ויליאם פורסיית
ウィリアム·フォーサイス
威廉‧科西
윌리엄 포사이드
Уильям Форсайт

solo

source: thiskineticitchwordpress

The viewer immediately notices that the dance film’s color palette is exclusively black and white. Primary colors such as red and blue house symbolic associations that influence the way at which the dance is perceived. Red could signify a temperament such as passion or the element, fire. Similarly, blue could conjure images of the aquatic. The simplicity of the neutral colors, black and white, draws attention to the body and to the body as a non-representative physical figure in space. Every visual aspect of the dance is rendered neutral. Moreover, the lighting consists of a single spotlight and the background is indistinguishable which constructs a very minimalist and non-thematic setting.

Gilpin, Forsythe’s late eighties dramaturg, described Forsythe’s work as possessing the ‘architecture of disappearance’. He states, “Forsythe makes bodies disappear or become invisible through his use of darkness countering the dominance of light in the ideology of the visual” (Briginshaw 201). Forsythe’s Solo (1995) demonstrates this model perfectly. A sense of spacelessness is also felt which speaks to Gilpin’s ‘architecture of disappearance’. The viewer does not know how to locate the body and thus it seems as if it disappears into the background.

The camera first zeroes in on Forsythe’s feet. In a ballet that is performed live on a stage, the audience can see the dancer’s entire body as well as everything else that is placed on stage. Nothing is hidden from sight. The audience’s focus is wide in scope so that they can see everything that is happening on stage. The soloist might be located downstage left performing astounding triple tours while the corps de ballet might be located upstage right weaving in and out of intricate patterns. Equal attention must be paid to both the soloist and the corps de ballet especially in the narrative ballet. The wide scope of perspective devalues the elaborate and difficult choreography that the dancer executes, especially choreography that would not be considered a “trick” in the vein of the Italian Iron Leg ballerinas. A ballerina might pull off an impressive footwork combination en pointe, which can easily be overlooked because the stage and stadium are so large. The applause occurs when something visibly impressive happens such as the 32 double fouettes that can be seen fifty rows back from the stage. The focus on Forsythe’s feet displays what nuances can be overlooked as a result of a large- scale production. His feet are fully articulated and spring lightly off the ground yet clearly establishes a relationship with the floor.

The camera then journeys up toward Forsythe’s torso, arms, shoulders, and legs respectively. The pathway of the camera essentially provides a body scan or catalogue of his body parts and figure, a tradition usually reserved for the female figure (re: blazon in French poetry, exotifying the female body in dance, etc).

The music traces back to ballet’s classical roots but is tinged with modern cadences. A single violin plays and occasionally disrupts its own continuity by fast and irregular bowing. The music does not dictate Forsythe’s movements. Instead, Forsythe’s body possesses its own natural rhythm and the music occasionally accents bodily movement. This musical choice showcases Forsythe’s deviation from ballet’s tradition of moving to the beat.
.
.
.
.
.
.
.
source: williamforsythede

Originally created for a solo dancer and 40 pendulums in an abandoned building on New Yorks historic High Line, the installation has been continuously developed in contexts as diverse as the monumental industrial architecture of the Turbine Hall of the Tate Modern, and the historical setting provided by the Arsenale of the Venice Biennale. This new edition preserves and privileges two central interests in Forsythe’s oeuvre: counterpoint and the unconscious choreographic competence induced by choreographic situations. Suspended from automated grids, more than 400 pendulums are activated to initiate a sweeping 15 part counterpoint of tempi, spacial juxtaposition and gradients of centrifugal force which offers the spectator a constantly morphing labyrinth of significant complexity. The spectators are free to attempt a navigation this statistically unpredictable environment, but are requested to avoid coming in contact with any of the swinging pendulums. This task, which automatically initiates and alerts the spectators innate predictive faculties, produces a lively choreography of manifold and intricate avoidance strategies. In the interactive video work City of Abstracts, the visitors are drawn into a mael-strom of twirling shapes, unexpectedly becoming participants in the action. William Forsythe has shaped contemporary dance in a unique way. His works have kept the practice of ballet from being solely identified with the classical realm, transforming it into a dynamic art form of the twenty-first century. But his artistic practice also includes performance, film, installations, choreographic objects and internet-based education. Forsythe will also present a selection from his Lectures from Improvisation Technologies – a collection of 60 film studies which contains the most important principles of his language of movement and his art of improvisation, including the film Solo, a rare opportunity to see Forsythe as a dancer.
.
.
.
.
.
.
.
source: pyeskovawordpress

