source: kunstagentende

Thorsten Brinkmann (*1971, Herne) studied at the Kunsthochschule Kassel in the class of Floris M. Neusüss and at the University of Fine Arts Hamburg in the class of Bernhard J. Blume. In 2011, Brinkmann was honoured with the Kunstpreis Finkenwerder and received an artist residency in the Warhol Museum Pittsburgh, USA and in the Parramatta Artist Studios in Sydney, Australia.

His works are represented in renowned collections such as the Museum der Moderne, Salzburg, the Fotomuseum Winterthur, the Kunsthalle zu Kiel and the Falckenberg Collection, Hamburg, and have been exhibited in numerous exhibitions in Germany and abroad, most recently in the Warhol Museum in Pittsburgh, USA (group show, 2012), in Kunsthaus Hamburg (solo show, 2011), in the Kunsthalle zu Kiel (solo show, 2011), in Museum Morsbroich, Leverkusen (group show, 2011), and in Georg-Kolbe-Museum in Berlin (solo show, 2010). Most recently his works have been presented in a solo show at gallery FELDBUSCHWIESNER, (2012), the solo exhibition Amanecer in Museo Nacional de San Carlos in Mexico City (2012) as well as in the group exhibitions Alice in the Wonderland of Art in Hamburger Kunsthalle (2012) and Facade 2012 – Public Art Projects in Middelburg in the Netherlands (2012). An additional solo show is coming up this year at Kunsthalle Bremerhaven. The artist lives and works in Hamburg.
.
.
.
.
.
.
.
source: molempire

“When classic portraits meet modern art”. That’s Thorsten Brinkmann art in a few words. A German artist, born in 1971 in Herne who currently lives and works in Berlin amazes with his unusual form of art.

Thorsten Brinkmann moves individuals enjoying his works in a way that is hard to describe. It’s not like his creations offend somebody or give birth to strong feelings, but there certainly is something strange and disturbing about them. His piece of resistence is photographing people in a classical manner while substituting parts of their body with objects of common use, ranging for boxes, materials, lamps or even furniture.

The interesting part about his models is that all of them are Brinkmann himself, who simply arranges the scene, puts all weird objects on him, presses the timer and jumps in the picture. Maybe it would have been easier to use models, but come to think of it, I don’t think there would be anyone to pose and transmit better the artist’s ideas.
While his photographs respect the conventions of traditional portrait photography, the striking element of each of it is …well, the covering of the model’s face mainly, or other body parts. This gives an air of strangeness around his work, a collection of disturbing characters in an epoque which cannot be exactly classified or depicted. But his works have been certainly appreciated, his numerous exhibitions and press appearances being considerable proof. In 2011 he will feature even at the Andy Warhol Museum from Pittsburg.
.
.
.
.
.
.
source: choosearoyal

Thorsten Brinkman recolhe objectos e outros adereços e compõe novas realidades.
Esculturas, composições e retratos com memórias pessoais em imaginários colectivos.
Acende-me um cigarro e passa-me o cinzeiro.
.
.
.
.
.
.
source: teknemedia

Finkenwerder Art Prize 2011: le icone moderne di Thorsten Brinkmann tra ri-tratto e ri-uso. Novello Duchamp della ritrattistica contemporanea, noto ai più per aver incappucciato con ogni sorta di scarto della “moderna società” i mezzobusti di ignote dame e anacronistici cavalieri, a metà tra una rievocazione pop della Gerusalemme Liberata e un historical re-enactments metropolitano ed estemporaneo, Thorsten Brinkmann è il candidato ufficiale al Finkenwerder Art Prize 2011.

Guerrieri a cavallo di statici comò, dame con ermellini di peluches e curiosi assemblages di chincaglierie varie che tentano di nascondere le note fattezze di una dubbia Venere diventano i protagonisti indiscussi della ritrattistica teutonica contemporanea, di un universo surreale che sembrerebbe mutuare pose e iconografia dalla più retorica tradizione fiamminga e mitteleuropea per abbracciare un immaginario a metà tra il kitsch e l’onirico.

