Ксавье Вейлхан

Orchestra

source: artslant

Xavier Veilhan
by Robert J. Hughes

French artist Xavier Veilhan gives us a distillation of forms: representation without detail. In his new show. “Orchestra,” at Galerie Perrotin in Paris through November 12, Veilhan uses sculpture, mobile and painting to sketch objects in space without giving them more than what’s necessary to identify them. They exist without meaning, whatever meaning is for Veilhan since he’s not interested in story as much as thereness.

For instance, in a large room just off the entrance, Veilhan has constructed “Le Monument, a kind of stationary parade float, with two nude woman – one standing with a raven or crow on her shoulder, the other sitting – and a nude young man lying on his stomach. They’re positioned on angled blocks which are vaguely futuristic (any hint of aerodynamics still seems futuristic). At the front of the display is some vegetation, and to the left of the seated woman, who gazes out at nothing, is another bush of some sort. Everything except for the vegetation is in red lacquer, which doesn’t dehumanize the figures as much as render them humanoid: assembly-line beings. This is very much a gallery piece, something for public viewing, something to walk around, consider and move away from. Yet you remember it somehow, regardless of its apparent lack of “story” or meaning. The relation of the figures to each other, their lacquered stillness, is a little disquieting, like the realization that you’ve forgotten something that could be important.

That crow, this time in black, appears in another room diagonally under a large ceiling sculpture, “The Turbine,” in black carbon steel. It’s rather beautiful, this turbine/fan object, its ridges more mathematical than threatening. The black crow, called here simply “The Bird,” stands looking away, regarding – like so many figures or animals in Veilhan’s bestiary – nothing in particular, but certainly not the viewer. Perhpas something in the distant future, or a longing look to what could have been?

Another statue, “Alice,” in bronze and epoxy paint, shows a woman sitting on her haunches, her hands resting in her lap. It would be a study in blank serenity were it not for its yellow color, which undercuts the position of the figure; it’s actually an eerie nude, like a life-sized toy figure. “Marine,” a painted bronze figure of a woman with all the expression of a storefront mannequin has a similar effect. Standing on a green plinth – and underneath a green “roof” the same size, this figure makes you reconsider a statue not as something that corresponds to an expression of humanity, but rather of contemporary affectlessness.

Veilhan’s mobiles and stabiles are graceful evocations of the nature of space and stillness. The stabiles – in white, or bright yellow or green (the color of Parisian park chairs), look like three-dimensional Mondrians. I particularly liked “Mobile No. 4,” made of carbon tubes, rope and aluminum, which hangs like vanishing-point cloud formation in an industrial sky, gently swaying at the ripples of air. The small paintings of trees, which are separated from the ground, from nature – they seem to be floating, as if they were isolated for a portrait against a white background – are lovely and, hung here in rooms with the steel and bronze and other modern-day constructions, are like the memory of what used to be before man began to synthesize form.

This is a gallery installation that works as a whole; it’s not a simple assembly of objects. Here, while there’s no narrative to follow (not that you need one), the objects in relation to each other have a narrative effect. They relate to each other in ways you can’t quite fathom but that somehow seem right, as if shapes and colors could communicate a sense of the world.

— Robert J. Hughes, a writer living in Paris
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source: slash-paris

