珍妮•霍尔泽
ג’ני הולצר
ジェニー·ホルツァー
제니 홀저
Дженни Хольцер

all fall

source: artyparade

« Je veux beaucoup de choses en même temps: laisser l’art à l’extérieur pour le public, être explicite mais pas didactique, […] être drôle et ne jamais mentir », explique Jenny Holzer dans le catalogue de l’exposition qui lui est consacré jusqu’au 24 janvier 2010 à la Fondation Beyeler. Ambition tenue.

Beaucoup de citadins connaissent Jenny Holzer sans le savoir. Ces dernières années, ses œuvres ont été projetées sur les façades de plus de trente villes du monde, de Vienne à Rio de Janeiro, en passant par Prague, New York, Londres, Dublin, Oslo ou Singapour. Lauréate du Lion d’Or de la Biennale de Venise en 1990, elle est connue des Parisiens pour son illumination du Louvre à l’occasion des vingt ans de la Pyramide, en 2008…
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source: designboom

jenny holzer is famous for her short statements, formally
called ‘truisms’. some are common myths while others
are just phrases on random subjects in the form of slogans.
the sayings include:

‘a man can’t know what it’s like to be a mother’,

‘men are not monogamous by nature’,

‘money creates taste’,

‘a lot of professionals are crackpots’,

‘enjoy yourself because you can’t change anything anyway’,

‘freedom is a luxury not a necessity’,

‘don’t place too much trust in experts’.

her medium, whether formulated as a t-shirt, as a plaque,
or as an LED sign, always is writing,
and the public dimension is integral to the delivery of her work.
starting in the late 1970s with the posters that jenny holzer
pasted on buildings in new york city, and up to her recent
xenon projections on landscape and architecture,
her practice has rivaled ignorance and violence with humor,
kindness, and moral courage.

often holzer’s work presents both explicit content and
minimalist aesthetics that make profound statements about
the world of advertising and consumer society today.
by presenting an assemblage of phrases that mimic advertising
slogans through vehicles commonly used in advertising,
such as electric billboards, coffee mugs, and commercials
on cable and network television, holzer questions what
our eyes can see and what we can’t see in media,
whether consumers today have any real control over the
information that is provided to them.

going back to her years as a painter at the rhode island
school of design, holzer says she was influenced by the
‘clean, simple variations’ of minimalist aesthetics in artists
like donald judd, mark rothko and morris louis.

in her seoul exhibit, the artist has carefully arranged the
atmosphere of the gallery display so that viewers
‘won’t feel as if they are in las vegas’
as they enter the room installed with electronic screens.
the meditative character of her art comes through with
the installation of two sandstone benches carved with
the artist’s writings, which exist both as chairs and as
art pieces by themselves.

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jenny holzer
was born 1950 in gallipolis, ohio, usa.
she received a BFA in painting and printmaking from ohio
university in 1972 and an MFA in painting from the RISD /
rhode island school of design in 1975.
holzer began to use text in her work while attending
ohio university. an abstract painter while at RISD,
she shifted to public projects and works that were
‘sublime and impressive’.
jenny holzer moved to new york city in 1976 and
enrolled in the whitney museum independent study program,
there she created the first ‘truisms’, in a first stage as a
series of one-liners on posters pasted anonymously around
the city. later she did installations with electronic LED displays
that are attentive to architecture, monuments and memorials;
and since 1996, large-scale xenon projections of text
on buildings and landscape. she has realized these xenon
projections in florence, rome, venice, rio de janeiro, buenos aires,
oslo, paris, bordeaux, berlin, washington, new york city and miami.
holzer received the leone d’oro for her american pavilion
installation at the 1990 venice biennale, was the recipient of the
2002 kaiserring from the city of goslar, germany,
and was awarded the public art network annual award by
americans for the arts in 2004.
she lives and works in hoosick, new york.
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source: arthistoryarchive

An American Neo-Conceptualist artist, Jenny Holzer (born 1950) utilized the homogeneous rhetoric of modern information systems in order to address the politics of discourse. In 1989 she became the first female artist chosen to represent the United States at Italy’s Venice Biennale.

Jenny Holzer was born July 29, 1950, in Gallipolis, Ohio, into a family of two generations of Ford auto dealers. She completed her undergraduate degree at Ohio University in Athens after attending Duke University and the University of Chicago. While enrolled in the Rhode Island School of Design, Holzer experimented with an abstract painting style influenced by the color field painters Mark Rothko and Morris Louis. In 1976 she moved to Manhattan, participating in the Whitney Museum’s independent study program.

