Liz Deschenes

Galeria 7
Desde o início da década de 1990, Liz Deschenes produziu um corpo singular de trabalho que avançou o potencial material e o escopo crítico da fotografia. Fazendo uso dos aspectos mais elementares do meio, ela recentemente trabalhou sem uma câmera para produzir fotogramas espelhados que refletem nossos movimentos no tempo e no espaço. Sua nova instalação investiga histórias díspares de produção, abstração e exibição de imagens, ao mesmo tempo que responde aos recursos exclusivos do site.

HANS VAN MANEN

Peças polonesas
Neste exuberante trabalho conjunto, o coreógrafo holandês van Manen mostra sua maestria para construir criações deslumbrantes a partir de motivos simples e padrões geométricos. Impulsionados pelos ritmos da partitura de Henryk Górecki, os dançarinos se reúnem e se dispersam em formações em constante mutação que culminam em dois pas de deux sensuais.

FREDERIK HEYMAN

Formalidade Cerimonial
O trabalho de Frederik Heyman é um ato de equilíbrio que incorpora várias mídias – incluindo vídeo, instalações e fotografia – muitas vezes em um ambiente digitalmente alterado. Em seu trabalho, Heyman explora a memória e a duração, usando fotogrametria e digitalização 3D para retratar e representar a passagem do tempo. As marcas registradas do trabalho de Heyman são mecânicas e tecnológicas: fios, rodas, letreiros LED de rolagem, armações de metal, pinças, lâmpadas industriais, telas e câmeras. Corpos – ao contrário dos humanos – estão sujeitos a uma dinâmica incomum com essas armadilhas tecnológicas. Em Cerimonial Formality (2020), uma contorcionista está presa em uma gaiola de metal enquanto um espectador, preso a fios, observa.

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Zeremonielle Formalität Frederik Heymans Arbeit ist ein Balanceakt, der mehrere Medien einbezieht – darunter Video, Installationen und Fotografie – oft in einer digital veränderten Umgebung. In seiner Arbeit erforscht Heyman Gedächtnis und Dauer, indem er Photogrammetrie und 3D-Digitalisierung verwendet, um den Lauf der Zeit darzustellen und darzustellen. Die Markenzeichen von Heymans Arbeit sind mechanisch und technologisch: Drähte, Räder, scrollende LED-Schilder, Metallrahmen, Pinzetten, Industrielampen, Bildschirme und Kameras. Körper unterliegen bei diesen technologischen Fallstricken – anders als der Mensch – einer ungewöhnlichen Dynamik. In Ceremonial Formality (2020) ist ein Schlangenmensch in einem Metallkäfig gefangen, während ein kabelgebundener Zuschauer zuschaut.

OLI SORENSON

Video pistoletto
“O projeto Vídeo Pistoletto me permitiu revisitar as performances de Michelangelo Pistoletto, fundador do movimento Arte Povera, quebrando não espelhos, mas telas de cristal líquido (LCD), usando um martelo e um cinzel. Aqui, os cristais se espalham dos pixels discretos da TV, embora permaneçam parcialmente sensíveis ao sinal de vídeo, para gerar composições orgânicas entre os fragmentos de vidro. Fiel aos princípios da Arte Povera, trabalho com um material tecnológico destinado ao empobrecimento, acompanhando os efeitos da obsolescência planejada. Uma vez danificados, estes são transformados em objetos concretos, como as ferramentas de Heidegger que só se manifestam à nossa consciência uma vez tornadas disfuncionais: as propriedades materiais dessas telas só são perceptíveis depois que eu interrompi sua função de abrir uma janela para o mundo.

TING-TONG CHANG

Robinson
FILE FESTIVAL
A obra “Robinson” faz parte do corpo de trabalho de Ting-Tong Chang que investiga a história dos autômatos na Europa como meio de explorar visões utópicas. A palavra “autômato” é freqüentemente usada para descrever máquinas que se movem sozinhas, especialmente aquelas que foram feitas para se assemelhar a ações humanas ou animais. Do Pato Digesting de Jacques de Vaucanson (1739) ao Teatro Mecânico de Andreas Jakob Graf Dietrichstein (1752), os autômatos divertiram reis e princesas, ensinaram lições morais aos cidadãos e levantaram questões filosóficas profundas.

