下降
一潭漆黑的水池，以可怕的漩涡盘旋，永不停息，永不发光。它看起来又黑又深。它是终结所有漩涡的漩涡——一种将 Pequod 吞噬的漩涡和史蒂芬霍金关于黑洞的最新作品的插图的幽灵混合物。然而，这种令人敬畏的现象是艺术画廊的展览——安尼施·卡普尔 (Anish Kapoor) 的最新壮观奇观。

Paradis Artificiels
由建筑师鲁迪·里乔蒂 (Rudy Ricciotti) 设计的戛纳新多厅影院将展出米格尔·舍瓦利埃 (Miguel Chevalier) 的 *Artificial Paradises 2021 * 展览，带您进入重新改造的人工自然的中心。个人展至 2022 年 1 月 31 日。基于 1990 年代后期开始的过程，并基于对植物王国的观察及其向数字宇宙的想象转变，Miguel Chevalier 创建了几个植物标本馆，使他能够创建具有特色的虚拟花园在展览中：

WALL
WALL是由英国Barbican组织的展览Virtual Realms: Videogames transformed六个互动装置中的一个。展览挑选了六个游戏，并且以游戏的概念为原型制作互动装置作品。WALL是由英国的The Mill工作室和日本的小岛制作组合作，以游戏《死亡搁浅》作为原型制作的装置。本工作室在项目中和The Mill合作，担任视觉设计和开发工作。沿袭《死亡搁浅》中的时空分裂，跨空间和跨时间的合作为核心概念，WALL使用两个巨大的投影玻璃墙将空间分隔为两部分。一面是代表宇宙大尺度的粒子空间，一面则是代表生物小尺度的细胞层。一侧的观众不能够直接和对面的观众互动，但是他们的身型将会被传感器捕捉并且在另一面以粉色的异世界粒子或者小型的细胞显示出来。观众则可以直接通过触摸和自己一侧的元素进行互动。装置的名字虽然叫WALL（墙），但是却在物理上隔开观众的同时通过数字手段将观众重新连接，以装置艺术的形式再现了《死亡搁浅》的核心概念。装置由基于Cinder的特制引擎制作。

Magnus Celestii 是Joseph Walsh工作室第一件此类规模的作品。作品名称来源于拉丁文Magnus（“大”）和Celesti（天空的）。Joseph十分注重体验，这个大规模的装置可以让参观者流连其间。这个线条自由的大型雕塑用一层层的橄榄木构成，从地板蜿蜒上升至天花板。从开端的桌面造型向外扩散直到包围整个“艺术之家”的空间，最终悬挂栖息在画廊侧墙上成为大的搁架。“艺术之家”的展览空间为Joseph提供了在Roche Court新艺术中心特有环境下诠释形态和功能关系的机会。

粉红色绿松石
Janssens的作品范围很广，但它们全都可以描述为以空间为感官活动舞台的雕塑。路易斯安那州南翼的简单白色建筑成为Janssens脆弱和令人眼花art乱的艺术品的共鸣表面-脆弱是因为作品及其组成非常简单，而其效果却使它们高于材料。詹森斯本人经常用“流体”一词来形容她的作品的效果-甚至例如，当它们由一个6.5米长的铁梁组成，在顶部抛光时，就可以反射出整个房间，并且很难将视线固定在物体上。 Janssens寻求对作品或观众的控制，正如荷兰理论家Mieke Bal所说，Janssens的艺术品既是对象又是事件。展览中的许多作品都让人联想到站在某个事物的门槛上的感觉。他们一方面强调物质和物质之间的过渡和转换，一方面是由玻璃，色彩，液体而不是光引起的，另一方面则是时空的动态体验。

交响曲
展览项目主要关注反射，声音和运动这三个要素的关联和相互作用。交响乐团电影叙事将这三个元素相互关联，并展现出它们内在的，几乎是神秘的和谐。这个过程的结果是一种艺术的综合，一种独特的空间体验。在首映礼上，Arnalds用钢琴和平板电脑现场表演了交响乐团电影。音乐，灯光和运动之间的这种引人入胜的相互作用是此次展览的序幕。

杰夫·昆斯
ДЖЕФФ КУНС
ג’ף קונס
ジェフ·クーンズ
제프 쿤스
metallic venus
杰夫·昆斯，1955年出生于美国宾夕法尼亚州，21岁时毕业于马里兰艺术学院。移居纽约后迫于生计，在纽约当代艺术馆做推销员工作，被经纪人Mary Boone发掘，后转到Annina Nosei画廊旗下做展览。期间曾在华尔街股市做证券经纪人，一直等到1985年，昆斯才真正崛起。昆斯有30多位技术员实现他设计的艺术雕塑。
“其作品往往由及其单调的东西堆砌而成——比如不锈钢骨架、镜面加工过的气球兽，常常染以明亮的色彩。昆斯的作品在世界上大卖，持有至少一个在世艺术家作品的拍卖价格记录。评论家对他的看法趋于两级。有的认为他的作品是先锋的，有着重要的艺术史价值。有的认为那是在媚俗——哗众取宠，建立在全然利己的自我推销之上。”