Language as Art

Holzer’s conception of language as art, in which semantics developed into her aesthetic, began to emerge in New York. The Whitney program included an extensive reading list incorporating Western and Eastern literature and philosophy. Holzer felt the writings could be simplified to phrases everyone could understand. She called these summaries her “Truisms” (1978), which she printed anonymously in black italic script on white paper and wheat-pasted to building facades, signs, and telephone booths in lower Manhattan. Arranged in alphabetical order and comprised of short sentences, her “Truisms” inspired pedestrians to scribble messages on the posters and make verbal comments. Holzer would stand and listen to the dialogues invoked by her words.

The participatory effect and the underground format were vital components of Holzer’s “Truisms” and of her second series, the “Inflammatory Essays,” which laconically articulated Holzer’s concerns and anxieties about contemporary society. Holzer printed the “Essays” in alphabetical order, first on small posters and then as a manuscript entitled The Black Book (1979). Until the late 1980s, Holzer refused to produce them in any non-underground formats because of their militant nature. Her declarative language assumed particular force and violence in the multiple viewpoints of the “Essays,” ranging from extreme leftist to rightist.

Holzer initiated the “Living Series” in 1981, which she printed on aluminum and bronze plaques, the presentation format used by medical and government buildings. “Living” addressed the necessities of daily life: eating, breathing, sleeping, and human relationships. Her bland, short instructions were accompanied with paintings by the American artist Peter Nadin, whose portraits of men and women attached to metal posts further articulated the emptiness of both life and message in the information age.

Art and Technology

The medium of modern computer systems became an important component in Holzer’s work in 1982, when nine of her “Truisms” flashed at forty-second intervals on the giant Spectacolor electronic signboard in Times Square. Sponsored by the Public Arts Fund program, the use of the L.E.D. (light emitting diode) machine allowed Holzer to reach a larger audience. By combining a knowledge of semantics with modern advertising technologies, Holzer established herself as a descendant of the conceptualist and Pop Art movements. She again utilized the electronic signboard with her “Survival Series” (1983-1985), in which she adopted a more personal and urgent stance. The realities of everyday living, the dangers, and the underlying horrors were major themes. Correlating with the immediacy of the messages, Holzer adopted a slightly less authoritarian voice. Her populist appropriation of contemporary “newsspeak” crossed the realm between visual art and poetry and carried a potent expressive force.

Her attempt to make sense out of contemporary life within a technological framework also suggests the limitations of the information age, in which the world of advertising consumes everything, yet an underlying message no longer exists.

After the “Survival Series,” Holzer’s installations became more monumental in scale and more quasi-religious. Her “Under a Rock” exhibition combined the modern media of the communications industry, the electronic signboard, with marble benches printed in the block letters used in national cemeteries. The language measured angst and violence with the apathetic reportage of the most seasoned news personae: CRACK THE PELVIS SO SHE LIES RIGHT, THIS IS A MISTAKE. WHEN SHE DIES YOU CANNOT REPEAT THE ACT, etc. The vivid juxtaposition between horrifying subject matter and the authoritarian voice, coupled with flashing diodes and cold marble, jars the spectator with its apparent paradox and brutal insistency. By utilizing the pronoun “she,” Holzer allied the victimization with the female. The new urgency of the “voice” in Holzer’s “Under a Rock” installation, first exhibited in 1986 at the Barbara Gladstone Gallery in New York, revealed a Holzer more overtly building images that suggest male power and control over women.

The birth of her first child in 1989 inspired Holzer’s “Laments,” perhaps the most personal and angst-ridden series she had done. The “Laments” address motherhood, violation, pain, torture, and death in the voices of “thirteen assorted dead people” (J. Holzer). The personae range in sex and age, yet a common insistency permeates their disembodied words. One passage suggests infanticide: IF THE PROCESS STARTS I WILL KILL THIS BABY A GOOD WAY. The contradictions inherent to the rhetoric, “to kill” but in “a good way,” shape the negations and arbitrariness of contemporary linguistics. Holzer accessed the language structure and media of contemporary politics and advertising in order to reveal the tensions and male domination apparent in the contemporary linguistic system.

Virtual Art

The multimedia extravaganzas of Holzer’s later installations, such as the 1989 Guggenheim exhibition, are exemplified by a 535-foot running electronic signboard spiraled around the core of Frank Lloyd Wright’s architecture, flashing garish lights on the monumental stone benches arranged in a large circle on the floor below. In 1989 also, she became the first female artist chosen to represent the United States at the Venice Biennale, the international art world’s premiere event. For the Biennale, Holzer designed posters, hats, and t-shirts to be sold in the streets of Venice, while her L.E.D. signboards and marble benches occupied the solemn and austere exhibition space. Her words were translated into multiple languages in order to communicate to an international audience. Despite the fact that she had won the prestigious Golden Lion award at the Biennale, Holzer also started to draw more negative reactions to her work. The size and expense of her exhibits, as well as her growing popularity in the art world, led some to accuse her of becoming elitist.

