IN MEMORIAM
Joachim Sauter

1959-2021

R.I.P

ART+COM Studios

MOBILITY
THE INSTALLATION SPANS A CORRIDOR OF 7-METRES WIDTH. ON THE LEFT WALL ONE HUNDRED PROSTHETIC HANDS ARRANGED IN A MATRIX REVOLVE AROUND THEIR OWN VERTICAL AXIS, THE MOVEMENTS BEING CONTROLLED BY MOTORS. THE MIRRORS THEY HOLD REFLECT THE BEAM OF A STRONG LIGHT ACROSS THE SPACE AND ONTO THE OPPOSITE WALL. WHAT INITIALLY SEEMS LIKE AN ASYNCHRONOUS, CHAOTIC PATTERN OF MOVEMENT SOON REVEALS ITSELF AS A COMPLEX, COMPUTATIONAL
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流动性
该安装跨越了7米宽的走廊。在左墙上，排列成矩阵的一百个假肢手绕其自身的垂直轴旋转，其运动由电动机控制。他们持有的镜子将强光光束反射穿过整个空间并射向对面的墙壁。最初看起来像是一个异步的，混乱的运动模式，很快就显示出一种复杂的计算编排：首先，一百个光点围绕一个中心点移动，类似于行星的天体动力学或昆虫群的飞行模式。并创造出三维空间的印象。然后突然之间，这种有机振动会聚成一个表示运动和动作的汉字。

WALL
WALL是由英国Barbican组织的展览Virtual Realms: Videogames transformed六个互动装置中的一个。展览挑选了六个游戏，并且以游戏的概念为原型制作互动装置作品。WALL是由英国的The Mill工作室和日本的小岛制作组合作，以游戏《死亡搁浅》作为原型制作的装置。本工作室在项目中和The Mill合作，担任视觉设计和开发工作。沿袭《死亡搁浅》中的时空分裂，跨空间和跨时间的合作为核心概念，WALL使用两个巨大的投影玻璃墙将空间分隔为两部分。一面是代表宇宙大尺度的粒子空间，一面则是代表生物小尺度的细胞层。一侧的观众不能够直接和对面的观众互动，但是他们的身型将会被传感器捕捉并且在另一面以粉色的异世界粒子或者小型的细胞显示出来。观众则可以直接通过触摸和自己一侧的元素进行互动。装置的名字虽然叫WALL（墙），但是却在物理上隔开观众的同时通过数字手段将观众重新连接，以装置艺术的形式再现了《死亡搁浅》的核心概念。装置由基于Cinder的特制引擎制作。

Atmospheric Wall

大气波浪墙，一个新的文化地标和芝加哥首个公共艺术装置，由全球知名艺术家奥拉维尔·埃利亚松 (Olafur Eliasson) 设计。突出显示在外部杰克逊大道。墙，原件是专门为威利斯大厦创作的。大气波浪墙提供了一种免费且易于访问的方式，可以在 Loop 体验户外世界一流的艺术。
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Atmospheric wave wall, a new cultural landmark and the first public art installation in Chicago by globally acclaimed artist Olafur Eliasson. Prominently displayed on the exterior Jackson Blvd. wall, the original piece was created specifically for Willis Tower. Atmospheric wave wall provides a free and accessible way to experience world-class art outdoors in the Loop.
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Стена с атмосферными волнами, новая культурная достопримечательность и первая инсталляция в Чикаго, созданная всемирно известным художником Олафуром Элиассоном. Заметно отображается на экстерьере Jackson Blvd. стена, оригинальная часть была создана специально для Уиллис Тауэр. Стена с атмосферными волнами – это бесплатный и доступный способ познакомиться с искусством мирового класса на открытом воздухе в Loop.

