Nobumichi Asai

Kagami / Real-Time Face Generator
人間の顔を立体的に生成する「立体鏡」インスタレーション「kagami / Real-Time Face Generator」。体験者の顔をフェイススキャナーでスキャンすると、コンピューター上で3Dモデルデータが生成。そのデータをもとに、約5000本のロッドがモーターにより押し出され、リアルタイムに立体的な「顔」が造り出されます。その「顔」に、「花鳥風月」をテーマにした朝顔、竹、蝶、カワセミ、トキ、夕焼け、桜、金(月)などをモチーフとしたエレクトリック・メイクアップアートがプロジェクションされます。本作は、「OMOTE」にインスピレーションを受けた花王株式会社のプロジェクトチームとWOWがコラボレーションして制作。企画から完成まで約1年を費やして完成し、本年9月に新設されたKao COCOLABミュージアムに設置されました。

ANGELIN PRELJOCAJ

フレスコ画
“アンジュランプレルジョカイのラフレスコ画のインスピレーションは、古代と現代の両方です。表面的には、修道院に到着した2人の巡礼者が、5人の女性を描いた壁画(フレスコ画)に出くわした、700年前の中国のおとぎ話に基づいています。男性の一人(チューという名前)は、絵の中の女性のイメージに夢中になり、彼女の世界に夢中になります。彼らは、男がフレスコ画の内側の聖域から嫉妬深いクランスタイルの黒人の騎士に襲われて絵から投げ出される前に結婚します。チューはその後、死すべき世界でほんの数秒しか経過していない間に、彼がこの別の人生を生きてきたことを発見します。プレルジョカイの現代的なひねりは、ポケモンゴーの流行が絶頂に達した2016年にこの作品を作成したことから生まれました(若者は携帯電話で漫画の生き物の画像を探していました)。彼は、仮想現実のこれらの遠い類似点をつかみ、古代でも現代でもなく、物語と抽象の両方であるこのフルレングスの作品を作成しました。” Graham Watts

TOMMI GRÖNLUND-PETTERI NISUNEN

液体図
展示スペースには12台の設置ユニットが並んでいました。各ユニットは、垂直ガラス管が取り付けられた、ステンレス鋼スタンド内の丸底フラスコで構成されていました。各フラスコは蒸留で約4分の1が満たされていました。抵抗コイルがフラスコ内の空気を加熱すると膨張し、水をガラス管に押し上げました。空気が加熱されているときに水位が上昇し、冷却されるにつれてゆっくりと水位が下がり始めました。

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Flüssigkeitsdiagramm

Zwölf Installationseinheiten standen im Ausstellungsraum. Jede Einheit bestand aus einem Rundkolben in einem Edelstahlständer, der mit einem vertikalen Glasrohr ausgestattet war. Jeder Kolben wurde etwa ein Viertel mit destilliertem Wasser gefüllt. Wenn die Widerstandsspule die Luft im Kolben erhitzte, dehnte sie sich aus und drückte das Wasser in das Glasrohr. Der Wasserstand stieg an, als die Luft erwärmt wurde, und begann langsam zu fallen, als sie abkühlte.

Sebastian Hempel

Leuchtstabbild
セバスチャンヘンペルの作品は、彼が取り組んでいるスペースと同じくらい動きに満ちています。 それらにはセンサーが取り付けられており、潜在的な観察者またはユーザーの存在に反応し、それらは次に彼らの体によって芸術的なイベントを引き起こします。 この機械的プロセスは、内容の点で影響があります。 まず、ユーザーの物理的な存在がアートワークを完成させます。 仕事は観察の瞬間にのみ真に実現することができます。 作品がこのように「操作」されるとき、それはそのような「アニメーション」または活力を通してそれ自身の魂を引き受けます–単にその動きの中に根ざした魂。
作品の前に身を置き、作品の技術的、視覚的、構造的な可能性を提示するメカニズムをトリガーすることにより、作品内で自分自身を再現し、表現します。 このように、この作品は私たちを振り返り、美術史の中で数え切れないほどの描写があります。

OLIVER LARIC


「メインギャラリーにインストールされているのは、Betweenness(すべての作品2018)です。これは、数人の人間を含む自然界をシンプルな線画のモーショングラフィックスに分類するビデオモンタージュです。アニメーションには厄介な品質があります。動物が動き、成長し、シフトし、文字通り進化するとき、シーンは科学的な事実を示すのではなく、遊び心のある直感に従っているように見えます。」

