Roman Ermakov

РОМАН ЕРМАКОВ

现场雕塑

我们的看法-唯一真实的现实。 创造作为一种产生图像的感觉,以形式表达。 美容宣言呼吁超越这一极限想象力。 不能将艺术的美学还原为一组清晰的构建基块,通过这些构建基块,您可以增强或减弱对比度的感知。 美不应接受分析,即交流和参与将情感转化为可见的呼吁。

BENJAMIN BERGERY AND JIM CAMPBELL

雅各的梦想:一条光亮的道路
旧金山的电子媒体艺术家吉姆·坎贝尔(Jim Campbell)创作了结合了电,发光二极管(LED)和雕塑元素的作品。他对材料的选择通常很复杂,并且他使用它们来创建具有暗示性和开放性的图像。他对模拟世界及其数字表示形式之间区别的探索在隐喻上类似于诗歌理解与数据数学之间的区别

XU ZHEN

徐震是当今中国最有趣,最有前途的艺术家之一。 徐震是一位概念画家,是一位概念画家,他的作品经常采取挑衅性的雕塑,置和干预的形式,面对当代中国和中国的社会政治禁忌,这是一位顽强的艺术家,对全球信息有强烈的需求,并且具有跨多种平台和媒体制作作品的独特能力。

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Xu Zhen is one of the most interesting and promising artists in China today. Xu Zhen is a conceptual painter and a conceptual painter. His works often take the form of provocative sculptures, installations and interventions. Faced with contemporary China and China’s social and political taboos, this is a tenacious artist. There is a strong demand for global information and the unique ability to produce works across multiple platforms and media.

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Xu Zhen è uno degli artisti più interessanti e promettenti in Cina oggi. Xu Zhen è un pittore concettuale e un pittore concettuale. Le sue opere assumono spesso la forma di sculture, installazioni e interventi provocatori. Di fronte alla Cina contemporanea e ai tabù sociali e politici della Cina, questo è un artista tenace. C’è una forte richiesta di informazioni globali e la capacità unica di produrre opere su più piattaforme e media.

 

ALAN RATH

آلان راث
Digital Video Sculptures
作为电子艺术领域的先驱,艾伦·拉斯(Alan Rath)建造了充满令人难以置信的栩栩如生的特征的机械雕塑。安装在雕塑骨架上的LCD屏幕显示身体部位,这些部位按照算法生成的颜色,速度和方向变化顺序进行移动。所描绘的特征是特定于感知和表达的特征,例如眼睛,嘴巴和手。通过无限的排列顺序进行编程,LCD屏幕上的图像会随着时间的推移以意想不到且无法预测的方式缓慢变化。尽管我们将这些视为中介的数字图像,但所描绘的基本动画效果已集成到精巧的结构中,赋予了一定的机械意识,包括幽默感和怪异感。
尽管经常仅通过“数字艺术”或“新媒体”的镜头来观看,但拉斯的作品是头等也是最重要的雕塑,其构造具有对形式上的优雅感和对艺术历史背景的广泛理解。形式上的复杂性扩展到最小的细节,并特别关注功能性。 Rath 巧妙地设计和组装了作品的每个组件,因此无需工具即可轻松拆卸,运输和重新组装。他还是围绕新媒体艺术作品的保存而反对技术发展和过时的过程中的主要参与者,这些概念被整合到他作品的各个方面。

