Icebag

source: rogallery

Claes Oldenburg (born January 28, 1929) is an American sculptor, best known for his public art installations typically featuring very large replicas of everyday objects. Another theme in his work is soft sculpture versions of everyday objects. Many of his works were made in collaboration with his wife, Coosje van Bruggen, who died in 2009 after 32 years of marriage. Oldenburg lives and works in New York.

He began his formal art training at Yale University, graduating in 1951 and then enrolled at the Art Institute of Chicago from 1952 to 1954. In 1953, some of his satirical drawings were included in his first group show at the Club St. Elmo, Chicago, and he also painted at the Oxbow School of Painting in Michigan.

Whimsical sculpture of pop culture objects, many of them large and out-of-doors, is the signature work of this Swedish artist. His father was a diplomat and moved his family during Claes’ childhood to New York State; Oslo, Norway; and Chicago Illinois, but Claes did not become an American citizen until 1950.

In 1956, he moved to New York where he drew and painted while working as a clerk in the art libraries of Cooper-Union. He became interested in environmental art through Allan Kaprow and his “Happenings,” and in 1959, had his first one-man show, held at the Judson Gallery, New York where he exhibited wood and newspaper sculpture and painted papier-mache objects.

In 1960, he created his first Pop-Art environments and Happenings in a mock store full of plaster objects. Beginning 1965, he did colossal sized public sculpture such as pairs of scissors, ironing boards, and a typewriter eraser. “Lipstick” was the first to be executed and was placed outdoors on the Yale campus in 1969.

From the early 1970s Oldenburg concentrated almost exclusively on public commissions. His first public work, “Three-Way Plug” came on commission from Oberlin College with a grant from the National Endowment for the Arts. His collaboration with Dutch/American writer and art historian Coosje van Bruggen dates from 1976. Their first collaboration came when Oldenburg was commissioned to rework Trowel I, a 1971 sculpture of an oversize garden tool, for the grounds of the Kröller-Müller Museum in Otterlo, the Netherlands. Oldenburg has officially signed all the work he has done since 1981 with both his own name and van Bruggen’s. In 1988, the two created the iconic Spoonbridge and Cherry sculpture for the Walker Art Center in Minneapolis, Minnesota that remains a staple of the Minneapolis Sculpture Garden as well as a classic image of the city. Typewriter Eraser, Scale X (1999) is in the National Gallery of Art Sculpture Garden. Another well known construction is the Free Stamp in downtown Cleveland, Ohio. This Free Stamp has an energetic cult following.

Using Lippincott, Inc., a fabrication firm, he made some of the objects in metal such as “Geometric Mouse and “Colossal Ashtray” and in 1976, a forty-foot clothespin in Philadelphia.

His work has been shown in many exhibitions of Pop and contemporary art including the 1964 Venice Biennale.

In addition to freestanding projects, they occasionally contributed to architectural projects, among them two Los Angeles projects in collaboration with architect Frank O. Gehry: Toppling Ladder With Spilling Paint, which was installed at Loyola Law School in 1986, and Binoculars, Chiat/Day Building, completed in Venice in 1991;. The couple’s collaboration with Gehry also involved a return to performance for Oldenburg when the trio presented Il Corso del Coltello, in Venice, Italy, in 1985; other characters were portrayed by Germano Celant and Pontus Hultén. “Coltello” is the source of “Knife Ship,” a large-scale sculpture that served as the central prop; it was later seen in Los Angeles in 1988 when Oldenburg, Van Bruggen and Gehry presented Coltello Recalled: Reflections on a Performance at the Japanese American Cultural & Community Center and the exhibition Props, Costumes and Designs for the Performance “Il Corso del Coltello” at Margo Leavin Gallery.

In 2001, Oldenburg and van Bruggen created ‘Dropped Cone’, a huge inverted ice cream cone, on top of a shopping center in Cologne, Germany. Installed at the Pennsylvania Academy of the Fine Arts in 2011, Paint Torch is a towering 53-foot-high pop sculpture of a paintbrush, capped with bristles that are illuminated at night. The sculpture is installed at a daring 60-degree angle, as if in the act of painting.

Patty Mucha was Oldenburg’s first wife, from 1960 to 1970. She was a constant performer in Oldenburg’s happenings and performed with The Druds.

Between 1969 and 1977, Oldenburg was in a relationship with the feminist artist and sculptor, Hannah Wilke, who died in 1993. They shared several studios and traveled together, and Wilke often photographed him.

Oldenburg and his second wife, Coosje van Bruggen, met in 1970 when Oldenburg’s first major retrospective traveled to the Stedelijk Museum in Amsterdam, where van Bruggen was a curator. They were married in 1977.

In 1992 Oldenburg and van Bruggen acquired Château de la Borde, a small Loire Valley chateau, whose music room gave them the idea of making a domestically sized collection. Van Bruggen and Oldenburg renovated the house, decorating it with modernist pieces by Le Corbusier, Charles and Ray Eames, Alvar Aalto, Frank Gehry, Eileen Gray. Van Bruggen died on January 10, 2009, from the effects of breast cancer.

Oldenburg’s brother, art historian Richard E. Oldenburg, was director of the Museum of Modern Art, New York, between 1972 and 1993, and later chairman of Sotheby’s America.
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source: biographyyourdictionary

American artist Claes Oldenburg (born 1929) created works of art which were a wonderful blend of reality and fantasy. Oldenburg’s artistic success was due in part to his irreverent humor and incisive social commentary. He took objects from the everyday world such as typewriters, lipstick, a flashlight; lifted them out of their usual context; and forced viewers to reassess their preconceptions about the objects.