WILLIAM FORSYTHE

平らなものを1つ再現
1970年代には早くも、ウィリアムフォーサイスは、アカデミックバレエの予想外の進歩でダンスに革命をもたらしました。他の人が古典的なジャンルから離れていたとき、彼は以前は欠陥があると考えられていた形で語彙を豊かにしました。ムーブメントはねじれ、曲がり、解体され、再組み立てされて別の部屋に置かれます。 2000年にフランクフルトバレエで初演された「OneFlatThing、replicated」は、この研究の範囲の終わりにあります。南極点への遠征に関する本に触発されて、フォーサイスはますます密集した振り付けを開発しました。それは、20の完璧に配置されたテーブルの真っ只中にある体の明らかな混乱で最高潮に達します。

New Movement Collective

ネスト
ホメロスのオデッセイに大まかに基づいたマシュマロレーザーフィーストの照明設備は、礼拝堂のかすんでいる内部ドーム内の主要なパフォーマンススペースを照らしました。アジャイルボディが多くの照明付きの塔や表面を通り抜けるときに、グリッドのような突起が可動構造(建築設計事務所Studio Weaveによって設計された)と交差しました。この最初の行為は、上の左右のバルコニーから観客に見られました。 2番目の行為であるコンクリートの地下室にあるロープで裏打ちされた階段の下り飛行は、三角形のネオン管と開いたドアから染み出した不気味な輝きだけで照らされ、より方向感覚を失いました。カナダの作曲家クリストファー・マヨと電子音楽の作曲家/パフォーマーのアンナ・メレディスによる、より速くてパーカッシブなスコアに合わせたダンスのスタイルは、聴衆に立ち向かい、ダンサー(一部はストリートウェアを着ていた)と境界なしで上演されました。視聴者。

FUJIKO NAKAYA

霧の彫刻
1970年、中谷は、芸術技術実験グループ(E.A.T)から、大阪万国博覧会のペプシパビリオンの作品を制作するよう依頼されたときに、最初の霧の彫刻を作成しました。建物を囲む白い霧の作品を制作するにあたり、中谷は霧を彫刻媒体として使用した最初の芸術家になりました。 E.A.Tは、アーティストとエンジニアの間の協力関係を促進することに専念している組織です。中谷はアメリカ人エンジニアのトーマス・ミーと協力して、大阪委員会の霧を作成しました。この技法は、その後の霧の彫刻のために、わずかな節度を残して使用し続けています。中谷は、映画やビデオにも携わっていますが、彼女です。彼女が最もよく知られている霧の使用。ナカヤは、純水霧を使用して、インスタレーション、パフォーマンス、ステージセット、環境公園のデザインを作成し、他のアーティストやパフォーマー、振付家、作曲家と協力することがよくあります。中谷の霧への関心は、私たちの視覚との関係から発展してきました。濃い霧の中で、私たちは方向感覚を失い、見えないことに不満を感じます。このように、中谷の彫刻は私たちの他の感覚を活性化し、私たちの失明を補います。

Vera Molnár

algorythmic art

彼女は伝統的な芸術家として訓練を受け、ブダペスト美術大学で美術史と美学を学び、1947年にパリに移り住みました。 彼女はG.R.A.Vなどのいくつかの先駆的なアーティスト研究グループを共同設立しました。 (Groupe de Recherche d’Art Visuel)は、機械芸術とキネティックアートへの共同アプローチを調査し、パリの芸術科学研究所の芸術とコンピューターサイエンスの研究グループです。
彼女はコンピューターよりも前から、事前に定められた一連の構成ルールに従って一連の画像を作成できるアルゴリズムまたは「マシンイマジネア」を発明しました。 1968年以降、コンピューターは彼女の絵画やデッサンの作成における中心的なデバイスとなり、幾何学的な形や線の無限の変化をより包括的に調査できるようになりました。
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JONAS HEUER

Clavilux
Clavilux 2000は、生成音楽を視覚化するためのインタラクティブな楽器であり、デジタルピアノで演奏される音楽のライブ視覚化を生成できます。インスタレーションの設定は、88キーとMIDI出力を備えたデジタルピアノ、vvvvパッチを実行するコンピューター、キーボードの上の垂直投影の3つの部分で構成されています。
キーボードで演奏されるすべての音に対して、新しい視覚要素がストライプの形で表示されます。これは、特定のキーがストロークされたときの寸法、位置、および速度に従います。色は、視聴者と聴取者に調和のとれた関係の印象を与えます。各キーには独自の配色があり、「間違った」音は対照的な色で際立っています。
すべてのストライプは相加的に残り、重なり合うため、最終的には一種のパターン(音楽の要約)が残ります。これは、作曲の音符とピアノ奏者の解釈が影響を及ぼしているため、常に一意です。結果。さらに、ピアノ奏者は、演奏中に標準の2Dビューとビジュアライゼーションの追加の3Dビューを切り替えることができます。

