Джон Адамс
ג’ון אדמס

Son of Chamber Symphony / String Quartet

source: dustedmagazine

Two new works, two distinct genres, two different approaches to musical space and time, two diverse approaches to titling.

It is highly unusual in classical music to claim one piece has direct genetic lineage from another. The cannon is riddled with works that derive on, quote from, comment upon, steal from, evoke, and recontextualize other works, but you almost never hear of a piece having a familiar relationship to another. Son of Chamber Symphony (2007) is, as its name implies, the offspring of Adams’ 1992 Chamber Symphony, which is itself the grandchild of Arnold Schoenberg’s 1906 Chamber Symphony. What does it mean, then, to be the son of another work? Pieces by the same composer are already assumed to have similar DNA, similar sense of logic, similar approaches to musical material. But Adams chooses to make that connection explicit, and that linkage informs the way the two works are heard. It is impossible to listen to one work without comparing it to the other.

Adams’ chamber symphonies have the same general structure: three movements, with frenetic, fast-paced outer movements flanking an ostensibly slower, more lyrical middle movement. Both pieces are built around layered pulses and subdivisions. Chamber Symphony tends to think in bigger units, focusing more on the “symphony” of the title than the “chamber,” which is to say that Adams tends to treat instruments as parts of sections playing the same kinds of rhythms. Whereas Son of gives the individual voices much more freedom within both the rhythmic and melodic grids. Chamber is relentless, with a monomaniacal focus on packing as much rhythmic density into its three movements as possible; its finale, “Roadrunner,” could give you whiplash if you’re not careful. Its harmonic bend is just as malevolent, operating in a chromatic space that values jagged intervals and dissonant runs over major and minor chords. Son of tempers some of its father’s more extreme tendencies, mixing in bits of lyricism straight out of Stravinsky (in certain rhythmic flourishes in the first movement), Bernstein (West Side Story could be the godfather of the main melody of the first movement), Ravel (in the endless melodies of the middle movement) or Glass (in the overall harmonic sensibility of the finale). Not to mention that Adams rediscovers triads and tonality, occasionally invoking the bulging late-Romantic harmonic language of Schoenberg’s chamber symphony. The question I can’t seem to answer, though, is how much labeling the piece a “son” brings these references to the fore. Would the work have more autonomy if it were Chamber Symphony No. 2? Or if it were given the title of the Mark Morris dance for which it was commissioned, Joyride? Or, does the unconventional playfulness of the title allow us to hear the work as slipping in and out of its genre?

The second work on this disc takes a much more sober approach to its title: It is, simply, String Quartet. By sticking with the genre as title, the work is immediately put in dialog with the 250-year history of the form. It seems to hew much closer to post-minimalist doctrine, with near-constant jittery motion. The oscillations underlying everything (and, at times, forming the melody) hearken back to a misremembered, modernized version of Haydn or Beethoven, and much of the quartet seems content to skip most of the 20th century. There are flashes of Berg and Ravel on one end, and Ligeti, Carter, and Shostakovich on the other, but almost nothing from the truly gnarly quartet music from the middle of the century (and, surprisingly, very little Bartok). But then Adams has always favored the more luscious side of things, so this should be no surprise. This piece is content to just be a string quartet, and it gladly owns all the implications of the genre.
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source: guardian

Just as John Adams’s 1992 Chamber Symphony was written in the shadow of Schoenberg’s Op 9 work of the same name, so, as the title suggests, Son of Chamber Symphony from 15 years later takes Adams’s own previous work as its starting point. That familial relationship seems strongest in the first movement, where the tangy sonorities, jostling instrumental lines and sudden changes of direction recall the similarly muscular opening of its predecessor. As the work goes on, the music moves into territory that Adams has explored in his more recent work, but the virtuoso lightness of the instrumental writing remains, and with its self-references to earlier works (Nixon in China and Harmonielehre) it is a real jeux d’esprit, genuinely approachable and wittily engaging. By contrast, the 2008 String Quartet, a rare example of Adams using a traditional title, not only seems as introspective as Son of Chamber Symphony is outward-looking, but also harks back to an earlier, more obviously minimalist phase in his development, even if from time to time the churning textures give way to kernels of more lyrical writing. Both works are given exactly the kind of high-octane performances that Adams’s instrumental music demands.
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source: buscabiografias

Nació el 15 de febrero de 1947 en Worcester, Massachusetts.

Cursó estudios en la Universidad de Harvard. Trabajó como compositor en el Marlboro Festival de Vermont (1970), fue profesor en el Conservatorio de Música de San Francisco (1972-1982), asesor de música vanguardista y, más tarde, compositor en plantilla de la Orquesta Sinfónica de San Francisco (1978-1985).

Su música está influenciada por estilos típicamente estadounidenses como el jazz, el ragtime, el swing e, incluso, el rock y por movimientos experimentales como la atonalidad, la música electrónica y las obras minimalistas de compositores como Steve Reich y Terry Riley. Su apasionada aproximación a la música y el gran número de composiciones realizadas, que incluyen piezas para piano, obras corales, orquestales y óperas, lo han convertido en uno de los compositores más importantes de los Estados Unidos.

