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THE CAMPANA BROTHERS

وكامبانا الاخوة
坎帕纳兄弟
האחים קמפנה
カンパーナ兄弟
БРАТЬЕВ КАМПАНА
Campanas/Woods

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FERNANDO CAMPANA
HOMAGE
R.I.P
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Inspired by Brazilian street life and carnival culture, brothers FERNANDO AND HUMBERTO CAMPANA combine found objects – such as scrap wood and scrap fabric – with advanced technologies to create a vibrant, energetic and definitely Brazilian approach to design.
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Die Brüder FERNANDO UND HUMBERTO CAMPANA lassen sich vom brasilianischen Straßenleben und der Karnevalskultur inspirieren und kombinieren gefundene Objekte – wie Holzreste und Stoffreste – mit fortschrittlichen Technologien, um einen lebendigen, energischen und definitiv brasilianischen Designansatz zu schaffen.
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Inspirados na vida de rua brasileira e na cultura carnavalesca, os irmãos FERNANDO E HUMBERTO CAMPANA combinam objetos encontrados – como sucata de madeira e sucata de tecido – com tecnologias avançadas para criar uma abordagem vibrante, energética e definitivamente brasileira ao design.

Daniel Rozin

Take Out – Chopsticks Mirror
“Take Out – Chopsticks Mirror” verwandelt ein vertrautes Essgeschirr in ein Porträtelement. Obwohl das Kunstwerk von Natur aus mechanisch ist, versucht es, ein Porträt des Betrachters zu reflektieren, indem es die Fluidität seiner Bewegung widerspiegelt. Das resultierende Porträt ist ein interaktives Bild, das Rozin untersucht durch den Zwang eindimensionaler linearer Objekte. Dieses Stück fungiert als Experiment mit Interaktion jenseits der Reflexion und lädt zu Reaktionen des Stücks selbst (Gesten der Freundlichkeit, Erschrockenheit, Zurückhaltung) sowie generativer Routinen ein 480 Essstäbchen Drumming sind in Zusammenarbeit mit der Komponistin Tamar Muskal arrangiert.

KARINA SMIGLA-BOBINSKI

KALEIDOSCOPE
Karina Smigla-Bobinski kreiert interaktive Apparate, die erstaunliche visuelle Effekte erzeugen. Bei der Verwendung dieser Objekte gelangt man immer an den Punkt, an dem Wahrnehmungsprozesse, die normalerweise völlig im Unterbewusstsein ablaufen, an die Oberfläche treten und greifbar werden und so faszinierende Erlebnisse ermöglichen. KALEIDOSKOP fungiert als sehr großer und komplett begehbarer Leuchtkasten. Auf seiner Oberfläche schweben Tinten in Cyan, Magenta und Gelb zwischen mehreren Lagen PVC-Folie. Diese Farben Cyan, Magenta und Yellow (CMY) werden vollständig von unserem Gehirn erzeugt. Der Start erfolgt also „virtuell“.

Katharina Fritsch

Zwei Männer / Two Men
Katharina Fritsch ist eine zeitgenössische deutsche Bildhauerin. Ihre Arbeit mischt Realität mit Vorstellungskraft, um surreale Bilder zu schaffen, die durch ihre großformatigen monochromatischen Skulpturen von Tieren, Menschen und Objekten Realität und Fantasie zusammenziehen. Von ihrer hellen Palette hat sie bemerkt, dass Farbe „es ausgleicht, es abstrakt macht – wie ein visuelles Zeichen, eine Ikone. Das ist wichtig: Meine Arbeit befindet sich immer an der Grenze zwischen einer detaillierten Skulptur und einem Schild. “ Fritschs Werk wird oft als unheimlich beschrieben. Es enthält leichte Repräsentationsverschiebungen, die die Wahrnehmung der Realität durch den Betrachter verändern und die gefälschte Nachahmung des Lebens durch das Werk hervorheben.