キーボード

Dutch Invertuals

文化の変化と経済の崩壊の危機に瀕しているとき、私たちが誰であるか、そして私たちが何を表しているのかを徹底的に再考する必要があります。 新しい意識を形成する。 色あせた境界からの自由を得る。 新しい理解、未知の取引、価値と帰属の代替概念のためのスペースを作成します。 10人のデザイナーがこの交換する現実を調べ、再評価を求めています。 Dutch Invertualsは、職業の限界を広げている個々のデザイナーの集合体です。 さまざまなバックグラウンドを持つデザイナーですが、共通点が1つあります。それは、実験が原則です。

KEI HARADA

原田 圭
Кеи Харада
o’keeffe sofa
ある日、日本人デザイナーの原田圭は、どのような形の家具が最も多くの人を惹きつけているのかと自問しました。最も魅力的な形状は、軽く、柔らかく、風通しが良く、鋭い境界線がない形状であることがわかっています。この形の家具は動きに寄与するため、身体が快適な姿勢を取り、物体と相互作用するときの体験のための広いフィールドを作成します。
ケイは、「オキーフ」と呼ばれる「マシュマロ」ソファのデザインを作るまで、調査や実地実験、他のデザイナーの経験の研究、さまざまな素材や構造のワークショップでの作業を行っていました。
孤立したフォルムをひとつにまとめた原田は、通称「ソファ」とは呼べない別の家具を思いついた。それは単なる日常の使用の対象ではなく、すでに日常生活に統合できる芸術の対象です。
各ボールクッションはプラスチックフォームでできており、2層のプルウレタンフォームと弾力性のある生地で覆われているため、ボールは無傷です。構造の基部にある木製のフレームは、それを強くて安全にします。ソファの形は簡単に変更できます。チルアウトは子供向けのゲームスペースに簡単に変えることができます。
原田圭は、このソファは子供向けではありませんが、「オキーフ」の基本である動きのアイデアを最初に感じたのは子供たちだったと言います。

JOHANNES VOGL

ЙОХАННЕС ФОГЛ
Column of steam
「ヨハネス・ヴォーグルにとって、芸術は、感覚が研ぎ澄まされ、知覚が活性化される、高められた強度の絶え間ない例外的な状態で周囲の現実に対処するための奇跡的な手段であるようです。日常の注意深い観察者として、Voglは、火山の(創造的な)エネルギーと警戒を伴う永続的な警戒状態にあり、各ステップと反応で爆発します。ここで、芸術分野は、無限の解決策が適用され、新しい予期しない構造が刺激的な現実と魅惑的なフィクションの交差点で上演されている、真の可能性と可能性のオープンで無制限の領域です。 Voglは、そのようなコンストラクターであり、全能の想像力の領域内で、理由を超えて、機能性と超現実的なアプリケーションのようなおとぎ話の端にあるオブジェクトの情熱的な発明者です。 「波を見る」、2005年は、特定の自然現象を体験するために必要なすべての条件を備えた、すべて満足のいく快適な微小環境を作成しようとするVoglの試みの典型です。アーティストは自給自足の構造の作者であり、物事の通常の目的と機能を混乱させるほとんど寄生的なメカニズムとして現れ、»Kleiner Mond«、2006年の場合のように、特定の競争力ももたらします。模倣と模倣のほとんど叙情的な例。 Vogl’sは、日常のジェスチャーの非常に敏感な詩学であり、気取らない、本物の現実の補足であり、適度な量の皮肉とユーモアのセンスが今日の(不完全な)世界の不安定さと不十分さのバランスをとる遊び場に一瞬変わりました。」
アダムブダク

