Unity
In seinem fünfminütigen Stop-Motion-Animationsvideo Unity erzählt Tobias Stretch eine zeitlose Geschichte von Liebe, Tod und Auferstehung in eindringlichen Bildern. Das Stück wurde vom Avantgarde-Komponisten Christopher Bono vertont und besteht aus mehr als 10.000 Fotografien. Es enthält 10 Fuß hohe baumähnliche Puppen mit beweglichen Gliedmaßen und seelenvollen menschlichen Augen. “Die zutiefst expressionistische Opernarbeit beruht weniger auf linearen Strukturen als auf evokativen mythologischen Vorstellungen von Zeit und Veränderung”, bemerkt Feature Shoot.

Die Freiheit der Farbe
Der französisch-venezolanische Carlos Cruz-Diez (1923 – 2019), eine Figur von einzigartiger Flugbahn in der zeitgenössischen Kunst, widmete sein Leben dem Studium der Farbe in der zeitgenössischen Kunst. Als produktiver Künstler, Autor von Gemälden, Fotografien und Installationen entfernte er seine Kreationen nach und nach aus Formen, Anekdoten, Symbolen und sogar Zeichen, indem er radikal in die Farbe selbst eintauchte – es befreit so viel von dem dekorativen oder sekundären Aspekt in der künstlerischen Darstellung. Seine umfangreiche Arbeit wird jetzt in der Ausstellung Cruz-Diez gefeiert: Die Freiheit der Farben, Ausstellung im Espaço Cultural Porto Seguro, kuratiert von Rodrigo Villela.

Excellences and Perfections

“Sie ist eine multidisziplinäre Künstlerin, die von frühen Webarbeiten und Online-Performances bis hin zu neuen Stücken, die skulpturale Formen annehmen und Installationen, Fotografien und Performance-Acts beinhalten, je nach Projekt, Ausstellung oder Werk unterschiedliche Techniken anwendet. Er versucht, ein Gespräch und eine kritische Spannung zwischen Konzept und Gerät zu erzeugen. Eines seiner Netzkunstprojekte ist Excellences and Perfections. In den sechs Monaten des Jahres 2014 hat Ulman eine Geschichte über Instagram-Posts erstellt, die nicht seine eigene war, obwohl er sie mit seinem Namen signiert hat. Es erzählte von den Erfahrungen eines Zwanzigjährigen, der in der Stadt Los Angeles Erfolg haben wollte. Sie löste sich von ihrem Freund, injizierte Botox, nahm Drogen, unterzog sich einer Schönheitsoperation, erlitt einen Nervenzusammenbruch und tauchte wieder auf, nachdem sie den Tiefpunkt erreicht hatte. Sie erstellte einen vollständigen Bericht mit Hashtags und dem Image und der Ähnlichkeit der Profile vieler Mädchen ihres Alters, die sie im sozialen Netzwerk gefunden hatte. Während sie Tausende von Anhängern mit ihrer Fiktion begeisterte, hatte sie das Projekt bereits mehreren künstlerischen Institutionen in vorgeschlagen Nueva York und stellte es schließlich in der Tate Modern und WhiteChapel Gallery in London aus. So führte er in der Kunstwelt eine Debatte darüber, ob Instagram in Museen eintreten sollte.” Carlos Trilnick

project Plain
Die Fotografin und Art Directorin Kirsten Becken kreiert auch ohne Hilfe wunderschöne Bilder. Für ihr freies Projekt »Plain« hat sie sich dennoch mit anderen Kreativen zusammengetan und ihre Fotografien in fremde Hände gegeben: acht Designer und Illustratoren durften sich auf Fotos von Kirsten Becken austoben und sie nach eigenen Wünschen weitergestalten.

Ich muss immer wiederholen
Es ist schwer zu bestimmen, mit welchen Medien die deutsche Künstlerin Alma Haser tatsächlich arbeitet: Ihre Serien umfassen Fotografie, Collagen, Neufotografien von Drucken und das Zusammenweben mehrerer Bilder, um ein Gleichgewicht zwischen Zeit und Raum herzustellen. Nehmen wir zum Beispiel, ich muss mich immer wiederholen. Jedes Stück überlagert zwei oder mehr Drucke entweder physisch (Weben oder Überlagern von Streifen verschiedener Fotografien, um ein Gefühl von Tiefe und Dimension zu erzeugen) oder innerhalb eines neuen Rahmens schwindelerregende und desorientierende neue Sicht auf Porträt und Bilderzeugung.

PROJECT PLAIN
Kirsten Becken lässt im Projekt »Plain« ihre Fotografien von Designern und Illustratoren weiter gestalten. Jetzt ging es in die zweite Runde.
Die Fotografin und Art Directorin Kirsten Becken kreiert auch ohne Hilfe wunderschöne Bilder. Für ihr freies Projekt »Plain« hat sie sich dennoch mit anderen Kreativen zusammengetan und ihre Fotografien in fremde

村山诚泰
inorganic flora
Die wunderschöne Flora Inorganic-Serie wurde vom japanischen Künstler Macoto Murayama kreiert. Der Weg wurde in Fotografien und botanischen Illustrationen nicht gründlich untersucht. Dies bietet eine neue Form der Präsentation von Pflanzen, nicht mehr aus der komischen Vielfalt von Schweinen und Visionen in botanischen Illustrationen.

