林明弘
マイケル·リン
مايكل لين

source: kanazawa21jp

マイケル・リンは、本作品制作に際し、金沢に滞在して工房を訪ねるなど、加賀友禅の歴史や手法を調査しました。そうして構想された花模様は明るい光の差し込む美術館の休憩コーナーの壁一面を埋め尽くしています。壁の前に置かれたSANAAのデザインしたロッキングチェアの表面にも同柄が施されています。美術館の白いニュートラルな空間に侵食するかのように、そして壁、椅子というフレームを超えて自在に拡張するような軽やかで活き活きとしたエネルギーを感じさせます。

1964 年東京（日本）生まれ、台北（台湾）及び上海（中国）在住。1999 年頃から、自身の出身地台湾ではベッドカバーなどの日常品に用いられる、伝統的なテキスタイルの花柄をモチーフにして壁や床に大きな絵を描くスタイルを確立。作品はカフェやオフィス、パブリック・スペースなど人が行き交う空間に展開され、家具やクッションなど実用品にも及びます。台湾に育ちアメリカで学んだ経験から培われた独自の言語によって生み出されるマイケル・リンの世界は、伝統、様式、文化という枠を超え、人々の感覚に親しみをもって働きかけます。
.
.
.
.
.
.
.
source: eslitegallery

林明弘最為人熟知的是放大傳統花布圖案，繪製在展示空間中，鋪天蓋地的花樣姿態，令人驚艷。這樣絢爛繽紛的大型公共藝術作品與空間形成互補、相輔相成的「合作關係」，並將作品所在的空間轉化成一種「狀態」，提供社交、互動和共享愉悅氣氛的場合，也是藝術知性對話與日常生活情境的結合。他說：「我希望能打破看畫的藝術概念，藝術作品是可以踩、躺、坐、臥的」，於此，他的作品有效體現了這個時代當代藝術的一個重要精神：藝術不只是被觀看，而是即時體驗甚至可以觸摸的。又由於他取材於日常生活布料，傳統印花布圖案在他的挪用之下綻放出讓人無比歡愉的親民特質，因為當觀眾置身於那些花色和圖紋之中，在感嘆人處身在浩大藝術之中有如滄海一粟之餘，也處於這些圖紋所蘊含的文化、歷史與記憶氛圍之中。藉由這些圖案，林明弘訴諸觀者的文化想像、反思與奇想，吸引觀者進入他的創作世界。他視自己為一面鏡子，反映出在他眼前已經存在的事物，同時延續極簡主義精神，雖然使用既有的圖案，又以一些手法消除圖案彼此之間的關連，例如製造圖案之間的錯位或去除一些元素，藉此宣告他要表現的不是那些美麗盎然的圖案，而是以這些圖案吸引觀眾走進他所創造的世界，聆聽畫作與空間的對話，領略包含其中的訊息，同時思考「何謂藝術」。由此出發，林明弘以無窮的想像辯詰和凝聚空間關係，創造出鮮活獨特的美學。
.
.
.
.
.
.
.
source: e-flux

Michael Lin is renown for his large-scale wall and floor paintings inspired by floral patterns derived from Taiwanese textiles of the 1950′s. These have been part of numerous high-profile exhibitions around the world.
Michael Lin’s interventions form a crucial element in a new approach to contemporary art and the museum: the museum space as a platform of public discourse, and a space of human interaction. Michael Lin therefore goes beyond the idea of art as an object, and rather proposes spaces that allow the experience of art, at the centre of which he collocates the viewer.

The title of the show alludes to this different approach: Michael Lin designates art as a generous gift that he shares with the viewer. The gesture of hospitality embraces the visitor not as a spectator, but rather as a guest. This gesture allows the artist to stage a complex game between the private and the public, between modernity and tradition. The appropriation everyday objects and patterns, all derived from his personal environment, allows him also to go beyond the classic opposition of modern aesthetic philosophy between the beautiful and the sublime: enlarging those anonymous patterns of industrial production multifold, and transposing them into the public arena, he creates a truly sublime experience.

The exhibition has been designed in a prestigious collaboration with the Japanese architects of Atelier Bow-Wow, who are renown for their exploration of urban micro-architecture. The exhibitions evokes a passage through a private home, including a living room, a bar, a games room, several salons, a library, a video room, even a garden and tea rooms.

