ADA – ANALOG INTERACTIVE INSTALLATION
File Festival
与Tinguely的“Méta-Matics”相似，是“ ADA”具有灵魂的艺术品。它自己行动。在丁格利（Tinguely），成为一个疲惫不堪的机械人就足够了。他费力地看了一下：这台机器除了工业上的自毁能力外什么都不生产。而Karina Smigla-Bobinski创作的《 ADA》是一种后工业的“生物”，是访客动画，具有创造力的艺术家雕塑，自我形成的艺术品，类似于一种分子杂种，例如纳米生物技术中的一种。它开发了相同的旋转硅碳混合动力，小型工具以及能够生成简单结构的微型机器。 «ADA»是更大的，美学上更复杂的交互式艺术制作机器。充满氦气，自由漂浮在室内，透明的，类似膜的地球仪，掺有木炭，在墙壁，天花板和地板上留下痕迹。尽管访问者感动，但«ADA»产生的标记是非常自主的。地球获得了活泼的气氛和黑煤的痕迹，看上去像是一幅图画。地球仪开始行动，制造出由线和点组成的线条，无论其强度，表达方式如何，访客都难以控制“ ADA”以驱使她驯化她，这仍然是无法估量的。不管他尝试什么，他都会很快注意到，《 ADA》是一个独立的表演者，用图画和标志signs满原始的白墙。越来越复杂的织物结构出现。这是视觉上的动作，就像计算机一样，在输入命令后也会产生无法预料的输出。并非徒劳的《 ADA》让人想起Ada Lovelace，他在19世纪与Charles Babbage一起开发了第一台计算机原型。 Babbage提供了初步的计算机，Lovelace是第一个软件。数学与她的父亲拜伦勋爵的浪漫遗产共生于此。 Ada Lovelace打算制造一种机器，该机器能够像艺术家一样创作诗歌，音乐或图片之类的艺术品。 Karina Smigla-Bobinski的《 ADA》秉承了这一传统，同时也是Vannevar Bush的创始人，他于1930年建立了Memex Maschine（内存索引）（“我们希望Memex的行为像复杂的步道网一样通过大脑的细胞”或提花织机，为了编织花朵和叶子需要打孔卡；或Babbage的“分析机”提取算法模式。 «ADA»在当今生物技术领域兴起。她是至关重要的表演机器，随着观众参与人数的增加，线条和点的样式变得越来越复杂。留下艺术家和访客都无法解读的痕迹，更不用说«ADA»了。而且，“ ADA”的工作无疑是具有潜在的人性化的，因为对这些标志和图画唯一可用的解码方法是，我们的大脑在睡觉时最多只能联想到这种联系：梦tru以求的严峻爵士乐。 （由Arnd Wesemann撰写）

有氧运动
Labrooy毕业于RCA，获得了产品设计硕士学位，并且此后开始使用各种3D工具探索版式，建筑，产品设计和视觉艺术的交集。他在设计博物馆展出了他的作品。

在她的项目中，居住在鹿特丹的西班牙裔艺术家拉拉·阿尔玛斯凯（Lara Almarcegui）研究了政治，社会和经济变化带来的城市转型过程。自1990年代中期以来，她研究了通常不被关注的城市特征：荒地，建筑材料，看不见的元素。劳拉·阿尔玛斯凯（Lara Almarcegui）在奥地利举行的首次个展中，为分裂国家创造了三件与维也纳市和历史悠久的展览馆密切相关的新作品，同时还重复了该艺术家在世界各地不同城市开发的早期作品。
Lara Almarcegui使我们看不到，看不到或注意到的东西可见。她进行解构以便发现-包括对未来乌托邦的看法。在Bauschutt Hauptraum脱离国家会议厅/脱离国家会议厅的建筑瓦砾中，拉拉·阿尔玛斯凯（Lara Almarcegui）通过堆放这些材料（回收过程的所有产品）来评估用于建造展览馆正厅的建筑材料。未来可能使用的愿景。具有光环的展厅变成了无形状的堆。如果这些吨的混凝土，木材，水磨石，砖，砂浆，玻璃，灰泥，聚苯乙烯和钢材重返建筑业，会发生什么？现在构成分离派主殿的材料可能会产生哪些新建筑？

マウリツィオ·カテラン
Маурицио Каттелана

我的作品可以分为不同的类别。 一是我的早期工作，实际上是关于做某事的不可能。 这种威胁仍然影响着我的许多行为和工作。 我想这真的是关于不安全，关于失败。 我们在这里可以有一章称为“故障”。 对于Cattelan而言，艺术界是分析师的沙发。 自从1980年代后期开始从事艺术家职业以来，他自由地制定了自己的弱点，赋予了他们物理上的形式和独特的叙述方式。 卡特兰没有直接自传，而是根据自己的情感和心理经历进行了早期创作。 但是，他的目标不是唤起特定的事件或个人，而是召唤精神或情绪状态。 虽然作品与他并不直接相关，但他将自己当作一个角色，他的脆弱性和苦恼唤起了观者的同情心。