DAN GRAYBER

Machine2

„Objekte werden erfunden, um bestimmte Bedürfnisse, insbesondere menschliche Bedürfnisse, zu befriedigen. Mit meiner Skulptur untersuche ich das Bedürfniskonzept, wenn der Mensch aus dieser Gleichung entfernt wird. Ich mache das, indem ich den Menschen durch das Objekt selbst ersetze. Meine Skulpturen sind nur erfunden, um sich selbst zu erhalten und als selbstlösende Probleme zu fungieren. Das Ergebnis ist ein Objekt, das nur erfunden wurde, um die Komplikationen zu kompensieren, die durch seine eigene Existenz entstehen. Das Stück allein repräsentiert die Notwendigkeit und die Auflösung. Viele meiner Stücke sind kleine, federbelastete, mechanische Objekte. Sie sind aufwendig entworfen und hergestellt, um eine der einfachsten und doch wichtigsten Aufgaben zu erfüllen, die ein autonomes Objekt erfüllen kann. Diese Aufgabe, dieses Bedürfnis ist es, sich zu halten. In den meisten Fällen erreichen meine Arbeiten dies, indem sie sich aktiv an bestimmte architektonische Merkmale und einzelne Objekte binden.

TEUN VONK

Der physische Geist
Der physische Geist ist Vonks Versuch, den Teilnehmern die Beziehung zwischen ihren physischen und mentalen Zuständen zu zeigen, indem sie physischen Druck auf den Körper ausüben. Die Installation besteht aus zwei aufblasbaren Objekten, zwischen denen sich ein Teilnehmer hinlegt, um anschließend angehoben und vorsichtig zwischen die Kurven der beiden Objekte gedrückt zu werden. Während das Heben ein instabiles Gefühl erzeugt, wird dieses stressige Gefühl bald danach dem sicheren Gefühl gegenübergestellt, sanft zwischen zwei weichen Gegenständen gedrückt zu werden. Neben dieser Erfahrung für die Teilnehmer ruft die Installation auch Empathie bei Zuschauern hervor, die miterleben, wie die Teilnehmer diese Erfahrung machen.

VTOL

Letzter Atemzug
Ich verstehe passive Instrumente als verschiedene Multimedia-Objekte, für die weniger Management als Koexistenz erforderlich ist, basierend auf Beziehungen, die aus einer gegenseitigen „hybriden“ Symbiose hervorgehen. Das Funktionsprinzip des Objekts ist recht einfach: Die ausgeatmete Luft (ihr Druck und ihre Durchflussrate) aktiviert den generativen Prozess, der von den Ausatmungsparametern abhängt und von der Luftbewegung im Organ gesteuert wird. Das Objekt erfordert keine spezielle Spieltechnik, obwohl jede Änderung der Atmung (entweder vorsätzlich oder durch physiologische Faktoren verursacht) direkt von der Spieldynamik und auch von allen anderen Parametern abhängt, die zur Erzeugung des Schallflusses verwendet werden.

WANG & SÖDERSTRÖM

Wachstum
Wang & Söderström ist ein in Kopenhagen ansässiges transdisziplinäres Duo, das sich aus der schwedischen Designerin Anny Wang und dem Architekten Tim Söderström zusammensetzt. Die Überbrückung des physischen und des digitalen Bereichs ist ein Hauptthema in ihrer Praxis und sie versuchen ständig, die Grenzen zwischen ihnen herauszufordern. Wang & Söderström, der zwischen Kunst und Design schwankt, möchte bereits bestehende Konventionen in Bezug auf das Digitale verwerfen und die emotionale und taktile Seite von Materialien, Objekten und Texturen hervorheben, um dem Digitalen eine menschlichere Qualität zu verleihen und aussagekräftigere Verbindungen herzustellen “Durch 3D-Scannen von Elementen aus der Natur wie Baumstämmen, Blättern und Pflanzen und das Mischen mit surrealistischen Materialien und Verhaltensweisen wollten wir sie in einer digitalen Umgebung weiter wachsen lassen.“

Marianthi Papalexandri-Alexandri

Untitled VI
für drei Männerstimmen und Klangobjekte
In Untitled VI the vocalists are singing with modified resonant tubes and motors the Greek word “akousate” that means to listen attentively. What happens when voice and singing are mediated and controlled with motor driven resonant bodies? How does this act of singing change the physical and imagined presence of the voice? How does it affect the process of intensive listening to one’s own voice, to one another, and to external sounds? Exploring these questions, Papalexandri encourages hearing the resonances between different voices and bodies.
text: Dr. Zeynep Bulut

