Loft F27 Floating Stairs

Proteus 2.0
Proteus ist eine Installation, die Ferrofluid-Muster mit menschlichen und maschinellen Intelligenzen in einem geschlossenen Kreislauf moduliert. Durch ein individuelles und anhaltendes visuelles Erlebnis lässt es den Besucher über eine Gehirn-Computer-Schnittstelle in eine implizite Interaktion mit dem Material eintauchen. Ein vortrainiertes, dediziertes Modell für maschinelles Lernen wird durch neuronale Signale in Echtzeit informiert, die vom Blick des Besuchers erzeugt werden, während er dem schnellen seriellen Wechsel von Mustern ausgesetzt ist, ohne dass explizite Anweisungen zu befolgen sind. Über die Zeit des Blickerlebnisses kann der Besucher eine gewisse Stabilisierung des eigenen modulierten Bildes des Materials erleben.

Van Beirendonck schloss seine Studien 1980 an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen ab. Er gehört zu der Gruppe der Antwerp Six, zu der die Künstler Dirk van Saene, Dries Van Noten, Ann Demeulemeester, Marina Yee (Alle Abschlussjahrgang 1981) und Dirk Bikkembergs (Jahrgang 1982) gehören.
Seit 1983 entwirft Van Beirendonck seine eigenen Modekollektionen, die sich durch ungewöhnliche Farbkombinationen, Einflüsse durch die Volkskunst verschiedener Nationen sowie grafische Ausdrucksweisen auszeichnen.

Bilateraler Zeitschneider
Ein biometrisches Verfolgungssystem findet die Symmetrieachse von Mitgliedern der Öffentlichkeit und teilt ein Live-Kamerabild in zwei Schichten auf. Mit jedem neuen Teilnehmer werden Zeitscheiben aufgezeichnet und beiseite geschoben. Wenn niemand die Arbeit betrachtet, werden die Schnitte geschlossen und wieder zusammengefügt, wodurch eine Prozession vergangener Aufnahmen entsteht.

Das Objekt des Internets
Das Objekt des Internets ist eine Installation, die die Rolle eines Mausoleums spielt, das für das Ende des Netzes bestimmt ist. Dank optischer und kinetischer Prozesse in einer geschlossenen Box, in die der Besucher seinen Kopf einführt, wird das menschliche Gesicht in eine Vielzahl von zerlegt Fragmente. Besucher werden zum Gegenstand einer postmenschlichen dystopischen Fiktion, in der in sozialen Netzwerken nur noch Spuren einiger noch künstlich animierter Selbstporträts in Form einer Resonanz erhalten bleiben. Diese, die zum Status steriler Solipsismen verurteilt sind, wären in der siderischen Leere des Endes des Internets.

フセイン·チャラヤン
ЧАЛАЯН
후세인 샬 라얀
Hussein Chalayan wurde in Zypern geboren und schloss 1993 an der Londoner Central St. Martins School of Art and Design ab. Bereits 1994 gründete er sein eigenes Mode­label und in den Jahren 1999 und 2000 wurde er zum British Designer of the Year ernannt. Seit 2002 zeigt er seine Kollektionen in Paris und 2008 wurde er zum Creative Director von Puma berufen. Chalayans Kreationen zeichnen sich durch innovatives Design, wunderschöne Schnitte und ein puristische Ästhetik aus. Museen auf der ganze Welt widmen ihm Ausstellungen, unter anderem das Museum of Modern Art, New York, das Musée de la Mode et du Textile, Palais du Louvre, Paris oder das Museum of Contemporary Art, Tokyo. Neben seinem Modedesign macht Hussein Chalayan Filme und ist in Theater- und Tanzproduktionen involviert.

installation in grafenegg schlosspark

Balance Capsule

Für den Schlosspark von Grafenegg wurde eine Skulptur realisiert, die den Begriff des Parks kritisch untersucht: als gestaltete Landschaft, als Raum des Außergewöhnlichen, der Entdeckungen und Überraschungen, der inszenierten Blicke – gleichzeitig Themenpark und Museum. Die Telefonzelle stammt aus Westberlin, und der Titel der Arbei, “Balance Capsule”, gibt einen Hinweis auf die komplexen Zusammenhänge von internationaler Diplomatie, Modernismus, Raumfahrt und Telekommunikation. Die gelbe Zelle mit den abgerundeten Kanten, ein Modell aus den Siebzigerjahren und den österreichischen Telefonzellen jener Zeit sehr ähnlich, ist ein vertrautes Element des modernen öffentlichen Raumes, doch auf der hohen weißen Pyramide unerreichbar. Ein Grabmal oder Monument, ägyptische Kultur, durch westliche Kunst- und Kulturgeschichte gefiltert: Hier kommen Minimal Art, Romantizismus, Musealisierung, politische Skulptur, Messebau und Appropriation zusammen und sorgen für produktive Missverständnisse.