Claes Thure Oldenburg was born January 28, 1929, in Stockholm, Sweden. Because his father was a member of the Swedish foreign service, Claes and his family moved often. From 1930 to 1933 the Oldenburgs resided in New York, and from 1933 to 1936 they lived in Oslo, Norway. In 1936 the family moved to Chicago, where Oldenburg’s father served as consul general of Sweden.

Claes Oldenburg graduated from the Latin School in Chicago in 1946 and then enrolled at Yale University, receiving a B.A. degree in 1950. While at Yale, his studies focused on literature and art. In 1950 Oldenburg returned to Chicago, where he remained until 1956. He worked as an apprentice reporter at the City News Bureau and from 1952 to 1954 took classes in painting, figure drawing, and anatomy at the prestigious Art Institute of Chicago. He also attended the Oxbow Summer School of Painting in Saugatuck, Michigan, in 1953.

In 1956 Oldenburg moved to New York City and became an active member of that city’s thriving young artistic community. For a time he worked as an assistant in the Cooper Union Museum’s library, taking advantage of the opportunity to teach himself more about the history of art. His early years in New York were shaped by his contact with other artists struggling to move beyond the confines of Abstract Expressionism, including Red Grooms, Allan Kaprow, Robert Whitman, Lucas Samaras, George Segal, and Jim Dine. All were interested in art as experience and in pushing to the limit the question “What is art?” They began to stage “happenings” based in part on the European DADA ethos of the 1920s (and a forerunner to the 1980s performance artists). This was the beginning of the Pop Art movement.

Oldenburg’s first New York exhibition took place in late 1958, when a selection of his drawings was included in a group show at Red Grooms’ City Gallery. In 1959 he had his first public one-man show in New York — an exhibit of drawings and sculpture at the Judson Gallery. In 1962 Oldenburg’s work was included in the “New Realists” Exhibition, which defined the Pop Art Movement. That show at the Sidney Janis Gallery largely defined the group of artists with which Oldenburg has since been associated.

Other major exhibitions of Oldenburg’s work included a 1964 one-man show at the Sidney Janis Gallery and a 1969 retrospective exhibition at the Museum of Modern Art.

Philosophically, Oldenburg saw himself as a realist, not as an abstract artist. He felt art must relate to the realities of everyday life. Yet he took objects from the real world and placed them out of context, making them soft when they should be hard, large when they should be small. This paradox in his art grew out of his own nature, which was a complex mix of traditional and radical elements. “Reversing the expectations of hard sculpture, these huge collapsing objects rely on gravity and chance for their final form,” noted the Phaidon Dictionary of Twentieth-Century Art. A writer for The Economist pointed out “in the spirit of the surrealists, he has muddled up the usual association of the senses. Things soft, he made hard, or the other way around: a muslin-and plaster roast of beef, a saggy portable typewriter. Things smooth, he has turned furry: ice-cream lollies made of fake-fur and kapok.”

Strongly influenced by the writings of Sigmund Freud, Oldenburg underwent an intense period of self-analysis between 1959 and 1961. He carefully recorded his discoveries in notebooks, often including illustrative sketches. This endeavor helped him to shape his approach to art.

Oldenburg’s style changed and developed over the years. He worked in a variety of modes, including drawing, painting, film, soft sculpture, and large scale sculpture in steel. After 1959 he was influenced by the theater. His involvement in “happenings” in the early 1960s resulted from his interest in both participatory art and Freudian free association.

Oldenburg often created variations on a theme (for example, Ray Gun of 1959 and Soft Drainpipe of 1967). He pointed to multiple sources of inspiration and encouraged his viewers to make multiple associations and draw multiple conclusions from the work. Many of his pieces were metaphors for parts of the human body, often having sexual connotations. Both Ray Gun and Soft Drainpipe may be seen as phallic symbols.

Oldenburg’s early work, such as The Street (1960) and The Store (1961-1962), was rough-edged and primitive looking. It was inspired by tribal art, comics, graffiti, children’s drawings, and the artwork of Jean Dubuffet. In 1963 his style changed to one of coolness, precision, and industrial polish. This change marked the beginning of his soft sculpture phase, when the materials of his early years— paper, canvas, plaster, and chicken wire — were replaced by vinyl, formica, and plexiglas. Among the well-known examples of his work in this mode were Soft Light Switches (1964) in the collection of the William Rockhill Nelson Gallery of Art, Kansas City, and Giant Soft Fan (1966-1967), a piece which was displayed in the American Pavilion at Expo ’67 and was later in the Museum of Modern Art. Works such as these take objects of modern technology, which were made of rigid materials, and turned them into flexible floppy forms, which took on a variety of different shapes as they are hung, touched, or moved.

In the mid-1960s Oldenburg also began making projects for giant monuments. An exhibition of these proposals was held at the Museum of Contemporary Art, Chicago, in 1967. Most of these ideas (like a giant teddy bear for Central Park North) were pure fantasy, but the artist viewed some as feasible. Among those executed were the controversial Lipstick on Caterpillar Tracks (1969), which created an uproar when first erected at Yale University; Giant Icebag (1969-1970), which was motorized and inflates and deflates; and Flashlight (1981), a 38-foot steel monument on the campus of the University of Nevada, Las Vegas.

