source: loungeobviousmagorg

O contato de Georges Rousse com a fotografia começou desde cedo. Aos nove anos, ganhou uma câmera Kodak Brownie de presente de Natal e desde então, ela passou a ser sua companheira fiel. Mesmo cursando medicina, decidiu estudar fotografia profissional e logo em seguida, abriu seu próprio estúdio.

Mas suas fotos estão longe de serem tradicionais. A originalidade de seu trabalho é a junção de fotografia com instalação. Como cenário, Rousse escolhe lugares abandonados, como ruínas e edifícios antigos, e os transforma em espaços pictóricos que só fazem sentido quando fotografados a partir de um ponto específico. As imagens revelam um mundo de subjetividade em diversas formas e cores. Elas são intrínsecas, pensadas em cada detalhe, composição, corte e iluminação.

Sua matéria-prima é o espaço, mas é o click da câmera que faz toda a diferença e revela o universo fictício do artista. Tudo é uma ilusão, o que ele fotografa não existe. As pinturas são quase construções arquitetônicas que ganham formas diversas quando fotografadas, até mesmo palavras são formadas.

O artista francês brinca com a nossa noção de espaço e nos apresenta três diferentes tipos: o espaço real, onde ele faz as instalações; o espaço imaginário, onde ele cria a pintura; e o espaço final, que só é visível depois que a foto é tirada.

Rousse transforma em obra de arte os lugares que são destinados ao abandono ou à destruição. Assim, todo o passado impregnado em cada detalhe contrasta com as novas expressões artísticas. Funcionando como uma metáfora para o tempo, os locais parecem ganhar uma nova vida, mesmo que fugaz. Além disso, ele questiona o papel da fotografia como uma reprodução fiel da realidade.

À primeira vista, há a desconfiança de que as fotos foram manipuladas, mas quando vemos os bastidores da produção, percebemos que o trabalho é bastante complexo e minucioso, estudado milimetricamente para o perfeito resultado final. O documentário “Bending Space”, filmado em 2007, mostra como o processo é feito.

Pouco se ouviu falar de Georges Rousse no Brasil, mas o artista já pisou em terras brasileiras em 2010 no evento de fotografia anual realizado em Paraty, o “Paraty em Foco”. Lá, ele falou sobre seu trabalho e ainda teve uma instalação exibida na cidade durante todo o festival.

Repleto de cores e formas, Rousse propõe um contraste entre o simples e o complexo, entre a realidade e o imaginário. Seu trabalho aguça nosso olhar e nos faz perceber que tudo é uma questão de perspectiva.
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source: georgesrousse

I Living the world with a camera

When he was 9 years old, Georges Rousse received the legendary Kodak Brownie camera as a Christmas gift. Since then, the camera has never left his side. While attending medical school in Nice, he decided to study professional photography and printing techniques, then opened his own studio dedicated to architectural photography. Soon, his passion for the medium led to devote himself entirely to photography, following in the footsteps of such great American masters as Steichen, Stieglitz and Ansel Adams.

After he discovered Land Art and Malevich’s Black Square against a white field, Georges Rousse altered his relationship to photography, inventing a unique approach that shifted the relationship of painting to space. He began making installations in the types of abandoned or derelict buildings that have long held an attraction for him–creating ephemeral, one-of-a-kind artworks by transforming these sites into pictorial spaces that are visible only in his photographs.

From the early 1980s on, Georges Rousse has chosen to show his photographs on a large scale, so that his viewers participate in the work and experience the sense of space in a compelling way.

Collapsing the usual restrictions between artistic mediums, his unique body of work quickly made its mark on the contemporary art world. Since his first exhibition in Paris, at the Galerie de France in 1981, Georges Rousse has continued creating his installations and showing his photographs around the world, in Europe, in Asia (Japan, Korea, China, Nepal.), in the United States, in Quebec and in Latin America.

He has participated in numerous biennials (Paris, Venice, Sydney) and received many prestigious awards:
1983: Villa Medicis hors les murs, New York
1985 -1987: Villa Medicis, Rome
1988: International Center of Photography Award, New York
1989: Salon de Montrouge Drawing Prize
1992: Romain Roland Fellowship, Calcutta
1993: National Grand Prix of Photography
2008: Succeeded Sol LeWitt as an associate member of the Belgian Royal Academy

He is represented by several European galleries and his works are included in many major collections the world over.