ADA – ANALOG INTERACTIVE INSTALLATION
File Festival
与Tinguely的“Méta-Matics”相似，是“ ADA”具有灵魂的艺术品。它自己行动。在丁格利（Tinguely），成为一个疲惫不堪的机械人就足够了。他费力地看了一下：这台机器除了工业上的自毁能力外什么都不生产。而Karina Smigla-Bobinski创作的《 ADA》是一种后工业的“生物”，是访客动画，具有创造力的艺术家雕塑，自我形成的艺术品，类似于一种分子杂种，例如纳米生物技术中的一种。它开发了相同的旋转硅碳混合动力，小型工具以及能够生成简单结构的微型机器。 «ADA»是更大的，美学上更复杂的交互式艺术制作机器。充满氦气，自由漂浮在室内，透明的，类似膜的地球仪，掺有木炭，在墙壁，天花板和地板上留下痕迹。尽管访问者感动，但«ADA»产生的标记是非常自主的。地球获得了活泼的气氛和黑煤的痕迹，看上去像是一幅图画。地球仪开始行动，制造出由线和点组成的线条，无论其强度，表达方式如何，访客都难以控制“ ADA”以驱使她驯化她，这仍然是无法估量的。不管他尝试什么，他都会很快注意到，《 ADA》是一个独立的表演者，用图画和标志signs满原始的白墙。越来越复杂的织物结构出现。这是视觉上的动作，就像计算机一样，在输入命令后也会产生无法预料的输出。并非徒劳的《 ADA》让人想起Ada Lovelace，他在19世纪与Charles Babbage一起开发了第一台计算机原型。 Babbage提供了初步的计算机，Lovelace是第一个软件。数学与她的父亲拜伦勋爵的浪漫遗产共生于此。 Ada Lovelace打算制造一种机器，该机器能够像艺术家一样创作诗歌，音乐或图片之类的艺术品。 Karina Smigla-Bobinski的《 ADA》秉承了这一传统，同时也是Vannevar Bush的创始人，他于1930年建立了Memex Maschine（内存索引）（“我们希望Memex的行为像复杂的步道网一样通过大脑的细胞”或提花织机，为了编织花朵和叶子需要打孔卡；或Babbage的“分析机”提取算法模式。 «ADA»在当今生物技术领域兴起。她是至关重要的表演机器，随着观众参与人数的增加，线条和点的样式变得越来越复杂。留下艺术家和访客都无法解读的痕迹，更不用说«ADA»了。而且，“ ADA”的工作无疑是具有潜在的人性化的，因为对这些标志和图画唯一可用的解码方法是，我们的大脑在睡觉时最多只能联想到这种联系：梦tru以求的严峻爵士乐。 （由Arnd Wesemann撰写）

Magnus Celestii 是Joseph Walsh工作室第一件此类规模的作品。作品名称来源于拉丁文Magnus（“大”）和Celesti（天空的）。Joseph十分注重体验，这个大规模的装置可以让参观者流连其间。这个线条自由的大型雕塑用一层层的橄榄木构成，从地板蜿蜒上升至天花板。从开端的桌面造型向外扩散直到包围整个“艺术之家”的空间，最终悬挂栖息在画廊侧墙上成为大的搁架。“艺术之家”的展览空间为Joseph提供了在Roche Court新艺术中心特有环境下诠释形态和功能关系的机会。

زها حديد
扎哈·哈迪德
זאהה חדיד
ザハ·ハディド
Заха Хадид
Heydar Aliyev Center
与她之前的建筑（如北京银河 SOHO）风格一致，外部呈现出连续起伏的曲线，流畅动感。内部则独有一套空间架构体系——为实现从天花板、墙壁到地板的紧密对接，除了材料上的尝试（如选择可塑性强大的激光熔覆材料），建筑团队还需对空间进行复杂的形状计算。扎哈·哈迪德又一次玩转空间和几何结构，让建筑大胆地优美着。

crystal display
“亚当·费里斯（Adam Ferriss）是具有技术意识的创意者之一，他们能够利用他不断增长的代码和处理知识，利用建筑美学奇妙的数字艺术来供我们其他人欣赏。 他的影像让我觉得自己像是迷上了迷幻药，走进了游乐场中那些疯狂的房子之一，那里的每堵墙上都有巨大的错觉，地板一直在你的脚下移动，除非这些是使用算法制作的 和编码框架[…]”

Oyster EB-124
新泽西艺术家Madiha Siraj经常使用日常材料如粘土，纱，或油漆色板来有创造性的操作空间。对于这个工作，她的每一寸经过设计的地方都被填充了小的长方形色板来营造出一个色彩丰富，像素画的空间。在这样做的时候，她将白墙和光秃秃的地板变成了一个迷人的空间。当人们选择以步行的方式走过这片区域的时候，他们无疑会被迷住。在工作中，她也重新定义了一个小色块的意义，当它们被排列成一个集体化安排，就会成为全新的东西。“通过她的设施，Siraj试图挑战观众们感知，识别的标准。”