By taking mundane objects and presenting them out of context and in such colossal proportions, Oldenburg forced viewers to reassess their daily lives and values. His work was a social commentary on American popular culture and, by association, on contemporary society’s approach to life itself. In 1995, a large traveling show of Oldenburg’s works was organized by the National Gallery of Art and the Guggenheim Museum. It made stops in Los Angeles, London and Bonn. One work in it, From the Entropic Library (1989-90) consisted of a collection of books whose disoriented pell-mell structure fell upon a base that hosted other sheaves of text. Oldenburg’s view of this work which people have termed “a monument to a disintegrating, somehow displaced European culture,” was simple: “my single-minded aim is to give existence to fantasy.”
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source: finslab

Claes Oldenburg é um escultor americano, mais conhecido por suas instalações de arte pública que caracterizam tipicamente muito grande réplicas de objetos do cotidiano. Outro tema em sua obra é versões escultura suaves de objetos do cotidiano. Muitas das suas obras foram feitas em colaboração com sua esposa, Coosje van Bruggen, que morreu em 2009, após 32 anos de casamento. Oldenburg vive e trabalha em Nova York.

Juventude e educação

Claes Oldenburg nasceu em 28 de Janeiro de 1929, em Estocolmo, o filho de Gösta Oldenburg e sua esposa Elisabeth Sigrid née Lindforss. Seu pai era então um diplomata sueco estacionados em Nova York e em 1936 foi nomeado cônsul-geral da Suécia para Chicago onde Oldenburg cresceu, freqüentando a Escola Latino de Chicago. Ele estudou literatura e história da arte na Universidade de Yale 1946-1950, em seguida, voltou para Chicago, onde teve aula na Escola do Instituto de Arte de Chicago. Ao desenvolver ainda mais o seu ofício, ele trabalhou como repórter no City News Bureau of Chicago. Ele também abriu seu próprio estúdio e, em 1953, tornou-se um cidadão naturalizado dos Estados Unidos. Em 1956, ele se mudou para Nova York, trabalhando em tempo parcial na biblioteca do Museu Cooper Union for the Arts de decoração.

Trabalho

Vendas registrados pela primeira vez de Oldenburg de obras de arte estavam na 57th Street Art Fair, em Chicago, onde vendeu 5 itens por um preço total de US $ 25. Ele se mudou de volta para Nova York em 1956. Lá ele conheceu uma série de artistas, incluindo Jim Dine, Red Grooms, e Allan Kaprow, cujo Happenings incorporados aspectos teatrais e forneceu uma alternativa ao expressionismo abstrato que passou a dominar grande parte do cena de arte. Oldenburg começou a brincar com a idéia de escultura suave em 1957, quando ele completou um pedaço de suspensão livre feita a partir de meia de uma mulher recheado com jornal.

Em 1959, Oldenburg começou a fazer figuras, signos e objetos fora do papier mâché, saqueando e outros materiais ásperos, seguido em 1961 por objetos em gesso e esmalte com base em itens de alimentos e roupas baratas. O primeiro show de Oldenburg, que incluiu três obras tridimensionais, em maio de 1959, foi na galeria de Judson, na Judson Memorial Church em Washington Square. Durante este tempo, o artista Robert Beauchamp descrito Oldenburg como “brilhante”, devido à reação que o artista pop trouxe para um período “maçante” expressionista abstrato.

Na década de 1960 Oldenburg tornou-se associado com o movimento Pop Art e criou muitos dos chamados acontecimentos, que eram produções de arte desempenho relacionados da época. O nome que ele deu para suas próprias produções foi “Ray Gun Theater”. O elenco de colegas que apareceram em suas performances de artistas incluídos Lucas Samaras, Tom Wesselman, Carolee Schneemann, Oyvind Fahlström e Richard Artschwager, comerciante Annina Nosei, crítico de Barbara Rose, e roteirista Rudy Wurlitzer. Sua primeira esposa Patty Mucha, que costurou muitos de seus primeiros esculturas moles, era um performer constante em seus acontecimentos. Este mal-estar, muitas vezes, bem-humorado, abordagem à arte estava em grandes dificuldades com a sensibilidade dominante de que, pela sua natureza, a arte tratada com expressões “profundas” ou idéias. Mas a arte animada de Oldenburg encontrado pela primeira vez um nicho, então, um grande popularidade que perdura até hoje. Em dezembro de 1961, ele alugou uma loja no Lower East Side de Manhattan para abrigar “The Store,” uma longa instalação mês ele havia apresentado pela primeira vez no Martha Jackson Gallery, em Nova York, abastecido com esculturas de aproximadamente sob a forma de bens de consumo.

Oldenburg mudou-se para Los Angeles, em 1963, “porque era a coisa mais oposta a Nova York que eu conseguia pensar”. Nesse mesmo ano, ele concebeu AUT OBO DYS, realizada no estacionamento do Instituto Americano de Aeronáutica e Astronáutica, em dezembro de 1963. Em 1965, ele voltou sua atenção para desenhos e projetos de monumentos ao ar livre imaginários. Inicialmente, estes monumentos tomou a forma de pequenas colagens, como uma imagem do pastel de uma gordura, distorcido urso de peluche que paira sobre os campos gramados de Central Park de Nova York e batons em Piccadilly Circus, em Londres. Em 1967, o New York cidade conselheiro cultural Sam Verde realizou primeiro monumento público ao ar livre de Oldenburg; Placid Monumento Civic tomou a forma de um Conceptual performance / ação por trás do Metropolitan Museum of Art, de Nova York, com uma tripulação de coveiros cavando um buraco retangular 6 por 3 pés no chão. Em 1969, Oldenberg contribuiu com um desenho para o Museu da lua.