William Forsythe nasceu em Nova Iorque em 1949. Depois de estudar dança na Jacksonville University e na Joffrey Ballet School, foi para o Ballet de Stuttgart como bailarina em 1973. Isso foi onde desenvolveu sua primeira coreografia, “Urlicht”, um dueto para a música de Gustav Mahler. Outros trabalhos para o Ballet de Stuttgart foram “Flore Subsimplici” em 1978 e “Love Songs”, em 1979. Em 1983, coreografou a peça “Gänge” com a companhia do Ballet de Frankfurt, ele foi nomeado diretor do Ballet em 1984 e ele continua a dirigi-lo hoje. Importantes obras desta época são: “Artefato” 1984, “Impressing the Czar” 1988 “, Limb’s Theorem” 1991, “A perda de pequenos detalhes” 1991, “Alie / naction” 1992 “, da Eidos: Telos” 1995, “Endless House “de 1999,” Kammer / Kammer “2000. Desde Outubro de 1999 Forsythe também foi diretor do TAT na Bockenheimer Depot, segundo lugar do Ballett Frankfurt.
Com a temporada 2004/2005 do Ballet de Frankfurt, depois de ter separado da Bühnen Städtische Frankfurt, continua como a Companhia Forsythe sob a direção de William Forsythe.
Em 1994, Forsythe praticamente reinventou o ensino da dança com a sua aplicação informática “Improvisation Technologies: Uma Ferramenta para a Dança Analytical Eye” (Hatje Cantz Publishing House), que é usada mundialmente por empresas profissionais, conservatórios de dança, as universidades, os programas de pós-graduação e arquitetura escolas secundárias. Actualmente, Forsythe está desenvolvendo um projecto interactivo online expandir a iniciativa começou com “Improvisation Technologies”, oferecendo uma plataforma interdisciplinar de ensino centrou-se no conhecimento inerente choreo técnicas gráficas e estrutura.
.
.
.
.
.
.
.
source: undo-redo-repeatde

William Forsythe
geboren 1949 in New York City, beginnt seine Ausbildung bei Nolan Dingman und Christa Long in Florida. Er tanzt mit dem Joffrey Ballet und später mit dem Stuttgarter Ballett, dessen Hauschoreograf er 1976 wird. 1984 beginnt seine 20-jährige Tätigkeit als Direktor des Ballett Frankfurt. Nach Auflösung des Ballett Frankfurt im Jahr 2004 formiert Forsythe ein neues und unabhängiges Ensemble: The Forsythe Company. Forsythes jüngste Werke werden ausschließlich von dieser neuen Kompanie entwickelt und aufgeführt, während seine früheren Arbeiten einen zentralen Platz im Repertoire praktisch aller wichtigen Ballettensembles der Welt einnehmen, wie beispielsweise Kirov (Mariinsky) Ballett, New York City Ballet, San Francisco Ballet, National Ballet of Canada, Royal Ballet Covent Garden und Ballet de l’Opéra de Paris.
Forsythe gilt als einer der führenden Choreografen weltweit. Seine Werke sind dafür bekannt, die Praxis des Balletts aus der Identifikation mit dem klassischen Repertoire gelöst und zu einer dynamischen Kunstform des 21.Jahrhunderts transformiert zu haben. Forsythes tiefgreifendes Interesse an organisatorischen Grundprinzipien hat ihn dazu geführt, ein breites Spektrum von Projekten in den Bereichen Installation, Film und internetbasierte Wissensentwicklung zu realisieren.
.
.
.
.
.
.
.
source: pyeskovawordpress