LISTEN WITH HEADPHONES
由杰奎琳·吉米·戈登（Jacqueline Kiyomi Gordon）在旧金山Yerba Buena艺术中心（YBCA）的新展览系列“控制：文化中的技术，无时无刻不在发生”中建造，是一种塑造声音，运动和感知的装置。该装置雄心勃勃，具有建筑雄心，需要探索一个房间，房间内布满11.1.4环绕立体声系统和定制的减震声板，以突出艺术家所描述的“声音之间移动，声音内部移动之间的交换”的含义。雕塑，与其他人一起移动”，并在此过程中产生“亲密感”。借用消音室和声学测试实验室中使用的隔音板的材料和几何形状，戈登的身临其境的声音环境部署了临床声音设计，以进行探索和互动。
位于“戈登（Gordon）”空间中央的位置是“爱的座位（Love Seat）”，这是一对相邻的围墙，游客可以坐在那里聆听。聆听者共享一个共同的视线，但在身体上是分开的，他们可以在相对（相对）的声音隔离中享受片刻。在展览随附的文章中，“控制：文化中的技术”策展人策奇·莫斯（Ceci Moss）简洁地将戈登的方法描述为“调音的情绪”，以“进入并指挥”进入该空间的人。
不出所料，戈登竭尽全力地雕刻了《永远发生的一切》中的音响效果，在展览中她看到她与Meyer Sound Laboratories的专家紧密合作。她在下面的视频中简要地介绍了她的过程，并且值得深入研究创建者在该项目上的帖子，因为它提供了一些有价值的“细节”，以及合作者Jon Leidecker（又名Wobbly）和Zackery Belanger的评论。

على فوجيموتو
후지모토에
על פוג’ימוטו
НА ФУДЗИМОТО
Budapest’s House of Hungarian Music
Sou Fujimoto（藤本壮介）成为了三个入围匈牙利综合博物馆项目的设计团队，项目位于匈牙利首都布达佩斯城市公园（Budapest’s City Park），Sou Fujimoto（藤本壮介）负责五个场馆中的匈牙利音乐厅的设计（House of Hungarian Music）。
藤本的这次创作试图以纯净的玻璃幕墙作为四面的围护结构，屋顶是一个白色的充满孔洞的大天棚，让人联想到一朵巨大的蘑菇。孔洞会继续想内部的地面下方延伸，为地下的功能房间提供采光的功能。

Black Chords
萨丹·阿菲夫（SaâdaneAfif）被定义为“概念后”，其工作涉及解释，交流和发行。它以多种形式（表演，物体，雕塑，文字，海报和霓虹灯作品）作为展览的生产或激活的借口。在2004年埃森（Essen）的一场演出中，他请莉莉·雷诺·杜瓦（Lili Reynaud Dewar）写了一首受他的艺术作品启发的歌曲；这是名为“歌词”的系列的开始，他以此取代了作者，并与其他艺术家或作家合作。通常使用全息自粘纸将文本或声明转移到墙上。 Afif的练习植根于音乐：乐谱，乐器，放大器，扬声器，麦克风，音乐会是他的词汇或媒体的一部分。其他经常发生的利益包括时间的流逝（头骨，钟表），挪用，重制或重复以及意义的转移以及对制度的批判。 Afif在2010年写道：“我今天的作品不依赖于对象：它是通过元素的积累或交织而发展起来的，这些元素或多或少可见。”

sagarmatha
在画廊的这次展览中，艺术家提供了一系列近期作品，包括原始作品和对大型壁画安提波德群岛的原位修复。珠穆朗玛峰：地理乌托邦，是19世纪的梦想，是世界悖论的一部分，当今世界的访问变得越来越琐碎，频繁，其中未知的地区正朝着虚拟领土发展。但是，这座山，就像是一个与历史，政治，竞争和欲望联系在一起的地理典范，一个“记录”的空间，我们可以通过地理和地理赋予我们的数字和图像来感知。一个人可以拥有的经验。在这里，珠穆朗玛峰作为一个纯净的物体站立，由木头制成，漆成白色，它出现在一个极简的高峰中，每个水滴都产生了额外的变化，与投射在墙上的视频移动灯泡的那些呼应相呼应…图案重复并缓慢移动，例如重复和迷幻音乐。
要从矛盾的角度体验宇宙的复制品，请执行以下操作：
在全局和理性的视野中感觉到风景之外（我们对地图进行概览），同时又迷失在内部（比例尺和传说消失），例如在“真实”空间中，因此，必然是主观的。
光线和节奏的变化，数字时间流逝在山上的标志，转移了视觉体验，每一次脉冲都会改变装置和观众的感知