Muitas das esculturas em grande escala de Oldenburg de objetos mundanos provocou ridículo antes de ser aceito. Por exemplo, de 1969 Lipstick on Caterpillar Tracks, foi removido de seu lugar original em Beinecke Plaza na Universidade de Yale, e “circulou a título de empréstimo a outros campi”. Com a sua “cor brilhante, forma contemporânea e do material e seu assunto ignóbil, ele atacou a esterilidade e pretensão do edifício classicistic por trás dele.” O artista “, destacou ela oposição leveza para a solenidade, a cor colorlessness, metal a pedra, simples de tradição asophisticated. Em tema, é tanto fálico, gerando vida, e uma bomba, o prenúncio de morte. Male em forma, é feminina no assunto … “Uma de uma série de esculturas que têm capacidade de interacção, que agora reside no pátio Morse College.

Desde o início dos anos 1970 Oldenburg concentrado quase exclusivamente em comissões públicas. Sua primeira obra pública, “Three Way plug” veio em comissão do Oberlin College com uma bolsa da National Endowment for the Arts. Sua colaboração com Dutch / American escritor e historiador de arte Coosje van Bruggen data de 1976. Sua primeira colaboração veio quando Oldenburg, foi contratado para reformular Espátula I, a 1971 escultura de uma ferramenta de jardim de tamanho grande, para os jardins do Museu Kröller Müller, em Otterlo, Países Baixos. Oldenburg assinou oficialmente todo o trabalho que ele tem feito desde 1981, com tanto o seu próprio nome e van Bruggen de. Em 1988, os dois criaram o icônico Spoonbridge e Cherry escultura para o Walker Art Center, em Minneapolis, Minnesota, que continua a ser um grampo da Sculpture Garden Minneapolis, bem como uma imagem clássica da cidade. Typewriter Eraser, Scale X está na Galeria Nacional de Escultura Art Garden. Outra construção bem conhecido é o carimbo gratuito no centro de Cleveland, Ohio. Este carimbo Livre tem um culto energético seguinte.

Além de autônomo projetos, eles ocasionalmente contribuiu para projetos arquitetônicos, entre eles dois projetos Los Angeles, em colaboração com o arquiteto Frank O. Gehry: Derrubar Ladder com pintura Derramando, que foi instalada em Loyola Law School em 1986, e binóculos, Chiat / Day Building, concluído em Veneza em 1991 ;. A colaboração do casal com Gehry também envolveu um retorno ao desempenho para Oldenburg, quando o trio apresentou Il Corso del Coltello, em Veneza, Itália, em 1985; outros personagens foram retratados por Germano Celant e Pontus Hultén. “Coltello” é a fonte de “Faca Navio”, uma escultura de grande escala que serviu de suporte central; que mais tarde foi visto em Los Angeles em 1988, quando Oldenburg, Van Bruggen e Gehry apresentou Coltello lembrou: Reflexões sobre uma Performance no American Cultural & amp japonês; Centro Comunitário e as exposições Props, Costumes e projetos para o Performance “Il Corso del Coltello” no Margo Leavin Gallery.

Em 2001, Oldenburg e van Bruggen criou ‘Caiu Cone’, um enorme invertida cone de gelado, em cima de um shopping center em Colônia, Alemanha. Instalado na academia de Pensilvânia das Belas Artes, em 2011, Pinte Torch é um altaneiro 53 pés escultura alta pop de um pincel, tampado com cerdas que são iluminados à noite. A escultura está instalada em um ângulo de 60 graus ousada, como se o ato de pintar.

Exposições

Primeiro one man show de Oldenburg, em 1959, na Galeria Judson, em Nova York, incluídos desenhos figurativos e esculturas de papier mâché. Ele foi homenageado com uma exposição individual de seu trabalho no Moderna Museet, em 1966; o Museu de Arte Moderna de Nova York, em 1969; e com uma retrospectiva organizada por Germano Celant no Museu Solomon R. Guggenheim, de Nova York, em 1995. Em 2002, o Museu Whitney de Arte Americana, em Nova York realizou uma retrospectiva dos desenhos de Oldenburg e Van Bruggen; No mesmo ano, o Metropolitan Museum of Art, em Nova York exibiu uma seleção de suas esculturas no telhado do museu.

Oldenburg é representado pela galeria Pace, em Nova York e Margo Leavin Gallery, em Los Angeles.

A cidade de Milão, Itália, encomendou a obra conhecida como agulha, linha e Knot, que está instalado na Piazzale Cadorna.

Reconhecimento

Em 1989, Oldenburg ganhou o Prêmio Wolf em Artes. Em 2000, ele foi premiado com a Medalha Nacional das Artes. Oldenburg também recebeu títulos honorários de Oberlin College, em Ohio, em 1970; Instituto de Arte de Chicago, Illinois, em 1979; Bard College, de Nova York, em 1995; e Royal College of Art, em Londres, em 1996, bem como os seguintes prêmios: Brandeis University Award Escultura, 1971; Medalha Skowhegan para a escultura, de 1972; Art Institute of Chicago, First Prize Award Escultura, Exposição americana 72, de 1976; Medalha, Instituto Americano de Arquitetos, 1977; Prêmio Lehmbruck Wilhelm para a escultura, Duisburg, na Alemanha, de 1981; Brandeis University Award Artes para Lifetime Achievement Artístico, The Jack I. e Lillian Poses Medalha de Escultura, 1993; Rolf Schock Prize Foundation, Estocolmo, Suécia, 1995. Ele é membro da Academia Americana e do Instituto de Artes e Letras desde 1975 e da Academia Americana de Artes e Ciências desde 1978.