ДАНИЭЛЬ ВИДРИК

Daniel Widrig于2009年在伦敦成立了他的工作室。从建筑协会毕业后，Daniel在Zaha Hadid工作了几年，在那里他参与了Hadid最具标志性的建筑和产品的设计工作。 丹尼尔·威德里格（Daniel Widrig）的工作室现在在广泛的领域工作，包括雕塑，时装，家具设计和建筑。 自成立之初就采用数字系统，该工作室在该领域拥有独特的地位，并被广泛认为是数字艺术和设计的先锋。

电动步道
克里斯蒂娜·库比什（Christina Kubisch）1948年出生于不来梅。她在汉堡，格拉茨，苏黎世和米兰学习了绘画，音乐（长笛和作曲）和电子学，并从那里毕业。 七十年代的表演，音乐会和录像带作品，随后是音响装置，声音雕塑和紫外线作品。 她的作品大多是电声作品，但她也为合奏作曲。 自2003年以来，她再次担任演奏家，并与各种音乐家和舞者合作。

伊岛薫
LANDSCAPE WITH A CORPSE
Izima Kaoru（伊岛薫），日本摄影师，出生于1954年，现居东京。伊岛薫的这组照片，历经多年拍摄，走遍许多地方，并邀请了专业的女演员进行表演。这组作品的主要拍摄目的是，对近百名女性进行拍摄，抓住女性最美的“消亡”瞬间。他细细探索每一个场景的设置、服装及演员动作，他认为这是摄影至关重要的拍摄要素，从而为以后的时尚大片拍摄提供更多的参考价值。在这组照片中，你可以看到每个“消亡”瞬间的远、中、近景不同的拍摄角度。

Toy 1#

连天苗在北京生活和工作，主要创作装置作品。 她的职业生涯是将丝绸，线和纺织品转变为精美的艺术品，并尝试摄影和录像。 她的艺术具有感官上的质感和触感。 她那幅令人难以忘怀的单色肖像（如上所示）具有雌雄同体的面孔，被缝在画布上的丝线遮盖着。 这些作品印刷在手工纸上，融合了光刻，压纹和嵌入元素的结合，赋予了它们独特的纹理和尺寸： 在当代中国出现了新的关于自我和个人身份的混合概念。” 由此产生的作品令人难以忘怀，令人着迷。

Haute Couture Spring Summer 2016

设计师Viktor Horsting及Rolf Snoeren同样是荷兰人，同是于一九六九年出世，因就读Arnhem Academy of Art时装设计系而认识，由于大家的作风均自由大胆，在九二年毕业时便萌合作之意。其后，两人终于组成名为Viktor & Rolf的品牌，主力推出Haute
Couture 系列。而在九九年秋冬季举行的Haute Couture Fashion Show，两人破天荒只请来一位模特儿演绎其作品，一口气为模特儿披上九件外衣，展出形式令人惊讶。到二○○○年正式推出首个Ready-to-wear 系列，以美国国旗为布料图案，实时吸引各传媒报道。
战美学极限
自推出第一个Ready-to-wear系列，Viktor & Rolf便正式踏上时装舞台，其带点玩味的设计及独特的时装美学概念，一直是时装传媒的焦点。以歌舞剧形式包装的○一年春夏骚，戴上绅士帽的模特儿以牛仔装束配上Smoky
Eyes，创意不凡。之后的○一年秋冬系列，就以全黑Look示人，连各模特儿及两位设计师的面孔都涂黑了，挑战All Black的极限。到○二年春夏忽然换来全白，华丽的晚装换上了白色的配搭，两位设计师的鬼主意似乎仲未间断。来到○二年秋冬，则来个蓝色为主调的系列，绝对令大家对二人独特的美学概念赞叹不绝。

Splendor

西尔维娅（Silvia）在共生中专心致志地开展工作，带领她研究过去-尽管打破常规，但意识到手工编织的古老技术遗产-并同时在她的研究和研究中以当代的方式表达了自己。 大胆的实验。 在她的工作中，她一遍又一遍地将“纤维”的定义扩展到包括工业的，不可回收的，匿名的边际材料，例如PVC，橡胶，塑料，乳胶，聚氨酯等，这些材料似乎很难与任何其他材料相结合。 美学品质，但具有“可编织”的共同特征。 西尔维亚（Silvia）设计和创造当代珠宝，挂毯和雕塑服，并参加意大利和国外的众多艺术展览。

دانيال ليبسكيند
丹尼尔·里伯斯金
דניאל ליבסקינד
ダニエル·リベスキンド
ДАНИЭЛЬ ЛИБЕСКИНД
places beyond the wall

Studio Libeskind参与设计和实现全球范围内的各种城市，文化和商业项目。 我们的工作室是建筑师和设计师的合作，他们认为建筑是一种乐观的作法。 我们对待项目的态度是要取得辉煌的成就，您必须相信未来，但也要记住过去。 利伯斯金工作室的建筑源于建筑应富有表现力并能反映当代生活的想法。 创新是我们设计过程的核心。 我们认为必须通过可持续技术来实现大胆的设计，并且我们坚信建筑的艺术在于在预算和功能的限制内创造最大的影响力。 我们从经验中知道，优秀的体系结构来自与优秀客户的合作。 然而，建筑是一门公共艺术，我们不仅对客户负责，而且对我们建设的社区和城市负责。