Karina Smigla-Bobinski

ADA – ANALOG INTERACTIVE INSTALLATION
File Festival
与Tinguely的“Méta-Matics”相似,是“ ADA”具有灵魂的艺术品。它自己行动。在丁格利(Tinguely),成为一个疲惫不堪的机械人就足够。他费力地看了一下:这台机器除了工业上的自毁能力外什么都不生产。而Karina Smigla-Bobinski创作的《 ADA》是一种后工业的“生物”,是访客动画,具有创造力的艺术家雕塑,自我形成的艺术品,类似于一种分子杂种,例如纳米生物技术中的一种。它开发了相同的旋转硅碳混合动力,小型工具以及能够生成简单结构的微型机器。 «ADA»是更大的,美学上更复杂的交互式艺术制作机器。充满氦气,自由漂浮在室内,透明的,类似膜的地球仪,掺有木炭,在墙壁,天花板和地板上留下痕迹。尽管访问者感动,但«ADA»产生的标记是非常自主的。地球获得了活泼的气氛和黑煤的痕迹,看上去像是一幅图画。地球仪开始行动,制造出由线和点组成的线条,无论其强度,表达方式如何,访客都难以控制“ ADA”以驱使她驯化她,这仍然是无法估量的。不管他尝试什么,他都会很快注意到,《 ADA》是一个独立的表演者,用图画和标志signs满原始的白墙。越来越复杂的织物结构出现。这是视觉上的动作,就像计算机一样,在输入命令后也会产生无法预料的输出。并非徒劳的《 ADA》让人想起Ada Lovelace,他在19世纪与Charles Babbage一起开发了第一台计算机原型。 Babbage提供了初步的计算机,Lovelace是第一个软件。数学与她的父亲拜伦勋爵的浪漫遗产共生于此。 Ada Lovelace打算制造一种机器,该机器能够像艺术家一样创作诗歌,音乐或图片之类的艺术品。 Karina Smigla-Bobinski的《 ADA》秉承了这一传统,同时也是Vannevar Bush的创始人,他于1930年建立了Memex Maschine(内存索引)(“我们希望Memex的行为像复杂的步道网一样通过大脑的细胞”或提花织机,为了编织花朵和叶子需要打孔卡;或Babbage的“分析机”提取算法模式。 «ADA»在当今生物技术领域兴起。她是至关重要的表演机器,随着观众参与人数的增加,线条和点的样式变得越来越复杂。留下艺术家和访客都无法解读的痕迹,更不用说«ADA»了。而且,“ ADA”的工作无疑是具有潜在的人性化的,因为对这些标志和图画唯一可用的解码方法是,我们的大脑在睡觉时最多只能联想到这种联系:梦tru以求的严峻爵士乐。 (由Arnd Wesemann撰写)

James ROPER

Hypermass
我的作品探索了各种各样的主题,从巴洛克艺术和现代媒体中描绘的高度现实到对诸如人体之类的复杂结构中发现的能量的约束和释放。 我从事绘画,素描,雕塑和电影等多种媒介的工作

FLORIAN HAFELE

弗洛里安·海福樂
フロリアンハーフェレ
Флориан Хафель

维也纳的雕塑和因斯布鲁克的艺术家弗洛里安·哈菲勒(florian hafele)都具有高度扭曲的真实感。 哈夫勒的感性诉说着人类在社会中的表现以及由此产生的过分紧张或扭曲的感觉,以达到除“拯救面子”外还满足看似普遍的标准。 哈菲勒(Hafele)具有人物形象的作品永远不会通过消除人物形象来消除人物面部表情,从而消除面部表情,再加上人物四肢的位置增加形状,从而突出了人物的一维和绝望的真实感。 hafele创作了“ social panopticum”雕塑系列。 该系列的特色是三位人物,他们的几何形状从不露面的形状中生长出来。 艺术家用聚氯乙烯和油漆,塑料,木材或青铜材料制成变形或扭曲的人体。

HENRY BAUMANN

一切
设计师henry baumann为其他人丢弃的材料赋予了新的生命,他们将通常在建筑工地上发现的木制电缆鼓转变为“一切式”螺旋。雕塑装置仅使用穿过原始材料的切片来形,从而确保没有多余的剩余物。该项目基于创建新事物的概念,而不会产生任何额外的浪,也不需要对其进行许多更改或添加。

Daniel Widrig

ДАНИЭЛЬ ВИДРИК

Daniel Widrig于2009年在伦敦成立了他的工作室。从建筑协会毕业后,Daniel在Zaha Hadid工作了几年,在那里他参与了Hadid最具标志性的建筑和产品的设计工作。 尼尔·威德里格(Daniel Widrig)的工作室现在在广泛的领域工作,包括雕塑,时装,家具设计和建筑。 自成立之初就采用数字系,该工作室在该领域拥有独特的地位,并被广泛认为是数字艺术和设计的先锋。