PE LANG

Moving Objects | nº 502 – 519
Gravitation, Magnetismus, Mechanik. Wenn in einer Runde gelegentlich das Wort ‘Physik’ fällt, verziehen sich die Gesichter. Mit Grausen erinnern sich viele an ihre Schulzeit. Dem Schweizer Künstler Pe Lang aus Sursee ist ein fabelhafter Coup gelungen. Seine Arbeiten greifen physikalische Phänomene auf. Bewegung und Chaos, Raum und Zeit. Präzision, Reibung, Klang. Auf unerhört ästhetische Weise sind seine Objekte so konstruiert, dass es ein pures Vergnügen ist, sich ihnen, staunend wir Kinder, zu nähern.

nino cais

Ninos Arbeit lädt uns ein, Objekte, die uns umgeben, zu überdenken und sie aus einer anderen Perspektive zu betrachten. Es ist jedoch unwahrscheinlich, dass viele zeitgenössische Künstler gefundene Objekte untergraben, um einen Kommentar zur Kunst selbst abzugeben, in Frage zu stellen, was Kunst ist oder was nicht, und auch nicht beabsichtigt, die Konsumgesellschaft zu kritisieren.

Jan Maarten Voskuil

Pointing Inside
Voskuil bespannt die mit wenig Farbe bezogene Leinwand auf die eigens hergestellten Rahmen so, dass die Malerei nun dreidimensional wird und die Form einer Skulptur erhält. Im Unterschied zu seinen früheren Arbeiten werden die Objekte mit einem unregelmäßigen Grundriss von der Symmetrie losgelöst. Auf diese Art und Weise zerlegt Jan Maarten Voskuil die monochrome Oberfläche und verleiht dieser unterschiedliche Farbschattierungen. Jan Maarten Voskuil lebt und arbeitet in Haarlem, in Niederlanden. Er kreiert Raummalerei basierend auf den geometrischen Prinzipien.

TOKUJIN YOSHIOKA

吉冈德仁
吉岡徳仁
tornado

Tokujin Yoshioka wurde 2007 auf der Design Miami zum ‘Designer des Jahres’ ernannt. Dafür kreierte er eine Installation über die wir kürzlich gestolpert sind. Er füllte einen kompletten Raum mit 2 Millionen Trinkhalmen. In den Zwischenräumen des Plastiktornados finden sich verschiedene seiner Werke. Geboren in Japan ist der Designer bekannt für seine Arbeiten, die alltägliche Materialien wie Glas, Plastik, Stoff oder Papier und sogar Taschentücher zu magischen Objekten und raumfüllenden Installationen vereinen.

Kay Walkowiak

Kranich
Kay Walkowiak schafft räumliche Bilder, die die Grenzen zwischen dem Organischen und dem Künstlichen auflösen. Seine Arbeiten sind präzise ausgearbeitete Objekte, scharf formulierter Gedanken.

THORSTEN BRINKMANN

Portraits of a Serialsammler
Auf dem ersten Blick sehen seine Aufnahmen wie klassische, nüchterne Portraits aus, doch dann sieht man einen Gewehrhalfter über den Arm, einen Mülleimer über dem Kopf. Er entstellt seine Objekte mit Flohmarktfunden, aber erschaft damit kein lustiges John-Bock-alle-müssen-lachen Gefühl. Die Atmosphäre ist düster und beängstigend. Masochistisch.

GEORGIA SAGRI

Gardens
performance
Die in New York lebende renommierte Künstlerin Georgia Sagri baute in der MelasPapadopoulos-Galerie in Athen ein flexibles Arrangement von Gärten. Pflanzen wachsen, Plastik- und Keramikobjekte erscheinen, Handlungen werden von der Künstlerin in ihrer Performance verfolgt und nachgebildet. Letzte Nacht war der erste der drei aufeinander folgenden Abende. Die Gärten, modulare Kisten mit aromatischen Pflanzen, verstreuten Skulpturen und angehängten Bänken, verweisen auf einen Ort der Einschließung, eine Bühne, in der Schauspieler und Betrachter unter bereits gebildeten Erzählstrukturen zusammengefasst sind. Doch Sagri bietet in dem Versuch, den tragischen Fall sozialer und politischer Fantasien außer Kraft zu setzen, das Liebesereignis des französischen Philosophen Alain Badiou – „Romantik als materielles Ende verkörperte Praxis des Produzierens von Wundern“ – als möglichen Raum für die Produktion von Wahrheit Installation, eine Performance / Schleife, eine PowerPoint-Präsentation, eine Reihe von Fotografien und Zeichnungen sowie eine Sammlung von Texten des Künstlers.