Дмитри Обергфейла
infinite ladder
在他的实践中，Dmitri Obergfell有兴趣探索材料和思想之间的关系以评论人类的经验。 由于观看者对制成品的熟悉程度以及与日常体验的关系，他将商业性制成品用作白话。
人们与对象之间的关系既是作品的访问点，又是在“个人”层面上进行联系的方式。 他希望观众有一种将他们暂时摆脱自我的体验，并让他们考虑更广泛的存在感，更多的社交或集体体验。 德米特里（Dmitri）被当代人对我们所生活的世界以及与历史的关系的看法和/或方法所启发。 他说：“我花了大量时间吸收信息并被动地观察周围的事物。 我认为我的灵感就像渗透。 我更喜欢保持不确定性，以免我的灵感变得陈腐而过时。’

The Man with No Shadow

“ Makoto Tojiki是一位艺术家和设计师，他以光为主要表达手段。 Tokiki是1998年近畿大学（Kinki University）工业设计工程专业的毕业生，他的个人时间是在受雇担任工业设计师的同时，致力于光的实验。 2003年，他开始了他的全职艺术家生涯。 他最近的“无影”系列作品受到光影相互联系以及如何进行操纵和控制的启发。 Tojiki通过分解光线和阴影来捕捉其共生的本质，从而开始了他的创作过程，从而产生了短暂的图像，就像阴影本身一样短暂而神秘。”

拉斐尔·奥乔亚（Rafael Ochoa）的数字绘画占据了一个独特的领域，以他对20世纪前艺术创作的图像进行创造性的混合而著称。 就像许多在过去十年中开始其职业生涯的艺术家一样，奥乔亚（Ochoa）也在互联网上寻找灵感-使用复杂且劳力密集的渲染过程从头开始构建新的形式。

Sobek

“乔纳森·西提芬（Jonathan Sitthiphonh）的机器可能让人联想到科幻小说的宇宙-例如，詹姆斯·卡梅隆（James Cameron）的电影中的外骨骼机器人。 通过他们的过时，他们还可以回忆起莱昂纳多的工程学。 在伊卡洛斯神话和后人类之间，它们实现了超越人类极限的梦想。 但是没有回答。 艺术家的事业雄心勃勃，充满动力。 他用手工和回收材料精心实现了这些完美的假肢。 尽管有能力，但它们仍然脆弱而无效，注定要惯性。 […]

Pink and Yellow in Excited States

2009年秋天，艺术家迈克尔·安东尼·西蒙（Michael Anthony Simon）离开了芝加哥，搬到了韩国乡下。他想体验一个新的地方和文化，希望能为西方艺术界无法超越的新鲜事物提供信息。最初从不同自然元素的“亮点”开始，迅速发展为一系列具有更广泛意义的系列。一天，西蒙（Simon）在选择下一张作品的位置时，在森林中遇到了一个巨大的蜘蛛网，并开始在快速发展的作品中作为下一个合乎逻辑的进展进行实验。当时他无法指望的是这个偶然发现将他带到何处。快进了六个月，西蒙的工作室已经变成了各种各样的工厂。许多熟练的工人在固定在各种几何底座上的塑料杆之间精心构建精美的同心结构。如果这些助手是人的话，他们的出现也就不足为奇了。经过数月的反复试验，西蒙开发出一种方法，使他可以利用许多人认为是自然界最恐怖的生物之一的内在艺术性。首先，他在周围地区找到并捕获了一种特别勤奋的蜘蛛，然后（在一些指导下）允许他们做蜘蛛最擅长的事情–建立网。完成后，他将蜘蛛返回到找到它们的地方，并开始在无数的薄雾状漆层上涂网。这个过程与我见过的任何过程都不一样，结果非常漂亮。雕塑既涉及形式主义，也涉及工业化劳动。该作品是更广泛对话的一部分，这种对话不存在于传统的东方或西方边界之内，而正是这种普遍的艺术创作方法使迈克尔·安东尼·西蒙（Michael Anthony Simon）的作品脱颖而出。随着他在韩国的一些大型机构展览，即将到美国的访问以及计划于2012年夏季发布的新网站的正式发布，我可以保证，我们会在Google中看到更多这位艺术家的作品。未来的岁月。

阿尼什•卡普尔
アニッシュ·カプーア
Аниш Капур
Turning the World Upside Down

皇家公园和蛇形画廊展示了艾尼斯·卡普尔（Anish Kapoor）的这次户外雕塑展，包括近期在伦敦未曾展示过的，由高度抛光的不锈钢制成的近期作品。 这些作品规模宏大，延续了卡普尔在职业生涯中对正面和负面空间，反射，扭曲和超越观念的探索，并被放置在肯辛顿花园周围，以增强观众对不断变化的色彩，树叶和天气的体验。