Orchestra sonne sous la direction de l’artiste Xavier Veilhan telle une polyphonie d’objets renouvelant la perception de l’espace de la Galerie Perrotin à Paris. Cet événement, par les œuvres présentées — pour la plupart inédites —, marque un tournant en même temps qu’il amorce un retour introspectif dans la démarche de l’artiste. Les nouvelles formes présentées ne sont pas une négation des travaux antérieurs, mais plutôt inscrites dans leur continuité. Le Mobile n°4 ou les Stabiles se placent par exemple dans le champ ouvert par Calder et exploité de manière contemporaine à plusieurs reprises par Xavier Veilhan. Il revient aussi à la peinture, en nous présentant des images désuètes — arbres, oiseaux — de fabrication traditionnelle, qui tranchent à première vue avec la technicité de certaines œuvres comme Turbine et contredisent même l’autonomie de production des Pendule Dripping. Xavier Veilhan rappelle de ce fait son intérêt pour l’évolution de la technique au regard de l’histoire de l’art.
Orchestra est toutefois une synthèse paradoxale, car si les œuvres se placent dans une continuité conceptuelle ou thématique, elles marquent également un tournant visuel et formel dans l’approche de l’artiste. Marine par exemple, n’est pas facettée comme l’étaient les Architectes. Cette sculpture, plus vraisemblable, explicite le statut d’empreinte du réel qu’occupe la statuaire dans le travail de Xavier Veilhan. Les dispositifs de monstration englobent l’espace et instaurent une confrontation directe entre le spectateur et les figures représentées. Le Monument, véritable espace architecturé suprématiste — autre évolution de l’œuvre de Xavier Veilhan — est ainsi praticable par les visiteurs.
Orchestra est par conséquent une œuvre en soi, invitant à la déambulation et à la contemplation. Le public devient acteur de l’exposition en traversant par exemple Les Rayons, une œuvre qui évoque Fred Sandback et Jesús-Rafael Soto. Orchestra dépeint un nouvel espace entre réalité et fiction qui voit émerger un monument, rayonner une installation ou se mouvoir une turbine… autant d’éléments qui perturbent le réel. Cette composition s’achève magistralement avec le regard hypnotique d’un gorille. Choix dont l’artiste se justifie en exprimant « qu’il y a une propension naturelle à projeter des caractères humains sur des animaux, ce qui est une aberration par ailleurs, mais une belle aberration ». Ce regard transperçant invite à la contemplation et à la réflexion sur cette symphonie d’objets inédits, et clôt Orchestra d’un titre musical Gorilla Gorilla Gorilla.
Thomas Fort
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source: collectionsina

法国艺术家Xavier Veilhan个展“Orchestra”近日在巴黎Perrotin画廊开幕。Xavier Veilhan是一名生于1963年的法国艺术家，现居住并工作于巴黎。他的作品包含了摄影、雕塑、影像、绘画以及装置艺术等。与生俱来创造力让他专注于视觉艺术并创造出了自己的风格，始终以来运用几何形的材质表现出极简的风格。在当代艺术的陈词滥调中，他是真正的特立独行者。去年秋天举办的雕塑展览更是在凡尔赛宫广场火热登场，一群紫罗兰色马拉着一个空的四轮皇家马车，整个作品的看起来有些像是剪纸造型，既经典又有现代意味。而他和Jeff Koons、村上隆是仅有的三位在法国凡尔赛宫举办展览的艺术家。

　　“Orchestra”这次展览刷新了人们对于空间的观念，展览的大部分作品在之前从未亮过相，这次的展出标志着将会是一个转折点。同时，展览使艺术家的创作手法更趋向“内省”。但是展出的新作并不是对旧作的否认，而是内接于它们的连续性上。 “Mobile n°4”和“Stabiles”很自然的被Calder融于开放的视野中，这也正是Xavier Veilhan在当代艺术中一次又一次利用的方式。当然他也会回到绘画中，通过展示老式的图像来表现传统：树木和鸟类，这些乍看之下与技术形成鲜明对比的一类作品，如“Turbine”，甚至与作品的自主权相矛盾的“Pendulum Dripping”。Xavier Veilhan就是这样唤起他对技术以及与艺术史相符的变化的兴趣。

　　然而，“Orchestra”整场展览就是一个自相矛盾的综合体。因为尽管展出作品被置于一种概念化或是理论化的连续性中，他们也仍然标志着艺术家创作手法上视觉和形式的一个转折点。例如“Marine”，并不像“Architects”所采取的手法那样滑稽。这个更符合情理的雕塑证明了记录真实性的地位，所以Xavier Veilhan一直将雕塑作为创作手段。整个展厅都被一些展览技巧包围了——这些技巧将直接冲突的情境建立在了观众与展示出来的作品之间。“The Monument”构建了一个真正的至上主义建筑空间——Veilhan的作品在一个方面上的进步——这样能使观众通行于其中。

　　展览同名作品“Orchestra”也邀请了观众参与其中漫步和沉思。受Fred Sandback与Jesús-RafaelSoto作品的启发而创作的“Les Rayons”，当人们穿行其中的时候，就变成展览本身的“演员”。“Orchestra”刻画了一个在现实与虚构之间的全新空间，树立了一座丰碑，一个使人眼前一亮的装置或是一个涡轮机通电作为扰乱现实的元素。这个组合以一个大猩猩被催眠的凝视而大放异彩达到极致，有艺术家评论道，“有一个自然的倾向，从对人物特点的表现到动物，这样的选择是一个脱离常规的方式，但这是一种美妙的反常”。这动物锐利的目光使人凝视和反思，在这场如同交响乐的氛围中，和这个音乐般的标题“Orchestra”相呼应，演奏着谢幕曲：“Gorilla,Gorilla, Gorilla”。.
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source: blogartinternnet

