006, San Francisco Museum of Modern Art, 2003, Museo de Arte Moderno de le Ville de París, de 2002, y Moderna Museet, Estocolmo, 2001.
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source: sammlungdaimler

Philippe Parreno, geboren 1964 in Oran, Algerien, lebt und arbeitet in Paris.
Nach Abschluss seines Studiums der Mathematik hat Parreno an der Kunstakademie Grenoble studiert, er hat seit etwa 1990 seine Konzepte, Projekte und Filme im Kunstkontext ausgestellt. Parreno’s Werk beschäftigt sich mit der Frage nach dem Status des Bildes und den Formen der Ausstellung. Es verbindet Aspekte aus Kunst, Film, Theater, Design und entwirft transitorische Orte für temporäre, kulturell-ästhetisch definierte Gemeinschaften. Seine komplexen Szenarien aus Bild, Objekt, Sound, Projektion und Licht haben die Wahrnehmung und Erfahrbarkeit des Formats ‚Ausstellung’ neu definiert. So war bereits seine Einzelausstellung 2002 im Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris um eine Abfolge zeitlich programmierter Ereignisse hin organisiert, die in bestimmten Intervallen aufschienen und verschwanden.