Dopo Almut Heise, George Rickey, Neo Rauch, Candida Höfer e Daniel Richter, ecco che per la sesta edizione del Finkenwerder Art Prize, il premio in denaro di 20.000,00 euro, su donazione della Airbus Operations GmbH Company e della Baugenossenschaft Finkenwärder-Hoffnung e.G., entrambe di Amburgo, andrà proprio a Thorsten Brinkmann.

Società fondatrice del premio è dal 2000 l’organizzazione no-profit Kulturkreis Finkenwerder e.V, la quale, sotto l’attenta analisi di una giuria tecnica presieduta dal Dr. Henning Voscherau e composta da Sabrina van der Ley, Almut Heise, Christian Meier, Nikolaus Schües e Tim Sommer ha scelto l’artista amburghese tra una rosa di tredici artisti contemporanei. Nato nel 1971 a Herne, si muove sin dagli esordi tra pittura, scultura, fotografia, ready made e performance. Diplomatosi alla Hochschule für bildende Künste di Amburgo, è presente ormai in molte collezioni internazionali tra cui la Mont Blanc Collection, la Gemeentemuseum Den Haag, la Netherlands Collection di Pieter e Marieke Sanders, il Museum der Moderne Salzburg, il Fotomuseum Winterthur, la Switzerland Collection Roosen-Trinks,e la Collection Caron, partecipando a numerose collettive, tra cui, ultima ed oltreoceano, quella al Warhol Museum di Pittsburgh.

L’universo espressivo di Brinkmann si fa devoto ad una tradizione artistica che parte dal ritratto iperrealista di matrice nordica per stravolgerlo con l’inserimento all’interno del campo figurativo di connessioni oggettuali con una realtà prosaica e fortemente stridente se rapportata all’aulicità delle pose raggelate dei suoi ritratti fotografici.

Le stesse ambientazioni sembrano citazioni estemporanee e scenografate delle sculture meccanomorfiche di Tingueley, talvolta molto vicine agli assemblages da Arte Povera. All’insegna di una feconda contaminazione tra presente e passato e per una manifesta dichiarazione di ridefinizione dei generi, la poetica di Brinkmann si inserisce pienamente in un’epoca di grandi mutamenti come quella che stiamo vivendo nella nostra contemporaneità.
.
.
.
.
.
.
.
source: mitvergnuegen

Auf dem ersten Blick sehen seine Aufnahmen wie klassische, nüchterne Portraits aus, doch dann sieht man einen Gewehrhalfter über den Arm, einen Mülleimer über dem Kopf. Er entstellt seine Objekte mit Flohmarktfunden, aber erschaft damit kein lustiges John-Bock-alle-müssen-lachen Gefühl. Die Atmosphäre ist düster und beängstigend. Masochistisch. Neben den Portraits werden im Georg – Kolbe – Museum seine Stilleben gezeigt und einen Raum, von dem die Dame im ARt Forum schwärmte. “Der ist komplett von oben bis unten voll gemüllt”.
.
.
.
.
.
.
.
source: redboxde

Einzelausstellung des in Hamburg lebenden Künstlers Thorsten Brinkmann (Jahrgang 1971). Sein Werk changiert zwischen Fotografie, Bildhauerei, Performance und Installationskunst.

Ein Schwerpunkt seiner Arbeit besteht aus fotografischen Selbstinszenierungen, in denen der Künstler als Darsteller, Regisseur und Fotograf fungiert und die mit Hilfe eines Selbstauslösers in seinem Atelier entstehen. Verpackt in gebrauchte Kleidungsstücke und gefundene Alltagsgegenstände verwandelt er sich dabei in anonyme, zum Teil geschlechtlich ambivalente Gestalten, die als verdinglichte, skulpturale Figuren in Erscheinung treten. Die Fotografien stehen in der Tradition des Künstlerselbstporträts, doch Brinkmanns Gesicht bleibt verdeckt. So wirken die Fotos real und zugleich fiktiv – die vormals seelenlosen Dinge entfalten am Körper des Künstlers ein Eigenleben.