JOHN POWERS

康扎
这项功能强大的金属作品反映了一系列截然不同的主题。自然和人为,内部的和外部的,小的和广阔的,永久的和短暂的。该雕塑位于斯托尔策家族基金会(Stolzer Family Foundation Gallery)中,是专门为海滩艺术博物馆委托创作

CHRISTINA KUBISCH

电动步道
克里斯蒂娜·库比什(Christina Kubisch)1948年出生于不来梅。她在汉堡,格拉茨,苏黎世和米兰学习了绘画,音乐(长笛和作曲)和电子学,并从那里毕。 七十年代的表演,音乐会和录像带作品,后是音响装置,声音雕塑和紫外线作品。 她的作品大多是电声作品,但她也为合奏作曲。 自2003年以来,她再次担任演奏家,并与各种音乐家和舞者合作。

KICHUL KIM

听起来不错
Kim Kichul一直致力于声音,与更传统的视觉艺术形式作对。对于Kim而言,声音本身就是主题,而不是构成整个雕塑一部分的附加元素,并且是含义中固有的连续体。Kim通过听广播的经历开始在工作中使用声音。他体验到了时空的音质,感觉就像他正在看一台收音机发出的真实声音一样。他在1993年的第一次个展中呈现的11面观世音菩萨作品以观世音菩萨这个词开,这解释了他对主题的感觉,就像他想看到它一样。金恩被《莲花经》第二十五章博蒙奔的诗句深深打动了,该诗说,如果萨特瓦在受苦的情况下简单地专心高呼观世音菩,他们就可以达到涅磐。通过在收音机上放置10个观世音菩萨雕像,每个雕像调到不同的频道,他提出了一种通过联觉观察声音的合成方法。

TARIK KISWANSON

父亲形式
每个“父亲形态”都成为一种门,是一种for般体验的器皿。进入,旁观者将被多重反射倍增,消除和脱节。作品的深刻声音放大了这种感觉。这些雕塑容器模糊了内部和外部,开放与围护,个人与集体之间的界限。

ERIN DICKSON AND JEFFREY SARMIENTO

情绪泄漏
Dickson将现象学与建筑和数字技术相结合,考虑空间感官和感官品质的雕塑,装置和表演为创作对象。在《情感泄漏》(Emotional Leak,2011年)中,他们产生了屋顶缓慢泄漏的物理表。受到水的启发,并在玻璃中实现,最终的形式是黑色的整体雕塑,似于数字哥特式建筑模型。

NAZAR BILYK

自画像
刻家纳扎尔·比利克(Nazar Bilyk)创作负空间艺品,让观看者在观看时重现原始形

Jez Fang and aka_chang

June Orbs
“六月球兒 June Orbs”是一複合光結構的audiovisual裝置與表演。取雷射強烈極端的,與投影相對柔和且具畫面感的特性,表現光的結構與解構,鏈結聲音頻率的數位音像球體雕塑為主要概念。為了紀念六月在台東泰源國小畢業典禮首演而得名。準備這個首演的過程是一則單純美好的創作旅程。數位術因其聲光電之表現特性,總予人冰冷與距離的印象。創作者期待藉由聲音與文字置入情感元素,為邏輯與簡約的視覺感官增添些許人味與暖度

Jeff Koons

杰夫·昆斯
ДЖЕФФ КУНС
ג’ף קונס
ジェフ·クーンズ
제프 쿤스
metallic venus

杰夫·昆斯,1955年生于美国宾夕法尼亚州,21岁时毕业于马里兰艺术学院。移居纽约后迫于生计,在纽约当代艺术馆做推销员工作,被经纪人Mary Boone发掘,后转到Annina Nosei画廊旗下做展览。期间曾在华尔街股市做证券经纪人,一直等到1985年,昆斯才真正崛起。昆斯有30多位技术员实现他设计的艺术雕塑。
“其作品往往由及其调的东西堆砌而成——比如不锈钢骨架、镜面加工过的气球兽,常常染以明亮的色彩。昆斯的作品在世界上大卖,持有至少一个在世艺术家作品的拍卖价格记录。评论家对他的看法趋于两级。有的认为他的作品是先锋的,有着重要的艺术史价值。有的认为那是在媚俗——哗众取宠,建立在全然利己的自我推销上。”