SHU LEA CHEANG

Avatar do artista
“Para quem não a conhece, Shu Lea Cheang é uma figura da net art e do movimento ciberfeminista que surgiu na década de 1990. Na época, morando em Nova York, ela também era membro ativo do coletivo de vídeo ativista Paper Tiger Television (assim como a cineasta francesa Nathalie Magnan). Desde então, o trabalho de Cheang tem lidado com “questões que incluem sexo, futuro, gênero, ecologia, dinheiro, mídia e comida [para] englobar filme, instalação, trabalho online, processos sociais e intervenção direta nos sistemas sociopolítico, técnico e estético, e os imaginários que os compõem ”. Matthew Fuller

Isaac Julien

Ten Thousand Waves
Os trabalhos de Isaac Julien são considerações críticas da globalização e representação. Ele nasceu em 1960 em Londres, onde ainda tem sua base, e se formou em São Petersburgo. Escola de Arte Martins, depois de estudar pintura e cinema. Ele foi reconhecido na década de 1980 por seus documentários poéticos e instalações de vídeo e hoje é um artista e cineasta de renome internacional.

Zaha Hadid

Opus Dubai Hotel
“O Opus segue à risca a principal missão da Omniyat, de tratar cada projeto como se fosse uma obra de arte única e exclusiva,” disse Mahdi Amjad, presidente executivo e CEO da Omniyat. “O projeto de arquitetura transparece a complexidade e criatividade do trabalho da ZHA; expressando uma sensibilidade espacial única, que transcende os limites entre o espaço interior e exterior, entre o cheio e o vazio e o que é opaco e transparente.”

RAY KING

Solar sônico
“Solar sônico” é composto por 14 lentes que ficam suspensas na estrutura externa da cobertura de vidro do terminal. As lentes – uma estrutura de anel de puxar envolta em um lado com vidro defletor de luz holográfico – é graduada e conectada por 20 cabos horizontais tecidos em um padrão toroidal, tensionados e presos a âncoras em ambas as extremidades. Solar sônico é uma de uma série de esculturas cromáticas de King projetadas para interagir com o sol. As lentes holográficas côncavas da escultura são posicionadas de frente para o meridiano sul do sol e são iluminadas à noite. Ray King é um artista que usa os fenômenos naturais da luz e da ótica como meio de arte. Desde 1976 expõe internacionalmente o seu trabalho. Grandes instalações foram comissionadas nos EUA, Europa e Ásia – todas são específicas do local e inspiradas no espaço e na paisagem ao redor.

OLIVIER RATSI – ANTIVJ

Casca de cebola
Baseando-se principalmente na experiência da realidade e nas representações da percepção do espaço, Olivier Ratsi considera a realidade objetiva, o tempo, o espaço e a matéria como noções intangíveis de informação. Seu trabalho consiste em desenhar processos de descontinuidade com essas noções para poder compartilhar com o espectador outro ponto de vista. Através deste processo, Ratsi cria uma ruptura nesta realidade objetiva, alterando nossa percepção da realidade. No entanto, esta ruptura significativa e inquietante é moderada o suficiente para não privar o espectador da sua capacidade subjetiva de reconstrução / reconstituição da realidade, através da sua experiência e da sua própria cultura. o papel de desencadear emoções, que não se destinam apenas a mostrar o que as coisas podem ser de outra forma, mas sim a questionar as suas referências.

DISNEY RESEARCH

Olhar robótico realista e interativo
“Sistema para olhar realista em interações entre humanos e robôs usando um busto humanóide Audio-Animatronics®. Trabalhos anteriores examinando o olhar mútuo entre robôs e humanos enfocaram a implementação técnica. Apresentamos uma arquitetura geral que busca não apenas criar interações de olhar do ponto de vista tecnológico, mas também através das lentes da animação de personagens onde a fidelidade e a credibilidade do movimento são fundamentais; ou seja, procuramos criar uma interação que demonstre a ilusão de vida. É descrito um sistema completo que percebe pessoas no ambiente, identifica pessoas de interesse com base em ações, seleciona um comportamento de olhar apropriado e executa movimentos de alta fidelidade para responder aos estímulos. Usamos mecanismos que imitam comportamentos motores e de atenção análogos aos observados em sistemas biológicos, incluindo habituação de atenção.” Disney Research

