摇摆
File Festival
“Swing”将这些感觉带回来，让梦想成真：飞翔的梦想。因此，秋千成为交互式装置的物理组件。 3D oculus的使用增强了虚拟现实的摇摆体验，创造了独特的沉浸式冒险 并将您带入精心制作的水彩世界。在挥杆的同时，您将日常生活的单调乏味抛诸脑后，找个地方放松心情，重获力量。您平稳地进入虚拟世界。飞行高度取决于您实际摆动的时间和高度。数字世界的起点与物理世界的起点相同：地面。这里的一切都是苍白而沉闷的。当你有勇气更密集地摆动时，你会飞得更高，色彩的活力也会增加。高潮在太空。到达它时，世界的颜色强度达到最大值。如果你想下去，你必须停止摆动，但你周围的颜色会保持鲜艳明亮。

Concept 699
乌克兰设计师罗曼·弗拉索夫(Roman Vlasov)擅长在荒凉的空间里，结合自然的力量，用优雅而尖锐的细节探索新的“纯粹的建筑”，从而获得拥抱自然的感觉。
他的设计理念是将自然和人造结构的刚性并置，并将其归因于纵向建筑的锐度、流动性、光滑、纯净、优雅和混凝土的“抽象性”。一系列迷人的建筑视觉效果，以一种不可想象的自然状态展现了建筑简单但有效的细节。

ADA – ANALOG INTERACTIVE INSTALLATION
File Festival
与Tinguely的“Méta-Matics”相似，是“ ADA”具有灵魂的艺术品。它自己行动。在丁格利（Tinguely），成为一个疲惫不堪的机械人就足够了。他费力地看了一下：这台机器除了工业上的自毁能力外什么都不生产。而Karina Smigla-Bobinski创作的《 ADA》是一种后工业的“生物”，是访客动画，具有创造力的艺术家雕塑，自我形成的艺术品，类似于一种分子杂种，例如纳米生物技术中的一种。它开发了相同的旋转硅碳混合动力，小型工具以及能够生成简单结构的微型机器。 «ADA»是更大的，美学上更复杂的交互式艺术制作机器。充满氦气，自由漂浮在室内，透明的，类似膜的地球仪，掺有木炭，在墙壁，天花板和地板上留下痕迹。尽管访问者感动，但«ADA»产生的标记是非常自主的。地球获得了活泼的气氛和黑煤的痕迹，看上去像是一幅图画。地球仪开始行动，制造出由线和点组成的线条，无论其强度，表达方式如何，访客都难以控制“ ADA”以驱使她驯化她，这仍然是无法估量的。不管他尝试什么，他都会很快注意到，《 ADA》是一个独立的表演者，用图画和标志signs满原始的白墙。越来越复杂的织物结构出现。这是视觉上的动作，就像计算机一样，在输入命令后也会产生无法预料的输出。并非徒劳的《 ADA》让人想起Ada Lovelace，他在19世纪与Charles Babbage一起开发了第一台计算机原型。 Babbage提供了初步的计算机，Lovelace是第一个软件。数学与她的父亲拜伦勋爵的浪漫遗产共生于此。 Ada Lovelace打算制造一种机器，该机器能够像艺术家一样创作诗歌，音乐或图片之类的艺术品。 Karina Smigla-Bobinski的《 ADA》秉承了这一传统，同时也是Vannevar Bush的创始人，他于1930年建立了Memex Maschine（内存索引）（“我们希望Memex的行为像复杂的步道网一样通过大脑的细胞”或提花织机，为了编织花朵和叶子需要打孔卡；或Babbage的“分析机”提取算法模式。 «ADA»在当今生物技术领域兴起。她是至关重要的表演机器，随着观众参与人数的增加，线条和点的样式变得越来越复杂。留下艺术家和访客都无法解读的痕迹，更不用说«ADA»了。而且，“ ADA”的工作无疑是具有潜在的人性化的，因为对这些标志和图画唯一可用的解码方法是，我们的大脑在睡觉时最多只能联想到这种联系：梦tru以求的严峻爵士乐。 （由Arnd Wesemann撰写）

