Зе, Сара
サラ・セー
Triple Point (eclipse)

source: wired

Sarah Sze spent the months leading up to the Venice Biennale collecting what some might consider trash. Each day the artist, who is representing the United States at the biennale, would take the objects she found around Venice (napkins, paint cans, espresso cups, water bottles) and carefully place them among one of the five installations she created for the annual art festival. Titled Triple Point, the exhibition is a series of interconnected installations that spill across the rooms of the U.S. Pavilion. Much like her previous work, Sze’s Triple Point is intricate, architectural and adaptive to the space it inhabits. “Both Carey and I are interested in working with artists who create evolving installations,” says Holly Block, executive director of the Bronx Museum of the Arts and co-commissioner of the U.S. Pavilion with Carey Lovelace. “We wanted to work with someone who would completely alter the U.S. Pavilion’s traditional building site.”

THIS IS ORGANIZED CHAOS, NOT UNLIKE THE SITE OF AN ARCHEOLOGICAL DIG.
Sze did exactly that, starting with the neighborhood surrounding the exhibition. Scattered around the Giardini Via Garibaldi area of Venice are realistic-looking rocks made of Tyvek. They sit atop newsstands and on the floors of local vegetarian restaurants, and hover on apartment balconies. The rocks indirectly lead visitors to the courtyard of the stately 1930s building designed by William Adams Delano and Chester Holmes Aldrich where Triple Point actually begins. Once there, viewers encounter an erector-set like contraption made from an assemblage of aluminum rods, pieces of wood and a multitude of found objects. This first piece, Gleaner, requires visitors to redirect to the side of the building where they enter the rest of the exhibition from a side exit door. This is not an accident. One of Sze’s main goals is to recalibrate her visitors’ inner compass.

Another view of Planetarium. © Sarah Sze, Courtesy of the artist, Tanya Bonakdar Gallery, New York, and Victoria Miro Gallery, London. Photo: Tom Powel Imaging
“Her work makes the visitor consider the past, present and future,” Block explained. “It challenges your equilibrium while questioning your notion of space; it throws you off-center and implores you to question your everyday experience, in both a physical and mental sense.”

Sze’s work can be disorienting. Once inside, visitors are directed through a series of installations located in different rooms throughout the building. A piece like Planetarium, with its thin wooden frame and overwhelming number of objects, looks as though it could topple over from the sum of its parts, while Observatory appears to be the workspace of a crazed, but orderly scientist. Don’t be fooled, though. This is organized chaos, not unlike the site of an archeological dig, says Block.

“Sarah’s work may seem random, it is not,” she said. “It has been highly orchestrated, and each item is deliberately placed. The feeling that you get from seeing the overall work is the important part, rather than the individual objects. It is almost as if you’re looking at a world frozen in time.”

Triple Point will run through Nov. 24, 2013.
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source: domuswebit

Triple Point riunisce molte delle idee che Sarah Sze ha sviluppato nel corso della sua carriera. “Al centro della mostra ci sono la nozione di ‘bussola’ e il modo in cui noi ci posizioniamo in un mondo perennemente disorientante”, ha spiegato Sze. “Ciascuna delle sale opera come un sito sperimentale, in cui gli oggetti tendono a diventare strumenti o montaggi per misurare o modellare la nostra posizione nello spazio e nel tempo. L’aspirazione a costruire modelli che catturino la complessità e l’impossibilità di quell’impresa, è il punto centrale dell’opera”.

In termodinamica, il termine “triple point” indica la particolare temperatura a cui le tre fasi di una sostanza (gassosa, liquida e solida) coesistono in perfetto equilibrio. La triangolazione, cioè la misurazione della distanza da tre punti ordinali, è anche usata per determinare un punto specifico dello spazio. L’opera di Sze fa riferimento a entrambi questi concetti, la fragilità dell’equilibrio e il desiderio costante di ritrovare una posizione stabile. Il suo approccio al padiglione è quello di un sito di osservazione e sperimentazione dal vivo; l’opera è stata creata, in tre mesi, per la maggior parte in situ. Parte dell’installazione è stata “cancellata” durante questo periodo, diventando, come dice Sze, “resti archeologici di esperimenti falliti”.

