לזכות ונדרס
ヴェンダースに勝つ
벤더스 승리
выиграть Вендерс

source: dancingspidercokr

2월 말에 독일 전역에서 개봉한 빔 벤더스의 최신작 <피나>가 지금까지도 절찬리에 상영 중이다. 물론 감독이 뉴 저먼 시네마의 대표주자 중 한 명이자 우리에게도 친숙한 <베를린 천사의 시>와 <부에나 비스타 소셜 클럽>의 바로 그 빔 벤더스라 하더라도, ‘세계 최초의 3D 예술영화’를 표방한 이번 영화가 몇몇 예술 전용 영화관에서 뿐만 아니라 대규모의 멀티플렉스 영화관에서까지 장기간 상영 중이라는 사실은 왠지 쉽게 납득하기가 어려울 정도다.

하지만 이 영화가 검은 옷의 수수함과 꿰뚫어보는 듯한 시선으로 상징되는 그녀, 독일 탄츠테아터의 상징 ‘피나 바우쉬’에 대한 적합한 형식의 오마쥬가 될 것이라는 관객의 기대는 영화가 처음으로 대중 앞에 공개되던 올 2월 베를린 영화제에서부터 이미 그 인기를 예고하고 있었다.

영상 문법이 움직임의 언어와 만났을 때

영화 트레일러에도 소개되어 있듯이, <피나>는 2009년 6월에 타계한 피나 바우쉬를 위한 빔 벤더스의 영화다. 굳이 장르를 규정하자면 이미 잘 알려진 바우쉬의 대표작 몇 편을 카메라로 담아내는 한편, 다소 연극적인 방식을 통해 바우쉬가 떠난 자리를 고인에 대한 단원들의 기억으로 채우려 했다는 점에서 단순한 탄츠필름이라기 보다는 다큐테아터 정도로 명명할 수 있지 않을까 싶다.

감독 빔 벤더스는 1985년 베네치아에서 부퍼탈 탄츠테아터의 초청공연을 처음으로 접한 후, 지속적으로 피나 바우쉬와 연락을 주고받으며 그녀의 안무작을 영화화하기로 결심한다. 하지만 무대와 영상이라는 전혀 다른 표현매체의 접점을 찾아야 했던 벤더스는 바로 그 접점 역할을 할 수 있는 구체적인 방식을 찾지 못해 바우쉬와의 첫 만남 이후 무려 20여 년 동안이나 이 프로젝트를 추진시키지 못한다. 과연 어떤 방식을 통해 무대라는 공간성과 무대 위에 펼쳐지는 무용수들의 다차원적 움직임을 스크린이라는 평면공간에 재현시킬 수 있을 것인가. 아니, 그 보다도 어떤 영상 기법으로 재현을 넘어서는 재현, 즉 영화관 관객들의 감각에 지금 보고 있는 것이 영상이 아닌 실제 무대라는 느낌을 새겨 넣을 수 있을 것인가.

기술의 매개를 통해 공간과 움직임에 대한 관객의 인지를 극단적으로 변화시킨다는 것. 가히 혁명적이라 할 수 있는 벤더스의 이 같은 고민들은 마침내 2007년, 그가 칸느영화제에서 록그룹 U2의 콘서트 실황을 3D 형식으로 담은 영화 를 접했을 때 그 해결의 실마리를 찾게 된다. 바우쉬의 작품들을 3D 형식으로 영화화하기로 결심한 것이다. 지금까지 3D로 제작된 영화들은 실제 사람의 움직임을 자연스럽게 담아내는 게 불가능하다는 특성 때문에 애니메이션이나 <아바타> 등의 컴퓨터프로그래밍이 주가 되는 블록버스터뿐이었다.

하지만 벤더스는 카메라가 부착된 크레인을 이용해 무용수들을 방해하지 않는 동시에 최대한 무용수들을 근접 촬영할 수 있는 새로운 촬영방법을 고안해냄으로써 사람의 동작이 단편적으로 끊어지는 부자연스런 3D 영화가 아닌, 동작의 생동감을 카메라에 담아내는 새로운 형태의 ‘자연스런 3D 영화’를 연출할 계획을 세운다. 그 즉시 바우쉬에게 전화를 걸어 자신의 구상에 대해 설명한 그는 비로소 부퍼탈 탄츠테아터와의 공동 프로젝트에 본격적으로 박차를 가한다.