Holzer withdrew from the art world for a few years and then returned in 1993 with a fresh approach to her work and a new emphasis on the immaterial. In October of 1993 she partook in a virtual reality exhibit at the Guggenheim Museum. The following year she produced her next series, “Lustmord,” which opened at the Barbara Gladstone Gallery in New York. The title is taken from a German word that means murder plus sexual pleasure. She was inspired by the violence of the war in Bosnia, formerly a republic of Yugoslavia. In 1996 she participated in the First Biennale of Florence. By accepting multivalent formats for her media-conscious verbal imagery, Holzer created a populist art of expressive and poetic force.
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source: monitoriablogartblogspot

Jenny Holzer é uma importante artista contemporânea Norte Americana, nascida em 1950 no estado de Ohio, EUA. Freqüenta vários cursos de verão envolvendo artes e cursa a Graduação em Artes pela Universidade de Ohio. Começa a sua produção artística exclusivamente com textos quando se muda para Nova York em 1977, onde propõe uma discussão sobre como a arte é recebida pela sociedade de consumo e sobre o papel que as regras sociais desempenham no relacionamento entre as pessoas, tendo em vista a influência crescente dos meios de comunicação em massa.
O trabalho de Holzer está intimamente ligado com as palavras, porém ela não produz literatura, já que toda a sua produção não passa por nenhuma edição, pelo contrário são expostos e podem ser vistos e lidos por cada um de forma particular, com as palavras ela pode se comunicar de uma maneira que a pintura, por exemplo, não possibilita. Sobre sua produção é possível analisar que possui forte carga poética, social e até mesmo política, trata de temas como: sexo, morte, poder, guerra, feminismo, amor e individualidade.

Sua primeira produção chamada Truisms (truísmos), é uma série de aforismos de forte impacto, fixados em postes, colados em cabines telefônicas e impressos em camisetas, com frases como: “Proteja-me do que eu quero” ou “falta de carisma pode ser fatal”, sempre de forma anônima. Somente mais tarde passa a utilizar locais de comunicação mais imediatas com o público, quando é convidada a expor no Times Square, a partir daí começa a inserir suas obras em gigantescos painéis de LED e projeções luminosas pelo cenário urbano, que mostra que sua arte não está atrelada a um suporte específico, e dessa forma promove o encontro de Arte-Mídia, que até então era utilizado quase que unicamente para fins publicitários/comerciais. Com isso outras questões surgem no seu trabalho como: a aproximação do público com a arte ao ser retirada das galerias para o espaço urbano; a possibilidade de serem confundidas com mensagens institucionais ou de serviço público; e assim a mudança de seu significado quando fora do contexto habitual.
Seus textos e mensagens funcionam como comentários ao meio em que se inserem e procuram estimular a capacidade de atenção ao condicionamento social dos indivíduos, as pessoas são confrontadas com frases de forte carga simbólica, e pode ser comparada como uma espécie de voz divina que se traduz numa atitude manipuladora, pois obriga o espectador a olhar para dentro
de si e enfrentar seus medos e angustias, tornando-a assim uma obra de intromissão violenta no espaço íntimo e secreto de cada indivíduo.
Suas obras mais significativas são as de intervenções urbanas, que consistem em gigantescas projeções que explora as cidades, seus espaços, muros, parques e mobiliários que se tornam assim o suporte de sua obra. A inserção dessas obras no espaço urbano amplia as possibilidades do discurso e a interseção entre a esfera pública e privada.
A maioria dos textos utilizados por Holzer são de sua autoria, mas a artista também se apropria de frases encontradas em portas de banheiros, anúncios publicitários, placas de caminhão, cartazes lambe-lambe e muitos outros, para depois reproduzi-las com um novo sentido, como arte.
Não só de projeções se constituem as obras de Jenny, ela também expõem em espaços fechados, que é o caso de uma importante exposição chamada Mother and Child (mãe e filha) produzida em 1990, que se constitui de painéis eletrônicos verticais de duas cores, onde um texto corre em direções opostas além de frases inseridas no chão e nos bancos espalhados pela exposição, a obra é um dialogo entre a sensibilidade e o carinho de uma mãe para com a frieza e violência do mundo, é importante ressaltar que esses textos possuem relação com a vida da artista já que foram escritos após o nascimento de sua primeira filha, como comenta Holzer, esta obra representa todos os medos e aflições de tudo o que pode acontecer na relação de uma mãe e um filho.
Em 1990 a artista ganha o prêmio do Leão de Ouro na Bienal de Veneza pelo melhor pavilhão da exposição, com sua obra central The Venice Room, onde painéis eletrônicos de forma simétrica e incontrolável reproduziam acúmulo de frases em 6 idiomas diferentes.
Outra exposição de destaque se chama Lustmord produzida em 1996, onde Holzer mostra um trabalho mais orgânico, apresentando uma composição de 312 ossos variados com frases inscritas em anéis de prata e em um painel horizontal de led âmbar, é uma obra perturbadora em que a atração e a repulsão coabitam no espectador com grande intensidade.
Em 1998 Holzer passa a se utilizar da internet para expor suas palavras, que se dá com a série chamada Please Change Beliefs (Por favor, mude suas crenças), onde são inseridas online várias afirmativas provocantes, como: “amar os animais é uma atividade substituta”, ou “o assassinato tem seu lado sexual”, e cada frase pode ser selecionada, gerando outra frase, tornando assim a web outro local público para sua divulgação.
Jenny Holzer roda o mundo com suas obras, apresentando-as em diversos países. No Brasil fez três visitas, a primeira no ano de 1998 no Rio de Janeiro, onde a artista traduziu seus truísmos para o português, que foram estampados
em portas de táxis, bancas de jornal, outdoors e em centenas de mensagens que espalhou por endereços eletrônicos da cidade. Volta ao país em 1999 utiliza mais uma vez a projeção para exibir seus escritos agora nos locais que servem de cartões postais da cidade carioca como o Arpoador e no Pão de Açúcar. Desse modo as montanhas que cercam as praias servem de suporte natural às reflexões da artista, que foram projetadas durante três dias nas encostas que vão do Morro da Urca ao Dois Irmãos. Nessa segunda viagem realizou também uma exposição no Centro Cultural Banco do Brasil com o titulo de Protect Me From What I Want (proteja-me do que eu quero), onde são apresentadas varias séries da artista como a instalação que foi exposta na Bienal de Veneza (Mother and Child), sua série orgânica (Lustmord), uma gigantesca instalação na rotunda de CCBB, conferências, projeções nas montanhas do Rio de Janeiro, e mostra de vídeo. A partir dessa exposição foi produzido um documentário sobre as obras da artista com a direção de Marcello Dantas, também curador da exposição, que teve o cuidado de traduzir tudo para o português a fim de permitir a mais ampla compreensão do público.