Georges Rousse was born in 1947 in Paris, where he currently lives andworks.

I In Praise of Spaces

Georges Rousse is unmistakably a photographer: his photographs are intrinsic to revealing his images, and deciding the composition, cropping and lighting and clicking the shutter are all essential to his process. But he is simultaneously a painter, sculptor, and architect, carrying out the same relationship to his worksites as a painter to his canvas, or a sculptor to his clay or marble.

His raw material is Space: the space of deserted buildings. Taking his inspiration from a site’s architectonic quality and the light he finds there, he quickly chooses a “fragment” and creates a mise-en-scène, keeping in mind his ultimate goal, creating a photographic image. In these empty spaces, Georges Rousse constructs a kind of utopia that projects his vision of the world–his imaginary “universe.” His creation both expresses his artistic intentions and resonates with his impressions of the site, its history and its culture. Finally, this results in a photograph, a flat plane, so the shapes he paints and draws, and the volumes and architectural constructions he creates in those massive spaces seem fractured or split on different levels. His photo masterfully brings together painting, architecture, and drawing. It carves out a new space in which the artist’s fictive world becomes visible.

At the heart of this questioning the definition of art, his work deals with our relationship to Space and Time.

In his photographs, Georges Rousse compels us to read architecture as static, images as immobile, then gradually transforms our perception of Space and Reality. The final photographic image perturbs our visual habits and convictions by presenting three kinds of space: the real space, where he makes his installations; an imaginary utopian space, which the artist invents and then carefully builds at his chosen site; and a new space that is visible from only one spot when he clicks the camera shutter, and exists only in the photo.

The convergence of these spaces goes beyond a visual game: Like a hall of mirrors, enigmatic and dizzying, it questions the role of photography as a faithful reproduction of reality; it probes the distances between perception and reality, between imaginary and concrete.

While they evoke the memory of a place and its poetic metamorphosis, his photographs also deal with mankind’s problematic relationship to time in industrialized society, and the traces he leaves behind on the environment. Forgotten, neglected, in ruins or slated for destruction, the sites selected for his installations act as a metaphor for Time as it hurtles toward death. By transforming these sites into works of art, Georges Rousse offers them a new life, however fleeting. When he photographs them, he stops time, fixing an image in which traces of the past intermingle with his recent artistic actions, an image full of hope and energy, an image devoid of nostalgia. The history of these deserted places need not be illustrated explicitly by the artist; its presence exists in the image. As if traveling across time, it joins, in our gaze, that of its transformation.

A kind of new experience therefore occurs in the image, a spiritual dimension–a dimension more powerful than reality–that comes from appropriating, using and transforming a place before its destruction. This is the experience that comes from Georges Rousse’s work.
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source: zeutch

George Rousse est un artiste français né en 1947. Il établit depuis son plus jeune age, une relation inédite entre la peinture et l’espace. Il investit des lieux pour les transformer en espace pictural.
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source: gerardperformanceblogspot

George Rousse, es un artista francés iniciado en la fotografía, pero a lo largo de su carrera artística, ha sabido darle un nuevo sentido a esta herramienta, ya que en su obra va muy ligada a su particular concepción del espacio, y a sus intervenciones. Su tarea se centra en la búsqueda incansable del espacio idóneo en donde plasmar su obra, una arquitectura y un espacio específico para cada una de sus piezas. Concibe el espacio como un gran lienzo en el cual realiza sus intervenciones pictóricas conceptuales, transformándolo y reinventándolo de una forma muy particular.

En cuanto a la elección del espacio para sus creaciones, tiene cierta predilección por construcciones arquitectónicas abandonadas, en ruinas, o en desuso, tales como mataderos, hospitales abandonados, parkings, castillos, o edificios y naves industriales, transformándolos in situ y reinventandolos finalmente en soporte fotográfico. Su fuente de inspiración a la hora de enfrentarse a cada nuevo proyecto, viene determinada por el espacio en si mismo, su morfología y el efecto lumínico son determinantes para la realización de sus piezas. La energía que desprenden las distintas arquitecturas, la historia que guardan sus muros, las formas puras, el equilibrio estructural… son elementos fundamentales que convierten a las estructuras en protagonistas absolutas, en principio y fin de su arte y la fotografía, al fin y al cabo, es una herramienta que permite la permanencia en el tiempo de su obra.

