Trampoline Rebondissant
La conception est formée de modules gonflables, comme des bouées de sauvetage géantes, de 30 mètres de diamètre. Dans la partie centrale de chaque anneau, un treillis trampoline est tendu. Les bouées flottantes, fabriquées en membrane PVC, sont attachées entre elles par des cordes pour former un ensemble stable et autoportant. Chaque module sous tension – rempli de 3700 mètres cubes d’air – se développe dans l’espace avec une forme en arc. Conçu entièrement en matériaux légers, le projet traverse la seine en un point précis ; il peut bien entendu s’adapter à des dimensions plus ou moins importantes sur d’autres sites. Située en relation directe avec la tour eiffel, l’installation devient le symbole d’une architecture éphémère conçue pour offrir une expérience unique : une vue sur tout Paris.

Lauren
J’essaie de devenir une version humaine d’Amazon Alexa, une intelligence domestique intelligente pour les personnes dans leur propre maison. Le spectacle dure jusqu’à une semaine. Cela commence par l’installation d’une série d’appareils intelligents en réseau conçus sur mesure (y compris des caméras, des microphones, des commutateurs, des serrures de porte, des robinets et d’autres appareils électroniques). Je surveille ensuite la personne à distance 24h/24 et 7j/7 et contrôle tous les aspects de son domicile. Je vise à être meilleur qu’une IA car je peux les comprendre en tant que personne et anticiper leurs besoins. La relation qui s’en dégage s’inscrit dans l’espace ambigu entre homme-machine et homme-humain.

Perspective du cadre
Mesurant 30m x 30m x 2,4m et doté de lumières LED et de 8 canaux audio, Frame Perspective transforme un espace caverneux à la Maison de la Région. A des dates précises tout au long du festival Constellations, Ratsi a préparé un programme lumière dans l’espace, accompagné d’une composition sonore interprétée par Thomas Vaquié (voir le programme du festival pour plus de détails). Frame Perspective poursuit l’interrogation de Ratsi sur la réalité à travers la création d’espaces exploratoires et périphériques. Les formes répétitives de l’installation créent de nouvelles dimensions dans la Maison de la Région, interrompant les lignes de l’architecture. Pendant ce temps, la composition des lumières et des sons en interaction perturbe les textures sonores et visuelles de l’espace et résonne avec le visiteur sur des fréquences inexplorées. L’effet est de plonger le visiteur dans un environnement fluctuant qui relie les technologies numériques aux espaces physiques et soulève des questions sur la façon dont la réalité est construite et vécue dans les domaines numérique, physique et autres.

Pixel
Les œuvres qu’il crée introduisent souvent des chevauchements surprenants et ludiques entre le physique et le numérique dans l’espace public, où ils sont confrontés à un large public. Ses œuvres ne sont pas destinées à être présentées dans l’espace traditionnel du cube blanc, mais plutôt dans des rues bondées, des festivals en plein air ou des paysages ouverts où elles deviennent un sujet à diverses influences, où elles peuvent non seulement être regardées mais aussi touchées et jouées. L’élément de participation est en fait souvent inhérent à la conception des installations de Vorwerk, qui sont complétées par l’engagement du public. Leur caractère organique leur permet de changer continuellement et d’être toujours influencés par le contexte dans lequel ils sont placés.

Transcending Boundaries

Transcending Boundaries vise à explorer le rôle de la technologie numérique dans la transcendance des frontières physiques et conceptuelles qui existent entre différentes œuvres d’art, avec l’imagerie d’une œuvre se libérant du cadre et pénétrant dans l’espace d’une autre. Les installations dissolvent également les distinctions entre œuvre d’art et espace d’exposition et impliquent le spectateur par l’interactivité.