mike winkelmann

迈克·温克尔曼
Майк Винкельман
mountain reconstruction

在过去八年中的每一天里,平面设计师迈克·温克尔曼(Mike Winkelmann) 都致力于创作一组独特的数字插画。在创作中,设计师使用到例如CINEMA 4D绘图软件、辛烷渲染器、X-粒子和数字雕刻绘画软件ZBrush等工具。在过去连续3027个工作日里,温克尔曼借助这些工具,用超现实主义手法描绘出插画的背景环境、人物以及超现实科幻幻象。

GUDA KOSTER

古达·科斯特(Guda Koster)是一位荷兰画家,他创作的是雕塑作品。 艺术家使用原始的面料,颜色和图案,使他能够创造出神秘而神秘的和谐和绘画。 他的每件作品都融合了具体和超现实主义的元素。

JACQUELINE KIYOMI GORDON

LISTEN WITH HEADPHONES
由杰奎琳·吉米·戈登(Jacqueline Kiyomi Gordon)在旧金山Yerba Buena艺术中心(YBCA)的新展览系列“控制:文化中的技术,无时无刻不在发生”中建造,是一种塑造声音,运动和感知的装置。该装置雄心勃勃,具有建筑雄心,需要探索一个房间,房间内布满11.1.4环绕立体声系统和定制的减震声板,以突出艺术家所描述的“声音之间移动,声音内部移动之间的交换”的含义。雕塑,与其他人一起移动”,并在此过程中产生“亲密感”。借用消音室和声学测试实验室中使用的隔音板的材料和几何形状,戈登的身临其境的声音环境部署了临床声音设计,以进行探索和互动。
位于“戈登(Gordon)”空间中央的位置是“爱的座位(Love Seat)”,这是一对相邻的围墙,游客可以坐在那里聆听。聆听者共享一个共同的视线,但在身体上是分开的,他们可以在相对(相对)的声音隔离中享受片刻。在展览随附的文章中,“控制:文化中的技术”策展人策奇·莫斯(Ceci Moss)简洁地将戈登的方法描述为“调音的情绪”,以“进入并指挥”进入该空间的人。
不出所料,戈登竭尽全力地雕刻了《永远发生的一切》中的音响效果,在展览中她看到她与Meyer Sound Laboratories的专家紧密合作。她在下面的视频中简要地介绍了她的过程,并且值得深入研究创建者在该项目上的帖子,因为它提供了一些有价值的“细节”,以及合作者Jon Leidecker(又名Wobbly)和Zackery Belanger的评论。

Peng Xianfeng

The Cloud Making Factory

彭咸丰的彩虹和泡泡云指向一种非物质的,短暂的美学:固体可以扩散到液体,空气,光,波和能量场中。 这些是临时雕塑。 在令人愉悦的雕塑的背后,存在着禅宗和诗意的精神哲学,具有戏剧性和戏剧性的表现形式。

SILVIA BECCARIA

Splendor

西尔维娅(Silvia)在共生中专心致志地开展工作,带领她研究过去-尽管打破常规,但意识到手工编织的古老技术遗产-并同时在她的研究和研究中以当代的方式表达了自己。 大胆的实验。 在她的工作中,她一遍又一遍地将“纤维”的定义扩展到包括工业的,不可回收的,匿名的边际材料,例如PVC,橡胶,塑料,乳胶,聚氨酯等,这些材料似乎很难与任何其他材料相结合。 美学品质,但具有“可编织”的共同特征。 西尔维亚(Silvia)设计和创造当代珠宝,挂毯和雕塑服,并参加意大利和国外的众多艺术展览。