EXONEMO

BODY PAINT
SERIES
私たちスマートフォンに夢中になっている同時代の人々にとって、いつでもどこでもインターネットに接続することは、私たちの人を完成させることです。この作品は、ボディペインティングを使用して、ネットワーク化された情報デバイスの世界で、私たちの物理的な定義、私たちの身体性を調べます。
このポートレートシリーズの各作品は、画面上の人間の被写体を除いて完全に同じ色で塗装されたLCDに表示された、ヌード、剃毛、および完全に単一の色合いで塗装された人物を特徴としています。これらの境界線が消され、背景と前景が人体と電子ディスプレイ体であり、それぞれが同じ色の絵の具で覆われているため、主題は曖昧さと混乱の感覚になり、かどうかの定義の疑問になっていると言えます。描かれている個人は人間または表現です。
これらの形式的な側面とは別に、この作品はメディア内の「存在」の問題も扱っています。人体にはかなりよく理解されている長寿の地平線がありますが、データ、ペイント、アートの長寿の地平線はまだ議論の余地があります。ボディアート、フィギュラティヴペインティング、メディアアートの複数の時間スケールは、作品が現在と存在自体に関する共通の基盤を模索しているときに互いに関与します。

JAMES HOPKINS

جيمس هوبكنز
詹姆斯·霍普金斯
ジェームズ·ホプキンス
제임스 홉킨스
Джеймс Хопкинс

私の彫刻はしばしば遠近法の錯覚を体現しています。これは、芸術を見るときに最も信頼できる感覚である視覚が信頼できない可能性があるという発見に続く認識論的根絶を示唆しています。 私の実践は、オブジェクトと言葉の本質的な特徴の調査と、時にはこれと他の根本的な不安定性のフォールアウトについての瞑想にリンクしています。 私は、芸術における遠近法と空間の表現を芸術技法の核心であると考えており、イリュージョニスティック芸術の武器庫で最も重要なリンクは遠近法のトリックであると考えています。 私の作品は、遠近法アートにおける空間のレンダリングを評価するために、固定された視点に依存するかどうかに関係することがよくあります。 そして、固定された視点以外の領域から行われた観察が不完全であると見なされる可能性があるかどうかについて、その後の質問を提起します。

nicole andrijevic and tanya schultz

Sweet sweet galaxy

オーストラリアのアーティストデュオ、ニコール・アンドリエビッチとターニャ・シュルツは、キャンディランドと呼ばれる野心的なプロジェクトを型破りなレイアウトで実施しました。これは、おとぎ話の世界やウィリー・ウォンカを彷彿とさせる一種の巨大なボードゲームのように、ギャラリーの床に設置されました。 砂糖、顔料、ワイヤー、粘土、ビーズ、ビーズ、キラキラ、発泡スチロール、その他のさまざまな素材などの日常のオブジェクトを使用して、このデュオはファンタジーと想像力が支配する遊び心のある宇宙であるキャンディランドに命を吹き込みました。

LI HUI

Reincarnation (Red laser light)
私の本名はLiHuiです。 私は独学の写真家です。 –光、匿名性、自然が写真に多く含まれていますが、写真を撮るときに何を探しますか? 具体的なものは何も探していません。自分にとって美しいものをすべてキャプチャし、カメラでこれらの美しさの瞬間を保存しようとしています。

AMPE, GARRIDO, HEISIG & LUCAS / CAMPO

2012年5月に初演されるGuiGarrido * Hermann Heisig * Nuno Lucas * Pieter AmpeとCAMPOの最初のコラボレーション作業では、4人だけの旅行で研究プロジェクトを開始しました。 私たちはいくつかの場所や風景、気分のむら、さまざまな星座を通り抜け、写真やビデオを撮り、歌ったり書いたり、静かで陶酔したりしました…
これは最初の会議であり、謙虚な出会いであり、私たちがどれだけ長く一緒に計画に固執できるか、同じ場所にいるときにどのような簡単な行動が起こり得るか、私たちが引き受けることができる役割は何か、そして 物語はどんな意味をなすことができます、そして、まあ、まだ来ていないことはもっとたくさんあります。

Jonathan Latiano

Colony III

ジョナサン・ラティアーノ自身が説明しているように、彼の足跡を残した最初の芸術体験の1つは、素晴らしい美術館の廊下ではありませんでした。「フィラデルフィア自然科学アカデミーの陳列棚とジオラマの前でした。私の周りの物理的な世界についての私の理解を形作り、文脈化するようになったのは、まさにこれらの物語と科学的探求です。私がすべての作品のインスピレーションを見つけるための出発点として使用するのは、生物学、天文学、物理学、地質学の研究を通してです。」日常のあらゆる素材を使ったインスタレーションを通じて、自然現象を静的に再現する作品。したがって、自然と人工の間に詩的なコントラストを作成します。 しかし、ラティアーノの彫刻作品が力を発揮するのは、彼が特定の空間、いわゆるサイトスペシフィックアートのインスタレーションを行う機会があるときです。場所自体が作品を形作るアイデアの引き金となることを可能にします。したがって、空間自体とその視聴者との関係についての考察を促進します。 「私は、定義された領域の境界内に存在するゾーンを強調するよう努めています」と、この物理的な宇宙における彼の位置を理解するための個人的な試みとして、ジョナサンは言います。