L’univers Cristallin Infini
Le pointillisme utilise une accumulation de points de couleur distincts pour créer une image. Ici, les points lumineux sont utilisés pour créer des objets tridimensionnels. La sculpture lumineuse s’étend à l’infini dans toutes les directions. Les gens utilisent leurs smartphones pour sélectionner des éléments pour lancer l’univers de cristal infini. Ces éléments renaissent en trois dimensions, créant l’œuvre d’art. La présence de personnes et leur emplacement dans l’œuvre affectent ces éléments tridimensionnels, qui à leur tour influencent et sont influencés par d’autres éléments de l’espace. Cette œuvre d’art est en constante évolution, changeant d’instant en instant en raison  des personnes présentes dans l’espace.

inges idee se compose des artistes Hans Hemmert, Axel Lieber, Thomas A. Schmidt et Georg Zey, qui ont travaillé conjointement sur des projets dans l’espace public depuis la création du groupe à Berlin en 1992. Parallèlement aux travaux réalisés dans le groupe, tous les membres sont actifs dans leur propre pratique artistique individuelle.
inges idee fonctionne comme un collectif artistique dans l’espace public. Ce qui est donc important, c’est de développer une intuition pour les possibilités et les spécificités d’un site et d’explorer l’effet qu’une intervention concrète pourrait avoir. Cela se fait en dialogue avec le site donné, qui, contrairement au «cube blanc» sans référence des musées et des galeries, n’est pas statique et intemporel, mais soumis à un processus constant de changement. Pour bien comprendre un site, ses qualités spatiales, sociales et historiques doivent être examinées.

カルロ·ベルナル
卡罗贝尔纳迪尼
كارلوس برنارديني
Suspended Crystallizzation

Suspended Crystallizzation 2010, une grande intervention de la lumière dans l’espace extérieur, c’est un dessin spatial qui coupant le vide entre les bâtiments, s’impose au niveau de l’air comme une forme illusoire. Destiné à transformer l’espace du contenant de l’œuvre d’art en une forme ouverte et «perméable», le projet matérialisé par la lumière physique de la fibre optique est réalisé à travers le libre expressionnisme de l’espace dessinant les lignes de lumière en négatif dans une telle obscurité environnement comme sur une feuille sombre.

Reimagine Social Distancing: Interactive Art for Post Pandemic Cities
Un jour dans la vie des grandes villes, des millions d’étrangers passent à quelques centimètres les uns des autres – dans les stations de métro, les trottoirs, dans les rues publiques. Nous sommes un réseau d’étrangers se déplaçant si près que cela devient parfois une expérience déshumanisée. Dans ces instants fugaces passés dans des espaces interstitiels, nous nous trouvons détachés de l’état présent où nous sommes parmi l’essaim humain. Cette installation explore comment les villes surpeuplées influencent notre sens de l’espace personnel, à travers un environnement interactif en temps réel qui suit nos données spatiales. Il examine comment nos barrières mentales sont fluides, adaptables et finalement destinées à être brisées, de sorte que notre sens de l’espace est élargi grâce à l’interaction avec les autres.

Hansel & Gretel
Hansel & Gretel oscille entre architecture et art en explorant la perception de l’espace et le statut de l’espace public dans le contexte d’une surveillance omniprésente. Le titre fait référence au conte de fées des frères Grimm dans lequel un frère et une soeur se perdent dans la forêt – un endroit qui leur est familier. L’entrée de l’installation est une porte latérale discrète à partir de laquelle un étroit tunnel assombrissant guide le visiteur vers la vaste salle d’exercices presque complètement sombre. Des drones vrombissent au-dessus de la tête des visiteurs, suivent et transmettent leurs mouvements sur de grands écrans.

Lumières relationnelles
FILE FESTIVAL
Lumières relationnelles» est une installation audiovisuelle interactive qui explore la relation des personnes avec le caractère organique-expressif de «l’espace». L’installation utilise la lumière, le son, le brouillard et un système logiciel personnalisé pour créer un espace-lumière en trois dimensions morphing (métamorphose), dans lequel les spectateurs participent activement, le manipulant avec leur présence et leurs mouvements […] un organisme vivant, avec ou sans la présence et l’interaction des spectateurs. Lorsque les spectateurs quittent la zone de suivi active, le système commence son propre dialogue avec l’espace en extrudant et en transformant des séquences de formes géométriques lumineuses. Lorsque les spectateurs pénètrent et interagissent avec l’espace-lumière projeté, une expression collective et participative de l’espace se déploie. «Relational Lights» élargit le tissu tridimensionnel de l’espace, le rendant visible, audible et tangible pour les participants.

