メルビン・ソコルスキー
멜빈 소콜스키
Мелвин Сокольский

Bubble Series

source: digitaljournalistorg – By Martin Harrison
The period between 1955 and 1970 has become widely recognized as a kind of golden age in American magazine culture. In these years the commercial imperative had failed to over-ride the arguably irrational urge to utilize mass-circulation periodicals as a platform for personal expression. Following a time of neglect or indifference, the legacy of many photographers, artists, and designers is again investigated and celebrated. One of the more unusual figures in this pantheon was Melvin Sokolsky. His relatively brief but intense career as a photographer was simultaneously paradigmatic and evidence of how an individual signature could prevail in a commercial environment.

“Astonishingly inventive” and “technically consummate” are typical of the encomiums that Sokolsky’s photographs elicit. The constant stream of frequently audacious ideas that he brought, month after month, to the pages of Harper’s Bazaar certainly bears witness to the claims of fecundity. And the effects he achieved, apparently effortlessly, were the result of tireless experimentation and skillful craftsmanship. He stretched beyond the nominal brief of illustrating clothes, urged on by his tenacious imagination, fired up by an almost child-like thrill with the power of the image, with articulating the body-in-space, and the search to find new ways to make an impact on the magazine page.

With no formal training, Sokolsky had to rely on instinct and careful observation for his professional photographic education. He had begun to photograph at the age of ten, using his father’s box camera. His father kept a family album that included old photographs of himself at the ages of five, ten, and fifteen; for Melvin it was disturbing, because each print had a different palette: “I could never make my photographs of Butch the dog look like the pearly finish of my father’s prints, and it was then that I realized the importance of the emulsion of the day.” To be a photographer he knew he would have to grasp not only camera techniques but also the refinements of texture and finish, as well as spatial concepts.

About 1954, at an East Side barbell club, he met Bob Denning, who was assistant to an established advertising photographer, Edgar de Evia: “I discovered that Edgar was paid $4000 for a Jell-O ad, and the idea of escaping from my tenement dwelling became an incredible dream and inspiration.” Technical information avidly gleaned from the Condé Nast book, The Art and Technique of Color Photography, was augmented by de Evia’s answers to the “thousands of questions” Sokolsky posed. Eventually “Edgar either got bored, or I asked too many questions,” and these visits constituted the sum of Sokolsky’s technical teaching. Unsurprisingly, his first attempts at photography used a lot of diffusion, in imitation of the Tissot-like effects favored by de Evia. The photographer Ira Mazer passed on a small assignment, and Sokolsky began in this way, gradually building up a portfolio by making the best out of routine advertising assignments. It was about this time, while visiting William Helburn’s studio, that he met a model named Button, his future wife and a central figure in his life and career. Thereafter, his progress was swift.

If Sokolsky’s drive and energy supplied the chutzpah to launch his assault across the Bazaar’s Madison Avenue threshold, he needed something more tangible if he was to hold down the job. The core of what he had to offer was innate. It was, apparently, already evident in his behaviour as a child, when he disturbed adults with his habit of holding both hands up to his face, thumbs at right angles, framing the scenes he witnessed like a budding film director: “They became so alarmed as I lined up people at the table, that they eventually took me to an optician, figuring there was a problem with my eyesight.” The desire to come to terms with reality by transforming it into images, and the fascination with placing people in spatial relationships, were to pay off later. The precocious sensitivity to lighting and environmental ambience has stayed with him to the extent that (almost, one senses, with embarrassment) he recognizes that he is profoundly distracted in a meeting if the people in a room are arranged and lit in a disconcerting manner.
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source: puretrend

Melvin Sokolsky é um diretor e fotógrafo de moda americano. Seu estilo mistura referências classicistas e surrealistas. O auge de sua carreira foi durante a décade de 60. Sokolsky nasceu em 1933 em Nova York e era, desde pequeno, atraído por tudo que era visual.
Com 10 anos, fez suas primeiras imagens com a câmera fotográfica de seu pai. Em 1959, ele passa a trabalhar na célebre revista Harper’s Bazaar. Três anos mais tarde, Sokolsky faz um especial de imagens suas em um volume da McCall’s Magazine, a primeira para um fotógrafo. Em paralelo, ele trabalha para a Harper’s Bazaar. Seu talento passa a ser amplamente reconhecido. Em 1975, a Japanese Graphic Society faz homenagem ao fotógrafo americano e o nomeia como Professor Honorário de Fotografia. Mais tarde, em 1968, o Victoria & Albert Museum organiza uma exposição chamada “Shoots of Style”. A exposição fazia uma retrospectiva de todos os grandes fotógrafos de moda da época.
Nos anos 2000, Sokolsky continuou suas colaborações com a Vogue, Wallpaper, Harper’s Bazaar e Vibe Magazine. Ele se impôs com um estilo pessoal, ao mesmo tempo vintage e futurista. Entre classicismo e surrealismo, ele soube revelar a beleza de cada uma de suas modelos. Dentre elas, ele fotografou: Naomi Campbell, Eva Herzigova e Twiggy.
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source: otradelrestoblogspot

