Judith Barry

Immaginazione Morta Immagina
Una testa androgina è proiettata come contenuta all’interno di un cubo minimalista. I suoni della testa che respirano lentamente riempiono lo spazio. La testa è serena, in attesa. Improvvisamente una sostanza si riversa su di esso da tutte le parti, inzuppandolo in quello che sembra essere un fluido corporeo. Lo spettatore vuole distogliere lo sguardo ma non può, lo sguardo è costretto attraverso l’invocazione della pulsione scopica. L’orrore per la natura ripugnante della sostanza (l’abietto) è sostituito dal fascino per la bellezza di quello che potrebbe essere considerato un sublime contemporaneo.

Anne Katrine Senstad

Radical Light
L’ambiente immersivo di sculture di luce di Senstad è un invito a incontrare le sensazioni percettive della luce e del suono in forma pura e il loro effetto trasformativo sull’esperienza dello spazio. Costruito con luci al neon, le proprietà luminali uniche influenzano il nostro sistema cognitivo in cui cadono l’artificialità delle luci a LED In quanto una delle più grandi opere indoor di Senstad fino ad oggi, la scultura di luce è concepita come un monumento e una matrice – una vasta sfera di luce spettrale che consente al pubblico di sperimentare di essere avvolto dalla radiosità della luce degli spettri più alti quando vaga attraverso il storica ex fabbrica di sottomarini che ospita lo spazio espositivo di 450 m2.

Onformative

Poiché la consapevolezza della realtà è soggetta all’individuo, »Frammenti di RGB« è un esperimento nella deformazione di questo fenomeno attraverso l’interazione e la proiezione di punti luce. Quando lo spettatore si avvicina a uno schermo illusorio, il contenuto cambia per alterare e dissolvere la realtà percepita.
»Frammenti di RGB« sperimenta la percezione e l’illusione a vari livelli. Il classico schermo a LED come supporto è stato simulato e successivamente disintegrato creando un’ottica pixel-like utilizzando una semplice proiezione anziché generare l’intera immagine da singoli punti luce.

MEDIATED MATTER

MEDIATED MATTER – Silk Pavilion II
Bloom è un’installazione interattiva che reagisce al movimento e ai gesti del pubblico. Utilizzando un’interattività laser touch, il pubblico genera fiori digitali in fiore che creano una composizione sonora che cambia in base all’azione dell’utente. Costruita secondo un approccio parametrico di architettura sonora e visiva, l’installazione si presenta come un sistema con un elevato processo di creazione casuale. In questo senso, ogni interazione è unica e inimitabile. Il pubblico comunica direttamente al mondo digitale usando il movimento delle mani creando luci e immagini astratte. Questo esplora la pratica del movimento umano per facilitare l’espressione e la comunicazione del movimento e per progettare e sviluppare nuovi paradigmi per l’interazione con i computer attraverso il movimento.

Ralf Baecker

A Natural History of Networks / Soft Machine
A Natural History of Networks / SoftMachine è una macchina algoritmica elettrochimica che sonda un regime materiale computazionale e tecnologico alternativo, informata dagli esperimenti di Gordon Pask sui meccanismi di apprendimento elettrochimico [↓1] e dalla ricerca attuale sulla biomimetica, sulla materia programmabile e sul liquido controllato spazio-temporalmente attuatori in metallo. Al suo interno, un apparato sperimentale elettrochimico costruito su misura (SoftMachine) crea un microcosmo fluido dinamico che compie un continuo divenire di forme, strutture e narrazioni materiche. La performance mira a provocare nuovi immaginari del macchinico, dell’artificiale e della materia. Una tecnologia radicale che collega il pensiero meccanico tradizionalmente discreto e i materiali morbidi/fluidi che consentono un comportamento auto-organizzato attraverso le loro specifiche agenzie materiali.