Oldenburg e Coosje van Bruggen, em conjunto, recebeu títulos honoris causa da California College of the Arts, em San Francisco, Califórnia, em 1996; Universidade de Teesside, Middlesbrough, Inglaterra, em 1999; Nova Scotia College of Art and Design, Halifax, Nova Escócia, em 2005; o Colégio de Estudos Criativos em Detroit, Michigan, em 2005, e da Academia de Belas Artes da Pensilvânia, 2011. Prêmios de sua colaboração incluem a Distinção em Escultura, SculptureCenter, New York; Nathaniel S. Saltonstall Award, Instituto de Arte Contemporânea de Boston; Parceiros na Educação Award, Solomon R. Guggenheim Museum, em Nova York; e Medal Award, Escola do Museu de Belas Artes de Boston.

Em seu 16 minutos, filme de 16mm Manhattan Rato Museum, artista Tacita Dean capturado Oldenburg em seu estúdio enquanto ele gentilmente lida e espana os pequenos objetos que revestem suas estantes. O filme é menos sobre a iconografia do artista do que o processo intelectual embutido que lhe permite transformar objetos do cotidiano em notáveis ​​formas esculturais.

Vida pessoal

Patty Mucha foi a primeira esposa de Oldenburg, de 1960 a 1970. Ela era uma performer constante nos acontecimentos de Oldenburg e executado com o Druds.

Entre 1969 e 1977, Oldenburg estava em um relacionamento com o artista feminista e escultor, Hannah Wilke, que morreu em 1993. Eles compartilhavam vários estúdios e viajaram juntos, e Wilke frequentemente fotografado ele.

Oldenburg e sua segunda esposa, Coosje van Bruggen, reuniu-se em 1970, quando a primeira grande retrospectiva de Oldenburg viajou para o Stedelijk Museum, em Amsterdã, van Bruggen era um curador. Eles se casaram em 1977.

Em 1992, Oldenburg e van Bruggen adquirido Château de la Borde, um pequeno castelo Loire Valley, cuja sala de música deu-lhes a idéia de fazer uma coleção de tamanho no mercado interno. Van Bruggen e Oldenburg renovado a casa, decorando-a com peças modernistas por Le Corbusier, Charles e Ray Eames, Alvar Aalto, Frank Gehry, Eileen Gray. Van Bruggen morreu em 10 de janeiro de 2009, contra os efeitos do câncer de mama.

O irmão de Oldenburg, historiador de arte Richard E. Oldenburg, foi diretor do Museu de Arte Moderna de Nova York, entre 1972 e 1993, e mais tarde presidente da América do Sotheby.
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source: docsetools

Claes Oldenburg es un escultor estadounidense, mejor conocido por sus instalaciones de arte público normalmente ofrecen grandes réplicas de los objetos cotidianos. Otro tema en su obra es la escultura versiones suaves de los objetos cotidianos. Muchos de sus trabajos se realizaron en colaboración con su esposa, Coosje van Bruggen, que murió en 2009 después de 32 años de matrimonio. Vidas Oldenburg y trabaja en Nueva York.

Primeros años y educación

Claes Oldenburg nació el 28 de enero de 1929 en Estocolmo, el hijo de un diplomático sueco destinado en Nueva York. En 1936 su padre fue nombrado Cónsul General de Suecia a Chicago donde Oldenburg creció, asistiendo a la Escuela Latina de Chicago. Estudió literatura e historia del arte en la Universidad de Yale desde 1946 hasta 1950, y luego regresó a Chicago, donde tomó clases en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Al desarrollar más su oficio, trabajó como periodista en el News Bureau of Chicago City. También abrió su propio estudio y, en 1953, se convirtió en ciudadano naturalizado de los Estados Unidos. En 1956, se trasladó a Nueva York, trabajando a tiempo parcial en la biblioteca del Museo Cooper Union for the Arts de la decoración.

Trabajar

Primero las ventas registradas de Oldenburg de obras de arte estaban en la calle 57 ª Feria de Arte de Chicago, donde vendía artículos 5 por un precio total de $ 25. Se trasladó a la Ciudad de Nueva York en 1956 – Allí conoció a varios artistas, incluyendo Jim Dine, Red Grooms, y Allan Kaprow, cuyos Happenings incorporado aspectos teatrales y ofreció una alternativa al expresionismo abstracto que había llegado a dominar gran parte de la escena artística. Oldenburg comenzó a jugar con la idea de la escultura blanda en 1957, cuando completó una obra de libre colgando a partir de una media de mujer rellenas con papel de periódico.

En 1959, Oldenburg comenzó a hacer figuras, signos y objetos fuera del cartón mch, saqueo y otros materiales en bruto, seguido en 1961 por los objetos de yeso y esmalte sobre la base de los elementos de los alimentos y la ropa barata. Primera exposición de Oldenburg, que incluyó obras tridimensionales, de mayo de 1959, fue en la Galería Judson, en Judson Memorial Church en la Plaza Washington. Durante este tiempo, el artista Robert Beauchamp Oldenburg describió como “brillante”, debido a la reacción que el artista pop llevó a un período expresionista abstracto “aburrida”.

En la década de 1960 Oldenburg se asoció con el movimiento Pop Art y creó muchos de los llamados acontecimientos, que fueron producciones artísticas relacionadas con el desempeño de la época. El nombre que le dio a sus propias producciones fue “Ray Gun Theater”. El elenco de compañeros que aparecieron en sus actuaciones de artistas incluyó Lucas Samaras, Tom Wesselman, Carolee Schneemann, Oyvind Fahlstrom y Richard Artschwager, distribuidor Annina Nosei, crítico de Barbara Rose, y el guionista Rudy Wurlitzer. Su primera esposa Patty Mucha, quien cosió muchas de sus esculturas blandas temprana, era un ejecutante constante en sus acontecimientos. Este impetuoso menudo humorística, el enfoque, el arte estaba en grandes dificultades con la sensibilidad predominante de que, por su naturaleza, el arte trata de expresiones “profundas” o ideas. Pero el arte de espíritu de Oldenburg encontró primero un nicho luego de una gran popularidad que perdura hasta nuestros días. En diciembre de 1961, alquiló una tienda de Manhattan en Lower East Side a la casa “La tienda”, un mes de la instalación se había presentado por primera vez en la galería Martha Jackson de Nueva York, repleto de esculturas más o menos en forma de bienes de consumo.