夏威尔 威汉 1963年出生 法国艺术家 工作和生活在巴黎。

“现代特色的舞台仍旧还残留些什么”这句话可以作为夏威尔冗长的作品的副标题，他在20年的创作可以理解为“奢华的机械构件”，这是20世纪乌托邦形式的一个总结，所有这些均掩盖在今天的美好和惬意下面，这难道是数码时代的未来主义吗？

关于未来的思考从考尔德起很多动力雕塑家围绕于这个问题进行创作，而夏威尔的作品展现一种悄然的精彩，用电脑建模出令人生畏的形式，在一个3d的图像世界里使这些形象失去了原本的轮廓，于是它们介于存在与虚无之间，却从没试图骗取他人的注视，只持重于自身的表演；又好像突然具有活力，平滑的表面在光泽和阴影的交错中幻象出动感，同时又像某种可操纵的工具。他的作品像精致的珠宝一样引人入胜，将这些极端的技术工艺放置在场景里，连贯的形式隐喻出视觉的时间感。

夏威尔与其他动力雕塑家不同的是，他愿意承担一个古典艺术家的责任，而古典雕塑家却只在视觉功效里试图寻找，他们始终致力于与图像的时间性无关的冲击力。

夏威尔不担心被定义成社会艺术家，非内向的，或者是一个喜欢搬运材料的表相塑造者。“艺术家的行动，在我感兴趣的选择里面有一个直接性，就像你去做运动，第一反应去实现的那件事。直觉判断是将一些逻辑的思考快速的搅拌在一起，而我却喜欢将所有事情搅拌在一起的过程。”

这些作品的目的是试图再利用不同的物质，剥除掉对他们的意思形态，使其再活化那些已废的形式：没有讽刺，但是却有嘲笑。当我们直面于这些作品时会有一些空无的感觉，这是夏威尔透过他的作品表层，透明出来的当代虚无。
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source: theinspirationgrid

Xavier Veilhan is a French artist living in Paris. His work includes photography, sculpture, film, painting and installation art.

These geometric sculptures that resemble low polygon 3D renderings are among my favorite pieces.
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source: dnauz

Французский художник Ксавье Вейан (Xavier Veilhan) родился в 1963 году. Живет и работает в Париже. Ксавье — настоящий «многостаночник» в мире искусства: он и фотограф, и художник, и скульптор, и видео перформансер, и создатель public art объектов. Но настоящую известность ему принесла серия скульптур, созданных в стиле неокубизма — угловатые, геометрическиобразные, эти скульптуры украшают многие частные коллекции и галереи. Также они нередко становятся частью разнообразных инсталляций, которые Ксавье создает по всему миру.
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source: nambrenaurbanoblogspot

Muy buena colección del artista y escultor francés Xavier Veilhan que nos presenta una serie de escultura de personas pero con marcado tinte de cubismo.

Nos presenta unas figuras que a primera vista, parecen hechas de papel o con vecotres digitales. Si bien, las esculturas con color solo tienen “un” color, al jugarse las sombras y reflejos de las luces al fotografiarlo, nos presenta una gran gama de matices de esos colores haciendo de estos, los juegos que le dan volumen.

Otra sensación que me producen sus obras es el de hacerlo parecer una imagen en 2D, prácticamente lo contrario de lo que usualmente se trata de lograr con las pinturas, que tengan esa tridimensionalidad. Pareciera que nuestro artista nos juega una broma al presentarnos estas magníficas obras, pero tan simple que pasa desapercibido su corporeidad y volúmen.
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source: deco-designfr-bb

Né en 1963 à Lyon, vit et travaille à Paris.
Les sujets des photos, des sculptures et des installations de Xavier Veilhan sont des évocations directes d’objets ou des signes de la vie quotidienne rassemblées en un monde encyclopédique d’images où pourtant rien n’est traité ni dans sa matérialité ni dans ses couleurs habituelles.
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source: jocundist

Absolutely love the stunning sculptures of French sculptor, Xavier Veilhan. His work suggest some form of Cubism to me.

Whether he uses digital photography, sculpture, public statuary, video, installations or even the art of the exhibition, Xavier Veilhan builds his work around the same axis: the possibilities of representation. One of the most striking features of his polymorphic practice is that he treats generic objects and shapes of everyday life so that they come out smoothed, without details, and resistant to any psychological insight. Since the 1990s, bestiaries occupy a significant place in this process, and among them, penguins and rhinoceros of unnatural colours, made of painted polyester resin.