新兴城市的产能生活
“新兴城市的容量生活”捕捉了环境（城市）随时间的变化，并代表了不断变化的生活和空间的复杂性，作为一种新兴艺术品。功能超越了简单的单用户交互即可实时监视和调查整个城市，并完全代表了实时城市的复杂性，它是一个不断变化的变体和复杂的系统。您所看到的是一个雕塑，代表了传感器网络所在环境的新兴特性。

奥比斯计划
奥比斯（Orbis）是一个原型系统的提议，该系统本质上具有高度适应性，并通过增加日常经验和活动来创建城市基础设施，以响应并满足城市中不断变化的需求和条件。 Orb（i）s是一种行为组合，可建立动态环境的可能性，而不仅限于建筑计划；相反，它是基于实时数据的自治，适应性强，动态和自组装，最终形成了不断重新配置的生态系统。该系统的感知能力使其具有自我意识并鼓励做出任何决策，而其自组装质量来自于单位与单位之间的沟通，从而导致组织和结构的层次更高。

听起来不错
Kim Kichul一直致力于声音，与更传统的视觉艺术形式作对。对于Kim而言，声音本身就是主题，而不是构成整个雕塑一部分的附加元素，并且是含义中固有的连续体。Kim通过听广播的经历开始在工作中使用声音。他体验到了时空的音质，感觉就像他正在看一台收音机发出的真实声音一样。他在1993年的第一次个展中呈现的11面观世音菩萨作品以观世音菩萨这个词开头，这解释了他对主题的感觉，就像他想看到它一样。金恩被《莲花经》第二十五章博蒙奔的诗句深深打动了，该诗说，如果萨特瓦在受苦的情况下简单地专心高呼观世音菩萨，他们就可以达到涅磐。通过在收音机上放置10个观世音菩萨雕像，每个雕像调到不同的频道，他提出了一种通过联觉观察声音的合成方法。

场地
艺术家和设计师多米尼克·威尔科克斯（Dominic Wilcox）的装置旨在将生活带入简单，无生命的鞋子中，与自然联系在一起，同时参照缺席业主的生活。七百只环保鞋的鞋带高高地向空中飞来，好像朝着光明生长一样，在地面上营造出一片绿色。

粉红色绿松石
Janssens的作品范围很广，但它们全都可以描述为以空间为感官活动舞台的雕塑。路易斯安那州南翼的简单白色建筑成为Janssens脆弱和令人眼花art乱的艺术品的共鸣表面-脆弱是因为作品及其组成非常简单，而其效果却使它们高于材料。詹森斯本人经常用“流体”一词来形容她的作品的效果-甚至例如，当它们由一个6.5米长的铁梁组成，在顶部抛光时，就可以反射出整个房间，并且很难将视线固定在物体上。 Janssens寻求对作品或观众的控制，正如荷兰理论家Mieke Bal所说，Janssens的艺术品既是对象又是事件。展览中的许多作品都让人联想到站在某个事物的门槛上的感觉。他们一方面强调物质和物质之间的过渡和转换，一方面是由玻璃，色彩，液体而不是光引起的，另一方面则是时空的动态体验。

睫毛
LED睫毛项目通过一个简单的问题问世：女人为什么想要越来越大的眼睛？亚洲女性往往更需要大眼睛作为美的标准，但很少有天生大眼睛的女性。那些没有大眼睛的人只能通过使用化妆和佩戴珠宝等技能来寻找使眼睛更漂亮（即更大）的替代方法。有时，对大眼睛的渴望几乎变得沉迷，许多女性选择整形手术以实现自己的梦想。 Soomi称之为“大眼睛”的恋物癖。 LED睫毛是一种聪明的产品，可以满足许多女性对大眼睛的渴望。它具有可打开和/或关闭的传感器。传感器可以感知瞳孔在眼睛和眼睑中的运动。如果戴上它并移动头部，LED睫毛将随着您的移动而闪烁。使用起来就像戴假睫毛一样简单，并且像摘掉珠宝一样容易去除。

collection december 2019

克雷格·格林（Craig Green）为Moncler设计“可穿戴的栖息地” 相关故事 克雷格·格林（Craig Green）为Moncler Genius设计“可穿戴的栖息地” Green与Moncler团队一起，还开发了一种构造单个下层隔室的新方法，在每个下层隔室之间留有2.5厘米的间隙，以充当可折叠各部分的铰链。 “ Moncler具有悠久的传统，但仍然拥抱变化，”设计师在谈到与该品牌的紧密合作时解释道。 “他们鼓励尝试性的方法，并且不惧怕冒险，这使他们成为出色的合作伙伴。”