How Deep is Your
朱利安·斯沃兹（Julianne Swartz）是deCordova雕塑公园和博物馆以及斯科茨代尔当代艺术博物馆（SMoCA）组织的一项调查的主题。朱莉安·斯沃兹（Julianne Swartz）由Rachael Arauz策划，在艺术家的全力参与下：《你的深度有多深》第一次聚集了一大批斯沃兹的装置和雕塑，邀请观众优雅，幽默和有智慧地参与其中。
Swartz以其独特的高科技和低技术材料融合而广受赞誉，既利用现有技术又利用自制技术，并且经常使观众的短暂存在成为其作品的基础。她的作品悄悄地庆祝矛盾和二分法，吸引着细心的访客放慢脚步，增强自己的感官。她使用的镜头可以将平凡的物体和隐藏的位置转换成神奇的运动图像，镜子可以使观看者的空间感知和自我意识变得混乱，乙烯基墙壁上的图画可以引导观看者进入秘密的建筑空间，PVC管和扬声器可以使建筑与其进行交流。居民。她的某些雕塑颠覆性地包含了“新媒体”或“视频”的外观，以揭示手工制作的简单性，促使观众质疑我们文化与技术的关系

White is the collor
“戴安娜·撒切尔（Diana Thater）的视频装置描述了技术媒介的本质，同时揭示了媒体表征的机制。 Thater已将红色，绿色和蓝色的凝胶（代表视频的基本色）应用到博物馆咖啡馆的玻璃墙上，既改变了整个空间的色彩，同时又向我们介绍了她的工作方式。 咖啡厅内和自然历史博物馆植物学馆内的视频投影都是针对特定地点的作品，延续了撒德尔的主题，即关注动物，人类与技术之间的关系，以及在文化影响之外体验自然的可能性。 ” – CMOA

ДЭНИЕЛ ФИРМАН
丹尼尔·菲尔曼
دانيال فيرمان

法国出生的艺术家丹尼尔·菲尔曼（Daniel Firman）出生于1966年。他目前在巴黎工作并居住。 他的真人大小的石膏塑像雕塑特别吸引人。 在大多数情况下，它们以奇怪的形式排列-彼此平衡，向后或侧向爬行-以及悬于空中或悬空在金属条上的各种悬架上。 无论如何，我都很喜欢它们的动画效果。 这些脸总是隐藏在墙壁上，地板上或衣服或头发上。 这些人体模型出奇地现实，而Firman则在他的作品中大加幽默。

Deep Walls

《 Deep Walls》是投影的电影回忆内阁。当一个人走进其投影光束时，交互式墙开始记录他的阴影以及跟随者的阴影。当最后一个人离开框架时，阴影在十六个矩形小橱柜中的一个内无限重播。与结构主义电影一样，重复性视频的收集成为其自身的对象，而不是严格地具有代表性的“电影”。 “深墙”在电影循环之间创建了复杂的时间关系。每个小阴影胶片都有精确的记录持续时间：从几秒钟到几小时。 16帧之间的时间关系变得复杂（以类似于Brian Eno的磁带循环实验的方式），将不同持续时间的单个记录循环播放，以创建连续几天都不重复的构图。 Deep Walls的灵感来自Jan Svankmajer和Quay Brothers的超现实主义电影以及Joseph Cornell的雕塑。在他们的电影和雕塑中，小尸体和强迫性地收藏在橱柜和抽屉中的物品代表着心理和精神状态。组织的理性过程带来了一种无意识的非理性。 Deep Walls的名称受到建筑师克里斯托弗·亚历山大（Christopher Alexander）的“图案语言”（Pattern Language）设计图案的启发。他建议建造厚厚的房屋墙壁，以便居民自己可以雕刻出橱柜，抽屉和窗户来个性化房屋。本着亚历山大的精神，这部作品逐渐记住了其表面上的环境内容。