Nueva York, 1938.- Nace Melvin Sokolsky, fotógrafo y director de cine autodidacta. Empezó a usar la cámara de su padre a los 10 años y aprendió instintivamente, observando y analizando, comparando sus fotos con las de su padre. Desde niño, molestaba a los adultos con su hábito de encuadrar con sus manos y componer imágenes, congelando las escenas que presenciaba. Su madre, preocupada, lo llevó a un oftalmólogo, creyendo que tenía un problema con su vista. La sensibilidad de Sokolsky por la iluminación y el entorno es tan fuerte que él mismo reconoce que se distrae en reuniones cuando la gente en un cuarto está iluminada de una manera desconcertante.

Los 60’s fueron ampliamente reconocidos como una especie de edad de oro en la cultura de las revistas americanas. Sokolsky estaba fascinado con la forma y los gestos femeninos. En cada foto, trataba de enseñar la expresividad del cuerpo debajo de la ropa, como si los vestidos no existieran. Una fotografía no era buena si el marketing era más importante que la mujer. Las ropas debían encajar perfectamente en el cuerpo de la mujer, que no parecieran vestidos comprados en una tienda. Analizando y experimentando con los gestos, Melvin enseñó a las modelos a girar las palmas de sus manos hacia el lente. Melvin siempre se rebeló contra las tendencias de moda y solo se dejaba llevar por su instinto. En 1972, fotografió el contenido editorial completo de McCall’s Magazine, algo nuevo para cualquier fotógrafo.

Desde el principio, la fotografía de moda Sokolsky se distinguió por la rápida progresión de sus temas. De hecho, se cree que la obligación que tenía de inventar nuevas ideas cada mes(una presión que nació en parte de su propia motivación) podría haber sido excesiva y que, de haber explorado algunos conceptos por más tiempo, habría sido más productivo para su propio desarrollo. Las ideas fluían sin cesar. De sus experimentos más extremos sobresale la serie “Bubble” para la colección de primavera de 1963 de París. Estas fotografías constituyen una especie de final a la era de moda de fantasía de París. Salvador Dalí, a quien conoció en ese tiempo, se convenció de que Sokolsky en realidad podría hacerle volar. El resultado de las épicas imágenes “Bubble” era investigar a fondo la simulación del vuelo y de la ingravidez. Hoy en día, estás imágenes siguen influyendo en los fotógrafos de moda hoy en día.

Después de diez años en la cima de su profesión, los directores de arte se preguntaban si Melvin era capaz de traducir la mirada de sus fotos en una película. Un experimento con un modelo en una tina llena de burbujas fue un gran éxito. La carrera de Sokolsky es breve pero intensa, con sus ideas audaces y experimentales, Sokolsky ha demostrado que el arte y la moda se pueden mezclar en un ambiente comercial sin que el nombre del fotógrafo deje de sobresalir. Antes de trabajar en Harper’s Bazaar, Melvin había pasado 18 meses trabajando en campañas de publicidad. Más de tres cuartos de su obra está relacionada a anuncios y comerciales, generalmente publicados sin créditos, por lo que el fotógrafo queda en el anonimato. Es probable que Sokolsky haya sido el fotógrafo de comerciales más exitoso de los 60’s. Para Sokolsky las fotografías publicitarias eran tan importantes como las de moda, las artísticas o las periodísticas.
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source: teleramafr

« Fermez les yeux longtemps et commencez à imaginer l’image qui vous représente. Pas votre portrait, seulement une image qui me dira qui vous êtes ! » Melvin Sokolsky, jeune photographe de mode de 75 ans, adore taquiner son audience. Ses yeux bleus irradiés par la lumière ne vous lâchent pas. L’homme est vif, sa pensée alerte : il tire à vue sur tout ce qu’il entend. Mais toujours avec charme et pédagogie, et la phobie de ne pas se faire comprendre : « Quand vous écoutez quelqu’un expliquer son travail, vous pouvez comprendre, être en accord, vous opposer, mais vous êtes un peu perdu. Cela ne sent pas votre propre maison. »