Julian Scordato

Constellations
File Festival
FILE HIPERSONICA

This work begins from the exploration of an imaginary celestial space which is translated into sound space. How does each celestial sphere – starting from its manifestation as a unit – interact with the cosmos where it belongs? How does it react to its law? How does it transform itself integrating with the system, until the loss of identity? In contrast to this process, the constellations act by highlighting the bodies in their uniqueness through the creation of symbolic links: beyond their meaning, they stand as a classification and articulation device of the individual within the system.
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Questo lavoro parte dall’esplorazione di uno spazio celeste immaginario che si traduce in spazio sonoro. In che modo ogni sfera celeste – a partire dalla sua manifestazione come unità – interagisce con il cosmo a cui appartiene? Come reagisce alla sua legge? Come si trasforma integrandosi con il sistema, fino alla perdita di identità? In contrasto con questo processo, le costellazioni agiscono mettendo in evidenza i corpi nella loro unicità attraverso la creazione di collegamenti simbolici: al di là del loro significato, si pongono come dispositivo di classificazione e articolazione dell’individuo all’interno del sistema.

JEREMY SHAW

Verso Il Riconoscimento Universale
“Shaw presenta Towards Universal Pattern Recognition, una serie di fotografie d’archivio incorniciate sotto acrilico prismatico lavorato su misura. Le opere, che lui chiama sculture ottiche, raffigurano persone in stati trascendenti a cui si accede attraverso la preghiera, la danza, lo yoga e simili. Fungono da anteprima per i video, che vengono proiettati in spazi meticolosamente costruiti, ciascuno con otto sedie da ufficio che si affacciano su un unico schermo “. Diana Hiebert

Fuse

Artificial botany
Artificial Botany è un progetto che esplora le potenzialità espressive delle illustrazioni botaniche attraverso l’utilizzo di algoritmi di apprendimento automatico. Prima dell’invenzione della fotografia, le illustrazioni botaniche erano l’unico modo per archiviare visivamente le molteplici specie di piante esistenti al mondo. Queste immagini sono state usate da fisici, farmacisti e scienziati botanici per l’identificazione, l’analisi e la classificazione delle specie.

KARINA SMIGLA-BOBINSKI

Simulacri
file festival

“Simulacri” è un arrangiamento sperimentale optophysical. Al centro ci sono quattro pannelli per monitor LCD, assemblati sotto forma di un quadrato cavo e installati all’altezza degli occhi al centro della stanza. L’insieme appare internamente sventrato, ricoperto di vegetazione e abbracciato. Un groviglio di cavi e dispositivi di controllo si riversa al centro della riversa. Tutt’intorno diverse lenti d’ingrandimento pendono da catene. Il raggio abbagliante senza immagini dei monitor sembra come se le immagini fossero cadute da loro. Ciò che rimane è l’essenza del mezzo: la luce. È un’esperienza impressionante e meravigliosa quando le immagini appaiono improvvisamente dal bianco puro al semplice sguardo attraverso una pellicola apparentemente trasparente. Ma se giri l’obiettivo davanti ai tuoi occhi, la struttura polarizzante della pellicola crea sbalzi di colore o addirittura immagini negative complementari.

NELO AKAMATSU

Chozumaki
CHOZUMAKI di Nelo Akamatsu è costituito da un recipiente di vetro riempito d’acqua. Un piccolo magnete alato che ruota sul fondo della nave produce un vortice. Le minuscole bolle provocano suoni curiosi quando vengono inghiottite nel vortice. Gli spettatori sentiranno questi suoni attraverso un tubo a spirale a forma di condotto cocleare. Esistono innumerevoli vortici nell’universo, inclusa l’enorme rivoluzione della galassia e anche lo spin minimo degli elettroni. Hanno tutti una struttura frattale che sembra essere uno degli elementi fondamentali dell’universo. L’acqua ha un altro ruolo importante in questo lavoro. In numerose culture è associata alla purificazione. La vista e il suono del vortice d’acqua che cambia continuamente forma ricorderà agli spettatori di attraversare il confine tra il mondo fisico e il mondo psicologico e amplierà la loro percezione degli organi vitali.