杰夫·昆斯
ДЖЕФФ КУНС
ג’ף קונס
ジェフ·クーンズ
제프 쿤스
metallic venus
杰夫·昆斯，1955年出生于美国宾夕法尼亚州，21岁时毕业于马里兰艺术学院。移居纽约后迫于生计，在纽约当代艺术馆做推销员工作，被经纪人Mary Boone发掘，后转到Annina Nosei画廊旗下做展览。期间曾在华尔街股市做证券经纪人，一直等到1985年，昆斯才真正崛起。昆斯有30多位技术员实现他设计的艺术雕塑。
“其作品往往由及其单调的东西堆砌而成——比如不锈钢骨架、镜面加工过的气球兽，常常染以明亮的色彩。昆斯的作品在世界上大卖，持有至少一个在世艺术家作品的拍卖价格记录。评论家对他的看法趋于两级。有的认为他的作品是先锋的，有着重要的艺术史价值。有的认为那是在媚俗——哗众取宠，建立在全然利己的自我推销之上。”

“很多关于艺术创作的过程都与关注有关，它与寻找并实现复杂性的简单性有关。” 塔拉·多诺万（Tara Donovan）通过独特的积累，将聚苯乙烯泡沫塑料，大头针，稻草，玻璃和纽扣等常见的精巧材料再生为生物形态形式（抽象的艺术形式，其源于比几何图案更多的有机形式）。 在此过程中，它将商品转化为壮观的有机形式，贬低了它们的材料成分。

林天苗
在这一系列中，观赏者需要决定如何理解一幅大尺寸的脸部照片。林天苗没有尝试采用不必要的装饰来填充其作品的表面。相反，她让作品保持平静朴实，希望观赏者也能有相同的感受。她说：“目的是为观众提供一些纯粹简单的东西，一些实际上包含着很多意义和表情的东西。”

كيميكو يوشيدا
吉田公子
키미코 요시다
קימיקו יושידה
КИМИКО ЙОШИДА
1963年，吉田公子出生于东京一个古老的武士家庭，
1995年，她匆忙离开日本，选择到法国过一段“新的生活”，她先后在阿尔勒国家高等摄影学院和勒弗雷斯诺国家当代艺术工作室学习摄影。她的艺术把巴洛克式的空间饱和与禅宗的极简，还有风格的唯一基础——单色融合在一起。

伊戈尔·埃斯基尼亚（Igor Eskinja）将谦虚与优雅合二为一，构筑了他的感知建筑学。艺术家“表演”了对象和情况，并从二维形式到三维形式的亲密无声的过渡中捕捉了它们。 Eskinja使用简单廉价的材料（例如胶带或电缆）并在严格的空间参数内以极高的精度和数学精确性对其进行整理，从而定义了超越物理方面的另一种品质，并进入了富有想象力和不可感知的范围。形式的简单性是一种美学特质，它为操纵含义开辟了可能性。正如艺术家所说，它源于一种形式的需要，即在其内部包含各种含义和阅读水平。多重性与虚无之间的张力是Eskinja壁画“绘画”和看似平坦的装置中最重要的方面之一。空虚仍然是感知的活跃空间。它不会隐藏；它评论了可见性，邀请观看者参与在开放空间中虚构空间的构建。艺术家空间结构的暂时性和地毯的短暂品质（其中的装饰物是用灰尘或灰烬精心编织的）表现出对制度性机构和社会政治秩序的主流叙述的抵制。

Toy 1#

连天苗在北京生活和工作，主要创作装置作品。 她的职业生涯是将丝绸，线和纺织品转变为精美的艺术品，并尝试摄影和录像。 她的艺术具有感官上的质感和触感。 她那幅令人难以忘怀的单色肖像（如上所示）具有雌雄同体的面孔，被缝在画布上的丝线遮盖着。 这些作品印刷在手工纸上，融合了光刻，压纹和嵌入元素的结合，赋予了它们独特的纹理和尺寸： 在当代中国出现了新的关于自我和个人身份的混合概念。” 由此产生的作品令人难以忘怀，令人着迷。