GILLES BARBIER

Жиль Барбье
L’ivrogne

虽然有些人可能会发现吉尔斯·巴比尔(Gilles Barbier)的名为L’ivrogne的雕塑既有趣又古怪,但其他人却会发现它令人大开眼界和清醒,这是适当的。 标题本身的意思是法语中的“醉汉”。 它描绘了一个醉汉倒在他的运气上。 跪在地板上lou绕着,螺旋状的思想旋风从他的头顶向上爆发。 瞥见他忙碌的内心沉思,几乎就像一个拼图的碎片,可以安排和重新安排,以弄清他醉酒的抑郁症的含义。 从帽子和星星到头骨和炸药,吉尔斯·巴比尔(Gilles Barbier)创作的《 L’ivrogne》是由随机物体组成的混合媒体雕塑。 由蜡制成,整个作品可能带有卡通色彩,但涉及到一个严重的问题。

XAVIER VEILHAN

Ксавье Вейлхан

无论他使用数字摄影,雕塑,公共雕像,视频,装置,甚至是展览的艺术品,Xavier Veilhan都围绕同一轴构建自己的作品:表现的可能性。 他的多态实践中最显着的特征之一就是他对待日常生活中的普通对象和形状,使它们平滑呈现,没有任何细节,并且对任何心理洞察力都具有抵抗力。 自1990年代以来,在此过程中兽人占据了重要位置,其中包括由彩绘聚酯树脂制成的不自然颜色的企鹅和犀牛。

BORIS HOPPEK

ボリス・ホペック
Борис Хоппек
彩虹盖 (rainbow-cover)

鲍里斯·霍佩克(Boris Hoppek,1970年生,克罗伊兹塔尔)是居住在巴塞罗那的德国当代艺术家。 他的艺术根源在于涂鸦,但如今他的作品涵盖绘画,摄影,录像,雕塑和装置艺术。 他的作品也被用于广告活动中。 霍佩克的商标是对称的椭圆形,在他的大部分作品中要么单独出现,要么以三个星座出现,从而形成了一张脸。

DAVID ALTMEJD

大卫·阿尔特米德

对于Altmejd而言,制作过程至关重要-他对构造对象的行为如何产生意义感兴趣。 Altmejd通常无视传统的材料约定。在他最近的一系列大型半形象雕塑中,他使用了看似随机的物体(例如粗麻布,聚苯乙烯,链,毛皮,晶体和树脂铸模以及奇异的水果)在各种材料元素之间建立了共振的连接和并置。 。在涉及有机玻璃结构和玻璃的复杂装置中,阿尔特梅德经常将具有象征意义的物体(如水晶和动物标本剥制术的鸟类和动物)与诸如石膏,闪光,矿物和镜子之类的材料巧妙地配对使用。由于经常存在于事物表面之下的无形世界的激励,艺术家通过负空间揭示了自己作品中的隐藏结构:缝隙,孔洞,裂缝和充满晶体的孔是反复出现的主题。相比之下,他的镜面雕塑的反射面难以穿透,既定义又不稳定,并增加了它们周围的空间。

Liz Larner

Two or Three or Something

利兹·拉纳(Liz Larner)的作品通过将几何形式主义与运动和变化的概念相结合,探索并扩大了雕塑的可能性。 她使用线条,颜色和形状来修改和重塑极简主义的形式语言,从而在观看者,雕塑和周围环境之间建立了新的关系。 Larner的作品汲取了各种各样的材料和叙述,鼓励了人们对空间的新体验,以及对观众理解和互动方式的更深层次的沉思。

SAADANE AFIF

Black Chords
萨丹·阿菲夫(SaâdaneAfif)被定义为“概念后”,其工作涉及解释,交流和发行。它以多种形式(表演,物体,雕塑,文字,海报和霓虹灯作品)作为展览的生产或激活的借口。在2004年埃森(Essen)的一场演出中,他请莉莉·雷诺·杜瓦(Lili Reynaud Dewar)写了一首受他的艺术作品启发的歌曲;这是名为“歌词”的系列的开始,他以此取代了作者,并与其他艺术家或作家合作。通常使用全息自粘纸将文本或声明转移到墙上。 Afif的练习植根于音乐:乐谱,乐器,放大器,扬声器,麦克风,音乐会是他的词汇或媒体的一部分。其他经常发生的利益包括时间的流逝(头骨,钟表),挪用,重制或重复以及意义的转移以及对制度的批判。 Afif在2010年写道:“我今天的作品不依赖于对象:它是通过元素的积累或交织而发展起来的,这些元素或多或少可见。”