MELANIE BONAJO

梅拉妮·柏娜桥
Furniture Bondage – Hanna
Besitztümer, wie erwünscht oder nützlich sie auch sein mögen, können im Laufe der Zeit zu einer Belastung werden. Sie werden aber auch zu einem sehr realen Teil dessen, wer wir sind und welches Leben wir für uns selbst aufbauen. Melanie Bonajo untersucht unsere Beziehungen zu materiellen Objekten und die Rolle, die sie bei der Schaffung von „Selbst“ spielen. Die Serie Furniture Bondage spricht für die Notwendigkeit einer perfekten Harmonie mit der Welt um uns herum. Das Ergebnis ist eine neue lebende Form, eine Verschmelzung des menschlichen Körpers mit seinen äußeren Einflüssen.

YOAN CAPOTE

יואן קפוטה
ЙОАН КАПОТЕ
Voluntad De Poder
„… Meine Arbeit war das Ergebnis der Analyse von Objekten und ihrer Beziehung zu unserem Körper. Untersuchung ihrer Schnittstelle, Repräsentation und physikalischen oder sensorischen Möglichkeiten. Mein Arbeitsprozess beginnt damit, verschiedene physische, soziale und psychische Situationen auf die harte Oberfläche von städtischen Materialien und Standardobjekten anzuwenden. Wenn wir Objekte verwenden, sind sie eine Erweiterung unseres Körpers und mit allen Gewohnheiten und menschlichen Bedürfnissen verbunden, die unser Verhalten definieren. Jedes meiner Werke; implizieren jedoch symbolische Ebenen und Themen, die auf alles hinweisen, von individuellen Anliegen bis hin zu allgemeineren menschlichen Umständen. Das gemeinsame Objekt wird durch seine skulpturalen und symbolischen Qualitäten verstanden. Traditionelle Materialien für die Skulptur und die einfachen Formen der Minimal Art werden ebenfalls neu bewertet und personifiziert, mit der konzeptionellen Absicht, metaphorisch über uns selbst zu sprechen… “
Yoan Capote

Yael Davids

Cupboard
Davids hat mit den Beziehungen zwischen Körper und inerter Materie experimentiert – meist vertrauten Objekten wie Stühlen, Tischen und Matratzen -, indem er eine gegenseitige Abhängigkeit zwischen beiden geschaffen hat. All dies hat zu dieser seltsam überzeugenden Installation der Werke geführt, die sie seit 1994 entwickelt hat. Sie lädt die Teilnehmer ein, in, unter oder durch die Alltagsgegenstände zu kriechen, was zu etwas komischen Bedingungen führt, wenn sich die Teilnehmer anstrengen, um in Position zu kommen. Denn wo die Objekte von entwaffnender Einfachheit sind, scheint sie von den Teilnehmern an ihren Installationen eine Geschicklichkeit und Flexibilität zu fordern, die für die meisten unerreichbar ist.

LAURIE SIMMONS

劳丽西蒙斯
ローリー·シモンズ
로리 시몬스
ЛОРИ СИММОНС
PUPPE
SIMMONS HAT DIE MENSCHLICHE LEISTUNG LANG UNTERSUCHT, WENN SIE SICH AUF SPEZIFISCHE UMGEBUNGEN DURCH EINE TIEFE DOKUMENTATION UND PROFUNDE CHOREOGRAPHIE VON PUPPEN UND OBJEKTEN IN UND AUF EINER STUFE BEZIEHT. Die Grenzen zwischen Fiktion und Wirklichkeit sind oft verschwommen, und der Tisch des Künstlers erinnert an eine aufrichtige Menschlichkeit, Emotion und Charakter.