Эрнесто Нето
ارنستو نيتو
埃内斯托·内图
ארנסטו נטו
エルネスト·ネト
어 네스 토 네토
ErnestoNeto被认为是巴西当代艺术界的领军人物，他的灵感部分来自于巴西现代实体主义(neo-concretism)。Neto创作的抽象装置常常占据整个展览空间。他所使用的材料非常的轻薄。弹性尼龙和棉常常被用到。比如优质的薄膜被拉长固定在天花板上，弹性的纤维挂起来形成一个房间，或者一个类似器官的形状。有时这些形状内填满了有气味的香料，挂起来后仿佛一滴眼泪的形状看起来又像是一个巨大的蘑菇或者是袜子。又有时他创作一些特殊结构的软体结构，参观者可以通过表面的小开口进入到里面。他还创作过一些类似迷宫的空间，参观者可以进入去体验它的作品，并与其产生互动。

Neto的艺术是一种体验，它们时而和人的身体发生关系，时而类似人体器官。他自己描述他的作品是一种从内部对身体景观的一种探索和表现。对于neto的作品最重要的是参观者应该动起来亲自去和作品产生互动，通过身体接触，气味等去感受。

LISTEN WITH HEADPHONES
由杰奎琳·吉米·戈登（Jacqueline Kiyomi Gordon）在旧金山Yerba Buena艺术中心（YBCA）的新展览系列“控制：文化中的技术，无时无刻不在发生”中建造，是一种塑造声音，运动和感知的装置。该装置雄心勃勃，具有建筑雄心，需要探索一个房间，房间内布满11.1.4环绕立体声系统和定制的减震声板，以突出艺术家所描述的“声音之间移动，声音内部移动之间的交换”的含义。雕塑，与其他人一起移动”，并在此过程中产生“亲密感”。借用消音室和声学测试实验室中使用的隔音板的材料和几何形状，戈登的身临其境的声音环境部署了临床声音设计，以进行探索和互动。
位于“戈登（Gordon）”空间中央的位置是“爱的座位（Love Seat）”，这是一对相邻的围墙，游客可以坐在那里聆听。聆听者共享一个共同的视线，但在身体上是分开的，他们可以在相对（相对）的声音隔离中享受片刻。在展览随附的文章中，“控制：文化中的技术”策展人策奇·莫斯（Ceci Moss）简洁地将戈登的方法描述为“调音的情绪”，以“进入并指挥”进入该空间的人。
不出所料，戈登竭尽全力地雕刻了《永远发生的一切》中的音响效果，在展览中她看到她与Meyer Sound Laboratories的专家紧密合作。她在下面的视频中简要地介绍了她的过程，并且值得深入研究创建者在该项目上的帖子，因为它提供了一些有价值的“细节”，以及合作者Jon Leidecker（又名Wobbly）和Zackery Belanger的评论。

Olympus
“马丁·凯瑟斯（Martin Kersels）这种刻薄和非常规的语言起源于六十年代和七十年代的激进艺术形式，其特征是高低文化元素的混合，理论观念以及矫正和退化的材料。
这位艺术家于1960年出生于洛杉矶，他为都灵个展创作了一些机械雕塑，照片和素描，其灵感来自于地下文化中最具争议和颠覆性的偶像：伊吉普·波普（Iggy Pop），磁石摇晃的社会衰弱诠释者，著名为他的舞台表演。他的音乐简陋而病态，没有希望和乌托邦，却陷入decade废，灭亡和虚无主义。在“ Fat Iggy”项目中，Kersels解构了Iggy Pop图标，以阐述新的神话。
这位歌手所代表的肥胖身体的decade废使他从神话中重获新生，而在展览空间中心突出的钻石形象则与明星的轨迹形成鲜明对比。实际上，石头冰冷而不可触动的美丽源于它进入大地子宫的漫长而无声的旅程。与短暂的幽灵联系在一起的喧闹声中，只有碎片，破碎的镜子散落在房间周围，无法恢复和谐统一的形象。”
珍妮·多利亚尼（Jenny Dogliani）