Já na terceira viagem ao Brasil vai para São Paulo na qual retoma seus truísmos, onde expõe em 31 painéis eletrônicos pela cidade, cinco emissoras de TV, três estações de rádio e pela internet, através de spams.
A obra de Jenny Holzer revela um aspecto intimista, pois ao se deparar com essas obras o sujeito espectador é obrigado a olhar para dentro de si e refletir, e por ser frases simples e de fácil entendimento, assim o público que a artista atinge é muito grande. Dentre toda a sua produção a que é mais bem compreendida pelo público é a série de truísmos, pois são clichês e máximas de qualquer sociedade.
Sua produção não é um confronto gratuito ou exercício de linguagem, mas uma reflexão do que a artista sente. Em um depoimento ela diz que se interessa por coisas simples, regulares e simétricas, e por seus textos serem incontroláveis ela sente uma necessidade de ordem e simetria em sua apresentação, o que se tornou padrão por onde passa. A palavra é o elemento principal de sua obra, suas mensagens são escritas em outdoors, placas luminosas, painéis eletrônicos, projeções em prédios públicos, usa pôsteres e cartazes, lugares normalmente ocupados pelas mensagens publicitárias, ou seja, trabalha com o domínio público, de forma que estimula uma mistura visual de arte e mídia. Isso mostra o quanto seu trabalho faz parte do mundo real, acessível a qualquer pessoa.
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source: scaithebathhouse

Jジェニー・ホルツァーは1950年米国・オハイオ州生まれ。現在NY州在住。 70年代後半より自作のテキストを使用した、様々なメディアの作品を発表しています。その中でもLEDを使用した表現が代表的です。 使用されるテキストは、格言的で、時として暴力的で過激にも感じられ、多様な現代社会の状況を反映しているといえます。90年代に新たに書かれたテキストは、戦争や戦地での女性被害者達を題材とした詩的な内容で話題になりました。

1990年にはベネチアビエンナーレにて金獅子賞を受賞、国際的な評価を不動なものとしました。1994年には水戸芸術館にて日本初の個展が開催されており、日本でも著名なアーティストの一人です。