Otto Piene

Sky Art Event

1958年,奥托·皮内(Otto Piene)与海因茨·马克(Heinz Mack)一起在杜塞尔多夫成立了零公司(ZERO)集团,后来昆特·乌克(GüntherUecker)也加入了。艺术家将重新开始与对自然元素的迷恋,主要是对光线的迷恋。
然后,彩色让位于单色绘画,尤其是白色绘画,以及结构化的自我提升。奥托·皮内(Otto Piene)受过绘画和绘画方面的训练,还使用空气和火的元素作为创作手段。在他的烟和火的照片中,还有火焰的影响。
奥托·皮涅(Otto Piene)从未放弃过色彩。相反,他以彩虹的颜色为主题。自1964年以来,他在波士顿著名的麻省理工学院(MIT)的高级视觉研究中心工作-最初是一名研究员,四年后担任其主任。
在当时科学家,工程师和艺术家之间创新的跨学科合作中(德国尚不存在),他找到了实现他的理想的理想条件:将临时的,短暂的光和空气雕塑提升到无限的天空。

ANTHONY MICHAEL SIMON

Pink and Yellow in Excited States

2009年秋天,艺术家迈克尔·安东尼·西蒙(Michael Anthony Simon)离开了芝加哥,搬到了韩国乡下。他想体验一个新的地方和文化,希望能为西方艺术界无法超越的新鲜事物提供信息。最初从不同自然元素的“亮点”开始,迅速发展为一系列具有更广泛意义的系列。一天,西蒙(Simon)在选择下一张作品的位置时,在森林中遇到了一个巨大的蜘蛛网,并开始在快速发展的作品中作为下一个合乎逻辑的进展进行实验。当时他无法指望的是这个偶然发现将他带到何处。快进了六个月,西蒙的工作室已经变成了各种各样的工厂。许多熟练的工人在固定在各种几何底座上的塑料杆之间精心构建精美的同心结构。如果这些助手是人的话,他们的出现也就不足为奇了。经过数月的反复试验,西蒙开发出一种方法,使他可以利用许多人认为是自然界最恐怖的生物之一的内在艺术性。首先,他在周围地区找到并捕获了一种特别勤奋的蜘蛛,然后(在一些指导下)允许他们做蜘蛛最擅长的事情–建立网。完成后,他将蜘蛛返回到找到它们的地方,并开始在无数的薄雾状漆层上涂网。这个过程与我见过的任何过程都不一样,结果非常漂亮。雕塑既涉及形式主义,也涉及工业化劳动。该作品是更广泛对话的一部分,这种对话不存在于传统的东方或西方边界之内,而正是这种普遍的艺术创作方法使迈克尔·安东尼·西蒙(Michael Anthony Simon)的作品脱颖而出。随着他在韩国的一些大型机构展览,即将到美国的访问以及计划于2012年夏季发布的新网站的正式发布,我可以保证,我们会在Google中看到更多这位艺术家的作品。未来的岁月。

SCOTT HESSELS

Shadow Play
via highlike submit
(via alexa)

皮影戏的古代艺术的轮廓是通过光线穿透半透明的屏幕来实现的,该雕塑使用风车的旋转作为动力来产生演示的背光。 此外,风还旋转了一系列使木偶动画的齿轮和盘子,并移动了背景立体模型以创建一分钟的皮影戏表演

ANISH KAPOOR

阿尼什•卡普尔
アニッシュ·カプーア
Аниш Капур
Turning the World Upside Down

皇家公园和蛇形画廊展示了艾尼斯·卡普尔(Anish Kapoor)的这次户外雕塑展,包括近期在伦敦未曾展示过的,由高度抛光的不锈钢制成的近期作品。 这些作品规模宏大,延续了卡普尔在职业生涯中对正面和负面空间,反射,扭曲和超越观念的探索,并被放置在肯辛顿花园周围,以增强观众对不断变化的色彩,树叶和天气的体验。