Schnitzelprinz
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Bildstein | Glatz Schnitzelprinz, 2010 wood, screws 340 x 540 x 255 cm BANALES, ABSURDES, DUMMES, ÜBERSEHENES, UNRELEVANTES, VERBORGENES, FALSCHES UND UNSINNIGES ODER: LASSEN WIR UNS WENDEN! (…) Der Schnitzelprinz (2010), den sie für die Ausstellung “Der Blitz schlägt nie zweimal am selben Ort” ein entwickelt haben, fungiert als Perspektivenwender. Holzfaserplatten und Latten fügen sich zu einer skulpturalen Apparatur zusammen: Zwei halbrund gebogene Platten formen eine Art Rutsche. Wer sich oben hineinstürzt kommt unten gewendet heraus, erlebt die Temporary Gallery neu. Indem er den Rutschtenden um die eigene Achse vom Bauch auf den Rücken oder umgekehrt wendet, erzeugt der Schnitzelprinz einen „Rundumblick“: plötzlich steht die Welt Kopf! Auch wenn die „Rutsche“ offiziell nicht zur Benutzung freigegeben wird, implizieren Bewegung und Form die Möglichkeit des „Wendens“. Dem Schnitzelprinzen liegt die empiristische Überlegung zu Grunde, dass Bedeutung maßgeblich durch sinnliche Wahrnehmung bestimmt ist. Verändert sich ein Sinneseindruck, reguliert er unser Weltkonstrukt – kurz: was wir wahrnehmen erzeugt Ideen. Im Gedankenexperiment werden wir aufgefordert, Grundvoraussetzungen bildnerischen Sehens und Wahrnehmens zu reflektieren. Bisherige Annahmen über unsere Umwelt erweisen sich als falsch, der zufälligen Anatomie des menschlichen Körpers geschuldet. Wir müssen uns davon lösen, zufällig Wahrgenommenes als Wirklichkeit zu begreifen. Die Werke setzen ihre eigene Unabgeschlossenheit voraus. Denn um Fragen aufzuwerfen, ist es nicht nötig, Antworten zu liefern: Wir sollen weiterdenken! Deshalb legen die Künstler Spuren für den Rezipienten, der dem Experiment mit Raum, Körper und Apparatur selbst auf die Schliche kommen soll: Was wäre wenn…? Sie erforschen die Wahrnehmung des Raumes und der umliegenden Kunstwerke, die sich in der Temporary Gallery befinden: Nina K. Doeges pinke Schläuche etwa fallen nicht mehr in einer Kaskade von oben herab, sondern wachsen wie Ranken der Decke entgegen. (…) Andrea Günther, 2010.

Sound Poem

Studio Schwitters ist Pavel Büchlers Hommage an das Klanggedicht des Dada-Künstlers Kurt Schwitters, The Ursonate, seine „Ursonate“ oder die Vorstellung, wie eine Sonate vor der Erfindung der Sprache ausgesehen und geklungen hätte. Mit einem digitalen deutschen Sprachprogramm ließ Büchler den gesamten Text von The Ursonate lesen und produzierte eindrucksvoll seine eigene außerirdische Interpretation von Schwitters ‘einundzwanzigminütiger Originalversion der Sonate. Das Programm bringt die sehr klassische Struktur von Ursonate entschlossen zum Ausdruck, verändert Inhalt und Struktur radikal und verlängert das Stück auf neununddreißig Minuten. The Ursonate wird von vielen als eines der einflussreichsten und wichtigsten großen Klanggedichte des 20. Jahrhunderts angesehen und von Klangkünstlern auf der ganzen Welt neu interpretiert. Schwitters ‘eigene Aufnahme ging für viele Jahre verloren und tauchte schließlich Ende der 1980er Jahre in Holland auf. Pavel Büchler beschreibt seine Arbeit als „nichts geschehen lassen“ und betrachtet Kunst als Katalysator, um den Alltag und das Offensichtliche als letztendlich bizarr zu enthüllen. Er manipuliert Literatur, gefundene Objekte, alte Audioaufnahmen und Fotografien, veraltete Technologien und andere Medien und macht sie für die Gegenwart relevant.

Калеб Чарланд
(deep space chemically alters)

„Das Schönste, was wir erleben können, ist das Geheimnisvolle. Es ist die Quelle aller wahren Kunst und aller Wissenschaft. Er, dem diese Emotion ein Fremder ist, der nicht länger innehalten kann, um sich zu wundern und in Ehrfurcht zu versinken, ist so gut wie tot: Seine Augen sind geschlossen. “ -Albert Einstein

Die Art und Weise, wie wir die Welt verstehen, hängt so sehr von unserer Fähigkeit ab, sie zu messen. Angesichts der Tatsache, dass viele Messungen auf den Proportionen des menschlichen Körpers basieren, ist es klar, dass wir Dinge messen, um unseren Platz unter all dem zu finden und uns auf irgendeine Weise damit zu verbinden. Durch die Erkundung der Welt vom Keller bis zum Hinterhof habe ich eine Resonanz in den Dingen gefunden. In diesem Raum schwingt eine Energie zwischen unseren Wahrnehmungen der Welt und dem Potenzial, das der Geist für unsere Eingriffe in die Welt wahrnimmt. Diese Energie ist die Quelle aller wahren Kunst und Wissenschaft, sie züchtet die geliebten „Ah Ha!“ Momente und es ermöglicht uns, das Außergewöhnliche im Gemeinsamen zu spüren.