Michael Lin (Born in 1964 in Tokyo, Japan. Lives and works in Shanghai and Paris) is internationally known for his painted walls and floors with reproduced and amplified traditional floral motifs inspired by traditional textiles from various cultures. Exaggeration and visual exuberance characterize his practice, and the sheer size of his site-specific works creates transformations within the locations in which he works. Amongst his most important exhibitions are in 2009: I Am the Sun, Eslite Gallery, Taipei, Taiwan, The Spectacle of the Everyday, Biennale de Lyon, France, 2008: Super Fengshui, Ullens Center for Contemporary Art, Beijing, China, 2007: Moscow Biennial of Contemporary Art, Moscow, Russia, 2006: Notre Histoire, Palais de Tokyo, Paris, France, 2005: Kunsthalle Wien, Vienna, Austria (solo), 2004: Asian Art Museum of San Francisco, CA, USA (solo), 2003: Spring 2003, Palais de Tokyo, Site de Creation Contemporaine, Bibliotherapy (with Remy Markowitsch), Kuntsmuseum, Lucerne, Switzerland, 2002: International, Liverpool Biennial, Liverpool, UK, The Gravity of the Immaterial, Total Museum, Seoul, Korea, 7th Istanbul Biennal, Istanbul, Turkey 2001: The Gravity of the Immaterial, Institute of Contemporary Art, Taipei, Taiwan, 49th Biennial of Venice, Taiwan Pavilion, Venice, Italy, 2000: The Sky is the Limit, Taipei Biennial, Taipei Fine Arts Museum, Taiwan.
.
.
.
.
.
.
.
source: aucklandtriennial

Born 1964, Tokyo, Japan 
Lives and works in Shanghai, China and Brussels, Belgium and Taipei, Taiwan.

Michael Lin is best known for his large-scale colourful floral paintings which cover the facades of building, interiors, windows and furniture. Using patterns from traditional Taiwanese textiles and decorative arts Lin’s work blurs the lines between art and craft, and raises issues around the continuity of traditional and domestic art forms. These playful insertions question the role of art in public space as Lin transgresses the line between the undervalued domestic realm and the dominant public one. Lin has collaborated with architects and local trades people to create environments and structures which encourage new ways of encountering art.
.
.
.
.
.
.
.
source: asdecoradoras

O artista plástico Michael Ming Hong Lin nasceu no Japão em 1964, foi criado em Taiwan até os 8 anos de idade, passou grande parte da sua infância na Califórnia e só voltou para a China após terminar sua pós graduação em 1993, quando retornou a Taiwan para iniciar sua produção artística.

Lin ficou conhecido pela exuberância visual dos seus trabalhos e sua fonte de inspiração são os padrões dos tecidos domésticos encontrados nas casas de Taiwan, com flores e folhagens provenientes em parte de antigos desenhos japoneses e chineses.

O artista retrata uma natureza espetacular em estampas com padrões de flores e folhas ampliados e aplicados sobre espaços arquitetônicos, renovando a relação do espectador com o espaço percorrido.

A aplicação de padrões florais gigantescos sobre a arquitetura monumental dos espaços públicos como museus, galerias e parques, rompe com os limites da temática de suas flores, que não mais ficam presas em telas e molduras.

Além das obras monumentais, Michael Lin desenvolveu trabalhos específicos de design em parcerias com as marcas Moroso e Nanimarquina. O artista também trabalhou com o arquiteto francês Jean-Marc Gady na cenografia criada para a inauguração da Louis Vuitton em Taipei.

“Minhas obras são parte do espaço, não um objeto dentro dele. São um diálogo entre arquitetura e arte”.
.
.
.
.
.
.
.
source: artasiapacific

قد يُفاجأ المرء من ندرة مقارنة أعمال مايكل لين مع أعمال فناني البوب التي راجت في الستينيات، مع أنّه بالإمكان التكهن بالسبب الذي دعا لين إلى تجنّب هذه المقارنة، وهو الذي ولد في طوكيو، وترعرع في تايوان، وتلقى تعليمه في الولايات المتحدة، قبل أن تنطلق مسيرته الفنية في أواخر عقد التسعينيات، فمن ذاك الذي يرغب بأن يُجمع في سلة واحدة مع حشود طلبة الدراسات العليا الصينيين العشرينيين المهووسين بالثقافة الشعبية، أو أن يقال عنه إنه يحاكي أسلوباً يزيد عمره عن نصف قرن؟
على الرغم من ذلك فإن من الاستحالة النظر إلى لوحات لين الضخمة النمطية الأزهار، التي لطالما غطّت مساحات هائلة من أرضيات المعارض وساحات المتاحف وأرصفة التزلج، فضلاً عن العديد من اللوحات الزيتية الرائجة، من دون أن يُرى فيها أثراً من فن البوب.