Tracce del panorama urbano di Venezia – come foto di pietre, materiali architettonici, biglietti del vaporetto – sono stati raccolte e aggiunte man mano che l’installazione veniva completata. Di conseguenza, gli oggetti appaiono instabili, con crescita virale e decadimento imminente in evidenza. Piccoli frammenti di sculture sono stati anche dispersi per i negozi e sui tetti intorno alla vicina via Garibaldi, per essere scoperti per caso nel tessuto della vita quotidiana. La mostra occupa il padiglione e la città, ne naviga le sale e le strade, si rintana in retrobottega, si aggrega in sistemi e infine degenera in residui.

All’esterno dell’edificio, una struttura dinamica e vacillante sale e scende. L’ingresso del padiglione è stato trasferito a una vecchia porta di uscita a sinistra della rotonda d’ingresso. Una volta all’interno, lo spettatore incontra strutture improvvisate, alcune apparentemente ancora in costruzione, che richiamano modelli, macchine e strutture come in un planetario, un osservatorio, un laboratorio o un pendolo, dispositivi di misurazione o elementi per localizzare i corpi nello spazio.
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source: revistacodigo

Nacida en Boston, Sarah Sze fue elegida para representar al pabellón de los Estados Unidos en la Bienal de Venecia con una instalación que parece desafiar la gravedad.
Sze es reconocida por sus instalaciones realizadas a partir de la acumulación y disposición de objetos nimios y cotidianos —palillos, botellas de plástico, focos, esponjas, bolsas de arena y tazas de espresso— en una reintegración de micro poéticas que funcionan en conjunto y concluyen en la transformación de un espacio sin la necesidad de modificar su propia arquitectura, de modo que se crea una ambientación que responde a los términos de la percepción y el descubrimiento. Las esculturas de Sara Sze reconstruyen el espacio a partir de la inscripción de un orden dentro de un caos.
La obra que la artista presenta en la 55 edición de la Bienal de Venecia, Triple Point, está basada en el concepto de la orientación y la desorientación. Para esto, Sze hizo de la propia ciudad de Venecia un elemento más de su instalación, convirtiéndola en su espacio de observación y experimentación. Durante tres meses recolectó objetos dentro de la ciudad, objetos cotidianos que, en palabras de la artista, “guardan cierto resquicio emocional”. La instalación se vio modificada constantemente durante los tres meses en que la Sarah fue trabajando.
La instalación está dividida en salas, y cada una de ellas funciona como un sitio experimental en donde la disposición de los objetos actúa como un instrumento que mide nuestro modelo de orientación en tiempo y espacio. La última sala de la exhibición de Triple Point puede considerarse el taller de la artista durante estos tres meses, ya que resulta el testimonio arqueológico de su proceso artístico.
El nombre de la instalación alude a un concepto de la termodinámica: punto triple, que designa una combinación concreta de temperatura y presión en la cual los tres estados de la materia (sólido, líquido y gaseoso) existen en pleno equilibrio.
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source: bronxmuseumorg
SARAH SZE
Since the late 1990s, the artist Sarah Sze has composed ephemeral installations that penetrate walls, hang from ceilings, and burrow into the ground. Whether installed in a gallery, a domestic interior, or on a street corner, Sze’s immense yet intricate site-specific works both respond to and transform their surroundings.
Born in Boston in 1969, Sze has been the recipient of the prestigious MacArthur Fellowship in 2003, a Radcliffe Fellowship in 2005, and the Louis Comfort Tiffany Award in 1999. Most recently, the Asia Society in New York presented a solo show of her work, “Sarah Sze: Infinite Line” (December 2011-March 2012). Her installation for the High Line in Manhattan, Still Life with Landscape (Model for a Habitat), is an elaborate “metropolis” of perspectival architectural models bisected by the High Line’s path itself. The piece won a 2012 International Association of Art Critics award for “Best Project in a Public Space.”