MAURIZIO CATTELAN

マウリツィオ·カテラン
Маурицио Каттелана
INRI
自学成才的当代意大利艺术家,1960年生于帕多瓦,目前居住在纽约。 他的艺术建议定位在雕塑和表演之间(艺术家或一群艺术家参与的艺术行动,其中,身体作为公共场所中的“祖传”要素使用),主要是在游戏中工作。 幽默感和已建立符号的传递构成其主要的表达武器。

SCOTT SNIBBE

Deep Walls

《 Deep Walls》是投影的电影回忆内阁。当一个人走进其投影光束时,交互式墙开始记录他的阴影以及跟随者的阴影。当最后一个人离开框架时,阴影在十六个矩形小橱柜中的一个内无限重播。与结构主义电影一样,重复性视频的收集成为其自身的对象,而不是严格地具有代表性的“电影”。 “深墙”在电影循环之间创建了复杂的时间关系。每个小阴影胶片都有精确的记录持续时间:从几秒钟到几小时。 16帧之间的时间关系变得复杂(以类似于Brian Eno的磁带循环实验的方式),将不同持续时间的单个记录循环播放,以创建连续几天都不重复的构图。 Deep Walls的灵感来自Jan Svankmajer和Quay Brothers的超现实主义电影以及Joseph Cornell的雕塑。在他们的电影和雕塑中,小尸体和强迫性地收藏在橱柜和抽屉中的物品代表着心理和精神状态。组织的理性过程带来了一种无意识的非理性。 Deep Walls的名称受到建筑师克里斯托弗·亚历山大(Christopher Alexander)的“图案语言”(Pattern Language)设计图案的启发。他建议建造厚厚的房屋墙壁,以便居民自己可以雕刻出橱柜,抽屉和窗户来个性化房屋。本着亚历山大的精神,这部作品逐渐记住了其表面上的环境内容。

PO-TING LEE

李 柏廷
Obtruction

李宝婷是台北出生的新媒体艺术家。 他患有地中海贫血几乎无法治愈的病,这是他创作的主要背景。 LEE在台北国立艺术大学学习雕塑。 然后,他的作品主要是动能/装置以及声音作品。 LEE目前就读于台北国立艺术大学艺术与技术研究所。 在他的作品中,他尝试将动感装置和声音结合在一起。 在2011年,LEE和他的朋友们成立了跨学科艺术团体XOR。 小组创作了跨学科的互动表演,并在第六届台北数字艺术节开幕式上进行了表演。 自那时以来,他们一直在与各种编舞家和时装设计师合作,并仍在寻找新的合作者来扩展其艺术创作的可能性。

QUAYOLA

STRATA

Strata是一个始于2007年的正在进行的项目,它损害了一系列的胶卷,印刷品和针对特定地点的沉浸式装置。 “地层”一词定义了由多层岩石构成的地质构造。它特别是指相对时间的概念,即相对的每一层都通过其确定的特性,孔隙率,质地,颜色,组成与下一层区分开。简而言之,它定义了一种识别有机演化中断裂的方式,一种对历史的视觉隐喻,其含义不只是线性过程,而是随着时间的推移积累的指示符:在地质学中称为深层时间。是在这种“深度”的探索中,“ Strata”项目得以形成,并结合了我们对古典艺术,建筑和肖像学的坚定认知的建构和解构。 在古典美学领域内运作;无论是文艺复兴时期的雕像背后的几何完美,巴洛克式的富裕还是哥特式建筑的严谨和完整,Strata都努力达到并揭示每个图标和结构的象征性复杂性背后的内容。它深入图像的表面,对图像进行解构,将其还原为必要的坐标,颜色,几何形状。剥夺它的象征功能。然而,通过这一过程,Strata也得以构建。生成地形图,线性路径和结构,它们从原点到另一原点的点脉动,散射,悬挂悬挂;生动的抽象景观的制作。通过这种变态过程,Strata不仅旨在改变人们对建筑中所包含的标志性象征的理解,还使人们对休眠在杰作细节背后的计算,生成和算术质量产生了兴趣。