First Wave
First Wave est la nouvelle œuvre d’art d’installation 3D stratachrome de David Spriggs créée pendant la pandémie pour la Triennale Oku-Noto à Suzu, au Japon. Installé dans un ancien entrepôt de filets de pêche, « First Wave » est fabriqué à l’aide de la technique de Spriggs consistant à superposer des transparents peints à la main dans l’espace. L’œuvre monochrome met en lumière notre époque de turbulence et d’anxiété.

Substance Numérique
La technologie paramétrique permet de générer un système auto-organisateur, c’est-à-dire d’ouvrir l’essence de l’univers comme une infinie variété de systèmes auto-organisateurs possibles. Le monde est en perpétuel processus d’auto-développement, mais ce n’est pas un chaos ni un ensemble de formes connues (cube, sphère, cylindre, à partir desquelles on peut tout construire comme le croyait Cézanne). Tout dans le monde (dans la réalité physique, biologique et autre) est dans des mouvements fluides, flexibles, fluides, accélérants et décélérants qui créent des tensions, des déchirures, des champs de force. Et ils sont incroyablement beaux (les attracteurs et les fractales sont leurs symptômes individuels) et ils existent avant la forme et après la forme. Ce n’est pas un solide ou des lignes dans un espace, mais quelque chose qui se tient avant et après l’espace.

CYLINDRE
Dans cette installation étincelante intitulée Volume, l’artiste Leo Villareal a pris une poignée d’étoiles scintillantes et les a ramenées sur terre. La partie cylindrique était suspendue au plafond et contenait plus de 20 000 lampes LED en acier inoxydable réfléchissant et hautement poli, qui créaient un espace tridimensionnel dans lequel la lumière pouvait prendre vie. Les modèles d’éclairage, contrôlés par la conception du code logiciel de Villareal, se déplacent à différentes vitesses, cycles d’allumage et d’extinction et vagues de luminosité et d’obscurité. Selon un critique, « la pièce est un poème d’argile éblouissant qui attire le spectateur dans un espace abstrait profond tout en déformant la perception temporelle et visuelle. » Villareal n’est pas un débutant en matière de sculptures lumineuses étonnantes. Découvrez ce tunnel de spectacle de lumière de 200 pieds qu’il a installé sur l’allée du hall des bâtiments est et ouest de la National Gallery of Art. L’espace entre les installations de Villareal et son public est un facteur important car les spectateurs sont entrelacés avec les lumières qui pulsent tout autour.

Stalking the Trace
Stalking the Trace est une installation VR multi-spectateurs qui se déroule dans une série d’enceintes, renforcées par l’audio, l’éclairage et les projections pour créer une atmosphère immersive sensorielle dans la galerie. Rossin utilise le mouvement du spectateur à travers l’espace comme méthode pour interroger le désir humain de contrôle et d’agence, et la notion de temps avec le sujet humain en son centre.
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Stalking the Trace is a multi viewer VR installation, takes place within a series of enclosures, heightened by audio, lighting and projections to create a sensory immersive atmosphere within the gallery. Rossin utilises the movement of the viewer through the space as a method to interrogate the human desire for control and agency, and the notion of time with the human subject at its centre.
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Stalking the Trace – это многопользовательская VR-инсталляция, действие которой происходит в серии ограждений, усиленных звуком, освещением и проекциями для создания чувственной иммерсивной атмосферы в галерее. Россин использует движение зрителя в пространстве как метод исследования человеческого стремления к контролю и свободе действий, а также понятия времени с человеческим субъектом в его центре.

Vidéosculpture XXI
Les VideoSculptures de Van der Auwera prennent une nouvelle position pour explorer les intersections de la vie numérique et physique et comment le filtrage des images dans la production, la diffusion et la digestion modifie à la fois la perception individuelle et l’expérience consensuelle. Utilisant l’écran comme matériau sculptural, ces œuvres sortent les images du cadre de manière low-tech. Ils commencent par un acte de destruction alors que l’artiste prend littéralement un couteau sur un écran pour découper des couches physiques. À l’insu de la plupart, ces couches sont des filtres qui adhèrent à chaque écran LCD. Sans la médiation de ces filtres, les images deviennent impossibles à voir à l’œil nu et le bruit blanc remplit l’espace.