NED KAHN

Tornado
Un vortice alto 3 metri è formato da soffianti d’aria e una macchina del fumo ad ultrasuoni all’interno di una scultura installata nell’atrio adiacente al Giardino d’inverno. Il vortice cambiava continuamente forma in risposta alle correnti d’aria circostanti, che conferivano al vortice un aspetto irregolare e realistico. Gli spettatori sono stati incoraggiati a modificare la forma del vortice con le mani. Il nucleo calmo e centrale del vortice è chiaramente evidente. I progetti scientifici interattivi di Kahn lasciano pochi dubbi sulla sua padronanza dei processi meteorologici. Attraverso la sua immensa capacità tecnica, dimostra la versatilità dei sistemi turbolenti, come i vortici del vento e dell’acqua. Utilizza diverse tecnologie meccaniche, pneumatiche ed elettriche per progettare, costruire e perfezionare le sue installazioni. È così che costruisce immagini della natura incredibilmente complesse ma comprensibili che rispondono agli spettatori, si conformano alle strutture architettoniche e rivelano le condizioni ambientali.

PHILLIP STEARNS

Memoria frammentata
Phillip Stearns utilizza in modo creativo tutte le forme di elettronica nel suo lavoro, spesso mescolando luce e suono con tecniche tradizionali come la tessitura. Un aspetto del suo lavoro è la trasformazione della glitch art in disegni intrecciati attraverso il suo marchio tessile concettuale Glitch Textiles, fondato nel 2011. Questo spazia dalla visualizzazione di dati binari grezzi delle applicazioni alla scrittura di algoritmi personalizzati per generare modelli che possono essere trasformati in tattili e funzionali opere d’arte. Un’altra impresa è il trittico Fragmented Memory di grandi arazzi tessuti completato nel maggio 2013 al TextielMuseum di Tilburg, nei Paesi Bassi. Questo progetto ha utilizzato pratiche e processi digitali per sfumare i confini tra fotografia, visualizzazione dei dati, design tessile e informatica.

CARL KLEINER

Posture dei tulipani
Carl Kleiner crea contenuti editoriali eleganti per marchi di moda e lifestyle, e questa sensibilità si manifesta nella sua serie di foto e video Postures che presenta tulipani disposti ad arte. Utilizzando minime aste di metallo, piegate alle estremità e agli angoli strategici, Kleiner mette in mostra le curve aggraziate dei lunghi colli dei fiori e petali e foglie delicatamente arruffati. Un ulteriore senso di movimento viene instillato attraverso il video in stop-motion, che combina le foto dei sottili cambiamenti dei fiori in una danza drammatica.

ARCANGELO SASSOLINO

Dannazione della memoria
Dal latino, damnatio memoriae descrive un atto di cancellazione dal record storico riservato a quelli che hanno recato disonore allo Stato romano. Impiegato come la punizione più severa per tradimento, damnatio memoriae rade fisicamente tutte le tracce di un individuo dalla società, tipicamente attraverso la distruzione della fisionomia di una statua o l’abrasione dei monumenti inscritti. In tutto il passato due decenni, Sassolino ha sviluppato un corpo di lavoro che esamina il rapporto tra industriale macchine e impulsi umanistici in cui gli spettatori sono destinati a mettere in discussione la cinetica di una scultura la funzione, esteticamente e concettualmente, allegora le esperienze umane e le condizioni culturali.

NORIMICHI HIRAKAWA

Data
Qualsiasi pixel in un file di filmato digitale può essere descritto come un punto nello spazio euclideo a 6 dimensioni [x, y, R, G, B, t]. le rotazioni nello spazio a 6 dimensioni converte la curva nella forma in gradazione di colore, il colore in movimento nell’asse del tempo, il movimento in curva e la curva in colore. le relazioni tra tutti i pixel vengono conservate matematicamente attraverso la conversione. Questo oggetto visivo è “matematicamente” i dati del film digitale a colori stesso come sequenza di numeri. è una natura dei dati.