ren hang

任航
РЕН ХАНГ
Com suas imagens, o jovem artista, de apenas 30 anos, explora a sexualidade de um jovem chinês desinibido e oprimido por um país onde o controle e a censura são rotineiros. E daí deriva o sentido desta obra: uma provocação assumida e empenhada. Suas imagens teriam a mesma força se fossem tiradas na França? Ren Hang perturba, muitas vezes apontado, ele não quer deixar seu país: “Eu amo meu país, e ser criticado assim me motiva a viver na China ainda mais.” Ele defende a liberdade de criar e viver plenamente sua sexualidade.
Em vez de longos discursos, Ren Hang coloca suas fotos em primeiro plano. Ele não deseja comentá-las, nem mesmo expandir seu trabalho, as imagens são suficientes por si só.
“Não quero falar muito porque não gostaria que as pessoas acreditassem que tenho controle sobre minha visão da fotografia e da vida. »Ren Hang

olafur eliasson

オラファー·エリアソン
اولافور الياسون
奥拉维尔·埃利亚松
אולאפור אליאסון
ОЛАФУР ЭЛИАССОН
water fall versailles
Palácio de Versalhes recebe exposição de artista islandês que conta com uma queda d’água que parece surgir do meio do nada. Componente de uma exposição que propõe alterar as silhuetas do Palácio de Versalhes, a queda d’água do Grand Canal é com certeza a mais impactante. A estrutura amarela é escondida pela corrente de água e as nuvens adjacentes, fazendo com que a queda tenha sua origem incerta, parecendo ter aparecido do nada. O artista islandês Olafur Eliasson é conhecido por seus trabalhos grandiosos que conseguem alterar toda atmosfera explorando a luz, profundidade e sensações.

PLATONOV PAVEL

بافيل بلاتونوف
帕维尔·普拉东诺夫
Павел Платонов

Platonov Pavel é um fotógrafo e designer russo conhecido por suas esculturas. Seus trabalhos são principalmente compostos por objetos tridimensionais utilizando materiais como madeira, metal e espelhos. Também possui séries fotográficas de modelos sendo adornados com mascaras tridimensionais feitas de papel.

CAJSA VON ZEIPEL

O trabalho de Cajsa Von Zeipel decorre de pensamentos sobre o narcisismo e a cultura da juventude; coisas como a cultura pró-ana – anorexia nervosa. Seu trabalho relaciona-se com os fortes desejos de realizar o ‘auto’, não importa a que custo.

Luciano Berio

Visage
O trabalho eletrônico de Berio data, em grande parte, de sua passagem pelo Studio di Fonologia em Milão. Uma das obras mais influentes que produziu lá foi Thema (Omaggio a Joyce) (1958), baseada na leitura de Cathy berberiana do Ulisses de James Joyce, que pode ser considerada a primeira composição eletroacústica da história da música ocidental feita com voz e elaboração dele por meios tecnológicos. Um trabalho posterior, Visage (1961) vê Berio criando uma linguagem emocional sem palavras cortando e reorganizando uma gravação da voz de Cathy Berberian; portanto, a composição é baseada na carga simbólica e representativa de gestos e inflexões de voz, “de sons inarticulados a sílabas, de risos a lágrimas e canto, de afasia a padrões de inflexão de idiomas específicos: inglês e italiano, hebraico e dialeto napolitano ”

The Constitute: Sebastian Piatza & Christian Zoellner

Eyesect
file festival
”Eyesect” é uma constelação interativa vestível que reflete um experimento extracorpóreo de maneiras imersivas. O trabalho permite que os usuários vicenciem seu ambiente sob novos pontos de vista. O mundo, conforme o percebemos na realidade e por meio da mídia, é alinhado com a visão dos seres humanos através de binóculos e estereoscópio. Essa perspectiva onipresente centrada no humano e o debate crítico sobre a tecnologia 3D que só estimula o espaço real e não simula a ânsia por novas propostas visuais foram o ponto de partida para o trabalho em ”Eyesect”

MARIANNE FAITHFULL

THERE IS A GHOST
BOB WILSON

Os retratos em vídeo tomaram forma em 2007, após mais de dois anos de trabalho de Wilson com a VOOM HD Networks […] Eles são repetidos em rotação contínua para não ter um começo e um fim, criando uma obra de arte em quadros. O resultado final no monitor é semelhante ao de uma fotografia. Os “retratos”, que duram de 30 segundos a 20 minutos, parecem imóveis, mas os personagens realmente realizam pequenas ações – um movimento simples, um piscar de olhos, um toque no pé – que ampliam o potencial narrativo do retrato tradicional, aproximando-o da história cinematográfica, sem perder a aura de fixidez icônica que caracteriza o retrato pictórico de todos os tempos.