Breathless
FILE SAO PAULO 2015
安装包括三个轻型物体。 其中两个通过计算机连接到RSS [web]提要，第三个在aemomenter的帮助下提供风，温度和街道（环境）噪声。 计算机在RSS中搜索与“恐惧”（用于第一个雕塑）和“欲望”（用于第二个雕塑）概念相关的所有单词。 这些单词出现的次数越多，从对象的底部到顶部的对象的LED越亮。 第三个目标基于相同的原理。 旁观者可以走进实际的建筑，那里有附加的空速传感器。 当她/他对其进行吹打时，照明方式会发生变化-简单的呼吸动作变得可见且重要。

FLORA
FLORA中的动画是通过传播穿过一串线的正弦波重叠而生成的。 当能量通过诸如水，空气或只是绳索之类的介质进行传输时，这种波动原理通常会出现在自然界中。 它也可以在动物和人类的运动中观察到，其中动能通过关节依次传递。
的FLORA算法基于以下发现：简单的旋转线系统可以创建抽象形状的无穷变化-从弯曲的和谐线到前卫和混乱的图案。 由此产生的美学将计算准确性与有机的嬉戏结合在一起，并倾向于在观看者的脑海中引发各种联想。

gif

涂鸦研究实验室
גרפיטי מעבדת מחקר
グラフィティリサーチラボ

涂鸦研究实验室小组已开发出一种在建筑物上的大型激光书写系统，称之为激光书写系统，借助激光指示器和功能强大的投影仪，该系统能够实时在建筑物上书写大量信息。 他们吸引了来自鹿特丹的艺术家，他们希望使用自己的平台来传播他们的信息。 您可以通过单击此条目的声明来访问该组的网站。

舞妓武田
武田舞妓
מאיקו טאקדה
마이코 다케다
مايكو تاكيدا
Shadow Jewelry
逻辑+几何+空间构成了武田舞子所有作品的共同点。在这个世界中，简单会显得复杂，秩序会变得混乱。但不要害怕沉迷，因为最后您将始终发现公分母站立着（就在它所属的底部）。
武田舞子（Maiko Takeda）在繁荣后的东京长大，在那里她很快面临着要在一个缓慢停滞的国家创造具有个性和永恒品质的产品的挑战。这意味着她越来越多地将目光投向时尚和流行文化以外的地区，以步行的方式探索这座城市，从最小，最随意的事物中寻找灵感。
在作品中，各种元素并存。阴影，风和重力等环境影响为装饰带来了奇观和迷惑。她的作品本身绝不是唯一的形式，因为作为作品的一部分，多余的元素总是试图超越佩戴者的期望。

ボリス・ホペック
Борис Хоппек
彩虹盖 (rainbow-cover)

鲍里斯·霍佩克（Boris Hoppek，1970年生，克罗伊兹塔尔）是居住在巴塞罗那的德国当代艺术家。 他的艺术根源在于涂鸦，但如今他的作品涵盖绘画，摄影，录像，雕塑和装置艺术。 他的作品也被用于广告活动中。 霍佩克的商标是对称的椭圆形，在他的大部分作品中要么单独出现，要么以三个星座出现，从而形成了一张脸。

aol
Universal Everything和Aol在这一系列定制数字运动画布中探索色彩，形式和运动的全新形式的视觉表达。
这些影片的范围从使用当代舞者和动作捕捉技术对手势和人体动作进行前沿研究到使用多色旋转陀螺和慢动作摄影进行更简单的低保真实验。 这些电影的核心是通过创作不可能的雕塑和构图来赋予真实感和幻想感。

The Air of the Future
虽然海平面上升构成灾难性洪灾的威胁，但温室气体和二氧化碳对地球的空气供应构成威胁。此外，酸雨以及臭氧消耗是一个严重的问题，这个气候研究和测试机构旨在帮助改善地球目前的环境退化途径。
该项目位于墨西哥城的主要公园之一Bosque de Chapultepec中，其目的还在于促使公众对景观以及建筑本身进行使用。该项目的构造构造基于模块化几何单元的方法学堆叠逻辑，这些逻辑单元逐渐发展以阐明整体。零件的这种扩展会在内部和外部条件下产生翻滚的，多方位的，目的是在平面图和剖面图中培养空间和构造的多样性（和复杂性）。嵌入模块中的通道创建开孔的线性阵列。内部空间中嵌套着五个玻璃测试室，这些测试室从按层次排列的中央研究和办公空间集群开始。

ciclotrama 20 (wave)