특별한 형식의 오마쥬 – 피나의, 피나에 의한, 피나를 위한

그러나 얼마 지나지 않아 예기치 못한 문제가 발생했다. 관객들이 착석한 상태에서 진행되는 라이브 공연을 촬영해야 한다는 상황 상, 벤더스와 촬영팀은 실제 촬영 당일에 한 치의 오차도 발생하지 않도록 미리 수차례의 테스트 촬영을 시행해야 했다. 그리고 촬영 대상이 단편적 장면이 아닌, 한 편당 최소 30분 이상 소요되는 완결된 장편 안무작이었기 때문에 실제 촬영 시에 반복 촬영이나 임의적인 삭제 및 편집이 불가능했다. 따라서 테스트 촬영은 필수였는데, 바로 이 첫 테스트 촬영 예정일 이틀 전에 피나 바우쉬의 급작스런 사망 소식이 전해진 것이다.

피나 바우쉬와의 직접적인 협력 없이 영화를 완성한다는 게 불가능하다고 판단한 빔 벤더스는 그 즉시 촬영을 중단하기로 결정한다. 그러나 부퍼탈 탄츠테아터라는 공동체 속에서 서로가 서로를 의지하고 격려하고 자극하며 수십여 년 간 함께 춤추고 함께 나이 들어간 단원들은 감독에게 영화를 마지막까지 촬영하자고 제안한다. 비록 피나 바우쉬라는 거대한 표상은 부재하지만, 함께 일하고 함께 고민하던 일상적 동료로서의 피나 바우쉬는 함께 했던 기나긴 시간동안 어느새 단원들 각자의 움직임에 스며들어 이제 그들은 그녀 없이도 그녀와 더불어 춤출 수 있게 되었다.

바우쉬의 연배인 고령의 단원들은 그녀의 뒤를 따라 하나 둘 어느 날 갑자기 유령처럼 무용단을 떠나게 되겠지만, 그들이 떠난다고 해서 그들에 대한 동료들의 기억과 그들이 이겨낸 움직임의 시간이 사라지는 건 아니다. 그리고 부퍼탈 탄츠테아터가 단지 독일 무용사에 한 획만을 남긴 채 소멸하는 것도 아니다.

그리하여 빔 벤더스는 다시 촬영을 시작했다. 다만 영화의 전반적인 컨셉 조정은 피할 수가 없었다. 빔 벤더스는 이 영화를 피나 바우쉬의 작품을 영상 기술로 번역해내는 작업을 넘어서 피나 바우쉬에 대한 한 편의 오마쥬로 연출하기로 한다. 촬영은 두 번에 걸쳐 시행되었다. 피나 바우쉬는 이 영화에 담길 자신의 안무작 네 편(<봄의 제전Le Sacre du Printemps>(1975), <카페 뮐러Café Müller>(1978), <콘탁트호프Kontakthof>(1978), <보름달Vollmond>(2006))을 선정해 2009/2010 부퍼탈 탄츠테아터의 공식 공연 프로그램에 포함시켰는데, 벤더스와 촬영팀은 1차로 2009년 10월에 부퍼탈 오페라하우스에서 진행된 <봄의 제전>, <카페 뮐러>, <보름달> 세 편의 공연을 실제 공연 현장에서 촬영했다.

이후 2010년 4월에 있었던 2차 촬영에서는 관객이 없는 상태에서 <콘탁트호프>의 세 버전(부퍼탈 탄츠테아터 단원들의 오리지널 버전, 65세 이상의 노인 버전, 14세 이상의 청소년 버전)이 모두 카메라에 담겼으며, 이외에도 감독이 고안한 무용단 단원들의 솔로 및 군무 장면이 부퍼탈의 상징인 케이블 철도Schwebebahn 및 지하 탄광 등 시내 곳곳에서 촬영되었다.

이 장면들을 촬영하기 위해 빔 벤더스는 피나 바우쉬 안무의 핵심과도 같은 ‘질문 던지기’ 방식을 차용했다고 한다. 바우쉬가 던지는 일상적인 질문들에 대한 무용수들의 대답 형식이 바로 그들 각자의 움직임이었던 것처럼, 그리고 바로 그 움직임을 편집하고 구성하는 것이 바우쉬의 안무 방식이었던 것처럼, 피나 바우쉬에 대한 기억을 자극하는 빔 벤더스의 질문과 이 질문에 대한 답으로서 단원들이 보여주는 움직임은 또 하나의 새로운 형식으로 부퍼탈 탄츠테아터를 정의한다.

베를린의 일간지 타게스슈피겔(Tagesspiegel)과의 인터뷰에서 빔 벤더스는 피나 바우쉬의 말을 다음과 같이 전한 바 있다. “(그녀가 말하길) 난 작품이 너무 많아요. 매해 새 작품을 만들고 오래된 작품들도 늘 계속해서 공연해야하고 그 작품들을 다음 무용수 세대에까지 전해줘야만 해요. 만약 계속해서 공연되지 않는다면 탄츠테아터는 사라져버리고 말거든요.” 탄츠테아터의 소멸에 대한 노장 안무가의 근심과 불안은 사망 직전까지도 거의 매해 신작을 발표하게 하는 집요한 동력이었다.