Oldenburg se mudó a Los Angeles en 1963 “porque era lo más opuesto a Nueva York que se me ocurrió”. Ese mismo año, concibió AUT OBO DYS, realizado en el estacionamiento del Instituto Americano de Aeronáutica y Astronáutica, en diciembre de 1963 – En 1965, dirigió su atención a los planos y proyectos para monumentos al aire libre imaginarios. Inicialmente estos monumentos tomaron la forma de pequeños collages como una imagen de un lápiz de grasa, oso de peluche borroso que se cierne sobre los campos de hierba de Central Park y lápices labiales en Piccadilly Circus, Londres de Nueva York. En 1967, Nueva York ciudad cultural asesor Sam Green realizó primer monumento público al aire libre de Oldenburg, Monumento Cívico Placid tomó la forma de una actuación Conceptual/acción detrás del Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, con una tripulación de sepultureros cavan un 6 por 3 pies agujero rectangular en el suelo. En 1969, contribuyó Oldenberg un dibujo al Museo Luna.

Muchas de las esculturas a gran escala de Oldenburg de objetos mundanos provocó escarnio público antes de ser adoptado como caprichosa, perspicaz y diversión adiciones al arte público al aire libre. Esculturas, aunque bastante grande, a menudo tienen capacidades interactivas. Una de estas primeras esculturas interactivas fue una escultura blanda de un tubo de lápiz labial que desinflar a menos que un participante volver a bombear aire en él. En 1974, esta escultura, Lipstick en pistas de Caterpillar, fue rediseñado en una forma más robusta de aluminio, la barra de labios gigante que se coloca verticalmente sobre orugas de los tanques. Instalado originalmente en Plaza Beinecke de Yale, que ahora reside en el Colegio patio Morse.

Desde la década de 1970 Oldenburg concentra casi exclusivamente en comisiones públicas. Su colaboración con la escritora holandesa/americana e historiador del arte Coosje van Bruggen data de 1976 – Su primera colaboración fue cuando Oldenburg fue el encargado de reelaborar Paleta I, una escultura de 1971 de una herramienta de jardín de gran tamaño, por los terrenos del Museo Krller-Müller en Otterlo , los Países Bajos. Oldenburg ha firmado oficialmente todo el trabajo que ha hecho desde 1981 tanto con su propio nombre y el de van Bruggen. En 1988, los dos crearon el Spoonbridge icónica y la escultura de la cereza para el Walker Art Center de Minneapolis, Minnesota, que sigue siendo un elemento básico de la Minneapolis Sculpture Garden, así como una imagen clásica de la ciudad. Borrador de la máquina de escribir, Escala X se encuentra en la National Gallery of Art Sculpture Garden. Otra construcción muy conocido es el sello libre en el centro de Cleveland, Ohio. Este sello tiene una energía libre de seguidores de culto.

Además de los proyectos independientes, que en ocasiones han contribuido a proyectos arquitectónicos, entre ellos dos proyectos de Los Ángeles, en colaboración con el arquitecto Frank O. Gehry: Derribar escalera con Derramar la pintura, que se instaló en la Escuela de Derecho Loyola en 1986, y Binoculares, Chiat/Day construcción, terminada en Venecia en 1991;. La colaboración de la pareja con Gehry también implicó un retorno al desempeño de Oldenburg cuando el trío presentó Il Corso del Coltello, en Venecia, Italia, en 1985, otros personajes fueron interpretados por Germano Celant y Pontus Hultn. “Coltello” es la fuente de “Ship Knife”, una escultura a gran escala que sirvió de pilar central, que fue visto más tarde en Los Angeles en 1988 cuando Oldenburg, Van Bruggen y Gehry presentan Coltello Recordó: Reflexiones sobre una actuación en el Japanese American Cultural y Centro de la Comunidad y de los apoyos de exposición, los trajes y diseños para el Desempeño “Il Corso del Coltello” a Margo Leavin Gallery.

En 2001, Oldenburg y van Bruggen creado “Nos dejó Cone ‘, un helado invertido gran cono de helado, en la parte superior de un centro comercial en Colonia, Alemania. Instalado en la Academia de Pensilvania de Bellas Artes en 2011, la antorcha de la pintura es de 53 metros de altura imponente escultura pop de un pincel, cubierto con cerdas que se ilumina por la noche. La escultura está instalada en un ángulo de 60 grados de audacia, como si en el acto de pintar.

Exposiciones

Oldenburgs primera exposición individual en 1959, en la Judson Gallery en Nueva York, incluidos dibujos figurativos y esculturas de papier-MCH. Fue honrado con una exposición individual de su obra en el Moderna Museet, en 1966, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 1969, y con una retrospectiva organizada por Germano Celant en el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, en 1995. En 2002 el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York organizó una retrospectiva de los dibujos de Oldenburg y Van Bruggen, el mismo año, el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York exhibe una selección de sus esculturas en el techo del museo.

Oldenburg es representado por la Galería Pace en Nueva York y Margo Leavin Gallery en Los Angeles.