MINIMAFORMS

Città emotiva
Emotive City è una cornice per esplorare un modello mobile e auto-organizzativo per la città contemporanea. I modelli del passato sono limitati e non dovrebbero funzionare, in quanto progetti per il nostro futuro urbano, una nuova generazione di ricerca progettuale deve necessariamente affrontare le sfide di oggi. Le tendenze fisse e finite che un tempo servivano all’architettura e all’urbanistica sono state rese obsolete. Oggi le intersezioni di informazione, vita, macchine e materia mostrano complessità che suggeriscono la possibilità di una sintesi molto più profonda. In questo contesto, l’architettura è costretta a rifattorizzare radicalmente la sua risposta alle nuove sfide sociali e culturali con un ambiente di urbanizzazione accelerata. Proponiamo un quadro che partecipa e si impegna con gli ambienti ricchi di informazioni che stanno plasmando le nostre vite attraverso un modello di vita che chiamiamo ecologia adattiva.

GUDA KOSTER

Wandering Mind
Guda Koster è un’artista e fotografo olandese che crea sculture viventi, installazioni montate su più paralleli che poi fotografa. Coi tessuti utilizzati in queste opere, l’artista vuole sottolineare i significati che i nostri abiti trasmettono. Andando oltre alla sua funzione, l’abito divulga un messaggio: “Nella nostra vita quotidiana, comunichiamo identità e posizione sociale principalmente attraverso i nostri vestiti. L’abbigliamento può essere visto come una forma di arte visiva che esprime il modo in cui vediamo noi stessi e il nostro rapporto con il mondo che ci circonda. “

Alexander Ponomarev

Punto di vista
Ex marinaio della flotta sovietica, poi ufficiale della marina mercantile, ingegnere di formazione, dai primi anni novanta comincia a dare vita a seducenti invenzioni che si collocano al limite tra arte e tecnologia. Le opere di Ponomarev – le sue azioni, installazioni, disegni, fotografie – hanno una forza concreta, dinamica ed icastica che si manifesta sempre attraverso azioni complesse e articolate nel tempo. Nel suo lavoro la lotta contro gli elementi naturali, il perfezionamento continuo della tecnica e le reazioni alla forza del caso si costituiscono in Avventura. L’arte di Ponomarev è Avventura allo stato puro. Non ha nulla di istantaneo, immediato, di breve durata, ma trasforma la realtà nel tempo. In esse è inscritto un senso del tempo come avventura che modifica la stessa percezione del mondo e il corpo dello spettatore, che si sente proiettato in una dimensione finzionale dinamica, articolata, avventurosa.

Edoardo Tresoldi

Opera
Opera è l’installazione permanente di arte pubblica sul lungomare di Reggio Calabria, promossa e commissionata dal Comune e dalla Città Metropolitana. Opera nasce per celebrare la relazione contemplativa tra il luogo e l’essere umano attraverso il linguaggio architettonico classico e la trasparenza della Materia Assente, espressa tramite la rete metallica. L’architettura aperta offre un nuovo monumento attraversabile e completamente fruibile a cittadini e visitatori. L’installazione è un monumento alla contemplazione attraverso cui il luogo definisce ulteriormente se stesso. Tresoldi gioca con la grammatica dell’architettura classica e la trasparenza per ricercare nuove poetiche visive in dialogo con il paesaggio circostante e i visitatori. Le colonne, archetipi fondanti del retaggio culturale occidentale, compongono una cornice aulica che conferisce al parco un’ulteriore chiave di lettura.