Cyclotrama是连续和二元循环的一部分，它是一个具有层次特征的示意图结构，由相互依存的部分组成。 通过扭曲或缠绕的线（有时是松散的，有时是与其他支撑物绑在一起）而产生的编排，形成了有机体，可以处理与动力学，流动，轨迹和时间流逝相关的问题。 有时空间狭窄，有时使用其他支撑物，Cyclotramas作为有节奏关系的地方提供给观看者。 可能是，它们在隐喻上类似于自然结构，例如植物的根，神经分支或微观结构，或者仍代表着单个路径和运动的映射，从而创建了社会制图，但是结果始终是由相互依存和相互联系的部分组成的有机光束。

Sky Art Event

1958年，奥托·皮内（Otto Piene）与海因茨·马克（Heinz Mack）一起在杜塞尔多夫成立了零公司（ZERO）集团，后来昆特·乌克（GüntherUecker）也加入了。艺术家将重新开始与对自然元素的迷恋，主要是对光线的迷恋。
然后，彩色让位于单色绘画，尤其是白色绘画，以及结构化的自我提升。奥托·皮内（Otto Piene）受过绘画和绘画方面的训练，还使用空气和火的元素作为创作手段。在他的烟和火的照片中，还有火焰的影响。
奥托·皮涅（Otto Piene）从未放弃过色彩。相反，他以彩虹的颜色为主题。自1964年以来，他在波士顿著名的麻省理工学院（MIT）的高级视觉研究中心工作-最初是一名研究员，四年后担任其主任。
在当时科学家，工程师和艺术家之间创新的跨学科合作中（德国尚不存在），他找到了实现他的理想的理想条件：将临时的，短暂的光和空气雕塑提升到无限的天空。

МАРТИНА КРИДА

信条是最负盛名的国际艺术家之一。他的作品围绕日常生活中的文字，物体和事物展开，他脱离了上下文，将其转变为艺术品，改变了我们对周围事物的感知，无论它们看起来多么荒谬。这引起了争议，最近几周围绕他的作品展开了一定的辩论，因为其中一些元素是简单而荒谬的，例如一张蓝色的tac，一张破的纸片，一幅用眼睛画的水彩画。闭合的或最著名的是弄皱的纸球。 我们习惯于面对我们寻求了解的作品，或者因其创作的复杂性而珍视作品。以克里德的作品为例，我认为有必要度过一段美好的时光，摆脱这一想法，并欣赏所有这些事物的缺失，并为能够在最简单的事物中找到使之变得重要的事实表示赞赏。 。我喜欢在马德里看到具有这些特征的展览，因为它们不是很常见，但每个珍视它的人都可以。

Balance From Within
File Festival

平衡微妙，有时我们跌倒…拥有170年历史的沙发在一条腿上不稳定地保持平衡，在对外力的内部反应中不断波动。当沙发努力稳定自己时，自动机械装置发出的周期性periodic吟低，比语音还柔和。 关系涉及微妙的平衡动作。这个想法出现在一个不稳定的沙发上，当时我在思考如何在这些简单而无处不在的家具中反映出我们所有的社交互动：就餐，说话，做爱，工作面试甚至死亡。我们为如此微妙的人际关系提供如此坚实的支持，从而容易失去步伐和跌落，这是否令人惊讶？这些基础和脆弱性的想法看起来是如此不同，但也密不可分，因此我有兴趣尝试阐明这一点。 首先，我想知道是否有人或某人可以在一个刚性的点上保持平衡，这是研究的技术出发点。我发现，尽管可能，但它需要巨大的能量，并且有一定的限制，超过此限制将无法恢复。对我而言，这一事实更好地阐明了隐喻。与生活中一样，这里的风险是真实的，而不是虚幻的。部件可能会掉落并破碎成碎片，然后必须将其放在一起，如果可能的话，应进行修理和重新组合。恢复失去的平衡需要外部帮助。