CHRISTINA MACKIE

Colour drop
Color Drop, eine Einzelausstellung mit neuen Arbeiten von Christina Mackie, ist die erste Museumsausstellung der Künstlerin in den USA. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht die Farbe: die Produktion und der Verbrauch von Farbe sowie die Assoziation von Farbe und Aktion. Mackie verwendet Farbe, um die Absicht sowohl als konzeptionelles Werkzeug als auch als altes menschliches Gerät zu visualisieren. Ihre Praxis ist empirisch, auf Beobachtung angewiesen, wird jedoch durch persönliche Reflexion und Neugier für die natürliche Welt angeregt. Hier werden gefundene und natürliche Objekte neben großformatigen Skulpturen und speziell für die Ausstellung angefertigten Glas- und Keramikarbeiten angeordnet. In dem Essay der Ausstellung schreiben die Co-Kuratoren Solveig Øvstebø und Hamza Walker über Mackies Arbeit: „Ihre Praxis ist relativ bescheiden. Ihre Medienpalette reagiert auf das Wachsen und Abnehmen der Gedanken, Stimmungen, Wahrnehmungen und Sorgen des Künstlers. All dies hängt von der Zeit und dem Ort ab, an dem Mackie sich möglicherweise befindet. Inspiration kann von nah oder fern, von der natürlichen Welt oder der gebauten Umwelt, von den Vertiefungen der Erinnerung oder der buchstäblich vorliegenden Materie kommen. “

Loan Nguyen

Soleil
Loan Nguyens fotografisches Schaffen besteht im Grunde aus einer einzigen offenen Serie namens “Mobile”, bearbeitet seit 2003. Auch verfolgt sie im Wesentlichen eine Strategie: In nahezu allen Aufnahmen erscheint sie selbst. Dem nicht eingeweihten Betrachter ist sie zunächst eine anonyme Figur – vor einem landschaftlichem oder architektonischem Hintergrund. Mit verhaltenen und stillen Gesten deutet Loan Nguyen auf etwas, macht etwas vor, weist sich über ihre bloße Anwesenheit im Bild eine Stelle in der Welt zu. “Stellenweise” heißt deshalb vielleicht die Ausstellung. Anlage und Komposition der einzelnen Fotografien sind entschieden malerische.Ihre Arbeit lässt sich aber auch im Zusammenhang von Themen wie “Heimat” und “Migration” interpretieren. Zwar ist Loan Nguyen 1977 in Lausanne geboren, aber ihr Vater kam einst aus Vietnam in die Schweiz. Daraus ist das Projekt, “De-Retour” entstanden. Es zeigt die Reise ihres Vaters, Schweizer Staatsbürger wie sie, zurück in das Land seiner Kindheit nach 38-jähriger Abwesenheit. Darüber sagte Loan Nguyen selbst: Während dieser Aufenthalte fotografierte ich Landschaften, Objekte, die Menschen, die wir kennenlernten, und viele Hinweise und Zeichen, die uns mit diesem Land verbinden. Ich fotografierte meinen Vater, wie er vertraute, aber vergessene Orte wiederentdeckte, alte Freunde wiedertraf, deren Gesichter sich genauso verändert hatten wie das Land selbst.

CLEMENS BEHR

Clemens Behr wurde 1985 in Koblenz, Deutschland, geboren. Er studierte zuerst Grafik-Design an der Universität in Dortmund und vertiefte sein Wissen später an der Facultat Belles Artes in Barcelona. Behr schafft faszinierende Installationen. Seine skulptural inspirierten Objekte zieren sowohl öffentliche wie auch private Räume und haben ihren schöpferischen Hintergrund im Origami, dekonstruktivistischer Architektur und Graffiti. Seine abstrakten Installationen, erstellt aus Karton, Holz, Farbe, und Klebeband, schaffen beim Betrachter eine gezielte Verwirrung zwischen zweidimensionalen Bildern und dreidimensionalen Objekten.