Reconocimiento

En 1989, Oldenburg ganó el Premio Wolf de las Artes. En 2000, fue galardonado con la Medalla Nacional de las Artes. Oldenburg También ha recibido doctorados honoris causa de la universidad de Oberlin, Ohio, en 1970, el Instituto de Arte de Chicago, Illinois, en 1979, Bard College, Nueva York, en 1995, y Royal College of Art de Londres, en 1996, así como la siguiente premios: Premio de la Universidad de Brandeis Escultura, 1971; Medalla Skowhegan de Escultura, 1972, Instituto de Arte de Chicago, Primer Premio Escultura Premio, 72a Exposición Iberoamericana de 1976, Medalla del Instituto Americano de Arquitectos, 1977; Premio Wilhelm-Lehmbruck de Escultura, Duisburg, Alemania, 1981; Premio Brandeis Universidad de Artes Creativas de la Trayectoria Artística, The Jack I. y Lillian Poses Medalla de Escultura, 1993, Premio de la Fundación Rolf Schock, Estocolmo, Suecia, 1995 – Es miembro de la Academia Americana y el Instituto de las Artes y Letras desde 1975 y de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias desde 1978.

Oldenburg y van Bruggen Coosje juntos han recibido títulos honoríficos de la Universidad de las Artes, San Francisco, California, en 1996 California, la Universidad de Teesside, Middlesbrough, Inglaterra, en 1999, Nueva Escocia College of Art and Design, Halifax, Nova Scotia, en 2005, el Colegio de Estudios Creativos en Detroit, Michigan, en 2005, y la Academia de Pensilvania de Bellas Artes, 2011 – Premios de la colaboración incluyen la Distinción en Escultura, SculptureCenter, Nueva York, Premio Nathaniel S. Saltonstall, Instituto de Arte Contemporáneo , Boston, Partners Premio de Educación, en Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, y el Premio Medalla, Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston.

En sus 16 minutos, 16mm Manhattan Ratón museo, artista Tacita Dean capturado Oldenburg en su estudio mientras se maneja con cuidado y desempolva los pequeños objetos que se alinean sus estanterías. La película es menos sobre la iconografía artistas que el proceso intelectual integrado que le permite transformar objetos cotidianos en formas escultóricas notables.

Vida personal

Entre 1969 y 1977, Oldenburg estaba en una relación con el artista feminista y escultor, Hannah Wilke, quien murió en 1993. Ellos compartieron varios estudios y viajaron juntos y Wilke menudo lo fotografiaron.

Oldenburg y su segunda esposa, Coosje van Bruggen, se conocieron en 1970, cuando Oldenburgs primera gran retrospectiva viajó al Museo Stedelijk de Amsterdam, donde van Bruggen era un conservador. Se casaron en 1977.

En 1992, Oldenburg y van Bruggen adquiridas Chteau de la Borde, un pequeño valle del Loira castillo, cuya sala de música les dio la idea de hacer una colección de tamaño en el país. Van Bruggen y Oldenburg reformado la casa, la decoración con piezas modernistas de Le Corbusier, Charles y Ray Eames, Alvar Aalto, Frank Gehry, Eileen Gray. Van Bruggen murió el 10 de enero de 2009, de los efectos del cáncer de mama.

El hermano de Oldenburg, historiador de arte Richard E. Oldenburg, fue director del Museo de Arte Moderno de Nueva York, entre 1972 y 1993, y más tarde presidente de Estados Unidos de Sotheby.
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source: unregardcertainfr

Claes Oldenburg, né en 1929 à Stockholm, installé à New York, est un artiste sculpteur du pop art. Il aime s’inspirer des objets du quotidien. Il transforme les objets du quotidien en sculptures molles alors qu’à l’origine, ces objets ont comme particularité d’être dans un état solide, comme exemple on peut citer l’interrupteur. La plupart de ses sculptures sont extrêmement grandes, grosses et hautes, comme des monuments géants qui ne sont pas forcément des sculptures molles. Son travail exerce une influence sur l’art contemporain.
Les œuvres de Claes Oldenburg illustrent la banalité, la vulgarité et l’instabilité des valeurs de la société urbaine.
La nourriture apparaît dans son travail, de manière récurrente. Cela révèle un désir lié à la consommation.