Sze’s practice exists at the intersection of sculpture, painting, and architecture. It demonstrates the artist’s formal interest in light, air, and movement, as well as an intuitive understanding of color and texture. Sze utilizes a myriad of everyday objects in her installations, ranging from cotton buds and tea bags to water bottles and ladders, light bulbs and electric fans. Presented as leftovers or traces of human behavior, these items, when released from their commonplace duty, possess a vitality and ambition within the work. Sze’s careful consideration of every shift in scale between the humble and the monumental, the throwaway and the precious, the incidental and the essential, solicits a new experience of space, disorienting and reorienting the viewer at every turn.
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source: acasculptureblogspot
“Sarah Sze crée des sculptures éphémères liées à un lieu précis. Elles sont construites avec des milliers de petits objets de la vie courante, assemblés en des formes à la fois maîtrisées et irrationnelles. Créant des réseaux de sens et d’associations impossibles, échelles, plumes, tiges, ciseaux ou morceaux de polystyrène s’élancent dans l’espace et l’envahissent totalement pour constituer une vaste sphère. Chaque objet appartient à un tout : dans une théorie du chaos chaque fois reformulée, les oeuvres de Sze forment un mélange de hasard et d’équilibre fragile qui déconstruit l’espace autant qu’il crée des mondes possibles. Un étrange écosystème, à la manière d’un cycle de transformation et de recyclage, de croissance et de mort : les installations de l’artiste incorporent les contingences de l’instant et du site (le mouvement de l’air, l’orchestration du poids des objets ou les couleurs qui se fanent) ; une fois l’exposition finie, l’oeuvre de Sze est démontée et ses matériaux sont conservés pour une réutilisation future dans une nouvelle sculpture.”
Voir son site http://www.sarahsze.com/
Elle expose actuellement à la Xème Biennale de Lyon. (Il sagit ici du texte de présentation de son travail sur le site de la biennale)
Nous vous avions déjà parlé de la biennale il y a quelques mois suite au départ de la première commissaire Caroline David; cette charge ayant été reprise tardivement par le Chinois Hou Hanru. Cette fois on y est, du 16 septembre au 3 janvier 2010, et en quelques chiffres :
quatre lieux ( le Musée d’art contemporain, la Fondation Bullukian, l’Entrepôt Bichat et la Sucrière); trente-cinq oeuvres réalisées spécialement par les artistes pour cette Biennale et
un programme d’une centaine de manifestations.
“La Biennale est construite selon un modèle qui intègre plusieurs dimensions, parce que le thème recouvre plusieurs facettes. J’ai donc organisé la Biennale selon 5 piliers qui se retrouvent facilement au fil de l’exposition. Quand vous aller découvrir Le spectacle du quotidien, vous allez explorer « La Magie des Choses », qui vous propose le travail d’artistes qui modifient des objets, des situations du quotidien en de nouveaux horizons esthétiques et posent ainsi des questions d’ordre social, historique et politique. « L’Eloge de la dérive » s’intéresse aux artistes qui interviennent dans l’espace urbain et créent des formes artistiques qui résistent à l’ordre et aux contraintes spatiales.« Vivons ensemble » explore le dialogue entre la ville et les communautés qui l’habitent, alors que « Un autre monde est possible » reçoit la parole d’artistes qui examinent la réalité de façon critique et imaginent de nouveaux ordres sociaux parfois utopiques. Très proche de ce dernier pilier, il existe un projet qui s’appelle « Veduta » et qui inverse la proposition habituelle de l’art. Au lieu de faire venir le public voir des œuvres d’art, on fait aller les œuvres d’art vers le public et ce dans des quartiers en renouvellement urbain. Veduta, c’est en réalité la Biennale près des gens, chez eux. En proposant des expériences inédites autour de l’art contemporain, on essaie de nouer un dialogue, de parler d’art ou de tout simplement le regarder.”