»William Forsythe is physically someone, who was exceptionally talented and well fit to do ballet. The language of ballet, the things that you physically have to do, fit well on his body. He didn’t have to work too hard to get a nice turn out, nice feet, a nice arabesque and all of these little technical things, ballet dancers have to do. So therefore he could concentrate more on taking all that stuff and going very far away from it. He was not afraid physically, he had no fear it seemed.
I think also mentally he is very hungry. He just grabs on and eats information and he’s got a great memory and a really good understanding of language, that he can understand great concepts. He just loves these concepts and loves eating them and digesting them into movement and work, dramaturgical ideas and stuff. And that keeps him able to change himself as an artist constantly. He stays within the same realm of dance perhaps, but I feel that his work really constantly moves and changes and he doesn’t repeat himself. He does have a certain style of course, but he doesn’t really do the same. For him I think every premiere that he makes is a new birth and a new journey and I think that keeps him young mentally.
He has inspired generations of dancers around the world and that’s some huge accomplishment that he’s done. I respect him in so many ways and I would like to emulate a lot of what he represents. I would like to have that drive of being hungry and curious. He said „Either you’re curious or you’re not.“ – and I think you can learn to be curious also. I think that’s a really good quality to have. That’s Bill.« (Thomas McManus)

Raised in New York and initially trained in Florida with Nolan Dingman and Christa Long, Forsythe dances with the Joffrey Ballet and later the Stuttgart Ballet, where he is appointed Resident Choreographer in 1976. In 1984, he begins a 20-year tenure as director of the Ballet Frankfurt. After the closure of the Ballet Frankfurt in 2004, Forsythe establishes a new, more independent ensemble: The Forsythe Company. For- sythe is recognized as one of the world’s foremost choreographers. His work is acknowledged for reorienting the practice of ballet from its identification with classi- cal repertoire to a dynamic 21st century art form. Forsythe’s deep interest in the fundamental principles of organisation has led him to produce a wide range of pro- jects including Installations, Films, and Web based knowledge creation.
.
.
.
.
.
.
.
source: choreographersorgil

רקדן וכוריאוגרף ממוצא אמריקאי, למד בצעירותו בבית הספר לבלט בניו יורק. בשנת 1971 הצטרף ללהקת הבלט גו’פרי ושלוש שנים לאחר מכן הצטרף ללהקת הבלט בשטוטגרט, שם העלה את יצירתו הראשונה.
בשנת 1981 יצא לדרך עצמאית כיוצר. במשך שנים אלו, יצר עבודות ללהקות בלט ברחבי אירופה (מינכן, לונדון, פריז, פרנקפורט ),בניו יורק ובסן פרנסיסקו.

ב-1983 הוזמן ליצור עבודה לתיאטרון הלאומי של פרנקפורט וב-1984 מונה להיות הכוריאוגרף הראשי של בלט פרנקפורט. במהלך שנים אלו יצר עבודות רבות ושיתף פעולה עם יוצרים מוערכים וחלק מעבודותיו אף הוצגו במוזיאון הלובר, בביאנלה בוונציה, באולמות תצוגה נחשבים בלונדון ובניו יורק ובמקומות בולטים אחרים. בשנת 2004 הקים להקת בלט על שמו הפועלת עד היום בפרנקפורט. בשנת 2006 הוצגה במוזיאון לאמנות מודרנית במינכן תערוכה אודות פועלו בתחום המחול.

עבודותיו של פורסיית’ לאורך השנים, בוצעו בין היתר על ידי להקת הבלט של ניו יורק, להקת הבלט של סן פרנסיסקו, הבלט הלאומי של קנדה, הבלט המלכותי של לונדון, רקדני בית האופרה של פריז, בלט הבולשויי, ועוד.
.
.
.
.
.
.
.
source: mariinskyru

Хореограф
Уильям Форсайт родился и вырос в Нью-Йорке. Он учился во Флориде у педагогов Нолана Дингмана и Кристы Лонг, выступал с Джоффри балетом и Штутгартским балетом, где в 1976 году стал постоянным хореографом. За последние семь лет Форсайт поставил множество балетов и для Штутгартской труппы, и для балетных компаний Мюнхена, Гааги, Лондона, Базеля, Берлина, Франкфурта, Парижа, Нью-Йорка и Сан-Франциско.
В 1984 году, подписав контракт на 20 лет, он возглавил Франкфуртский балет, для которого создал такие постановки, как Artifact (1984), Impressing the Czar (1988), Limb’s Theorem (1990), The Loss of Small Detail (1991, в соавторстве с композитором Томом Виллемсом и дизайнером Исси Мияке), A L I E / N A(C)TION (1992), Eidos:Telos (1995), Endless House (1999), Kammer/Kammer (2000), Decreation (2003) и другие.