어느 누구나 공감하는 문제였지만 어느 누구도 쉽사리 그녀의 근심을 공유할 수도 없었고 실제로 공유하지도 않았다. 그러므로 지금, 피나 바우쉬를 위한 빔 벤더스의 영화 <피나>는 눈을 감아버린 그녀의 외로운 불안을 조심스레 다독일 수 있지 않을까. 그녀의 근심 위에 살며시 올려놓는 작은 다짐이 될 수 있지 않을까.
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source: ogloboglobo

“As coisas mais belas quase sempre estão escondidas. É preciso apanhá-las e cultivá-las e deixá-las crescer bem devagar”.
Pina Bausch

Wim Wenders inicia uma nova época no cinema 3D. A tecnologia à serviço da cultura, da arte, e não como alimento de um consumismo vazio para engordar os bolsos dos empresários ávidos por enriquecimento. O filme é uma homenagem à coreógrafa, dançarina, pedagoga de dança e diretora do balé Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, localizada em Wuppertal, na Alemanha.

Philippine Bausch, mais conhecida como Pina Bausch nasceu em Solingen, em julho de 1949 e morre abruptamente de um câncer em Wuppertal no dia 30 de junho de 2009. Entre seus prêmios estão o Prêmio Kyoto (2007) e o Prêmio Goethe (2008). Tal como Igor Stravinski, um dos compositores que iniciam o modernismo na música, Pina trouxe a ousadia de romper com as formas tradicionais da dança-teatro. Uma linguagem nova do corpo enquanto dança, criando coreografias baseadas nas experiências de vida dos seus bailarinos. Pina agregou em seu corpo de dança bailarinos de várias nacionalidades como mostra bem o filme, usando ritmos próprios de cada cultura, inclusive uma bailarina brasileira de Minas Gerais – Regina Advento.

O filme em sua versão 3D faz o expectador viver uma experiência singular – sentir que está numa sala de teatro, ali, junto aos atores, sentindo, sofrendo e experimentando estados emocionais tais como alegria, tristeza, liberdade, vida, morte e paixão. É impressionante como Wim Wenders consegue, fazendo uso da nova tecnologia cinematográfica, criar uma realidade virtual, quase real. Meu sentimento assistindo ao filme era como se estivesse no teatro, a arte mais viva das artes.

A dança é o filme, a coreografia traz momentos de êxtase: a Sagração da Primavera de Stravinski surpreende com seus ritmos sincopados e movimentos corporais “dissonantes”; os elementos naturais _ água e terra_ dão uma sensação que o palco não é um palco, e sim o próprio chão onde se pisa; a leveza dos movimentos mostra a experiência da liberdade, do aprisionamento, da repetição e da inquietação da angústia humana moderna. Entremeado com a arte cênica, o diretor coloca várias imagens dos bailarinos exprimindo sua gratidão, a dor da perda e a experiência de aprendizagem que tiveram com Pina.

Luty Vasconcelos, num artigo sobre o filme lembra uma bela frase de Pina: “Tem coisas que nos deixam sem palavras. E tem coisas que as palavras não dão conta de dizer. É aí que entra a dança”. A dança é um pensamento não verbal, é uma experiência corporal, nomeando estados de mente, experiências emocionais que a palavra consegue fazer na poesia e na literatura. Pina intuía esses estados psíquicos. Intuía usando a coragem e a sabedoria de romper com a linguagem clássica. Sua dança é cosmopolita, é estrangeira, é uma composição aberta a novos “acordes” e “arranjos”. Pina improvisa, recria, inventa e assume sua obra como teatro-dança.

“Dance, dance, dance, senão estaremos perdidos” – de que perdição falava Pina? Talvez do nosso vazio existencial atual, da falta de fé e esperança no predomínio do amor na vida moderna. O filme tem uma mensagem: a arte é uma alternativa para a “perdição”, assim como a arte é uma forma de apreender e denunciar estados subjetivos e objetivos do ser humano: solidão, abandono, crueldade, paixão, aprisionamento, perda, luto, beleza, leveza, alegria e liberdade. A obra de Pina tem sua marca artística, estética e filosófica.