How Deep is Your
朱利安·斯沃兹（Julianne Swartz）是deCordova雕塑公园和博物馆以及斯科茨代尔当代艺术博物馆（SMoCA）组织的一项调查的主题。朱莉安·斯沃兹（Julianne Swartz）由Rachael Arauz策划，在艺术家的全力参与下：《你的深度有多深》第一次聚集了一大批斯沃兹的装置和雕塑，邀请观众优雅，幽默和有智慧地参与其中。
Swartz以其独特的高科技和低技术材料融合而广受赞誉，既利用现有技术又利用自制技术，并且经常使观众的短暂存在成为其作品的基础。她的作品悄悄地庆祝矛盾和二分法，吸引着细心的访客放慢脚步，增强自己的感官。她使用的镜头可以将平凡的物体和隐藏的位置转换成神奇的运动图像，镜子可以使观看者的空间感知和自我意识变得混乱，乙烯基墙壁上的图画可以引导观看者进入秘密的建筑空间，PVC管和扬声器可以使建筑与其进行交流。居民。她的某些雕塑颠覆性地包含了“新媒体”或“视频”的外观，以揭示手工制作的简单性，促使观众质疑我们文化与技术的关系

سيباستيان ارازوريز
塞巴斯蒂安·埃拉苏里斯
Wall Street Nation
“华尔街之国”塞巴斯蒂安·埃拉祖里兹（Sebastian Errazuriz），2012年，纽约公共干预。塞巴斯蒂安·埃拉祖里兹（Sebastian Errazuriz）揭开了他最新的项目“华尔街之国”的面纱。通过将白色字母“ S”简单地涂在每个字母上，艺术家已逐渐开始将街道线转换为“美元符号”。该项目希望表达人们当前正在经历的恐惧和无能，同时看到越来越多的贪婪正在改变我们的生活方式。 “恐怕贪婪正在迅速改变我们所知道的生活；在驱逐房屋所有者的同时，被认为“太大而不能倒闭”的银行无耻地与市民赌博是很正常的事情。 99％的人被自己的警察吓倒了，而法官则裁定公司享有与人民同等的权利。现在，公司正向Super PAC中注入不受管制的资金，以影响选举并确保政客安全，这些政客将继续放松对市场的管制并赚取更多的钱。一切都一发不可收拾；贪婪正在接管，人们正在失去所有的比例感和正义感。”艺术家希望他在街道上画的美元符号能被其他人所占据，他们也相信贪婪已经占领了他们的城市并取代了他们的生活方式。 “如果人们因改变一切的贪婪而感到无能为力而感到困惑，我邀请他们拿画笔和一罐油漆，并将他们的街道线改为美元符号。同时，我需要去在华尔街标记一些美元符号……”

리시 엘
Lissy Elle是擅长“造梦”的摄影师。没有华丽服饰也没有夸张效果，Lissy Elle的作品大多简简单单却梦幻美丽，像青橄榄一般回味无穷。

蒂姆·霍金森
ティム·ホーキンソン
تيم هاوكينسون
蒂姆·霍金森（Tim Hawkinson）的作品有多种艺术形式，包括绘画，绘画，摄影，录像，装置和声音，但他最受欢迎的作品是雕塑。他以使用简单的方法，工具和零件制作复杂的结构而闻名。例如，用电工和塑料布制成的风笛大小相当于足球场的大小。这不是他唯一以音乐为特色的作品。还有他的作品《五旬节》。它的特征是在纸板树上竖立了十二个与自己一样大小的雕塑。这些都被编程为播放宗教赞美诗。他还以创造动感和发声元素的纪念性作品和微观作品而闻名。总而言之，他的作品既以科学为基础，也以艺术为基础，尤其是因为他经常为自己的作品创造新的发明和工具。
蒂姆·霍金森（Tim Hawkinson）的灵感来自他自己的身体，并试图对其进行重新想象。确实，有时甚至会牵涉到他的身体，例如当他使用自己的指甲剪和头发做雕塑时。他还喜欢表达生命，死亡和时间的流逝。

Имме Ван Дер Хаак
Beyond the Body
我的工作着重于通过一种简单的干预就可以通过改变人形来改变人的形态。 人体照片被印在半透明的丝绸上，这将可能使不同的身体，年龄，世代和身份在物理上分层。
在舞蹈表演中，运动的身体会操纵织物，因此身体和丝绸会合而为一，从而扭曲我们的感知或展现出全新的物理形态。 然后，机芯将其变为现实。