MAD ARCHITECTS

የቅድመ ዝግጅት ውጤቶች
المهندسين المعماريين
マッドアーキテクツ
ਬਣਾਏ ਲੇਖ
Sinosteel International Plaza
Sinosteel International Plaza è un nuovo punto di riferimento organico per la città riqualificata di Tianjin. Il concetto di design combina forma, struttura e simbolismo culturale in un motivo ripetuto: una facciata esagonale, che si moltiplica e cresce attraverso l’edificio. Questa facciata è composta da cinque diverse dimensioni di finestre esagonali, un elemento tradizionale nell’architettura cinese. Queste finestre scorrono attraverso l’edificio secondo uno schema irregolare e naturale, come le cellule che si moltiplicano. Questo dispositivo anima la facciata, creando un’immagine in continua evoluzione dell’edificio da ogni diversa prospettiva.

KOHEI NAWA

كوهي ناوا
名和晃平
КОХЕЙ НАВА
Kohei Nawa, giapponese di Osaka, è un giovane artista che sperimenta con sfere di vetro trasparente, ricoprendo e inglobando i più svariati soggetti, dai giocattoli agli animali impagliati. Lo scopo, è quello di alterare grazie alla rifrazione della luce attraverso il vetro, la percezione visiva delle spettatore. L’oggetto rimane tale, ma ciò che verrà percepito dal nostro sguardo sarà deformato e modificato, non è l’oggetto che cambia, ma il punto di vista che ne attua la trasformazione. Kohei Nawa, che ha recentemente esposto anche in Italia, ha al suo attivo numerose mostre in Asia e Stati Uniti e la partecipazione alle più importanti fiere internazionali.
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Melissa Zexter

Woman with veil
Seguendo un filone che sta andando molto di moda di questi tempi, la fotografa americana Melissa Zexter utilizza il ricamo, un’antichissima forma d’arte, rivista attraverso una chiave moderna: la fotografia. Affascinata dal contrasto tra la lentezza quasi meditativa del cucito e l’immediatezza tecnologica della fotografia, Zexter utilizza fotografie originali scattate da lei stessa, alterando irreversibilmente l’immagine e aggiungendo una nuova dimensione fatta di ricami intricati e coloratissimi. Nascono cosi’ opere delicatamente strutturate che comunicano allo stesso tempo frammentazione e concentrazione focalizzata.

SOPHIA CHANG

София Чанг
صوفيا تشانغ
ソフィアチャン
Suspense

Facilitando il senso di sconosciuto, ignoto, attraverso la sua inattesa manipolazione della cornice architettonica, “suspense” dall’architetto americano Sophia Chang è un’installazione interattiva presso la galleria Invivia a Cambridge, Massachusetts. Curata e sponsorizzata da Allen Sayegh (co-fondatore di invivia) e Ingeborg Rocker (co – fondatore di rocker-lange architects), l’installazione è costituita da geometrie di tessuto ammorbidito che confondono i confini tra interno ed esterno.

PAOLO DEGANELLO

Torso armchair
Il tema di questo progetto è il dialogo tra un corpo inanimato, prodotto industrialmente, e il corpo animato di chi vi si siede, dove questo, attraverso il movimento domina, piega, fino a imporre forma al corpo inanimato.
Non è una scocca in plastica ma un insieme di incastri di due forme morbide, rivestite, calde, avvolgenti, dotate ognuna di possibili variazioni.

Karla Black

卡拉布莱克

Karla Black costruisce sculture site-specific su larga scala utilizzando materiali amorfi ma quotidiani, dallo sporco, al gesso e all’impasto fino alle polveri, agli spray e alle sostanze appiccicose che usiamo per rivestire i nostri corpi. Il suo lavoro reagisce alla luce e allo spazio di ogni sito con un senso di gioco e indeterminatezza. In forme che sembrano sempre sull’orlo del collasso, l’insignificante e il luogo comune sono resi trascendenti attraverso dimensioni e scala, grandi astrazioni infuse di un senso di entropia.