Julien Maire

stereolithography

Maireは、従来のフィルムを3D印刷されたステレオリソグラフィー投影に置き換えることで、フィルム作成のアイデアをまったく新しいレベルに引き上げることを決定しました。 メアは、実際の「フィルム」なしで「フィルム」を作成する、独自の革新的な映画製作方法で知られています。 これらの以前に作成された投影のいくつかは彼のYoutubeチャンネルで見つけることができ、あなたが見ることができるように、非常に魅力的です。 彼の最新のプロジェクトで、メアは穴を掘る男性をフィーチャーした、すべて異なる位置にある85の異なるフィギュアをモデル化しました。 次に、FormLabsのForm1ステレオリソグラフィー3Dプリンターを使用して印刷しました。 次に、これらの小さなフィギュアをフィルムのようなリールに取り付け、昔の映画を上映するときと同じように、光を通過させました。

MAKOTO SEI WATANABE

K-Museum Tokion
渡辺誠が設計した共同溝展示館です。 これは、このような美しい建物を設計するための驚くべき作業の複雑さの完璧な例です。 多くの家はシンプルでミニマルなデザインに関連していますが、多くの美術館、大学、アートギャラリーなどは、K-Museumと同じくらい複雑です。 日本の建築家は、このような畏敬の念を起こさせるが安全なデザインを作るために無限の時間を費やしています。 このような建物は、現代の日本建築の実行に注入された進歩と技術的卓越性のレベルへの賛辞であり、未来の方向にうなずくことができます-イノベーションがこの指数関数的な改善の道をたどり続けるならば、 創意工夫と機能のレベルは時間とともにエスカレートします。

ANGELIN PRELJOCAJ

Blanche Neige
フランスを代表する現代バレエ団、バレエプレルジョカイ(prezh-oh-kahzhと発音)は、グリム兄弟のオリジナルのおとぎ話に基づいて、象徴性の分析に基づいたプレルジョカイの個人的なバリエーションを使用して、白雪姫(ブランシュネイジ)のロマンチックで現代的な再話を行います。 フランスの振付師、アンジュランプレルジョカイによるこの青々としたフルレングスのストーリーバレエは、大規模なセット、26人のダンサー、そしてグスタフマーラーの交響曲の壮大な過剰、ティエリールプルーストによる魔法のセット、衣装を含むフランスのアーティストやデザイナーのオールスター名簿を備えています伝説のジャンポールゴルチエによる。 キャラクターの体は、プレルジョカイの特徴的な振り付けによって超越され、独創的なジェスチャー、巧妙な代用、さらにはアクロバティックな区別の壁登りのドワーフを使用して、空間、エネルギー、そして最終的には感情を示します。

FRANCESCA FINI

Liszt
20世紀初頭で、3人の子供が家族写真のポーズをとっています。子供たちはエルサレムのキリスト教移民の植民地の若い開拓者です。写真家のその後の介入は、彼らの当惑した顔にその時代の写真の偽色を追加しました。色合いとクッキーやホットミルクの匂い、磁器人形、長い海の旅、ほこりっぽい古い本、そして人工的な「無垢」の組み合わせ。これは、私の顔の下部が子供たちの顔の下部に置き換わるデジタルトランスフォーメーションの出発点であり、時間と意味の逆転で、別の種類の物語が来るにつれて、非時間と非意味で結晶化されます写真が撮られた独特の状況にそれ自体を重ね合わせて、その比喩的な重要性を探す光。このようにして、3人の子供は家族写真の永遠の枕に閉じ込められた3人の人間の原型になります。それは強制的な聖体拝領であり、相互の焦りと言葉の暴力の増加につながり、言葉に重なり、あらゆる種類の相互作用を防ぎます。コミュニケーション不能の感覚は、インターネット上で見つかったフレーズの断片をマッシュアップで並置することによって得られます。マッシュアップは、聞いていない単語が、意識的かどうかにかかわらず、純粋な状態での暴力であるかを明らかにする現代の無意味な対話に解き放たれます。したがって、この写真に隠された宇宙、これらの古代の開拓者による失われた無実の探求の家族アルバムの人間の夢と幻想の叙事詩は、歴史を通して極端な結果をもたらした暴力の形に変換されます。自分の言葉しかないときは、口が武器になります。それにもかかわらず、私がこれらの3人の知らない祖先を通して世界に委託するという希望の一種のメッセージで、聞くための招待は最終的に回復します。