Penser et sentir
Sous le thème du Zen, cette œuvre représente une partie de la philosophie du Zen avec des données tridimensionnelles créées avec la technologie de photogrammétrie composée du paysage le plus minimaliste des «points» et du paysage sonore des «ondulations», avec la coopération de Toryo Ito, vice-prêtre de Ryosokuin, temple Kennin-ji Tacchu, Kyoto. L’image générée reflétant les informations environnementales de l’espace d’exposition crée «une interaction entre l’environnement et l’image», tout comme les arbres et les feuilles se balançant dans le silence du temple zen.

于爾根·邁爾
يورغن ماير
위르겐 마이어
יורגן מאייר
ユルゲン・マイヤー
Юрген Майер
RAPPORT Structures spatiales expérimentales
MAYER H. Architects travaille sur les interfaces entre l’architecture, la conception de la communication et les nouvelles technologies. L’utilisation de médias interactifs et de matériaux réactifs joue un rôle central dans la production de l’espace. En équipes coopératives, des installations au design urbain en passant par les concours internationaux, une recherche spatiale multidisciplinaire sur la relation entre le corps, la nature et la technologie est développée et mise en œuvre

Radiation
gif
Début 2011, j’explorais les relations de la géométrie, de la nature et de l’être humain dans une série de 25 images que j’ai appelées «Expérience fractale». Il s’agit de la deuxième partie – poursuivre l’exploration des formes géométriques, des motifs et des fractales avec un élément supplémentaire: l’espace-temps. Cette fois, j’ai travaillé en 3D et produit un ensemble de gifs en boucle animés.
J’ai limité chaque animation à 48 images au maximum, la plupart se situent entre 10 et 15 images – pour garder la taille du fichier petite et maximiser la créativité avec ces images.

monument for V. Tatlin

Dan Flavin était un artiste américain et pionnier du minimalisme, surtout connu pour ses installations phares de luminaires. Ses sculptures lumineuses offrent une investigation formelle et conceptuelle rigoureuse de l’espace et de la lumière, dans laquelle l’artiste a arrangé des ampoules fluorescentes commerciales en différentes compositions géométriques. «J’aime mieux l’art en tant que pensée que l’art en tant qu’œuvre», a-t-il dit un jour. «J’ai toujours maintenu cela. Il est important pour moi de ne pas me salir les mains. Ce n’est pas parce que je suis instinctivement paresseux. C’est une déclaration: l’art est pensé. »

the phonenix is closer than it appears
L’artiste allemand Thilo Frank a développé ce projet qu’il appelle “Le Phénix est plus proche qu’il n’y paraît”, une installation dont la dimension est de 4 x 4 x 8m et se compose d’une structure faite de miroirs et de cristaux, à la fois à l’extérieur et à l’intérieur, à la recherche de la distorsion de la réalité issue de l’agrandissement ou de la déconstruction de l’espace.A l’intérieur du cube, les gens peuvent expérimenter une sorte de désorientation en devenant le point focal spatial en étant entouré de leurs propres réflexions physiques dans la pièce environnante le corps du spectateur pour devenir une réflexion imaginaire et hallucinante.

ديفيد ويلسون
דיוויד וילסון
THE JAPANESE POPSTARS LET GO
Let Go est le nom du dernier clip du groupe The Japanese Popstars, réalisé par David Wilson et produit par Serena Noorani et Tamsin Glasson, du studio londonien Colonel Blimp. La vidéo s’est achevée en septembre, après 20 jours de travail intense. La répétition présente dans la musique a ouvert l’espace pour une animation psychédélique, et le thème (lâcher prise) semble avoir guidé le processus de création du clip, qui se développe comme une association libre de pensées. Les illustrations sont de Keaton Henson.