REBECCA STEVENSON

Ребекка Стивенсон
ريبيكا ستيفنسون
丽贝卡·史蒂文森
sweet shell

Le sculture figurative di Rebecca Stevenson sono allo stesso tempo inquietanti e belle. Usando principalmente poliresina e cera, il suo concetto di solito inizia con una figura umana o animale proiettata in un tenue colore monocromatico che poi sembra sbocciare o decadere con varietà di composti organici multicolori. Questi fiori consumano quasi le figure, dando vita a sculture provocatorie e surreali. Il suo lavoro incarna il processo di creazione e distruzione, rivelando la bellezza che emerge da questo ciclo organico. Alcuni mi ricordano di camminare per i pascoli della fattoria quando ero più giovane e di scoprire vari teschi di animali attraverso i quali l’erba aveva cominciato a arrampicarsi. Se il suo lavoro disturba, è solo perché non cerca di mascherare la macabra bellezza del processo di crescita / decadimento. “Il mio lavoro riguarda il viscerale e il sensuale. Si basa sul disegno anatomico e sull’illustrazione botanica, ma occupa un territorio liminale tra l’indagine scientifica e il corpo immaginario e soggettivo. “

Stanza

The Nemesis Machine
via highlike submit

The Nemesis Machine è una grande installazione (adattata a ogni luogo in cui viene esposta) che è una città in miniatura. Visualizza la vita nella metropoli sulla base dei dati trasmessi da Londra. Quindi la città costruita a Bruges utilizzando componenti elettronici riflette in tempo reale ciò che sta accadendo dall’altra parte della Manica. Piccole telecamere mostrano le immagini dei visitatori in modo che diventino parte della città.Una mini metropoli meccanica funziona su dati urbani in tempo reale. L’opera d’arte cattura i cambiamenti nel tempo nell’ambiente (città) e rappresenta la vita mutevole e la complessità dello spazio come un’opera d’arte emergente. L’opera d’arte esplora nuovi modi di pensare alla vita, all’emergenza e all’interazione all’interno dello spazio pubblico. Il progetto utilizza tecnologie di monitoraggio ambientale e tecnologie basate sulla sicurezza, per mettere in discussione le esperienze del pubblico degli eventi in tempo reale e creare visualizzazioni della vita mentre si svolge. L’installazione va oltre la semplice interazione da parte del singolo utente per monitorare e rilevare in tempo reale l’intera città e rappresentare interamente le complessità della città in tempo reale come un sistema complesso in mutamento, i dati e le loro interazioni, ovvero gli eventi che si verificano nell’ambiente che circonda e avvolge l’installazione – si traducono nella forza che dà vita alla città elettronica provocando il movimento e il cambiamento – cioè, nuovi eventi e azioni – che si verificano. In questo modo la città si esibisce in tempo reale attraverso il suo avatar fisico o doppio elettronico: la città si esibisce attraverso un’altra città. Causa ed effetto diventano evidenti in modo discreto e intuitivo, quando determinati eventi che si verificano nella città reale fanno sì che certi altri eventi si verifichino nel suo doppio completamente diverso, ma perfettamente incorporato. La città avatar non è solo controllata dalla città reale in termini di funzione e funzionamento, ma anche completamente dipendente da essa per la sua esistenza.

Phillipe Parreno

ФИЛИПП ПАРРЕНО
فيليب بارينو
菲利普·帕雷诺
H {N)Y P N(Y} OSIS
la mostra “H {N) YPN (Y} OSIS” – co-curata da hans-ulrich obrist e alex poots, con la consulenza del curatore tom eccles – include una vasta collezione di luci scultoree sospese dal soffitto cavernoso. dal design di tendoni cinematografici pendono sopra i visitatori in fasci e come singole geometrie, proiettando modelli dinamici sul terreno. mentre un partecipante cammina attraverso il sito, incontra installazioni video, proiezioni, pianoforti, sedie, altoparlanti e suoni, tutto ciò che è stato orchestrato con cura per produrre un ambiente creativo coinvolgente, sensoriale e in continua evoluzione.