JONPASANG

hyper-matrix
vertical kinetic landscapes

jonpasangによる「ハイパーマトリックス」垂直運動風景 ソウルを拠点とするメディアアート集団のジョンパサンは、韓国の現代自動車グループの展示パビリオンのために、クリエーター「ハイパーマトリックス」の動的な垂直景観インスタレーションを持っています。 展示会は、建物の内部ファサードを構成する何千もの30x30cmの立方体で構成されています。 個々のボリュームを制御する統合ステッピングモーターをサポートするために、鋼製の基礎が開発されました。 軽量ブロックのコレクションが構造物の表面から突き出て、事実上無限の一連の構成を作成します。 ピクセルが部屋を一掃するとき、音は聴衆と周囲の空間との間の壮大な相互作用の感覚を呼び起こします。 波のパターンが内部環境全体に波打つと、追加のデジタルマッピング効果が表面を覆い、パフォーマンスの次元を視覚的に強化します。

Katrín Sigurdardóttir

卡特琳·西于尔扎多蒂
Катрин Сигурдардоттир
High Plane I – VI
KatrínSigurdardóttirの彫刻とインスタレーションは、建築、歴史、記憶を取り巻く先入観を再定義します。彼女の作品は存在感の欠如によって定義されています。人や色のない部屋、そしてアーティストの特定の記憶のマーカーとして静かに存在する匿名の必需品にまで簡素化されたインテリア。たとえば、2003年のImpasse IIでは、アーティストは子供の頃の小学校のファサードをミニチュアとして再現しました。場所や詳細への具体的な言及がなければ、この作品はほとんど建築研究のように見えます。その詩学は、背景情報を取得したときにのみ明らかになります。
Sigurdardóttirは、地図作成や建築モデルの作成などの厳密なプロセスを作品に採用することがよくありますが、緊張は彼女がレンダリングしているものの不正確な性質にあります。このように、Sigurdardóttirは言語のアーキテクチャよりもアーキテクチャの言語に関心がなく、流動的なニュアンスと再解釈と投影の余地があります。 2012年のステージでは、アーティストはミニチュアシアターステージを展示し、空の店先に吊るしてスポットライトで照らしました。情報のこの巧妙な制御が、視聴者に空虚な空洞を一度に美しく魅力的にします。

SUN K. KWAK

ニューヨークのアーティストSongK Kwakは、ダクトテープを唯一の表現素材(ほとんどの場合黒)として使用して感情を表現し、その言語は壁の彼女の体のジェスチャーに投影されます。キャリアとして、黒いマスキングテープは2Dと3Dの表面の間を自由に移動します。通常のテープの柔軟性とアクセスしやすさから、彼はストロークを身体の延長として指定します。このプロセスは、さまざまな視覚的および環境的空間を妨げられることなく流れる環境と統合する試みです。黒い線は、独特の建築とその周辺の間に生じる多くのエネルギーのダイナミズムを伝えています。韓国で生まれ、アーティスト、クワクとして教育を受けました。ニューヨークで勉強している間、彼は独自のフリーハンドマスキングテープ技術を開発し、階段、公共の建物のロビー、小さなアートギャラリー、建物のファサードなどの建築空間の表面に直接ペイントしました。彼は暴露します。彼のインスタレーションは、ドローイングと彫刻の中間にある空間と体験を生み出します。

RON FRICKE

Рон Фрике
론 프릭
ロン·フリッケ
罗恩·弗里克
samsara
SAMSARAはサンスクリット語で「常に回転する人生の輪」を意味し、映画製作者が私たちの生活を貫くとらえどころのない相互接続の流れを探す出発点です。 ほぼ5年間、25か国で撮影されたSAMSARAは、私たちを神聖な場所、災害地帯、工業用地、そして自然の驚異に連れて行ってくれます。 SAMSARAは、対話や説明文を省くことで、伝統的なドキュメンタリーに対する私たちの期待を覆し、代わりに、古代から現代へと吹き込むイメージや音楽に触発された私たち自身の内面の解釈を奨励しています。