Entre sus mejores trabajos están Harmonium (1980), Grand Pianola Music (1983), Harmonielehre (1985) y la ópera Nixon in China (1987), compuesta con la colaboración del director Peter Sellars y la poetisa Alice Goodman. Posteriormente su música experimenta una complejidad armónica creciente, como ocurre en el Concierto para cámara (1992).

En 2003 compone My Father Knew Charles Ives, una autobiografía musical, y una ópera Doctor Atomic, en mayo de 2004, también en colaboración con Sellars. La ópera A Flowering Tree, inspirada en La flauta mágica de Mozart, se estrenó en noviembre de 2006 en Viena.
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source: lastfmde

John Coolidge Adams (* 15. Februar 1947 in Worcester, Massachusetts) ist ein US-amerikanischer Komponist. Er wird zusammen mit Steve Reich, Philip Glass und Terry Riley zu den bekanntesten Vertretern der Minimal Music gezählt, einem musikalischen Stil, der auf sich wiederholenden harmonischen und/oder rhythmischen Mustern aufbaut. Adams selbst ordnet seine Kompositionen seit den neunziger Jahren dem Post-Minimalismus zu.

Leben

Adams lernte Klarinette bei seinem Vater und spielte in Marschkapellen und kleineren Orchestern. Mit zehn Jahren begann er zu komponieren, und schon als Jugendlicher hörte er die erste orchestrale Aufführung eines seiner Werke. Adams studierte an der Harvard University, wo er von Leon Kirchner unterrichtet wurde. Als Student spielte er gelegentlich im Boston Symphony Orchestra und dirigierte das Harvard University Bach Society Orchestra. Nach Abschluss seines Studiums zog er 1971 nach San Francisco, wo er seitdem lebt.

Adams unterrichtete zehn Jahre am San Francisco Conservatory of Music, bevor er von 1982-85 Hauskomponist der San Francisco Symphony wurde und für dessen Dirigent Edo de Waart die erfolgreiche und kontroverse Konzertreihe Neue und Ungewöhnliche Musik entwickelte. Eine Reihe von Adams´ Orchesterstücken sind speziell für die San Francisco Symphony geschrieben, darunter Harmonium (1981), Grand Pianola Music (1982), Harmonielehre (1985) und El Dorado (1992).

Adams errang mit den Klavierwerken Phrygian Gates und China Gates erste Aufmerksamkeit, seinen ersten Welterfolg hatte er mit dem Orchesterwerk Shaker Loops. 1985 begann seine Zusammenarbeit mit der Textdichterin Alice Goodman und dem Regisseur Peter Sellars. Das Ergebnis waren zwei Opern: Nixon in China über den Staatsbesuch Präsident Richard Nixons in der Volksrepublik China (Grammy 1989 für die beste zeitgenössische klassische Komposition) und The Death of Klinghoffer über die Entführung des Kreuzfahrtschiffs Achille Lauro durch palästinensische Terroristen. Diese beiden Opern zählen zu den am häufigsten aufgeführten Bühnenwerken der Gegenwartsmusik.

Eine Filmversion von The Death of Klinghoffer wurde 2003 von Penny Woolcock für Channel Four eingerichtet. Der Film gewann eine Reihe internationaler Fernsehpreise, darunter den Prix Italia. Adams´ Oper versucht Verständnis für alle Beteiligten zu entwickeln; jüdische und arabische Interessenverbände warfen Adams Parteinahme für die jeweils andere Seite vor. Das Werk wurde wegen der Kontroversen seit 1992 in den USA nicht mehr aufgeführt.

Es folgten drei weitere Bühnenprojekte mit Sellars: Das „Songplay” I Was Looking at the Ceiling and Then I Saw the Sky über das 1994er Erdbeben in der Gegend um Los Angeles, El Niño, eine vielsprachige Wiedergabe der Weihnachtshistorie, komponiert zur Feier des Jahrtausendwechsels, und Doctor Atomic über J. Robert Oppenheimer und die Entwicklung der ersten Atombombe. Adams´ bisher letzte Oper, A Flowering Tree, eine Auftragsarbeit zu Mozarts 250. Geburtstag, lehnt sich an dessen Oper Die Zauberflöte an, basiert jedoch im Wesentlichen auf einer südindischen Sage.

2002 komponierte Adams On the Transmigration of Souls für die New Yorker Philharmoniker, ein Orchesterwerk aus Anlass des ersten Jahrestages der Anschläge vom 11. September 2001. Für dieses Werk wurde Adams mit dem Pulitzer-Preis für Musik und drei Grammies auf einmal ausgezeichnet, für die beste Aufnahme klassischer Musik, die beste Orchesteraufnahme und die beste zeitgenössische klassische Komposition.