Rachel de Joode

“Rappresento gli otto simboli planetari sacri e arcaici in modo semplificato, usando artefatti umani moderni per decostruire il significato dei pianeti solari per la civiltà umana nel suo insieme, esaminando il significato del cosmo attraverso la mia realtà. Presento la mia ricerca etnografica umana universale in uno spazio grigio “neutro”: uno stile museologico, attraverso il quale posso collocare la tradizione storica e culturale in un microcosmo personale, creando una visione terrestre dello spazio e del tempo in un macrocosmo.
Questa serie è un’astrazione modernista che indicizza il sistema solare per me stesso al fine di cogliere la vita e, più specificamente, i fenomeni della mia vita nel tempo e nello spazio.
Utilizzando lo spostamento e la riclassificazione dell’interpretazione planetaria scientifica, culturale, storica e ontemporanea, il mio obiettivo, attraverso la visualizzazione, è quello di semplificare la concezione umana dei pianeti simili in orbita attorno al nostro Sole ”.

TROIKA

Falling Light
‘Oltre un secolo dopo che Sir Isaac Newton aveva analizzato il fenomeno dell’arcobaleno, il poeta inglese John Keats ha commentato che la scienza aveva privato la natura e l’arcobaleno del suo spettacolo riducendo la sua nozione a colori prismatici. “Falling Light” sfida questa convinzione, con un’accattivante interazione cinematografica tra i prismi di cristallo e l’esperienza soprannaturale che sono in grado di creare.
50 dispositivi meccanici sospesi al soffitto, ciascuno dei quali incorpora una lente ottica in cristallo Swarovski tagliato su misura, un motore programmato da computer e un LED bianco, costituiscono l’installazione di TROIKA “Falling Light”.
Le armature metalliche verniciate di bianco si sollevano in sincope ruotando la camma prima che la gravità le rilasci verso terra, attivando il LED per allontanarsi, più vicino alla lente di cristallo. La lente agisce come un prisma, trasformando attraverso la diffrazione la luce bianca del LED in una miriade di arcobaleno, creando a sua volta il flusso e riflusso ritmico delle goccioline sparse sul pavimento.
Sperimentando piccole gocce di luce che cadono dal soffitto sul pavimento della galleria, il visitatore è immerso in una pioggia di luce, ogni goccia circondata da un vibrante alone di colori arcobaleno. In coro, il suono ronzante del meccanismo è udibile: la luce e il suono si fondono in un’unica esperienza immersiva e multisensoriale, rafforzando l’agenda di TROIKA secondo cui la scienza non distrugge, ma piuttosto scopre la poesia nei modelli della natura. “

GERDA STEINER AND JORG LENZLINGER

ГЕРДА ШТАЙНЕР И ЙОРГ ЛЕНЦЛИНГЕР
ゲルダ・シュタイナー&ヨルク・レンツリンガー
Lymphatic System

“Il lavoro di Gerda Steiner e Jörg Lenzlinger tratta di un adattamento della natura attraverso la sintesi. La valuta degli artisti svizzeri è una dialettica hegeliana che subisce un ribaltamento empirico con l’uso di oggetti come animali e insetti tassidermizzati, luccicanti stagni di olio per motori, alberi e piante morti e flussi fluenti di sostanze chimiche. Il loro lavoro tratta francamente dell’unità degli opposti come la vita e la morte, il bene e il male, la speranza e la disperazione. È un giro esistenziale altalenante che conferisce bellezza a quasi tutto.”  Steve Peralta