ZAHA HADID ARCHITECTS

زها حديد
扎哈·哈迪德
זאהה חדיד
ザハ·ハディド
Заха Хадид
Roca London Gallery

“Nosso trabalho imbui a arquitetura com a complexidade e a beleza de formas naturais. Utilizando uma linguagem formal derivada do movimento da água, a Roca London Gallery foi erodida e polida por fluidez; gerando uma sequência de espaços dinâmicos esculpidos a partir desse jogo fascinante entre arquitetura e natureza”.

Los Carpinteros

ロス·テロス
ЛОС-КАРПИНТЕРОС

Los Carpinteiros é um coletivo fundado em 1991 pelos artistas Marco Antonio Castillo Valdes (1971), Dagoberto Rodríguez Sánchez (1969) e Alexandre Jesús Arrechea Zambrano (1970), sendo que o último fez parte do grupo até 2003. Realiza desenhos, esculturas e instalações e discute temas relacionados à arquitetura, ao design e à política, aproximando constantemente arte e sociedade e construindo seus trabalhos de forma inusitada e muitas vezes com humor.

JULIAN OLIVER

朱利安·奥利弗
줄리안 올리버
ג’וליאן אוליבר
ジュリアン・オリバー
Джулиан Оливер
the transparency grenade

Julian Oliver é um artista nascido na Nova Zelândia, desenvolvedor de software livre, professor e escritor ocasional, sediado em Madri, Espanha. Ele apresentou trabalhos e obras de arte em muitos eventos e conferências internacionais sobre arte eletrônica. Julian deu diversos workshops e aulas sobre design de jogos, desenvolvimento artístico de jogos, arquitetura virtual, design de interfaces, realidade aumentada e práticas de desenvolvimento de código aberto em todo o mundo.

Tim Hawkinson

蒂姆·霍金森
ティム·ホーキンソン
تيم هاوكينسون
Cartwheel

Tim Hawkinson (1960-) Nasceu em São Francisco. Graduou-se pela San Jose State University, San Jose. Mestrado pela University of California, Los Angeles. Mais conhecidos por suas complicadas esculturas/instalações misturando engrenagens e sons. Em muito trabalhos usa seu próprio corpo como modelo. Discute música e a passagem do tempo. Participou das Bienais do Whitney Museum e de Veneza. Vive e trabalha em Los Angeles. É representado pela Pace Gallery.

HELEN SOBIRALSKI

Хелен Собиральски
Cockaignesque

A encenação de motivos históricos tem um encanto especial na fotografia, pois as épocas podem ser visualmente ligadas entre si dessa maneira. Helen Sobiralski conta histórias de uma terra de leite e mel em “Cockaignesque”; O título refere-se ao termo em inglês e francês de Cockaigne, Cockaigne ou Cacogne. Sua terra de leite e mel teve origem no estúdio de FH Dortmund. Com imensos trabalhos detalhados, um cenário de palco foi construído e pintado, adereços e roupas adquiridos, modelos adequados procurados. Ela não estava preocupada com a cópia de pinturas históricas, mas com a captação de motivos e símbolos individuais, que frequentemente recebem uma nova acentuação nas fotografias.

EVGENY KAZANTSEV

Evgeny Kazantsev é um artista russo. Trabalhando como ilustrador, diretor de arte e designer gráfico, ele desenvolve trabalhos em publicidade, ilustrações e artes conceituais. Evgeny Kazantsev cria ilustrações com um estilo realista, não raramente usando foto-manipulação digital (photoshop) para dar um ar ainda mais real às suas criações. Em duas séries de ilustrações desenvolvidas para uma companhia de seguros, o artista criou imagens que mostram duas facetas do que pode ser o nosso futuro, no melhor estilo ficção científica realista. Em “Past in the Future” (Passado no Futuro), Evgeny Kazantsev imagina como objetos e locais reais de nosso tempo irão se desenvolver no futuro, mostrando, por exemplo, como trens magnéticos voadores irão cortar os ares, como as megalópoles se desenvolverão, como o espaço será explorado para mineração, entre outros. É uma visão otimista do futuro, com toques de ficção científica baseadas na realidade.

