Gravitatorische Behauptungen
Aus der transdisziplinären Zusammenarbeit ist die Idee einer ephemeren Installation hervorgegangen, der die Linie als Basiselement zugrunde liegt. In einer Live-Performance kann im Laufe der Ausstellung beobachtet werden, wie künstlerische Inspiration und physikalische Kräfte aufeinandertreffen – und Roboter vom Werkzeug zur «(mit)kreierenden» Maschine mutieren. Künstliche Intelligenzen drängen immer stärker in die unterschiedlichsten Bereiche unseres Lebens. Viele Fragen drehen sich dabei um die Menschlichkeit von Robotern. Was passiert, wenn man die Maschine weiterdenken und weiterführen lässt, was der Mensch initiiert hat? Auch in der Kunst ist die Thematik relevant: Wie lassen sich Roboter in die künstlerische Produktion einbeziehen? Wer oder was bestimmt die Form? Wie geht man um mit der Ungewissheit über die eigentliche Autorschaft? Seit deren Anfang ist der Einsatz von Maschinen in den künstlerischen Prozess zwar einbezogen, ihr Anteil daran jedoch immer wieder auch hinterfragt worden.

Zeichenvorgänge
Sougwen Chung ist eine international bekannte multidisziplinäre Künstlerin, die handgezeichnete und computergenerierte Markierungen verwendet, um die Nähe zwischen der Kommunikation von Person zu Person und der Kommunikation von Person zu Maschine zu untersuchen. Sie ist eine ehemalige Forscherin am MIT Media Lab und derzeit Artist in Resident bei Bell Labs und dem New Museum of Contemporary Art in New York. Ihre spekulative kritische Praxis umfasst Installation, Skulptur, Standbild, Zeichnung und Performance. Drawing Operations Unit: Generation 1 ist die erste Stufe einer laufenden Studie über die Interaktion zwischen Mensch und Roboter als künstlerische Zusammenarbeit.

Ring (do/undo/redo)
Auf Initiative der Stadt Leipzig wurde die Installation für einen Partizipationsprozess und die Zusammenarbeit mit mehreren lokalen NGOs und Aktivisten mit den Schwerpunkten Jugend, Zukunft und Nachhaltigkeit geöffnet. Die während des Prozesses erarbeiteten Ideen und zwei Workshops, die im Juni und August in Leipzig stattfanden, haben sowohl den Videoinhalt als auch die endgültige Definition der Wand beeinflusst.

Take Out – Chopsticks Mirror
“Take Out – Chopsticks Mirror” verwandelt ein vertrautes Essgeschirr in ein Porträtelement. Obwohl das Kunstwerk von Natur aus mechanisch ist, versucht es, ein Porträt des Betrachters zu reflektieren, indem es die Fluidität seiner Bewegung widerspiegelt. Das resultierende Porträt ist ein interaktives Bild, das Rozin untersucht durch den Zwang eindimensionaler linearer Objekte. Dieses Stück fungiert als Experiment mit Interaktion jenseits der Reflexion und lädt zu Reaktionen des Stücks selbst (Gesten der Freundlichkeit, Erschrockenheit, Zurückhaltung) sowie generativer Routinen ein 480 Essstäbchen Drumming sind in Zusammenarbeit mit der Komponistin Tamar Muskal arrangiert.

Reaktorhaus
ReActor balanciert auf einer einzelnen Säule und wirbelt herum, wenn der Wind weht und sich wie mit dem Gewicht seiner Bewohner wie eine Wippe neigt. Dieses Projekt ist das fünfte Projekt, das in Zusammenarbeit mit Ward Shelley durchgeführt wurde. Es wurde auf einem Hügel im Architekturfeld des OMI International Arts Center errichtet

In der Umlaufbahn
Auf dem Territorium der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen in Deutschland ist eine riesige Installation “In Orbit” mit einer Höhe von über zwanzig Metern gewachsen. Präsentiert von Tomás Saraceno, berühmt für seine faszinierenden utopischen Projekte, ist es als eine Reihe von Netzwerken konzipiert, die durchquert werden können. Die Struktur von drei Ebenen ähnelt Wolken und nur die Wagemutigsten können hoch zur Glaskuppel klettern. Die Installation “In Orbit” ist das größte aller Werke des Künstlers, und es dauerte drei Jahre enger Zusammenarbeit mit Ingenieuren, Architekten und Arachnologen, um sie zu entwerfen. Bau mit einer Fläche von 2.500 qm. Meter wiegen nur 3.000 Kilogramm und lösen die Grenzen zwischen Kunst und Wissenschaft auf.

H.O.R.T.U.S. XL Astaxanthin.g menschlicher Garten
H.O.R.T.U.S. XL Astaxanthin.g ist eine hochauflösende 3D-gedruckte Bioskulptur in großem Maßstab, die sowohl für menschliches als auch für nicht menschliches Leben empfänglich ist. Das Projekt wurde von Claudia Pasquero und Marco Poletto (ecoLogicStudio) konzipiert und in Zusammenarbeit mit dem Synthetic Landscape Lab der Universität Innsbruck entwickelt.