PAVEL BÜCHLER

Sound Poem

Studio Schwitters ist Pavel Büchlers Hommage an das Klanggedicht des Dada-Künstlers Kurt Schwitters, The Ursonate, seine „Ursonate“ oder die Vorstellung, wie eine Sonate vor der Erfindung der Sprache ausgesehen und geklungen hätte. Mit einem digitalen deutschen Sprachprogramm ließ Büchler den gesamten Text von The Ursonate lesen und produzierte eindrucksvoll seine eigene außerirdische Interpretation von Schwitters ‘einundzwanzigminütiger Originalversion der Sonate. Das Programm bringt die sehr klassische Struktur von Ursonate entschlossen zum Ausdruck, verändert Inhalt und Struktur radikal und verlängert das Stück auf neununddreißig Minuten. The Ursonate wird von vielen als eines der einflussreichsten und wichtigsten großen Klanggedichte des 20. Jahrhunderts angesehen und von Klangkünstlern auf der ganzen Welt neu interpretiert. Schwitters ‘eigene Aufnahme ging für viele Jahre verloren und tauchte schließlich Ende der 1980er Jahre in Holland auf. Pavel Büchler beschreibt seine Arbeit als „nichts geschehen lassen“ und betrachtet Kunst als Katalysator, um den Alltag und das Offensichtliche als letztendlich bizarr zu enthüllen. Er manipuliert Literatur, gefundene Objekte, alte Audioaufnahmen und Fotografien, veraltete Technologien und andere Medien und macht sie für die Gegenwart relevant.

DOMINIC WILCOX

دومينيك ويلكوكس
多米尼克·威尔科克斯
דומיניק וילקוקס
ドミニク·ウィルコックス
ДОМИНИК УИЛКОКС
Sound Bulbs
Dominic Wilcox hat ein Händchen für das Absurde. Er hat vergoldete Luxus-Sprungsteine, Anti-Diebstahl-Fahrradaufkleber und ein Haftnotiz-Tattoo für handgeschriebene Notizen entworfen. Sein neuestes Design ist jedoch sowohl absurd als auch unglaublich nützlich: ein Konvertierungssystem, das es ermöglicht, alte Soundsysteme in Lampenfassungen zu schrauben. Wilcox nennt sie Sound Bulbs, und sie wurden als Reaktion auf ein Spiel entwickelt, das darauf abzielt, neue Verwendungsmöglichkeiten zu finden alte Gegenstände. Die Herausforderung basierte auf dem uralten Übernachtungsspiel Telefon mit einer leichten Wendung: Anstatt ein Wort weiterzugeben, gaben die Teilnehmer Objekte weiter. Der Empfänger war dann dafür verantwortlich, eine neue Verwendung für das alte Objekt zu erstellen. “Das Objekt, das mir gegeben wurde, war eine Deckenlampe”, erklärt Wilcox in seinem Blog. “Ich begann über Deckenleuchten und die Frage nachzudenken, warum wir nur Glühbirnen in Lampenfassungen stecken.” Ich hätte eine Tischlampe und einen modernen Musikplayer wählen können, entschied mich aber dafür, in die entgegengesetzte Richtung zu gehen. Es gibt nicht viele Möglichkeiten im Leben, 1880 goldene Statuen mit 1980 Ghetto-Blaster zu kombinieren, also habe ich es genommen. Die Zuordnung eines Funktionssatzes zu einem anderen ergab einige interessante Möglichkeiten, um zu untersuchen, wie sich zwei Designtypologien überschneiden: zum Beispiel die on / off String an der Lampe wurde eine Möglichkeit, die Musik einer Boom-Box zu starten und zu stoppen. Wir haben schon früher „Audiobirnen“ gesehen, aber dies ist ein faszinierendes Beispiel dafür, wie ein einfacher DIY-Hack die allgegenwärtige Infrastruktur mit neuen Funktionen nachrüsten kann.

REBECCA HORN

ريبيكا هورن
רבקה הורן
レベッカ·ホルン
레베카 호른
Ребекка Хорн
Concert for Anarchy
Wenn Sie zu Rebecca Horns Konzert für Anarchie aufblicken, einem Flügel, der kopfüber von der Decke hängt, fällt er plötzlich herunter und verschüttet seine Tasten mit einem Zusammenprall nicht übereinstimmender Noten. Das Klavier setzt sich langsam wieder zusammen, um die Aufführung zu wiederholen. Horn gibt Objekten neues Leben, setzt sie in ungeraden Kombinationen zusammen und animiert sie mit Motoren. Ihre Kunst entwickelt sich aus der von Marcel Duchamp und Joseph Beuys in ihrer Verbindung von Objekten und Performances und ihrem Spiel mit Erotik und Sinnlichkeit.
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