ROSEMARIE TROCKEL

罗斯玛丽特洛柯尔的
РОЗМАРИ ТРОКЕЛЬ

Cosmos

A Cosmos riflette l’interesse dell’artista nel creare uno spazio in cui le idee possano esistere tra diverse discipline, passate e presenti. Molti degli oggetti e delle opere d’arte, selezionati da Trockel in dialogo con la curatrice Lynne Cooke, producono un contesto per il lavoro dell’artista all’interno di altri campi di indagine, come le scienze naturali e la storia naturale. Gli acquerelli dipinti dalla pioniera botanica Maria Sibylla Merian si trovano accanto a intricati modelli di invertebrati marini realizzati da Leopold e Rudolph Blaschka, inizialmente utilizzati come strumenti di ricerca da naturalisti che non avevano accesso a esemplari viventi. Per più di trent’anni Trockel ha resistito a uno stile identificabile, lavorando in una varietà di materiali, tra cui lana, bronzo e oggetti trovati, e una gamma di mezzi, tra cui fotografia, collage, video e assemblaggio. Le costanti della sua pratica ad ampio raggio includono questioni che hanno a lungo occupato il suo pensiero e che hanno sostenuto la sua diversa attività, come le idee contrastanti del femminismo e le divisioni costruite tra dilettante e professionista, celebrità e anonimato, e il fine e applicato. arti. Più in generale, attraverso i suoi lavori Trockel sonda non solo le interrelazioni tra esseri umani e animali, ma anche il nostro impatto, come specie, sul mondo naturale.

QUAYOLA AND MEMO AKTEN

Forms
Forms è una collaborazione tra gli artisti visivi di Memo Akten e Quayola, una serie di studi sul movimento umano, e i suoi riverberi attraverso lo spazio e il tempo. Si ispira alle opere di Eadweard Muybridge, Harold Edgerton, Étienne-Jules Marey così come analogamente si ispirano ad opere moderniste cubiste come quelle di Marcel Duchamp “Nude Descending a Staircase No.2″. Piuttosto che concentrarsi su traiettorie osservabili, esplora le tecniche di estrapolazione per scolpire forme astratte, visualizzando le relazioni invisibili, la potenza, l’equilibrio, la grazia e i conflitti tra il corpo ei suoi dintorni. Il progetto analizza gli atleti e di come questi spingono i loro corpi per le loro capacità estreme, con i loro movimenti plasmati da un processo evolutivo per le prestazioni vincenti.

KICHUL KIM

김기철
sound looking
Kim Kichul ha lavorato continuamente con il suono, contro forme d’arte visive più tradizionali. Per Kim, il suono stesso è il soggetto piuttosto che un elemento aggiunto che compone una parte dell’intera scultura, ed è un continuum già inerente a un significato.
Kim ha iniziato a usare il suono nel suo lavoro attraverso un’esperienza che ha avuto durante l’ascolto della radio. Ha sperimentato qualità del suono spazio-temporale e si è sentito come se stesse guardando il suono fisico reale proveniente da una radio. Il suo lavoro 11-Faced Avalokitesvara presentato nella sua prima mostra personale nel 1993 partiva dalla parola Avalokitesvara, che spiega il sentire il soggetto come se volesse vederlo. Kim fu profondamente commosso da un verso di Bomunpum, il venticinquesimo capitolo del Sutra del Loto, che affermava che se Sattva, nella loro sofferenza, avesse cantato l’Avalokitesvara con una semplice concentrazione, avrebbero potuto raggiungere il Nirvana. Posizionando 10 statue di Avalokitesvara su radio, ciascuna sintonizzata su canali diversi, ha presentato un metodo compositivo per osservare il suono attraverso la sinestesia.
È chiaro che il suono stesso è il principale argomento di interesse di Kim, specialmente attraverso il suo precedente lavoro Sound Looking (1999), che materializza visivamente le proprietà del suono dipendenti dai sensi uditivi. In questo lavoro, le particelle in un tubo trasparente si muovono secondo le onde del suono generato e tutte le cose visibili vengono mobilitate per rivelare il suono invisibile.