Rote Lichtmaschine
Stahl, Aluminium, Mikroprozessor, Gleichstrommotor, Licht. UJOO + LIMHEEYOUNG ist der Ehemann und die Ehefrau von UJOO- und LIMHEEYOUNG-Medienkünstlern. Seitdem sie zusammenarbeiten, um sich auf den ersten Designwettbewerb im Jahr 2004 vorzubereiten, sind sie an Projekten beteiligt, die verschiedene visuelle Ausdrucksmittel verwenden. KINECT ausdrucksstarke Skulpturen, Zeichnungen und interaktive Echtzeitvideos lösen das Thema Absolutheit

“Körper ohne Organe”
“Körper ohne Organe” ist eine Installation, die die materialbasierten Gemälde von Sean Robert Fitzgerald neben der spielerischen unkonventionellen Skulptur von Alex Da Corte zeigt. Zusammen ist die Arbeit spielerisch, aber die kombinierten Farben und Materialien schaffen eine unheimliche traumhafte Umgebung. Wir konnten mit Sean sprechen und einen Einblick in die Zusammenarbeit bei der Show bekommen, während wir gleichzeitig einen Galerieraum betrieben und Shows kuratierten. Nach unserem Interview wunderten wir uns oben in den Atelierräumen, in denen sich Seans eigenes Studio befindet.

Иньиго Manglano-Оваллье
Manglano-Ovalles technologisch anspruchsvolle Skulpturen und Videoinstallationen verwenden natürliche Formen wie Wolken, Eisberge und DNA als Metaphern für das Verständnis sozialer Probleme wie Einwanderung, Waffengewalt und menschliches Klonen. In Zusammenarbeit mit Astrophysikern, Meteorologen und medizinischen Ethikern nutzt Manglano-Ovalle außerirdische Funksignale, Wettermuster und biologischen Code und wandelt reine Daten in digitale Videoprojektionen und Skulpturen um, die durch Computer-Rendering realisiert wurden. Seine Strategie, die Natur durch Informationen darzustellen, führt zu einer Untersuchung der zugrunde liegenden Kräfte, die den Planeten formen, sowie der Punkte menschlicher Interaktion und Eingriffe in die Umwelt. Manglano-Ovalle beschäftigt sich mit Schnittpunkten zwischen lokalen und globalen Gemeinschaften und betont die Komplexität von Ökosystemen.

Felinanthropy

Die ökologischen Anliegen von art oriente objet führten zu Kunst, die offenbar eng mit einer Handwerkstradition verbunden ist, in der Recycling und Wiederverwendung wichtig sind. Ihre Verwendung von recycelten Materialien verleiht ihrer Kunst einen Aspekt des meisterhaften Bastelns. Tatsächlich erstrecken sich ihre Vorstellungen von Recycling auch auf bereits etablierte Ideen, die sie von Beginn ihrer Zusammenarbeit an als bereitwillig definiert haben. Ihre Arbeit in Bezug auf Biotechnologie hat ihnen einen Platz in der BioArt-Bewegung eingebracht (Jens Hauser, Le Lieu Unique, 2004) und sie werden oft zu den Künstlern an der Grenze zwischen Kunst und Wissenschaft gezählt. Darüber hinaus können sie als Künstler des sozialen Beobachters oder als Künstler des Anthropologen betrachtet werden, die das Experimentieren mit Systemen fördern, die sie formal analysieren. Darüber hinaus ist Marion Laval-Jeantet als professionelle Praktikerin für Ethnologie und Psychologie mit diesen Problemen konfrontiert. Ihre Vorgehensweise besteht darin, Lebenserfahrungen aus einem direkten Eintauchen in ein Erfahrungsfeld zu gewinnen, auf dem sie die Schaffung einer übertragbaren Vision und eines aktiven Objekts aufbauen.

卡斯滕·尼古拉
קרסטן ניקולאי
カールステン·ニコライ
Pionier

Der Installationskünstler produziert oft Musik unter dem Namen Alva Noto und leitet mit seinem Freund Olaf Bender das Label Raster-Norton. Die Projekte des Teams experimentieren mit der Verschmelzung von Klang, Kunst und Design. Nicolais Arbeit umfasst die Spannung, die Unfällen innewohnt. In unserem Videoprofil des Schöpfers (oben) erklärt er, dass Störungen seine Daten häufig auf frische und aufregende Weise beschädigen. “Defekte Elemente werden als Grundlage für Musik verwendet”, sagt Nicolai. “Sie haben keine Kontrolle darüber, was passiert. Natürlich läuft etwas schief, aber es ist wirklich aufregend. ” Und bei seinen Erkundungen von Klängen und Bildern arbeitet Nicolai daran, einige unfaire Annahmen zu zerstören, die sein Publikum möglicherweise hat. “Die Vorstellung, dass elektronische Musik kalt ist und keine Emotionen aufweist, hat mit den Gewohnheiten der Menschen in Bezug auf Musik zu tun.” Nicolai ist sich bewusst, dass einige seiner Projekte diese unfaire Konzeption widerlegt haben – nämlich seine Zusammenarbeit mit Ryuichi Sakamoto, in der „starke emotionale Situationen geschaffen wurden“. Die Pionier I-Ausstellung von Carsten Nicolai kommt am kommenden Freitag, dem 23. September, in die Pace Gallery in New York City. Die Installation zeigt die Expansion und Kontraktion eines Fallschirms aus weißer Seide. Nicolai ist fasziniert von Widersprüchen. „Wir Menschen versuchen immer mehr, Maschinen zum Denken zu befähigen, aber gleichzeitig versuchen wir, immer mehr Mechaniker zu werden. In gewisser Weise ist es fantastisch, dass wir uns permanent dieser Polarität und diesem Konflikt aussetzen. “