Шен Вей
שן וויי
沉伟
Folding
沉伟的作品“折叠”（图为公园大道军械库）于2002年在纽约首次上演
胸白，胸甲白，脸白，并带有细长的发卷（头饰？他们的头是细长的吗？），第一批舞者从黑暗中冒出来，紧a在蓝绿色的阴暗地板上，拖着长裙摆，这些长裙摆的颜色各不相同。将它们分为两组：红色和黑色。红军们经常在国会中扮演举动，旋转，独立的生物，而黑军人则用布成双成对地密封在一起（例如令人毛骨悚然，悲惨地交织在一起的杰克和迪诺斯·查普​​曼的作品），并花费大量时间从事极其缓慢的性交活动。甚至是较慢的葬礼游行，将他们死气沉沉的双胞胎恋人拖走了。
看来，红军有个国王，而黑人则有一个皇后（最终他们一个人出现）。后来的动向发生了一个奇妙的变化，当红军发现团结一致时，讽刺的是，他们似乎拒绝了他们自己的一个（沉伟的王者角色，同样如此），而成对的黑人似乎找到了一个更开明的人。他们的配对斗争中的个性。另外，这标志着我第一次看到全身氨纶套装，它的穿着者是真人版的“角色”，我认为这是一个动员的浮雕，出现在背景中像是一些小故障。在这个二项式世界的软件中。也许这个不露面的角色是红色和黑色的合成，或者是崇拜者的至高无上的梦想，将两个部分折叠成一个整体。也许这个角色只是个次要角色，但是因为它脱颖而出，它具有波巴·费特的所有明星般的特质，并且陪伴着我进入了第二次中场休息。
最后的作品《未分割的分裂》上周在军械库中获得了世界首屈一指。舞蹈首先是近距离偷窥的一种练习。次要的是它关注性的各种表达方式-觉醒，压抑的范围，自由，偏见，模式和失败。我和其他人一起在网格上的60个单独的瓷砖上漫游，我的第一个想法（以及其他所有人）是我的上帝，舞者拥有地球上最不真实，雕刻最精美的尸体。我永远不会再发生性行为，直到我看起来像那样或与那个样子的人在一起。
我看过大约五十种以裸体为特征的舞蹈，几乎每次都在推动正式的脱敏或去性行为，有时是由编舞者或舞蹈家发起的，但主要是由我自己做出的，以便让我看到过去的裸体并与之交往。在不同级别上具有更高灵敏度的性能。这通常需要大约20秒钟的时间，然后舞蹈的表现力和运动学所伴随的抽象在一定程度上使身体脱性别-我认为这不是脱胶过程，而是更接近于暂时的集体异化。但是，有时候，我发现自己面对着滑稽表演的现代舞蹈表演，尽管观众之间的距离已定，但仍邀请观众保持性意识。这发生在未分割的分割中。

Deep Walls

《 Deep Walls》是投影的电影回忆内阁。当一个人走进其投影光束时，交互式墙开始记录他的阴影以及跟随者的阴影。当最后一个人离开框架时，阴影在十六个矩形小橱柜中的一个内无限重播。与结构主义电影一样，重复性视频的收集成为其自身的对象，而不是严格地具有代表性的“电影”。 “深墙”在电影循环之间创建了复杂的时间关系。每个小阴影胶片都有精确的记录持续时间：从几秒钟到几小时。 16帧之间的时间关系变得复杂（以类似于Brian Eno的磁带循环实验的方式），将不同持续时间的单个记录循环播放，以创建连续几天都不重复的构图。 Deep Walls的灵感来自Jan Svankmajer和Quay Brothers的超现实主义电影以及Joseph Cornell的雕塑。在他们的电影和雕塑中，小尸体和强迫性地收藏在橱柜和抽屉中的物品代表着心理和精神状态。组织的理性过程带来了一种无意识的非理性。 Deep Walls的名称受到建筑师克里斯托弗·亚历山大（Christopher Alexander）的“图案语言”（Pattern Language）设计图案的启发。他建议建造厚厚的房屋墙壁，以便居民自己可以雕刻出橱柜，抽屉和窗户来个性化房屋。本着亚历山大的精神，这部作品逐渐记住了其表面上的环境内容。