PROJECT PLAIN
Kirsten Becken lässt im Projekt »Plain« ihre Fotografien von Designern und Illustratoren weiter gestalten. Jetzt ging es in die zweite Runde.
Die Fotografin und Art Directorin Kirsten Becken kreiert auch ohne Hilfe wunderschöne Bilder. Für ihr freies Projekt »Plain« hat sie sich dennoch mit anderen Kreativen zusammengetan und ihre Fotografien in fremde Hände gegeben: acht Designer und Illustratoren durften sich auf Fotos von Kirsten Becken austoben und sie nach eigenen Wünschen weitergestalten.

ЮНГ ЧЕНГ ЛИН
يونغ تشنغ لين

Die fotografischen Experimente des Künstlers Cheng Yung Lin, auch bekannt als 3 cm, zeigen die menschliche Anatomie aus einem anderen Blickwinkel, wobei Elemente wie Linien, Pflanzen, Süßigkeiten usw. verwendet werden, um sich surreale und geometrische Kompositionen vorzustellen. Einige der konzeptuellen Fotografien sind intensiv und verstörend und lassen uns die Beziehung zwischen unserem Körper und organischer Materie in Frage stellen.

Gardens
performance
Die in New York lebende renommierte Künstlerin Georgia Sagri baute in der MelasPapadopoulos-Galerie in Athen ein flexibles Arrangement von Gärten. Pflanzen wachsen, Plastik- und Keramikobjekte erscheinen, Handlungen werden von der Künstlerin in ihrer Performance verfolgt und nachgebildet. Letzte Nacht war der erste der drei aufeinander folgenden Abende. Die Gärten, modulare Kisten mit aromatischen Pflanzen, verstreuten Skulpturen und angehängten Bänken, verweisen auf einen Ort der Einschließung, eine Bühne, in der Schauspieler und Betrachter unter bereits gebildeten Erzählstrukturen zusammengefasst sind. Doch Sagri bietet in dem Versuch, den tragischen Fall sozialer und politischer Fantasien außer Kraft zu setzen, das Liebesereignis des französischen Philosophen Alain Badiou – „Romantik als materielles Ende verkörperte Praxis des Produzierens von Wundern“ – als möglichen Raum für die Produktion von Wahrheit Installation, eine Performance / Schleife, eine PowerPoint-Präsentation, eine Reihe von Fotografien und Zeichnungen sowie eine Sammlung von Texten des Künstlers.

ليونيد تيشكوف
private moon
Der in Moskau geborene Arzt wurde zum Avantgarde-Künstler. Leonid Tishkov ist mit seiner mobilen Kunstinstallation „Private Moon“ um die Welt gereist und erzählt die Geschichte eines Mannes, der den Mond getroffen hat und für immer bei ihr geblieben ist, sagt Tishkov. Das Projekt erfasst eine Reihe stilisierter und sentimentaler Fotografien von sich selbst mit einem großen künstlich beleuchteten Halbmond, die an verschiedenen Orten in China, Neuseeland, Taiwan, der Arktis und Frankreich aufgenommen wurden. „Der Mond ist ein leuchtender Punkt, der Menschen aus verschiedenen Ländern, verschiedenen Nationalitäten und Kulturen zusammenbringt – und jeder, der sich in seiner Umlaufbahn befindet, vergisst ihn nie. es gibt Märchen und Gedichte in unserer prosy und kaufmännischen Welt. “

Rot mit weißen Punkten
Guda Koster ist ein niederländischer Künstler, der lebende Skulpturen und Performances schafft, deren Ergebnisse die Fotografien sind. Kosters Werke entstehen in Parallelen von Zeit, Raum und Textil. In ihren Arbeiten verwendet Koster Stoffe, Farben und Muster, die die Codes und Bedeutungen unterstreichen, die unsere Kleidung vermittelt.

Soleil
Loan Nguyens fotografisches Schaffen besteht im Grunde aus einer einzigen offenen Serie namens “Mobile”, bearbeitet seit 2003. Auch verfolgt sie im Wesentlichen eine Strategie: In nahezu allen Aufnahmen erscheint sie selbst. Dem nicht eingeweihten Betrachter ist sie zunächst eine anonyme Figur – vor einem landschaftlichem oder architektonischem Hintergrund. Mit verhaltenen und stillen Gesten deutet Loan Nguyen auf etwas, macht etwas vor, weist sich über ihre bloße Anwesenheit im Bild eine Stelle in der Welt zu. “Stellenweise” heißt deshalb vielleicht die Ausstellung. Anlage und Komposition der einzelnen Fotografien sind entschieden malerische.Ihre Arbeit lässt sich aber auch im Zusammenhang von Themen wie “Heimat” und “Migration” interpretieren. Zwar ist Loan Nguyen 1977 in Lausanne geboren, aber ihr Vater kam einst aus Vietnam in die Schweiz. Daraus ist das Projekt, “De-Retour” entstanden. Es zeigt die Reise ihres Vaters, Schweizer Staatsbürger wie sie, zurück in das Land seiner Kindheit nach 38-jähriger Abwesenheit. Darüber sagte Loan Nguyen selbst: Während dieser Aufenthalte fotografierte ich Landschaften, Objekte, die Menschen, die wir kennenlernten, und viele Hinweise und Zeichen, die uns mit diesem Land verbinden. Ich fotografierte meinen Vater, wie er vertraute, aber vergessene Orte wiederentdeckte, alte Freunde wiedertraf, deren Gesichter sich genauso verändert hatten wie das Land selbst.