本展ではホルツァーの代表的な表現方法であるLEDを使用したインスタレーションと、モノクロームの写真作品を展示します。 インスタレーションは、84個もの小型のLEDサインがミニマルに配置され、それぞれ同じ内容のテキストが反復していきます。文字が空間に反響するかのように、暗闇の中を増幅していくイメージを醸しだし、言葉の表現だけでなく視覚的にも非常に迫力のあるプレゼンテーションとなります。

写真作品は、1996年から断続的に、各国の歴史的に意味のあるパブリックな場所で行われているXenonプロジェクターを使用したプロジェクト、「Xenon」シリーズの様子を記録したもの。テキストが次々に流れるように建物や海などに投影され、テキストのメッセージに加え普段とは違う演出を施すことによって、場所の持つ意味あいをさらに深めるパフォーマンスイベントです。写真はインパクトのあるプロジェクトの模様を伝えると同時に、作品としても完成度の高い見応えのある仕上がりとなっています。

常に精力的に活躍中のジェニー・ホルツァーの、近年の活動をコンパクトに総括して鑑賞することの出来る内容の展覧会です。是非ご覧ください。
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source: photographerru

Интуиция Хольцер в ее ставших хрестоматийными работах «Трюизмы» и «Воспламеняющие очерки» значительно предвосхитила радикальный анализ повседневного языка, предпринятый Славоем Жижеком в конце 90-х и вскрывший идеологическую природу здравого смысла. Они содержали все узловые моменты концептуальной работы 70-х с политикой, социумом, репрезентацией и гендерной проблематикой, и стали самым заметным итогом политизированным 70-м.
Искусство Хольцер существует между текстом и урбанистическим дизайном, между медиа-скульптурой и архитектурой, между герметичной концептуальной идеей и демонстративной публичностью, —в ее работах обнажаются самые острые проблемы современной цивилизации; и сами произведения кажутся исторгнутыми из сердцевины этих проблем.

До сих пор Хольцер присутствовала в Москве лишь несколькими работами —в прошлом году посетители Международного салона изящных искусств в Манеже видели разрисованный ею автомобиль из коллекции BMW Art Cars. «Защити меня от моих желаний» гласит надпись на автомобиле, составленная из фосфорицирующих букв. А в 2001-м показанный в московском МУАРе проект венского САТ (Contemporary Art Tower) ※ зенитная башня, перестроенная в центр современного искусства —включал работу Дженни Хольцер, созданную под впечатлением Памятника Третьему Интернационалу Владимира Татлина, 1919—1920.

Большая выставка Дженни Хольцер в России ожидалась давно. В позапрошлом году до Петербурга не доехал большой проект художницы, предполагавший лазерную проекцию дневников Павла Филонова на фасаде Русского музея —проект, ожидаемый публикой и обсуждавшийся еще до всякого предъявления.

Проектом Дженни Хольцер «Like Truth», реализованным при содействии немецкой галереи Monika Sprüth Philomene Magers открывается и новая московская галерея Diehl+Gallery One. Экспозиция создавалась специально для нее —и как опыт исследования Москвы, и как размышление о наследии русского авангарда.

Главная работа проекта —инсталляция «Монумент» состоит из 22 полукруглых светящихся элементов, выстроенных в пятиметровую башню. В ней через пульсации красного, синего, розового, и белого воспроизводятся фразы Хольцер из серий «Трюизмы» и «Воспламеняющие очерки». «Монумент» в историческом контексте реконструирует и увековечивает память идеологий. Отталкиваясь от татлиновской башни, Хольцер балансирует между грандиозной авангардной утопией как возможностью переустройства мира ※ и реальной историей как самой разочаровывающей из воплощенных возможностей. Инсталляцию дополняет фриз из шестидесяти тонких искривленных полос, куда транслируются ее избранные тексты в синем и белом цвете. Эта часть экспозиции тесно связана с личной историей художницы. Тематически инсталляция затрагивает отношения правды и власти.

В экспозицию включен ряд новых картин, отсылающих к эстетике супрематизма. Они входят в незаконченную серию работ (начатую в 2006-м) на тему тайн власти и символизируют то, что спрятано от общественности, что каждому запрещают знать. Эти работы выполнены нефтью на холсте и представляют страницы реального документа, подвергнутого цензурному вымарыванию. Заменяя черную тушь цензора цветом, Хольцер вводит супрематические аллюзии, отсылает к Малевичу. Но больше чем исследование сходства с русским авангардом, этот момент указывает на деформацию политического через эстетическую форму.