SHAI LANGEN

Shai se define como um artista visual e busca transmitir através de seus projetos a inquietação e o vazio do prazer humano em obras conceituais que contrastam a leveza de um cenário inexistente e a agonia e fragilidade do indivíduo perante os materiais aplicados. Na maioria de suas fotografias – em grande parte feita para a indústria fashion e com o auxílio de outros fotógrafos – o artista é o seu próprio modelo e assume comportamentos hedônicos para concretizar seus trabalhos

AKATRE

Criativo, surreal, por vezes pretensioso e sempre bizarro, estas são algumas das mais relativas características que percebi no trabalho fotografista do francês Akatre. De tendências tão diretas quanto bem humoradas, a técnica de captação de imagens e situações empregada por Akatre misturam-se harmoniosamente entre a simplicidade e a criatividade, estas inerentes à imaginação do fotógrafo, artista plástico e web designer. Com um web site tão inovador em apresentação quanto a proposta do foto ensaio aqui em divulgação, Akatre firmou-se na comunidade artística européia como um ícone em vanguardismo. Sempre presente nos mais influentes meios de divulgação de artes, o francês se faz constante com propostas contemporâneas acondicionadas ao propor à quebra de rotinas e paradigmas de senso comum.

MARIANA MANHAES

Pisca-pisca
Meu trabalho consiste na invenção e construção de engenhocas que são comandadas por vídeos de objetos animados. Os objetos são pinçados do meu cotidiano visual: portas do meu ateliê, bules da cristaleira da sala, taças e jarros da coleção da minha mãe. Todos eles são filmados e seus movimentos enfatizados durante o processo de edição, de maneira a criar gestos caricatos semelhantes ao comportamento humano e animal. A manipulação do tempo do vídeo é determinante para a deformação das imagens, que não se resumem a meras representações do real

JUM NAKAO

Джум Накао
ジュン·ナカオ
sewing the invisible

Jum Nakao é estilista e diretor de criação, brasileiro e neto de japoneses. Vive na cidade de São Paulo onde se localiza seu ateliê. Inicialmente acreditava que o suporte do seu trabalho poderia ser a eletrônica e a computação, mas abandona esse setor por considerar os estudos extremamente distantes do olhar humano.

PHILLIP TOLEDANO

فيليب توليدانو
菲利普托莱达诺
פיליפ טולדנו
フィリップ·トレダノ
Филипп Толедано

Phillip Toledano é um fotógrafo multicultural desde que nasceu em Londres de uma mãe franco-marroquina e de um pai americano. Segundo ele, as fotografias devem parecer frases inacabadas para deixar espaço para perguntas. Seu método geralmente consiste em uma mistura entre a fotografia e várias instalações preparadas. O trabalho de Phillip Toledano já apareceu em muitos títulos como Vanity Fair, The New York Times, New Yorker, Esquire, GQ, The World, etc.

LISA WILLIAMSON

Лиза Williamson
ليزا ويليامسون
丽莎·威廉姆森
リサ・ウィリアムソン
Club Foot and the Towel

A artista Lisa Williamson, de Los Angeles, tem um trabalho que me fez parar e questionar sobre o processo artístico daquelas peças. É lindo demais o modo como ela incorpora objetos banais transformando-os em pintura e escultura sem que a gente desassocie de suas inspiração inicial.

SHAI LANGEN

Nativo de Amsterdam, Shai Langen é um artista plástico que mistura suas obras a fotografias de maneira peculiar e consistente[…] Na maioria de suas fotografias – em grande parte feita para a indústria fashion e com o auxílio de outros fotógrafos – o artista é o seu próprio modelo e assume comportamentos hedônicos para concretizar seus trabalhos.

BANKSY

班克斯
バンクシー
Бэнкси
Palestina
Banksy é o pseudônimo de um grafiteiro, pintor, ativista político e diretor de cinema inglês. Sua arte de rua satírica e subversiva combina humor negro e graffiti feito com uma distinta técnica de estêncil. Seus trabalhos de comentários sociais e políticos podem ser encontrados em ruas, muros e pontes de cidades por todo o mundo.