Self-Portrait at Three Years Old

In den letzten zwei Jahrzehnten haben Gillian Wearings Filme, Fotografien und Skulpturen öffentliche Persönlichkeiten und das Privatleben untersucht. Seit Beginn ihrer Karriere hat die Künstlerin Theatertechniken, Reality-Fernsehen und Fly-on-the-Wall-Dokumentarfilme verwendet, um Erzählungen zu konstruieren, die persönliche Fantasien und Geständnisse, individuelle Traumata, Kulturgeschichten und die Rolle der Medien. Die Anonymität durch aufwändige Masken, Kostüme und Rollenspiele ist nach wie vor ein kritischer Bestandteil von Wearings Praxis und einflussreicher Untersuchung der Art und Weise, wie sich Individuen anderen präsentieren, wenn das Selbst vorübergehend verborgen ist.

container Projekt

“Die Auseinandersetzung mit Utopien und dem Identitätsgehalt von Architektur, Raum und Alltagsgegenständen, sowie die Untersuchung von Wahrnehmungsprozessen, sozialer Interaktion, Kommunikation und die Transformation urbaner Raumsituationen sowie die Form, kulturelle Prägung und Konstitution von Raum und Lebenswelt sind zentrale Themen, die Annett Zinsmeister in ihren künstlerischen Arbeiten neu verhandelt: in Raum – Installationen, konzeptuellen und gebauten Räumen, in Fotografien, Zeichnungen, Collagen, im Film sowie in theoretischen Abhandlungen. Kultur- und medientheoretische Ansätze sind Teil ihrer konzeptuell geprägten künstlerischen Praxis, die ohne erklärende Erläuterungen eine große Wirkungsmacht entfaltet. Zinsmeisters Werke wurden mit Preisen ausgezeichnet und sind in internationalen Gruppen- und Einzelausstellungen zu sehen. Sie sind in öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten und international in Magazinen, Fachzeitschriften, Katalogen, Fachbüchern publiziert. Ihre Installationen fordern unsere Wahrnehmung heraus, entlarven alltägliche Gewohnheiten und legen den Antagonismus utopischer Ansätze und unserer sozialen und gebauten Umwelt offen. Annett Zinsmeisters Arbeit eröffnet neue Perspektiven und ungeahnte Potentiale hinsichtlich unwirtlicher, verlassener Orte und initiieren Prozesse urbaner Interventionen und Transformationen. Mit ihrer Überzeugung und ihrem Glauben an interdisziplinaere Kommunikation und Interaktion, führt sie in zahlreichen Veranstaltungskonzeptionen Vertreter unterschiedlichster Disziplinen in einen lebendigen und zukunftsweisenden Dialog.”

Sound Poem

Studio Schwitters ist Pavel Büchlers Hommage an das Klanggedicht des Dada-Künstlers Kurt Schwitters, The Ursonate, seine „Ursonate“ oder die Vorstellung, wie eine Sonate vor der Erfindung der Sprache ausgesehen und geklungen hätte. Mit einem digitalen deutschen Sprachprogramm ließ Büchler den gesamten Text von The Ursonate lesen und produzierte eindrucksvoll seine eigene außerirdische Interpretation von Schwitters ‘einundzwanzigminütiger Originalversion der Sonate. Das Programm bringt die sehr klassische Struktur von Ursonate entschlossen zum Ausdruck, verändert Inhalt und Struktur radikal und verlängert das Stück auf neununddreißig Minuten. The Ursonate wird von vielen als eines der einflussreichsten und wichtigsten großen Klanggedichte des 20. Jahrhunderts angesehen und von Klangkünstlern auf der ganzen Welt neu interpretiert. Schwitters ‘eigene Aufnahme ging für viele Jahre verloren und tauchte schließlich Ende der 1980er Jahre in Holland auf. Pavel Büchler beschreibt seine Arbeit als „nichts geschehen lassen“ und betrachtet Kunst als Katalysator, um den Alltag und das Offensichtliche als letztendlich bizarr zu enthüllen. Er manipuliert Literatur, gefundene Objekte, alte Audioaufnahmen und Fotografien, veraltete Technologien und andere Medien und macht sie für die Gegenwart relevant.