Thorsten Brinkmann hat in den letzten Jahren eine Sammlung verschiedener Dinge vom Sperrmüll, von Flohmärkten und Second-Hand-Läden angehäuft, die in seinem Hamburger Atelier in deckenhohen Regalen gelagert werden und als Fundus sowohl seiner Selbstinszenierungen als auch seiner Skulpturen und Installationen dienen. Ausgangspunkt der Ausstellung im Georg-Kolbe-Museum ist die Verlagerung eines Teils von Brinkmanns Objekt- und Kleidersammlung in das ehemalige Atelier von Georg Kolbe als raumgreifende Installation.
.
.
.
.
.
.
.
source: nuevaeraonline

La palabra diálogo pertenece, sin duda, a esa categoría de términos muy usados —manoseados, tal vez sea más exacto decir—, pero poco aplicados a las circunstancias reales de la cotidianidad. Se antoja como que se vive en un mundo donde entablar un diálogo requiere condiciones extraordinarias. Más en tiempos electorales. Ciertos seguidores, o devotos, de determinado candidato no permiten siquiera el intento de dialogar; más bien se comportan como hordas de nuevos cristianos persiguiendo a la matemática Hipatia por las calles de Alejandría, en el siglo V de nuestra era. En el desierto de la indiferencia o la incivilidad, sin embargo, se pueden encontrar oasis con agua fresca. Tal es el caso del Museo de San Carlos (Puente de Alvarado 50, Colonia Tabacalera, México D. F.). Allí, en las salas que resguardan arte europeo de los siglos XIV al XX —por cierto, la mejor colección en ese rubro del país— se da inesperadamente un diálogo. Un diálogo entre el arte antiguo y el contemporáneo. Entre el apacible clasicismo y la atrevida vanguardia. Se trata de la exposición Amanecer del artista alemán Thorsten Brinkmann (1971), quien interviene las salas con sus instalaciones, fotografías y videos en los que utiliza los más variados objetos caídos en desuso y encontrados en los mercados más de antiguallas que de antigüedades. El primer diálogo es el que establece el artista entre ellos en instalaciones que simulan ser parte de la decoración o dentro de marcos dorados. Pero, además, todo ello junto a obras góticas, renacentistas, neoclásicas, románticas, impresionistas y realistas. Para algunos, el primer efecto es chocante, y esa es, en realidad, una primera reacción positiva, pues mueve a una emoción cuestionante, un primer diálogo con uno mismo. Después, conforme se avanza en el recorrido, la familiaridad envuelve a unas y otras piezas creando una especie nueva de atmósfera barroca y produciendo varias interrogantes. Diversos adjetivos ha merecido la exposición por parte del público y la crítica: “sofisticada”, “inquietante”, “inadmisible”, “impresionante”, “desagradable”. Un catálogo de términos que en muchas mentes habían permanecido ocultos ante una experiencia estética, y eso es de gran valor, tanto para el artista como para quienes, desde la dirección del museo, proponen un diálogo de partes que se atreve a que nos veamos, por un lado, en el espejo de la modernidad más galopante, pero también en el de la muy noble tradición del arte y el encuentro de mentalidades. No puedo dejar de mencionar que, en realidad, muchas de las piezas viejas que utiliza Thorsten en sus obras son fragmentos de la ciudad que espera de vuelta al visitante y que —después de esta experiencia— puede ser vista por él mismo como una fusión de elementos que, si bien continuamente riñen, también establecen el diálogo en un escenario que pide a gritos, a multitudes a menudo sordas, un poco de civilidad y atrevimiento.