ARNO RAFAEL MINKKINEN

O trabalho do fotógrafo Arno Rafael Minkkinen sintetiza vários movimentos e questões da arte contemporânea, principalmente vertentes como a body art, a construção identitária e o nu masculino. Suas imagens relatam uma espécie de jornada épica – representando tanto uma aventura no mundo físico natural e urbano, quanto uma viagem psicológica galgada pelo espírito humano solitário.

Daniel Steegmann Mangrané

Mientras una Flor se Marchita
O trabalho que Steegmann Mangrané se compõe de sutis, poéticas e no entanto cruas experimentações que questionam a relação entre a linguagem e o mundo.Embora principalmente conceitual, suas instalações engajam com a imaginação do espectador e exibem uma forte preocupação com a existência e as características concretas das obras, ativando a linguagem abstrata como um princípio gerador de pensamento, articulador de um significado instável.

PINA BAUSCH

ピナ·バウシュ
翩娜。
פינה באוש
피나
Пина Бауш
بينا باوش
…COMO EL MUSGUITO EN LA PIEDRA, AY SI, SI, SI

Philippine Bausch, mais conhecida como Pina Bausch (Solingen, 27 de julho de 1940 — Wuppertal, 30 de Junho de 2009), foi uma coreógrafa, dançarina, pedagoga de dança e diretora de balé alemã. Conhecida principalmente por contar histórias enquanto dança, suas coreografias eram baseadas nas experiências de vida dos bailarinos e feitas conjuntamente. Várias delas são relacionadas a cidades de todo o mundo, já que a coreógrafa retirava de suas turnês ideias para seu trabalho.

Odires Mlászho

Odires utiliza a representação do corpo humano disponível nas ilustrações e fotografias e reflete sobre o processo de construção de identidades nas sociedades contemporâneas. Seu trabalho, muitas vezes, põe em questão a autoimagem baseada em padrões de beleza, coragem, poder, masculinidade e feminilidade.more

Eric Klarenbeek, Designer of the unusual

Eye Jewellery

Eric Klarenbeek faz projetos especiais, ou digamos o incomum, para pessoas, projetos ou propósitos incomuns. Seu estúdio conecta criativos, designers, artesanato local e clientes, inventando novos projetos e produtos e acreditando que nosso mundo pode ser muito melhor, mais bonito e honesto. “Meu trabalho é caracterizado pela interação e inovação. Meus produtos podem estar em movimento, reagir à nossa presença ou responder aos desenvolvimentos em nossa sociedade. Busco novos significados e princípios nos objetos, por conexões inexploradas entre materiais, métodos de produção, fabricantes e usuários. Escala e aparelho são irrelevantes. Já projetei joias, mas também desenvolvi conceitos para conectar os turistas aos artesãos locais ”, diz Eric.

Cajsa Von Zeipel

O trabalho de Cajsa Von Zeipel decorre de pensamentos sobre o narcisismo e a cultura da juventude; coisas como a cultura pró-ana – anorexia nervosa. Seu trabalho relaciona-se com os fortes desejos de realizar o ‘auto’, não importa a que custo.

Kian-Peng Ong

Ong Kian-Peng
Coronado
FILE FESTIVAL

“Coronado” foi inspirada em uma visita à praia de Coronado, na Califórnia, a qual foi um momento inspirador jamais sentido em outras praias. A paisagem sonora presente em Coronado parecia vir de todas as direções, com múltiplas camadas de ondas sonoras. Decidi então que iria fazer um trabalho sonoro que traduzisse esta experiência. Esta instalação sonora é caracterizada pela interação entre as fontes sonoras analógicas e digitais que se sobrepõem, explorando a ideia de uma paisagem marítima. O cerne da instalação é um tambor oceânico controlado por braços mecânicos, que cria e simula o som das ondas do mar. Isso é captado pelo microfone, reprocessado através do computador e enviado para as caixas acústicas de 6 canais em tempos diferentes. A interação e a sensação de infinitude na sobreposição do analógico e do digital são minha interpretação e resposta ao maravilhamento que senti em Coronado.

ron gilad

رون جلعاد
罗恩·吉拉德
רון גלעד
ロン·ギラッド
РОН ГИЛАД
Ron Gilad mora e trabalha na cidade de Nova York. Os objetos híbridos de Ron Gilad combinam inteligência material com jogo estético. Eles ficam na linha gorda e deliciosa entre o abstrato e o funcional. Seus trabalhos tratam da relação entre o objeto e sua função, questionando nossas percepções. Variando de edições únicas a limitadas e peças de produção, as obras não têm “data de validade” e residem em coleções públicas e privadas em todo o mundo. Gilad faz perguntas incessantes na forma 3D e fabrica respostas que criam uma arena para dúvidas férteis. Metaforicamente, Gilad é um linguista, criando sua própria linguagem. Ele aprende a origem das “palavras” e desenvolve novos “sinônimos”.