Splendor

西尔维娅（Silvia）在共生中专心致志地开展工作，带领她研究过去-尽管打破常规，但意识到手工编织的古老技术遗产-并同时在她的研究和研究中以当代的方式表达了自己。 大胆的实验。 在她的工作中，她一遍又一遍地将“纤维”的定义扩展到包括工业的，不可回收的，匿名的边际材料，例如PVC，橡胶，塑料，乳胶，聚氨酯等，这些材料似乎很难与任何其他材料相结合。 美学品质，但具有“可编织”的共同特征。 西尔维亚（Silvia）设计和创造当代珠宝，挂毯和雕塑服，并参加意大利和国外的众多艺术展览。

Ксавье Вейлхан

无论他使用数字摄影，雕塑，公共雕像，视频，装置，甚至是展览的艺术品，Xavier Veilhan都围绕同一轴构建自己的作品：表现的可能性。 他的多态实践中最显着的特征之一就是他对待日常生活中的普通对象和形状，使它们平滑呈现，没有任何细节，并且对任何心理洞察力都具有抵抗力。 自1990年代以来，在此过程中兽人占据了重要位置，其中包括由彩绘聚酯树脂制成的不自然颜色的企鹅和犀牛。

Science, Fiction

在与展览类似的名为科学，小说的展览中，撒德尔将重点放在了甲虫及其部署的复杂导航系统上，该系统用于处理动物排泄物，这是动物的主要营养来源。 最近的研究表明，该物种在夜间使用银河系进行自我定位，这是目前已知的唯一一种昆虫。 在一个将甲虫放在室外桌子上的实验中，它们只能以通常的直线在夜空的开阔视野中导航-当他们的头顶视野被遮挡时，它们的动作变得不稳定并且急剧减速。 在天文馆内重复进行了相同的实验，交替打开和关闭银河系，并且从银河系的角度来看，动物的行进路线更直，更快。

Black Chords
萨丹·阿菲夫（SaâdaneAfif）被定义为“概念后”，其工作涉及解释，交流和发行。它以多种形式（表演，物体，雕塑，文字，海报和霓虹灯作品）作为展览的生产或激活的借口。在2004年埃森（Essen）的一场演出中，他请莉莉·雷诺·杜瓦（Lili Reynaud Dewar）写了一首受他的艺术作品启发的歌曲；这是名为“歌词”的系列的开始，他以此取代了作者，并与其他艺术家或作家合作。通常使用全息自粘纸将文本或声明转移到墙上。 Afif的练习植根于音乐：乐谱，乐器，放大器，扬声器，麦克风，音乐会是他的词汇或媒体的一部分。其他经常发生的利益包括时间的流逝（头骨，钟表），挪用，重制或重复以及意义的转移以及对制度的批判。 Afif在2010年写道：“我今天的作品不依赖于对象：它是通过元素的积累或交织而发展起来的，这些元素或多或少可见。”

Tel Aviv Museum of Art
Amir大楼的设计直接源于在狭窄，特质，三角形场地内提供几层大型中立矩形画廊的挑战。解决方案是通过在不同的轴上构建水平线来“对三角形进行平方”，这些水平线会在地板与地板之间有很大的偏差。从本质上讲，该建筑物的楼层（上两层，下三层）是结构上相互独立的平面图，一层一层地叠在另一层上。
这些高度通过“ Lightfall”统一起来：“ Lightfall”是一个87英尺高的螺旋形顶棚中庭，其形式是通过巧妙地扭曲曲面来确定的，这些曲面在建筑物中上下弯曲和转向。 Lightfall表面的复杂几何形状（双曲线抛物线）将画廊的不同角度连接在一起；沿着它们的楼梯和倾斜的长廊是令人惊讶的，不断展开的垂直循环系统。而来自上方的自然光则折射到半埋式建筑物的最深凹处。悬臂可容纳平面图之间的差异，并在周边提供悬挑。
这样，阿米尔大厦将当代艺术博物馆的两个看似不可调和的范型结合在一起：中性白盒子博物馆为艺术展览提供了最佳，灵活的空间，而奇观博物馆则使参观者感动并提供了非凡的体验。社会经验。阿米尔大厦（Amir Building）对原始几何形状和传统几何形状的综合产生了一种新型的博物馆体验，这种体验植根于巴洛克风格，就像现代一样。
从概念上讲，阿米尔大厦与博物馆的野兽派主楼（于1971年建成；建筑师丹·艾坦和伊茨查克·雅沙尔）有关。同时，它也与特拉维夫现代建筑的更大传统有关，从孟德尔松，包豪斯和怀特城的多种词汇中可以看出。外立面闪闪发光的白色抛物线由465种不同形状的平板组成，这些平板由预制钢筋混凝土制成。立面实现了城市前所未有的形式和材料的结合，将特拉维夫现有的现代主义转化为当代和进步的建筑语言。