Su trabajo se puede dividir en dos fases en cada una de sus piezas, una primera intervención en el espacio tridimensional, el cual deconstruye a través de la pintura y/o la instalación, y una segunda fase en la cual reconstruye ese espacio deconstruido en un plano bidimensional, a través de la fotografia. Pero este proceso no puede ser concebido por separado, sino que se plantea como un todo, ya que la deconstrucción en el espacio esta basado en la posterior reconstrucción a través de la lente, consiguiendo de esta forma crear ilusiones ópticas casi inimaginables de un espacio modificado, inexistente y efímero, que desaparecerá fuera de los focos.

Todo este juego plantea una serie de reflexiones sobre la apropiación de un espacio abandonado, y de como puede ser transformado y reinterpretado, para llenarlo de nuevo de significación. Siguiendo la idea de que todo espacio abandonado en una ciudad es marginalizado, el artista lo encuentra y planea volver allí para revivirlo con su obra. Una acción que el propio Rousse considera de mucha poesía y espiritualidad.

Además, es importante decir que su obra, habitualmente se muestra con la fotografía final, como obra y como registro de esa interveción-reinterpretación espacial, ya que que como hemos dicho anteriormente, acostumbra a crear sus piezas en lugares abandonados, quedando así fuera del espacio de arte institucional: la galería o el museo. Esto es interesante destacarlo, pues a opinión personal me parece que le da más valor a su obra, pues finalmente solo muestra la reconstrucción de la deconstrucción espacial, creando en el espectador una confusión tal que no puede dejar de observar esa ilusión óptica representada, intentando descubrir una y otra vez cual es el “truco” de la imagen y de la composición, pues muchas de sus obras parecen tan irreales, tan complejas y a la vez tan perfectas en su realización, que parecen simplemente montajes fotográficos. Rousse busca en su discurso artístico recomponer una realidad aparentemente desordenada, que toma forma bajo un único punto de vista. A través de la lente procesa el desorden inexistente en la tercera dimensión arquitectónica trasladándolo al orden aparente de la bidimensionalidad fotográfica.

Todas estas ideas, abren todavía reflexiones más profundas que las que mencionábamos anteriormente, más cercanas a la propia filosofía que al arte y el espacio, ya que la realidad que nos muestra solo es existente desde ese punto exacto en donde se realiza la fotografía, por tanto ¿cual es la realidad o la verdad que nos muestra?, ¿cual es el espacio verdadero y cual el ficticio?, ¿la verdad solo es posible desde un punto de vista, y cual es ese punto de vista para poder tener la perspectiva verdadera de las cosas? ¿o es que hay tantas verdades como puntos de vista? y… ¿que hay o que queda oculto en el espacio detrás de esa intervención?.

En definitiva, las obras de Rousse son verdaderamente extraordinarias. Sus anamorfosis trastocan nuestra percepción visual produciendo sorprendentes puzzles, La contemplación de su obra reactiva nuestros sentidos, estimula nuestra visión y provoca tantos interrogantes que pueden acabar con la fiabilidad de nuestra experiencia perceptual.

Como última reflexión, podemos encontrar algunos antecedentes en su obra. Si retrocedemos en la historia del arte y en las teorias de la percepción visual, podemos encontrar en la obra de Rousse un claro referente en el desarrollo del puntillismo, en el que se generaban los colores del espectro a través de unidades mínimas (puntos), que gracias al espacio (distancia) eran agrupados en el ojo del espectador, transformandolos en formas compositivas, y que fue el detonante de lo que posteriormente se desarrollo como el op art, que también podemos relacionar de manera más evidente con su obra. Rousse es claramente un desarrollo contemporaneo en esa concepción de la imagen puntillista, sustituyendo los minúsculos puntos de color por planos gigantes de color, y el ojo del espectador que agrupa esos puntos, por la lente de la cámara que reconstruye los planos.