Caro leitor, o filme realmente não é um filme tradicional, não é uma história de amor banal e de final feliz. Não é tampouco uma aventura tridimensional de guerra, sem
enredo profundo, nem mostra a beleza de atores e atrizes da mídia cinematográfica. Enfim, é um filme de arte, um filme da arte da dança tirando proveito da imagem 3D.
Mesmo para aqueles que não se ligam na arte da dança, e como disse Pina, na dança-teatro, vale a pena assistir. Vale a pena prestigiar um diretor, fora do circuito comercial, Wim Wenders, que assim como Martin Scorsese em “A Invenção de Hugo Cabret” conseguem e iniciam um novo cinema 3D – o cinema Cult tridimensional.
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source: tempsreelnouvelobs

Qu’aurait été ce film s’il avait été réalisé par Wim Wenders avec Pina Bausch à ses côtés, comme il était prévu qu’il le fût ? En découvrant “Pina”, on ne peut s’empêcher de se poser la question, puisque celle-ci est morte brusquement, deux jours avant que ne débute le tournage. Mais il eut sans doute été quelque chose de fort semblable à ce qu’on découvre aujourd’hui, car le réalisateur et les interprètes, après avoir un temps renoncé à mener à bien ce projet sous l’effet du chagrin, ont tout fait pour demeurer fidèles au génie de la chorégraphe allemande. Ils y sont à la fois eux-mêmes, à l’image de ce qu’inlassablement exigeait Pina Bausch de ses danseurs. Et sans cesse habités par l’esprit de celle sans qui le film n’aurait pas sa raison d’être.

A Venise, en 1985
Cela faisait des années que Wim Wenders était hanté par le désir de saisir quelque chose de l’œuvre de Pina Bausch. Depuis ce soir de 1985, à Venise, où il la découvrit interprétant “Café Müller” au Teatro de la Fenice lors d’une longue série de spectacles où le Tanztheater de Wuppertal présentait plusieurs de ses “Tanzabende”. Un éblouissement. Plus que cela : un bouleversement. Comment, il est vrai, mieux aborder le travail de Pina Bausch, sinon par ce déchirant lamento sur la solitude humaine et le désespoir qui l’accompagne ? Fasciné par l’œuvre la plus douloureuse sans doute de l’histoire du théâtre, l’une des plus saisissantes aussi, Wenders s’est longtemps demandé comment il était possible de filmer et la détresse et la danse.

En trois dimensions
Sans réponse durant des années, il a cru la trouver enfin dans le film en trois dimensions. Une technique qui permet une approche extraordinaire du travail scénique, qui donne au spectateur le sentiment d’être au milieu des danseurs, au cœur de l’action, mais à laquelle il faut ajouter la sensibilité exacerbée du réalisateur, une compréhension et une connaissance intimes de l’univers “bauschien”. A l’encontre de beaucoup de ses contemporains qui n’ont découvert Pina Bausch que sur le tard et avec des œuvres mineures, Wenders a su très tôt mesurer pleinement le génie de la dame de Wuppertal.

Des chefs d’oeuvre
On le sent dans sa façon de filmer ses pièces. Comme dans le choix qu’il en a fait avec la chorégraphe. Un choix infiniment éloquent puisqu’ils n’ont élu que des ouvrages des années 1970-1980, quelques-uns des chefs d’œuvre qui révèlent la vraie stature de Pina Bausch : “Café Müller”, le “Sacre du Printemps” et “Kontakhof”. “Vollmond” encore, ouvrage plus récent, moins puissant, représentatif d’une autre époque dans sa trajectoire, et réduit heureusement ici à quelques belles images. “On ne pouvait s’appuyer que sur quatre pièces différentes, celles que pouvait en une saison programmer le Tanztheater” avertit Wim Wenders.

Dans les rues de Wuppertal
Ces quatre pièces, il les a filmées intégralement, ce qui promet de magnifiques témoignages pour la postérité, mais n’en a pour son film conservé que de larges fragments, mêlés à des images d’archives et à toute une série de prodigieux solos ou duos saisis en plein air, dans les rues de Wuppertal ou dans la campagne environnante, à de prodigieux mouvements d’ensemble aussi. Transposés dans des sites naturels esthétiquement, dramatiquement fascinants, solos, duos et ensembles explosent d’une façon fabuleuse, y acquièrent une dimension épique. Et en découvrant ce film superbe, on ne ressent qu’un seul et violent regret : que tous les grands chorégraphes du XXe siècle n’aient pas eu l’heur de connaître leur Wim Wenders.
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source: pina-filmde

No, there was no hurricane that swept across the stage,
there were just … people performing
who moved differently then I knew
and who moved me as I had never been moved before.
After only a few moments I had a lump in my throat,
and after a few minutes of unbelieving amazement
I simply let go of my feelings
and cried unrestrainedly.
This had never happened to me before…
maybe in life, sometimes in the cinema,
but not when watching a rehearsed production,
let alone choreography.
This was not theatre, nor pantomime,
nor ballet and not at all opera.
Pina is, as you know,
the creator of a new art.
Dance theatre.