После закрытия Франкфуртского балета в 2004 году Форсайт основал новую, полностью независимую труппу Forsythe Company, существующую при поддержке земель Саксония и Гессе, городов Дрезден и Франкфурт, а также частных спонсоров. Помимо выступлений на основных площадках в Дрездене и Франкфурте, артисты ведут интенсивную гастрольную деятельность. Для новой труппы Форсайт поставил балеты Three Atmospheric Studies (2005), You made me a monster (2005), Human Writes (2005), Heterotopia (2006), The Defenders (2007), Yes we can’t (2008/2010), I don’t believe in outer space (2008), The Returns (2009) и Sider (2011). Хотя последние постановки Форсайта создаются исключительно для труппы Forsythe Company, его более ранние балеты занимают достойное место в репертуаре многих театров мира: Мариинского театра, Парижской оперы, Королевского театра Ковент-Гарден, Нью-Йорк Сити Балета, Балета Сан-Франциско и Национального балета Канады.

Форсайт и его труппа стали обладателями многих наград, среди которых Премия Бесси (Нью-Йорк, 1988, 1998, 2004 и 2007) и Премия Лоуренса Оливье (Лондон, 1992, 1999 и 2009 годы). В 1999 году французское правительство наградило Уильяма Форсайта титулом Кавалера ордена Искусств и литературы. Кроме того, он был удостоен Креста «За выдающиеся заслуги» от правительства Германии (1997), Премии Векснера (2002), «Золотого льва» на Венецианской биеннале (2010) и Премии Американского танцевального фестиваля Сэмюэла Скриппса «За достижения в области хореографии» (2012).

Уильям Форсайт создавал архитектурные объекты и инсталляции по заказам архитектора и художника Даниэля Либескинда, арт-групп ARTANGEL (Лондон) и Creative Time (Нью-Йорк), а также парижского муниципалитета. Его инсталляции и кинофильмы демонстрировались во многих музеях и на различных выставках, в том числе на Биеннале Уитни (Нью-Йорк), на Венецианской биеннале, в Лувре и в токийской галерее 21_21 Design Sight. Кроме того, показы его спектаклей, фильмов и инсталляций проходили в мюнхенской Пинакотеке современности, Центре искусств Векснера, (Колумбус, США), на Венецианской биеннале и в лондонской галерее Хейвард.

Совместно со специалистами в области СМИ и образования Форсайт разработал новые подходы к изучению, описанию и преподаванию искусства танца. Его компьютерная программа Improvisation Technologies: A Tool for the Analytical Dance Eye» («Технологии импровизации: инструмент аналитического взгляда на танец»), разработанная в 1994 году совместно с Центром искусств и медиатехнологий (город Калсруэ, Германия), используется в учебном процессе профессиональных танцевальных трупп, консерваторий, университетов, аспирантур и колледжей всего мира. В 2009 году в сотрудничестве с Университетом штата Огайо был запущен интернет-проект Synchronous Objects for One Flat Thing («Синхронные объекты для одной плоскости»), раскрывающий организационные принципы хореографии и возможности ее применения в рамках других дисциплин. Это пилотный проект научного портала Forsythe’s Motion Bank, цель которой – создание и изучение профильных онлайн-ресурсов с приглашенными хореографами.

Уильям Форсайт регулярно проводит лекции и семинары в различных университетах и творческих организациях. В 2002 году он был избран руководителем танцевального направления в творческом проекте компании Rolex «Учитель и ученик». Уильям Форсайт является почетным членом Центра движения и танца Лабана (Лондон), почетным доктором Джульярдской школы (Нью-Йорк) и почетным внештатным профессором Корнелльского университета (США) (2009–2015).