Melvin Sokolsky est toujours en acti­vité, pense toujours à la prochaine idée, à la prochaine photo. Mais il adore montrer l’ensemble de son œuvre sur son dernier gadget téléphonique. Apparaît ainsi sur l’écran sa photographie la plus célèbre : un mannequin BCBG enfermé dans une bulle glissant sur la Seine. Dans les années 60, Photoshop n’existait pas, il fallait tout créer, faire cons­truire la bulle en Plexiglas par des ingénieurs aéronautiques, la hisser avec une grue puis effacer le fil en grattant le négatif. Pour sa ­première tentative, il embarque son modèle fétiche, Simone d’Aillencourt, à bord de son engin de science-fiction, malgré les moqueries de son collègue Richard Avedon.

« Il suffit d’utiliser le bon outil pour la bonne chose, un marteau c’est utile, mais vous ne l’utiliserez jamais pour vous enlever une poussière dans l’œil ! » Lui utilise Photoshop pour créer sa propre palette de couleurs. Comme un peintre. Mais le contraste, son pire ennemi, ne doit apparaître qu’à la fin. Le concept et l’idée comptent plus que le rendu de l’image.

Melvin Sokolsky a connu dans les années 60 l’âge d’or de la presse de mode. Etre à 22 ans un photographe régulier de Bazaar lui a permis d’assouvir fantasmes et rêves. Il puise son inspiration chez les peintres surréalistes : Magritte, Delvaux et De Chirico. Il fera léviter des mannequins au-dessus de Paris, grandir des chaises, coller les meubles au plafond. Il débauchera aussi la secrétaire du journal, Ali MacGraw, la future actrice, pour en faire son assistante personnelle au studio.

L’artiste préfère l’élégance du corps féminin au vêtement qui l’enveloppe. « Prendre une photographie, c’est entamer une conversation silencieuse ; un face-à-face en espace clos dans lequel le modèle et le photographe dévoilent leur être dans une sorte de danse muette, escalade grandissante de confiance et d’affinités. On se regarde l’un l’autre, on se fantasme l’un l’autre, et ces rêveries jamais ne se rencontrent sinon dans la photographie. »

Dans son studio de la 39e Avenue, Melvin photographie des portraits et des publicités, invente tous les jours différents systèmes d’éclairage, dont le célèbre Kino Flo (boîte à néons), que l’on trouve aujourd’hui sur tous les plateaux de photographie et de cinéma. L’image animée l’excite. Il réalise de nombreux films publicitaires pour la télévision et rêve de longs métrages. Il élabore aussi un objectif contrôlé par ordinateur que Francis Ford Coppola utilisera dans la scène d’ouverture du Parrain.

Mais la photographie reste sa respiration. Il revient à Harper’s Bazaar en 2000 pour concevoir des images de son temps, toujours novatrices.
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source: artphotosite

メルビン・ソコルスキーは写真を独学で学び、1958年に広告写真家としてキャリアをスタートします。そして1959年、わずか21歳で当時“ハーパース・バザー”誌のアート・ディレクターだったヘンリー・ウルフから 撮影の仕事を依頼されています。
絵画への興味から発想された作品は当時活躍していたペン、アベドン、ヒロなどとは全く異なった ユニークなスタイルを持っていました。日常をシュールで超現実的な世界に変貌させることを探求し、多くの実験的手法をファッション写真に取り入れています。
大きなプラスチック製の透明のバブルの中にモデルを入れてセーヌ川などで宙吊りして撮影したパリコレクションのシリーズは特に有名です。
当時各界で活躍したスターたち、ミア・ファロー、ツィギー、アリ・マグロー、ジーン・シュリンプトン、 ダスティー・ホフマン、チェット・ベイカー、ナタリー・ウッドなどの ポートレートも撮影しています。

1970年代になってニューヨークからハリウッドへスタジオを移し、活動の中心をテレビのコマーシャル・フィルムの分野に転換しています。彼はこの分野の仕事でも高い評価を受けています。
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source: liveinternetru

Мелвин Сокольски (Melvin Sokolsky) родился в Нью-Йорке в 1938 году. Фотографии нигде не обучался. В 10 лет первый раз взял в руки отцовскую камеру. Мировую известность ему принесла серия Bubble (Пузырь) 1963 года, в которой Мелвин снял парящих по Парижу моделей в гигантских пластиковых шарах. Большую часть его работ составляет фэшн и рекламная фотография.