EMIL ALZAMORA

埃米尔·阿尔萨莫拉
Эмиль Альзамора

“A forma humana é uma constante no meu trabalho. Costumo exagerar ou distorcer para revelar uma situação emocional ou física, ou para contar uma história. Limitação e potencial são tão humanos quanto a carne, mas dificilmente tão tangíveis. Em meus trabalhos procuro tornar visível essa interação ”.

HANS HAACKE

汉斯·哈克
הנס האקה
ハンス·ハーケ
Ханс Хааке
Blue Sail

Blue Sail (1964-1965), um lençol de chiffon azul soprado por um fã, de Hans Haacke: “De todos os artistas conceituais que trabalham hoje, Haacke é aquele que melhor entende como a arte intimida o espectador.” “O que é atraente sobre Haacke é que ele sabe exatamente o que está fazendo e não acha que deveria fazer outra coisa. Ele nunca tenta enfeitar seu trabalho com ironia, sarcasmo, timidez, metáforas ou piadas. “Fazer arte é apenas mais uma parte da indústria da consciência”, disse ele em uma entrevista em 1994. Sua maneira de avaliar a arte? Com base em quão inteligente é, como acontece com qualquer outra forma de formação de opinião. ”

Sam Buxton

Clone Chaise

A Chaise Clone é uma espécie de espreguiçadeira luminosa que possui a forma anatômica de um ser humano, ela possui um detector que é capaz de dizer quando tem alguém sentado nela. A partir desse detector ela interage com o usuário conforme a sua respiração e batimentos cardíacos.Os designers estão cada vez mais integrando tecnologia de ponta com seus projetos para produzirem criações inovadoras. Uma das coisas mais comuns hoje em dia é ver trabalhos que lembram filmes de ficção cientifica, e a Clone Chaise é um ótimo exemplo disso. Ela foi criada pelo designer britânico Sam Buxton que apresentou o seu projeto no Montreal Museum of Fine Arts, ele diz em seu site que essa é apenas a primeira edição da cadeira de seis que ainda estão por vir.
A cadeira consegue detectar quando uma pessoa está sentada nela, e as luzes começam a acender conforme isso acontece. Dessa maneira o coração digital e os pulmões da cadeira começam a funcionar. É como se a cadeira ganhasse a vida quando está junta de um ser humano.
A Clone Chaise tem um design bastante criativo, ela é feito com aço, acrílico e alguns equipamentos eletrônicos para produzir a luz quando a cadeira detecta as pessoas que estão sentadas nela. Essa cadeira mede 600 x 750 x 1.850 milímetros, um tamanho mais do que o suficiente pra maioria dos seres humanos.

Xu Zhen

徐震
Movement Field
O artista comptemporâneo Xu Zhen gosta de provocar; seus trabalhos têm especial interesse no conflito, no incômodo e na mais pura ironia nonsense, frívola e megalomaníaca.

CLAIRE MORGAN

Клер Морган
كلير مورجان
克莱尔·摩根
クレア·モーガン
클레어 모건
Human Nature
Meu trabalho é sobre nosso relacionamento com o resto da natureza, explorado por meio de noções de mudança, a passagem do tempo e a transitoriedade de tudo ao nosso redor. Para mim, criar estruturas ou formas aparentemente sólidas a partir de milhares de elementos suspensos individualmente tem uma relação direta com a minha experiência dessas forças. Há uma sensação de fragilidade e falta de solidez que permeia todas as esculturas.

threeASFOUR

Human Plant 1

ThreeASFOUR (anteriormente conhecido como ASFOUR) foi criado em 2005 pelos designers Gabi, Ange e Adi. Inspirado pelo mundo natural e com uma visão de encontro entre moda e arte em mente, threeASFOUR emprega uma abordagem tridimensional para cortar e construir coleções que redefinem a alfaiataria clássica. O trabalho da threeASFOUR está nas coleções permanentes do Metropolitan Museum of Art Costume Institute e do Cooper Hewitt Design Museum em Nova York, bem como no Victoria & Albert Museum em Londres e no Musée de la Mode et du Costume Palais Galliera em Paris.