Caderno Confete

艺术家Debora Santiago在Galeria Ybakatu的个人展览。 除了视频“Baião”（2008年）和对象“ Caderno Confete”（2007-2008年）之外，Debora还展示了一系列近期的水彩绘画。 “当我看到Debora Santiago的作品时，我就产生了惊人的印象。 可以用水质接近其中许多人以及他们诗意的合奏所激发的气氛的想法。 河边，溪流，溪流，瀑布，小雨的水域。 丹妮拉·维森蒂尼（Daniela Vicentini）在对黛博拉·圣地亚哥（Debora Santiago）的作品进行分析的开篇中写道。

汪建伟
Time Temple 1
王建伟的作品探讨了艺术与社会现实之间的联系。 他极富创造力的艺术品精心地考虑了时间和空间：从艺术品的创作可以是连续的排练这一观念出发，将戏剧，视觉艺术和电影联系在一起。 王建伟：时间殿是艺术家在北美的首次个展。 该展览包括装置，绘画，电影和现场影院制作。

video

任航
Рен Ханг
任航出生于中国东北吉林省长春市，是一位摄影师和诗人，目前居住在北京。 他以痴迷的方式使用裸露的身体来构成怪异，挑衅和有趣的照片。 他非常多产，已经出版了六本写真集。 他在国内外举办过多次个人和团体展览。 摄影作品已在国内外杂志和书籍中发表

Герда Штайнер и Йорг Ленцлингер
ゲルダ・シュタイナー&ヨルク・レンツリンガー
The vegetative nervous system
“在精致的怪异和生态问题之间的边界上，艺术家夫妇Gerda Steiner和JörgLenzlinger重塑了异质和诗意的本质。 通过他们的作品传播而产生的梦幻般的魅力将近乎迷幻的甜美与淡淡的犬儒主义混为一谈。 他们从每个展览地点以及世界各地的无数旅行中收集各种物品。 通过将天然（植物和晶体）和人造材料（例如电线，计算机屏幕，儿童玩偶，圣诞球，塑料恐龙等）整合在一起，它们增加了视觉效果和美感。 两位艺术家将他们的想象力编织成一个时髦而幽默的生物多样性。 自然王国和人工供应之间的分离受到干扰，而有利于有机和分散的设施。”

МАРТИНА КРИДА

信条是最负盛名的国际艺术家之一。他的作品围绕日常生活中的文字，物体和事物展开，他脱离了上下文，将其转变为艺术品，改变了我们对周围事物的感知，无论它们看起来多么荒谬。这引起了争议，最近几周围绕他的作品展开了一定的辩论，因为其中一些元素是简单而荒谬的，例如一张蓝色的tac，一张破的纸片，一幅用眼睛画的水彩画。闭合的或最著名的是弄皱的纸球。 我们习惯于面对我们寻求了解的作品，或者因其创作的复杂性而珍视作品。以克里德的作品为例，我认为有必要度过一段美好的时光，摆脱这一想法，并欣赏所有这些事物的缺失，并为能够在最简单的事物中找到使之变得重要的事实表示赞赏。 。我喜欢在马德里看到具有这些特征的展览，因为它们不是很常见，但每个珍视它的人都可以。

Pink and Yellow in Excited States

2009年秋天，艺术家迈克尔·安东尼·西蒙（Michael Anthony Simon）离开了芝加哥，搬到了韩国乡下。他想体验一个新的地方和文化，希望能为西方艺术界无法超越的新鲜事物提供信息。最初从不同自然元素的“亮点”开始，迅速发展为一系列具有更广泛意义的系列。一天，西蒙（Simon）在选择下一张作品的位置时，在森林中遇到了一个巨大的蜘蛛网，并开始在快速发展的作品中作为下一个合乎逻辑的进展进行实验。当时他无法指望的是这个偶然发现将他带到何处。快进了六个月，西蒙的工作室已经变成了各种各样的工厂。许多熟练的工人在固定在各种几何底座上的塑料杆之间精心构建精美的同心结构。如果这些助手是人的话，他们的出现也就不足为奇了。经过数月的反复试验，西蒙开发出一种方法，使他可以利用许多人认为是自然界最恐怖的生物之一的内在艺术性。首先，他在周围地区找到并捕获了一种特别勤奋的蜘蛛，然后（在一些指导下）允许他们做蜘蛛最擅长的事情–建立网。完成后，他将蜘蛛返回到找到它们的地方，并开始在无数的薄雾状漆层上涂网。这个过程与我见过的任何过程都不一样，结果非常漂亮。雕塑既涉及形式主义，也涉及工业化劳动。该作品是更广泛对话的一部分，这种对话不存在于传统的东方或西方边界之内，而正是这种普遍的艺术创作方法使迈克尔·安东尼·西蒙（Michael Anthony Simon）的作品脱颖而出。随着他在韩国的一些大型机构展览，即将到美国的访问以及计划于2012年夏季发布的新网站的正式发布，我可以保证，我们会在Google中看到更多这位艺术家的作品。未来的岁月。