Dans sa série de sculptures molles, Claes Oldenburg changent la nature originelle des objets faits de céramique et de métal : téléphone, machine à écrire, interrupteur, etc… en tissu rembourré et vinyl. Les objets que l’on connaît solides deviennent alors souples et malléables. Ses sculptures pendent, s’étalent sur le sol.
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source: nrw-museumde
Oldenburgs »Eingriffe« in das Eigenleben der Alltagsobjekte, die überdimensionalen, durch Farbe oder Material entfremdeten Objekte, lassen sich als dem gezeigten Gegenstand verbundene, diesen extkontextualisierende, umdeutende Objekte, die Objekteigenschaften hinterfragende Arbeiten verstehen, lassen aber auch eigenständige, architekturartige Eigenschaften erkennen.
Claes (Thure) Oldenburg wird 1929 in Stockholm geboren, die Familie übersiedelt 1936 nach Chicago. 1946 — 50 studiert Oldenburg Kunst und englische Literatur an der Yale University, New Haven, arbeitet als Journalist für das City News Bureau of Chicago und setzt 1952 für zwei Jahre seine Studien am Art Institute, Chicago bei Paul Weighardt fort. Zunächst eröffnet er ein Studio für Magazin-Illustration und Malerei und widmet mit satirischen Zeichnungen auch 1953 seine erste Ausstellung dem Schnittbereich zwischen seiner jounalistischen und künstlerischen Arbeit.
Im gleichen Jahr wird Oldenburg amerikanischer Staatsbürger, zieht 1956 nach New York um. Dort kommt er schnell in Kontakt zur aktuellen Fluxus- und Happeningszene, arbeitet mit George Brecht, Allan Kaprow, George Segal und Robert Whitman. Oldenburg avanciert schnell zu einem der wichtigsten Akteure und beteiligt sich an zahlreichen Aktionen der Gruppe in den späten 1950er und beginnenden 60er Jahren. Sein Interesse an medienübergreifender künstlerischer Arbeit manifestiert sich auch in seinen ersten New Yorker Ausstellungen, die ebenso großformatige Figuren und Objekte wie zeichnerisch gefasste, collagierte oder in Papier Maché gefertigte Alltagsutensilien zeigen. Auch die Arbeit an seinen Ausstellungen wie beispielsweise The street in der Judson Gallery (1960), in der er seine Eindrücke großstädtischen Elends in Figuren und Objektfragmenten aus Pappe und Leinen fasste, oder auch die Atelierausstellung The store (1961) knüpfen mit ihrem Extreme anvisierenden kritischen Blick auf Alltägliches, Abfall und Kommerz daran an und zeigen Oldenburgs grundlegende Auseinandersetzung mit der Gesellschaft, der Alltags-, Konsum-, und Medienkultur in den USA, die ihn auch mit der Pop Art verbindet. In diesen Zusammenhang gehört auch das The Bedroom Ensemble von 1963, jenes überdimensionale Schlafzimmer-Interieur, das mit seinen überzogenen, die Materialität des Objekts verhüllenden Umkleidungen und Bemalungen öffentliches Straßenleben in die heimischen Wände transferriert und – ähnlich den Atelierausstellungen und Museumsentwürfen Oldenburgs – größere inhaltliche Zusammhänge über die räumlichen Grenzen herstellt.
Ende der 1960er Jahre entstehen erste Projekte im Außenraum, die zunächst noch an der Grenze von Objekt- und Aktionskunst angesiedelt (Placid Civic Monument, 1967), Mitte der 60er zur Aufstellung der bekannten monumentalen Giant objects in verschiedenen Städten führen: 1969 realisiert Oldenburg die Arbeit Lipstick (Ascending) on Caterpillar Tracks auf dem Gelände der Yale University.
»Objekte lassen sich auf vielfältige Weise verändern. Eine Möglichkeit ist, Waren, wie in einem Geschäft zu kaufen, oder andere Dinge, wie sonstwo auftreibbar, aus ihrem Kontext zu befreien, wie ich das im Fall der Toilette aus Zeitungspapier erreicht habe. Aber auch die Wahl eines anderen Maßstabs verwandelt die Objekte auf ungeahnte Weise. Darüber hinaus besteht die Möglichkeit, Objekte die Reise durch die eigene Seele antreten zu lassen, um ihnen so zu mehr Ausdruck zu verhelfen. Die Palette der Möglichkeiten, Sinn zu verändern und zu stiften, ist unendlich. Manchmal reicht es aus, Objekte sich selbst zu überlassen, manchmal wiederum sind stärkere Eingriffe nötig, um etwas zu bewirken.« (Oldenburg, in: Kunstforum 134, 1996). Oldenburgs »Eingriffe« in das Eigenleben der Alltagsobjekte, die überdimensionalen, durch Farbe oder Material entfremdeten Objekte, die er seit Mitte der 70er Jahre gemeinsam mit seiner Frau, der niederländischen Künstlerin Coosje van Bruggen umsetzt, lassen sich als dem gezeigten Gegenstand verbundene, diesen extkontextualisierende, umdeutende Objekte, die Objekteigenschaften hinterfragende Arbeiten verstehen, lassen aber auch eigenständige, architekturartige Eigenschaften erkennen. So erscheint folgerichtig, dass das Künstlerpaar Oldenburg/van Bruggen seit den 1970ern tatsächlich auch gemeinsame Projekte mit Architekten verfolgt oder mit eigenen Entwürfen direkte Bezüge zur Architektur, urbanen oder landschaftlichen Räumen herstellt (Giant Poll Balls, 1977; Spitzhacke, Dokumenta 7; Tools of the Trade, 1989). In engem Architekturbezug entstand– ebenso wie beim Chiat/Day-Gebäude in Los Angeles – auch 1985 gemeinsam mit Frank O. Gehry die »experimentelle« Theateraktion Il Corso del Coltello im Venezianischen Arsenal »zwischen« den Diszplinen, zwischen Architektur, Literatur, Objektkunst und Malerei. Von diesem Ereignis tritt auch Oldenburgs Knife Ship,jenes im Zusammenhang zur alten venezianischen Schiffswerft entstandene, zum Schiff mutierte monumentale Schweizermesser seine Ausstellungswanderung durch Europa und die USA an.
Zahlreiche Ausstellungen zeigen die Arbeiten und Projekte Claes Oldenburgs seit den 1960er Jahren. Auf der Documenta 4 — 7 ist er ebenso vertreten wie 1964 — 72 auf der Biennale. Retrospektiven werden seinem Œuvre u.a. 1995 in der National Gallery of Art, Washington, D.C. und dem Solomon R. Guggenheim Museum, New York gewidmet. Große Arbeiten, wie etwa Mouse-Museum / Ray Gun Wing werden u.a. 1979 im im Museum Ludwig, Köln, 1983 die monumentale Skulptur einer Zahnbürste im Museum Haus Esters in Krefeld installiert.
Claes Oldenburg lebt und arbeitet in New York.