Karsten Schuhl

Superpose
L’installazione di sovrapposizione media fenomeni d’onda in continua evoluzione all’interno di uno spazio che sono visibili, udibili e reagiscono alla presenza di una persona nello spazio. Connettere lo spazio e il suono tra loro per creare un ambiente multisensoriale dinamico con l’aiuto degli elementi visivi delle onde nell’acqua. Il suono, stimolo invisibile che si muove nello spazio, presenta al pubblico un filo conduttore tra lo spazio visibile e le vibrazioni fisiche invisibili. superpose esplora il potenziale dell’interazione e del design esperienziale per creare esperienze olistiche che offrono una nuova comprensione di come il suono opera come fenomeno fisico all’interno dello spazio: il pubblico capisce come le onde sonore si propagano nello spazio? Devono?

Anna Ridler

Mosaic Virus
Mosaic Virus (2018) e Mosaic Virus (2019) sono una serie di opere che raccolgono idee sul capitalismo, il valore e il crollo da diversi punti della storia. Il primo è un pezzo di immagine in movimento a schermo singolo che mostra una griglia di tulipani in continua evoluzione in fiore; la seconda un’installazione video su tre schermi, ognuno dei quali mostra un singolo tulipano. In entrambi i pezzi i tulipani sono controllati dal prezzo del bitcoin, cambiando nel tempo per mostrare come fluttua il mercato e rendendo esplicito questo collegamento. Tulipmania è stato un fenomeno del XVII secolo che ha visto il prezzo dei bulbi di tulipano aumentare e crollare: al culmine andando allo stesso prezzo di una casa di città di Amsterdam prima di scendere al prezzo di una cipolla. È spesso considerato un esempio di uno dei primi casi registrati di una bolla speculativa e si possono fare forti parallelismi con la speculazione in corso sulle criptovalute. C’è un’evidente connessione economica tra i due sistemi – entrambi sono spesso descritti come frenesie instabili – ma per me questa associazione va oltre il modo in cui i prezzi dei due si comportano su un grafico.

LOIE FULLER

Danse Serpentine

La Serpentine è un’evoluzione della gonna dance, una forma di danza burlesque arrivata da poco negli Stati Uniti dall’Inghilterra. La danza della gonna era di per sé una reazione contro le forme “accademiche” di balletto, incorporando versioni addomesticate di danze popolari e popolari come il can-can. La nuova danza è stata originata da Loïe Fuller, che ha fornito diversi resoconti di come l’ha sviluppata. Secondo il suo racconto, che è ampiamente riportato, non avendo mai ballato professionalmente prima, ha scoperto accidentalmente gli effetti della luce del palcoscenico proiettata da diverse angolazioni sul tessuto di garza di un costume che aveva frettolosamente assemblato per la sua performance nella commedia Quack MD, e spontaneamente ha sviluppato la nuova forma in risposta alla reazione entusiasta del pubblico nel vedere il modo in cui la sua gonna appariva alle luci. Durante il ballo ha tenuto la sua lunga gonna tra le mani e l’ha agitata, rivelando la sua forma all’interno. Nelle parole dello storico della danza Jack Anderson, “Il costume per la sua Serpentine Dance consisteva in centinaia di metri di seta cinese che lei lasciava fluttuare intorno a lei mentre gli effetti di luce suggerivano che stesse prendendo fuoco e assumendo forme che ricordavano fiori, nuvole, uccelli ., e farfalle. “

MAD ARCHITECTS

የቅድመ ዝግጅት ውጤቶች
المهندسين المعماريين
マッドアーキテクツ
ਬਣਾਏ ਲੇਖ
Sinosteel International Plaza
Sinosteel International Plaza è un nuovo punto di riferimento organico per la città riqualificata di Tianjin. Il concetto di design combina forma, struttura e simbolismo culturale in un motivo ripetuto: una facciata esagonale, che si moltiplica e cresce attraverso l’edificio. Questa facciata è composta da cinque diverse dimensioni di finestre esagonali, un elemento tradizionale nell’architettura cinese. Queste finestre scorrono attraverso l’edificio secondo uno schema irregolare e naturale, come le cellule che si moltiplicano. Questo dispositivo anima la facciata, creando un’immagine in continua evoluzione dell’edificio da ogni diversa prospettiva.

charles pétillon

Il fotografo francese Charles Pétillon ha creato una serie dal titolo Invasion, un progetto che ricorda in parte l’idea di The RedBall Project dell’artista Kurt Perschke o le Balloon Sculptures di Hans Hemmert. Centinai di palloncini bianchi straripano da spazi architettonici, quartieri e paesaggi naturali. Ogni foto diventa una metafora, una sensazione, o un’evoluzione dell’universo urbano. Gli scatti mirano a cambiare la nostra percezione del paesaggio che incontriamo tutti i giorni, trasformano un luogo comune in uno spazio inconsueto e straniante che ci spinge a osservare il quotidiano con occhi diversi.

Phillipe Parreno

ФИЛИПП ПАРРЕНО
فيليب بارينو
菲利普·帕雷诺
H {N)Y P N(Y} OSIS
la mostra “H {N) YPN (Y} OSIS” – co-curata da hans-ulrich obrist e alex poots, con la consulenza del curatore tom eccles – include una vasta collezione di luci scultoree sospese dal soffitto cavernoso. dal design di tendoni cinematografici pendono sopra i visitatori in fasci e come singole geometrie, proiettando modelli dinamici sul terreno. mentre un partecipante cammina attraverso il sito, incontra installazioni video, proiezioni, pianoforti, sedie, altoparlanti e suoni, tutto ciò che è stato orchestrato con cura per produrre un ambiente creativo coinvolgente, sensoriale e in continua evoluzione.

OLAFUR ELIASSON

オラファー·エリアソン
اولافور الياسون
奥拉维尔·埃利亚松
אולאפור אליאסון
Олафур Элиассон
The cubic structural evolution
Al centro del lavoro di Eliasson c’è la considerazione di come percepiamo e viviamo il mondo. Spesso fabbrica fenomeni dall’aspetto naturale (come la luce del sole, l’acqua corrente o la nebbia) in ambienti artificiali come una galleria d’arte. Questi fenomeni fabbricati coinvolgono direttamente i sensi del suo pubblico e sollecitano riflessioni su come viviamo le cose. Eliasson ha descritto questo effetto come la capacità di “vedere se stessi vedendo”. Il progetto di evoluzione strutturale cubica 2004 è un’opera d’arte partecipativa in cui gli spettatori contribuiscono alla costruzione di un mondo Lego. È un lavoro in cui Eliasson incoraggia un livello di coinvolgimento molto diretto. Gli spettatori sono in grado di guidare attivamente la loro esperienza del lavoro mentre prende forma organicamente per tutta la durata della sua installazione.