Cajsa Von Zeipel

O trabalho de Cajsa Von Zeipel decorre de pensamentos sobre o narcisismo e a cultura da juventude; coisas como a cultura pró-ana – anorexia nervosa. Seu trabalho relaciona-se com os fortes desejos de realizar o ‘auto’, não importa a que custo.

RAFAEL LOZANO-HEMMER

Рафаэль Лозано-Хеммер
拉斐尔·洛萨诺 – 亨默
ラファエル·ロサノ=ヘメル
라파엘 로자노
רפאל לוזאנו, המר
Pulse Spiral
“Pulse Spiral” é um parabolóide espiral tridimensional composto de 400 lâmpadas dispostas de acordo com as equações de Fermat, – uma distribuição espacial eficiente ao longo de uma superfície que é encontrada na filotaxia da planta (arranjo de folhas e células nas raízes, por exemplo). A peça registra e responde à frequência cardíaca dos participantes que seguram um sensor por baixo. Encomendada para a inauguração do Centro de Cultura Contemporânea de Moscou na construtivista Bakhmetevsky Bus Garage, a peça é inspirada no engenheiro Vladimir Shukov que trabalhou com Melnikov neste edifício emblemático de 1926-28.

LANG/BAUMANN

لانغ باومان
郎鲍曼
랭 바우만

Com sua arte urbana exposta nas ruas das principais cidades europeias e ocupando espaços enormes e inusitados, Lang/Baumann produzem uma dinâmica de interação impactante com a arte.
Sabina Lang e Daniel Baumann são dois artistas suecos que se consolidaram através de intervenções urbanas interferindo na paisagem da cidades e produzindo uma nova interação dos habitantes com a arte e com a própria cidade. Suas obras vultosas podem ser apreciadas por um vasto público que circula pelas ruas onde, em fachadas de prédios, em ruas movimentadas, ou, ainda, em passarelas, elas são montadas/criadas. Mas os artistas não abrem mão, também, das instalações em ambientes internos, a fim de produzir uma variedade enorme de estímulos sensoriais no apreciador de arte contemporânea.
As obras dos dois artistas foram unificados em um único projeto em 1990 com a intenção de criar peças visualmente impactantes sob um único nome, Lang/Baumann. Entre suas obras de arte estão: uma grande escala de cores em asfalto urbano e em pontes conhecidas, luminárias fluorescentes, escadas inacessíveis, parasitas infláveis que invadem prédios, entre outras. Através do trabalho com geometria e a distribuição de elementos arquitetônicos as obras produzem um efeito visual deslumbrante.

FRANÇOIS MORELLET

No End Neon
Os trabalhos de François Morellet são executados segundo um sistema: cada escolha é definida por um princípio previamente estabelecido. Com isso, ele quer dar a impressão de controlar a criação artística, deixando um elemento do acaso, que dá uma imagem imprevisível. Ele usa formas simples, um pequeno número de cores sólidas e composições elementares (justaposição, superposição, acaso, interferência, fragmentação). Assim, ele cria suas primeiras “molduras”, redes de linhas pretas paralelas sobrepostas em uma ordem determinada que cobrem toda a superfície das pinturas.
Esses sistemas são uma reminiscência das estruturas propostas por Oulipo (Ouvroir de Littérature Potentielle) e descritas por Raymond Queneau: “Qual é o propósito do nosso trabalho? Oferecer aos escritores novas “estruturas” de cunho matemático, ou ainda inventar novos processos artificiais ou mecânicos, contribuindo para a atividade literária “.
Posteriormente, François Morellet continuará a usar sistemas baseados em um universo matemático.

NINO CAIS

maiastra
O trabalho de Nino tem uma intensa relação com objetos cotidianos. Para o artista, os objetos de uso doméstico referem-se ao desejo de apropriar-se da memória do objeto, a fim de ganhar as experiências do tempo. Equilíbrio e delicadeza são duas características que podem ser atribuídas aos arranjos entre o corpo de Nino e os objetos. Neles, seu corpo se integra aos objetos, muitas vezes amparando-os, em outras sendo amparado por eles.