استعار أحد أوّل أعمال الفنان الناجحة نمطاً أحمر ووردياً لنبات عود الصليب من نسيج تايواني يعود لمرحلة الستينيات، قبل أن يصار إلى تكبيره ليأخذ مقياساً معمارياً، ويستخدم ليغطي الأوتريوم في متحف الفنون الجميلة في تايبيه أثناء البينالي عام 2000، وعلى غرار صور وارهول للمشاهير؛ فإن هذا العمل كان نوعاً من التصوير الشعبي الذي أُعيد تخيله بدرجة من جمال نابض أخاذ، ومثل منحوتات كليس أولدينبرغ؛ انتقل العمل من أصله المألوف من خلال تضخيم بسيط للحجم، كما رسم لين أيضاً لوحات زيتية كبيرة صيغت على هيئة رسومات ملصقات السجائر والبيرة التايوانية وجواز سفره.

وإذا كان جيمس روسينكويست قد قال مرة إنه يبحث عن صور للوحاته في تلك المشاهد التي (تكون مألوفة إلى درجة أنها لا تثير الانتباه)، فإن بإمكان لين قول الشيء ذاته بكل يسر.

صبّ لين اهتمامه على الجمال المألوف، لأنه وجد هويته الثقافية التايوانية الخاصة ضمن اليومي الاعتيادي، وخلافاً لفن البوب في الستينيات فإن أعمال لين لا تأتي رد فعلٍ على ثقافة الميديا، إذ لم يقصد يوماً أن يكون ساخراً أو منفصلاً عن الواقع، فأعماله الأولى اتخذت في أغلبيتها شكل الأقمشة التايوانية التي تعود إلى الستينيات، حيث اختارها لأنها كانت جزءاً من لغة ثقافية آخذة بالاندثار، وبدل نزع تلك الأنماط من سياقاتها كما هي عادة فناني البوب؛ فقد أعادها لين إلى السياق، معلقاً إياها كستارة فوق فنون معمارية، وحتى لو لم يكن الأصل التايواني لتلك الأنماط واضحاً، فإن من الصعوبة ألا يلاحظ أحد دقائقها الثقافية، والنتيجة بلوغ تلك الأعمال درجة من الضخامة والجمال أرغمت الجمهور على التفاعل الشديد معها.

انتقل لين بعد ذلك إلى استكشاف أنماط أقمشة تشيع في أجزاء أخرى من العالم، وإذا كان المغاربة يرون أن لكل سجادة قصة ما، فإن لين غدا باستخدامه تلك الأنماط مبدعاً لقاءاتٍ نابضة حية بين التاريخ والصورة.

يمكن للمرء أن يطلق على فن لين (البوب ما بعد الكولونيالي)، بما فيه من مزيج من قضايا هويّة، وصور مستوحاة، وحساسيّات تجاريّة حيّة برّاقة، ولا شكّ أنّ لين ليس وحيداً في اتباعه تلك الوصفة الفنية، على الرغم من أنه أكثر رهافة من البوب السياسي، إذ هناك الفنان الصيني وانغ غوانغي المشهور بجمعه بين شعار الكوكاكولا والبروباغاندا الماويّة.

كسب معرض لين الأخير الذي استضافته صالة عرض إسليت في تايبيه سمعة غير مألوفة، وكأنه احتفالية بالفنان آندي وارهول في صالة عرض غاغوسيان، وقد ظهرت سلسلة (من دون عنوان)/2012؛ غاية في الجمال، وهي عبارة عن مجموعة من الأنماط الزهرية الفضية على أرضية بيضاء، لكن إذا كان الجمال نصراً في الأزياء، فإنه قد يكون جريمة في الفن.

صحيح أن أسلوب لين هنا جاء أكثر أناقة مما مضى، لكنه كان على حساب الدفء والرهافة والانفتاح التي تتسم بها أعماله السابقة، فعمل (بلا حدود)/2011؛ وهو عبارة عن غرفة مطليّة بالكامل بنمط أزهار حمراء وصفراء على أرضية ورديّة، أعاد إلى الأذهان كلاً من مطبوعات الأزهار للفنان وارهول من الستينيات، وأزهار تاكاشي موراكامي المبتسمة في بهجتها الاعتيادية.

وثمة سلسلة من اللوحات الكرتونية لأشياء يومية مثل ساعة منبّه، بندقية، مكنسة كهربائية، احتوت جميعها على حروف صينية وأخرى رومانية، ظهرت وكأنها بطاقات تعليمية، وخلافاً لما اعتدناه مع لين؛ فإن الناتج بدا ساذجاً.

يبقى لين في أحسن أحواله حين يعمل في العمارة، حيث يتضخم نمط ما، لوسادة أو لغطاء سرير، فيصبح البيئة كلها، وإن أثر ذلك يكون ثورياً وفاتناً حقاً، لكنه حين يرسم لوحات زيتية لتعلّق في صالة عرض؛ فإنّ فنه غالباً ما يخسر لحساب الغاية من المادة المعروضة، وحين يحدث هذا فقد يصبح لين مجرد مادة تزيينية.أعمال اوالبلفنان أ