sagarmatha
在画廊的这次展览中，艺术家提供了一系列近期作品，包括原始作品和对大型壁画安提波德群岛的原位修复。珠穆朗玛峰：地理乌托邦，是19世纪的梦想，是世界悖论的一部分，当今世界的访问变得越来越琐碎，频繁，其中未知的地区正朝着虚拟领土发展。但是，这座山，就像是一个与历史，政治，竞争和欲望联系在一起的地理典范，一个“记录”的空间，我们可以通过地理和地理赋予我们的数字和图像来感知。一个人可以拥有的经验。在这里，珠穆朗玛峰作为一个纯净的物体站立，由木头制成，漆成白色，它出现在一个极简的高峰中，每个水滴都产生了额外的变化，与投射在墙上的视频移动灯泡的那些呼应相呼应…图案重复并缓慢移动，例如重复和迷幻音乐。
要从矛盾的角度体验宇宙的复制品，请执行以下操作：
在全局和理性的视野中感觉到风景之外（我们对地图进行概览），同时又迷失在内部（比例尺和传说消失），例如在“真实”空间中，因此，必然是主观的。
光线和节奏的变化，数字时间流逝在山上的标志，转移了视觉体验，每一次脉冲都会改变装置和观众的感知

在她的项目中，居住在鹿特丹的西班牙裔艺术家拉拉·阿尔玛斯凯（Lara Almarcegui）研究了政治，社会和经济变化带来的城市转型过程。自1990年代中期以来，她研究了通常不被关注的城市特征：荒地，建筑材料，看不见的元素。劳拉·阿尔玛斯凯（Lara Almarcegui）在奥地利举行的首次个展中，为分裂国家创造了三件与维也纳市和历史悠久的展览馆密切相关的新作品，同时还重复了该艺术家在世界各地不同城市开发的早期作品。
Lara Almarcegui使我们看不到，看不到或注意到的东西可见。她进行解构以便发现-包括对未来乌托邦的看法。在Bauschutt Hauptraum脱离国家会议厅/脱离国家会议厅的建筑瓦砾中，拉拉·阿尔玛斯凯（Lara Almarcegui）通过堆放这些材料（回收过程的所有产品）来评估用于建造展览馆正厅的建筑材料。未来可能使用的愿景。具有光环的展厅变成了无形状的堆。如果这些吨的混凝土，木材，水磨石，砖，砂浆，玻璃，灰泥，聚苯乙烯和钢材重返建筑业，会发生什么？现在构成分离派主殿的材料可能会产生哪些新建筑？

Зе, Сара
サラ・セー
triple point

席女士说，她的展览被称为“三点”，主题是“定向与迷失方向”。 布朗克斯艺术博物馆的馆长Holly Block和评论家兼独立策展人Carey Lovelace为双年展提议了Sze女士并组织了展览，而布朗克斯博物馆则作为委托机构。 Lovelace女士周二在双年展美国馆外说：“萨拉（Sarah）是新一代的一部分，他们正在回归现代主义的观念，但以新的方式发展它们。” Sze女士正在向听众提问：“您生活中哪些对象具有价值，以及如何创造价值？” 她解释。 “我想展示我们在袋子里或商店的货架上认识并见过的残留有情感的物品。”

Рафаэль Лозано-Хеммер
拉斐尔·洛萨诺 – 亨默
ラファエル·ロサノ=ヘメル
라파엘 로자노
רפאל לוזאנו, המר
Frequency and Volume at The Curve
他目前在巴比肯（Barbican）的The Curve展览中，利用观众的身体调谐到不同的无线电频率，从空中交通管制到警察再到在狭小空间内切换到Magic FM。 作为一个自白的书呆子，Lozano-Hemmer接受过物理化学而不是艺术方面的培训也就不足为奇了，直到过去的四年里，博物馆才开始收集他的作品。 从他的早期装置《表面张力》中，观众可以看到整个房间，到最近的《字幕公众》，其中红外线设备跟踪了观众，Lozano-Hemmer就像是一个无政府的举报人，暴露了用来控制我们的精密设备。