Werk

Adams begann als Minimalist im Sinne von Philip Glass und Steve Reich, verbindet jedoch in seinen späteren in den Post-Minimalismus führenden Werken die rhythmische Energie des Minimalismus mit einer reichen harmonischen Palette und großer orchestraler Imagination, die Einflüsse der Spätromantik verrät. Seiner eigenen Kategorisierung zufolge lasse sich das Violinkonzert von 1993 klar einer „post-minimalistischen Epoche“ zuordnen. Aber schon „Phrygian Gates“ (1977) und „Shaker Loops“ (1978) hätten an seinen Bindungen zum Minimalismus „geknabbert“. Adams verarbeitet ein weites Spektrum musikhistorischer Einflüsse (sowohl von E- als auch U-Musik) in seinen Werken, verlässt jedoch nie die tonale Basis und verliert nie die kunstvoll zugespitzten Spannungsbögen seiner Werke aus den Augen.

Eine besondere Rolle in seiner Auseinandersetzung mit dem Werk anderer Komponisten spielt Charles Ives, dem Adams bisher zwei Kompositionen widmete: das Orchesterwerk My Father Knew Charles Ives, in dem der Komponist Erinnerungen an seine Kindheit verarbeitet, und ein Orchester-Arrangement von Ives-Songs. Eros Piano ist die komponierte Antwort auf Toru Takemitsus Stück riverrun, A Flowering Tree variiert Mozarts Zauberflöte, Harmonielehre und Chamber Symphony setzen sich mit Arnold Schönberg-Kompositionen auseinander und verbinden sie im Fall der Kammersinfonie mit Trickfilmmusik. Slonimsky’s Earbox basiert auf den ersten Takten von Igor Strawinskys Le Chant de Rossignol. Sechsmal hat Adams Werke anderer Komponisten neu arrangiert, neben Songs von Ives Kompositionen von Ferruccio Busoni, Claude Debussy, Franz Liszt und Astor Piazzolla.

Adams greift immer wieder aktuelle und zeithistorische Ereignisse als Inspiration für seine Musik auf, auf den ersten Blick „unpassende“ Sujets für klassische Musik, die oft zu politischen Kontroversen führten (den Staatsbesuch Nixons in China, die Entführung eines Kreuzfahrtschiffes durch Terroristen, ein Erdbeben, die Entwicklung der ersten Atombombe, Terroranschläge, den Amerikanischen Bürgerkrieg und illegale Emigration).

Adams greift für seine Werke oft direkte Anregungen aus Philosophie, Literatur und Religion auf. Religion ist ein Thema in Adams´ Welterfolg Shaker Loops, der die ekstatischen Tänze der amerikanischen Shaker-Gemeinde evoziert. El Niño ist eine Neufassung der Weihnachtshistorie, Christian Zeal & Activity setzt sich schon im Titel mit dem Christentum auseinander. Bei The Dharma at Big Sur kommen die Anregungen von den Werken Jack Kerouacs und Henry Millers, bei Harmonium sind die Gedichte Wallace Stevens´ die Grundlage. Naive and Sentimental Music ist eine in Musik gefasste Auseinandersetzung mit Friedrich Schillers Unterscheidung zwischen naiver und sentimentalischer Dichtung, The Wound Dresser eine Vertonung von Versen Walt Whitmans über die Schrecken des Amerikanischen Bürgerkrieges. Den Titel von American Berserk lieh sich Adams von Philip Roth.
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source: dissertationsgratuites

Né le 15 février 1947 à Worcester (Massachusetts), est un compositeur et chef d’orchestre américain de musique contemporaine.Au départ fortement inspiré par la musique minimaliste, il s’en éloigne en produisant des œuvres dans des styles très divers, marquées par une grande habileté orchestrale.

Ses activités sont clarinettiste, compositeur et chef d’orchestre.
Son style de musique est la musique contemporaine et la musique minimaliste.
Il a commencé en 1973.Sa formation s’est fait à Harvard collège.
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source: lastfmit

John Adams (Worcester, 15 febbraio 1947) è un compositore statunitense fra i più conosciuti ed eseguiti al mondo.

Laureato ad Harvard, dov’era già attivo come clarinettista e direttore d’orchestra, si perfeziona poi in composizione con Leon Kirchner, David Del Tredici e Roger Sessions.

Fra il 1972 ed il 1983 ha insegnato al conservatorio di San Francisco.

Nel 2003 gli è stato assegnato il Premio Pulitzer. John Adams è anche membro dell’American Academy of Arts and Letters.

Attualmente è compositore in residence alla Carnegie Hall, ma mantiene anche un’intensa attività come direttore d’orchestra con un repertorio che spazia da Claude Debussy, Igor Stravinsky, Béla Bartók e Maurice Ravel a Frank Zappa, Charles Ives, Steve Reich, Philip Glass e Duke Ellington, oltre naturalmente alla propria musica.
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source: webliojp

ジョン・クーリッジ・アダムズ（John Coolidge Adams、1947年2月15日 – ）はアメリカ合衆国の作曲家。「ミニマル・ミュージック」を提唱する作曲家の一人である。アメリカには「ジョン・アダムズ」と言う作曲家が2人いるが、一般に「ジョン・アダムズ」と言えばジョン・クーリッジ・アダムズを指し、もう１人のジョン・ルーサー・アダムズ（英語版）はミドルネームも表記して区別されている。