Gravitatorische Behauptungen
Aus der transdisziplinären Zusammenarbeit ist die Idee einer ephemeren Installation hervorgegangen, der die Linie als Basiselement zugrunde liegt. In einer Live-Performance kann im Laufe der Ausstellung beobachtet werden, wie künstlerische Inspiration und physikalische Kräfte aufeinandertreffen – und Roboter vom Werkzeug zur «(mit)kreierenden» Maschine mutieren. Künstliche Intelligenzen drängen immer stärker in die unterschiedlichsten Bereiche unseres Lebens. Viele Fragen drehen sich dabei um die Menschlichkeit von Robotern. Was passiert, wenn man die Maschine weiterdenken und weiterführen lässt, was der Mensch initiiert hat? Auch in der Kunst ist die Thematik relevant: Wie lassen sich Roboter in die künstlerische Produktion einbeziehen? Wer oder was bestimmt die Form? Wie geht man um mit der Ungewissheit über die eigentliche Autorschaft? Seit deren Anfang ist der Einsatz von Maschinen in den künstlerischen Prozess zwar einbezogen, ihr Anteil daran jedoch immer wieder auch hinterfragt worden.

Singapur Zeitgemälde
“In dieser Reihe animierter Kunstwerke, bei denen es sich im Wesentlichen um verlangsamte Versionen der Serie Time in Motion handelt, lade ich Sie ein, den Verlauf von Momenten durch eine Landschaft zu erleben. Vielleicht verstehen wir, dass, obwohl alle Momente vergänglich sind, alle Momente gleichermaßen unseres Respekts würdig sind, weil sie Teile eines größeren Ganzen sind. Jede Zeitschleife wird manuell erstellt. Ich habe jeden Moment eines Sonnenuntergangs oder Sonnenaufgangs mit einer Digitalkamera festgehalten und diese Momente manuell in Time Paintings eingefügt. Schließlich wurden verschiedene aufeinanderfolgende Zeitbilder zusammengestellt, um ein Bewegungsgefühl zu erzeugen, das in einigen Werken kaum wahrnehmbar ist, wie Wolken, die über einen Himmel zeihen.” Fong Qi Wei

CHROMA III
Kim ist bekannt für seine mechanischen Skulpturen, die wissenschaftliche und mathematische Theorien einbeziehen, und auch als Komponist elektroakustischer Musik. Für diese Triennale präsentiert Kim Chroma III, das die Knotentheorie in der Mathematik anwendet, um Hunderte von Polymerzellen […]
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Kim is known for his mechanical sculptures that incorporate scientific and mathematical theories and also as a composer of electroacoustic music. For this Triennale, Kim presents Chroma III, which applies knot theory in mathematics to structure hundreds of polymer cells […]

Zwei Männer / Two Men
Katharina Fritsch ist eine zeitgenössische deutsche Bildhauerin. Ihre Arbeit mischt Realität mit Vorstellungskraft, um surreale Bilder zu schaffen, die durch ihre großformatigen monochromatischen Skulpturen von Tieren, Menschen und Objekten Realität und Fantasie zusammenziehen. Von ihrer hellen Palette hat sie bemerkt, dass Farbe „es ausgleicht, es abstrakt macht – wie ein visuelles Zeichen, eine Ikone. Das ist wichtig: Meine Arbeit befindet sich immer an der Grenze zwischen einer detaillierten Skulptur und einem Schild. “ Fritschs Werk wird oft als unheimlich beschrieben. Es enthält leichte Repräsentationsverschiebungen, die die Wahrnehmung der Realität durch den Betrachter verändern und die gefälschte Nachahmung des Lebens durch das Werk hervorheben.

Ich arbeite mit mehreren verschiedenen Medien, normalerweise mehr oder weniger gleichzeitig. Skulptur, Installation, Video- / Filmarbeiten und Holzschnitte. Der Ausgangspunkt für meine Arbeit ist immer die persönliche Erfahrung und das tatsächliche physische Material, mit dem ich arbeite. Ein wiederkehrendes Thema ist der Wunsch nach Kontrolle und das Interesse an den Situationen, in denen es zusammenbricht. Das „Aufrechterhalten des Aussehens um jeden Preis“, die tatsächlichen Kosten dafür und die Momente oder Situationen, in denen die Kontrolle verloren geht und das Chaos unter den Oberflächen. Dahinter liegt die Angst vor dem Scheitern und der anschließende Fall in einen undefinierten Abgrund. Für mich ist das nicht nur ein psychologischer oder existenzieller Zustand, sondern ebenso ein politischer Zustand. Die Skulpturen beziehen sich auf ähnliche Ideen rund um Kontrolle / Chaos, Oberfläche / was darunter liegt, lebendig / tot usw. Aber es geht auch darum, etwas wiederzugewinnen. Für mich sind sie Versuche, das Leben aus dem Reich der Toten zurückzubringen, wie animistische Anrufungen und ein Weg, eine zunehmend entmystifizierte Welt wieder zu verzaubern. data-text=”Ich arbeite mit mehreren verschiedenen Medien, normalerweise mehr oder weniger gleichzeitig. Skulptur, Installation, Video- / Filmarbeiten und Holzschnitte. Der Ausgangspunkt für meine Arbeit ist immer die persönliche Erfahrung und das tatsächliche physische Material, mit dem ich arbeite. Ein wiederkehrendes Thema ist der Wunsch nach Kontrolle und das Interesse an den Situationen, in denen es zusammenbricht. Das „Aufrechterhalten des Aussehens um jeden Preis“, die tatsächlichen Kosten dafür und die Momente oder Situationen, in denen die Kontrolle verloren geht und das Chaos unter den Oberflächen. Dahinter liegt die Angst vor dem Scheitern und der anschließende Fall in einen undefinierten Abgrund. Für mich ist das nicht nur ein psychologischer oder existenzieller Zustand, sondern ebenso ein politischer Zustand. Die Skulpturen beziehen sich auf ähnliche Ideen rund um Kontrolle / Chaos, Oberfläche / was darunter liegt, lebendig / tot usw. Aber es geht auch darum, etwas wiederzugewinnen. Für mich sind sie Versuche, das Leben aus dem Reich der Toten zurückzubringen, wie animistische Anrufungen und ein Weg, eine zunehmend entmystifizierte Welt wieder zu verzaubern.” Ich arbeite mit mehreren verschiedenen Medien, normalerweise mehr oder weniger gleichzeitig. Skulptur, Installation, Video- / Filmarbeiten und Holzschnitte. Der Ausgangspunkt für meine Arbeit ist immer die persönliche Erfahrung und das tatsächliche physische Material, mit dem ich arbeite. Ein wiederkehrendes Thema ist der Wunsch nach Kontrolle und das Interesse an den Situationen, in denen es zusammenbricht. Das „Aufrechterhalten des Aussehens um jeden Preis“, die tatsächlichen Kosten dafür und die Momente oder Situationen, in denen die Kontrolle verloren geht und das Chaos unter den Oberflächen. Dahinter liegt die Angst vor dem Scheitern und der anschließende Fall in einen undefinierten Abgrund. Für mich ist das nicht nur ein psychologischer oder existenzieller Zustand, sondern ebenso ein politischer Zustand. Die Skulpturen beziehen sich auf ähnliche Ideen rund um Kontrolle / Chaos, Oberfläche / was darunter liegt, lebendig / tot usw. Aber es geht auch darum, etwas wiederzugewinnen. Für mich sind sie Versuche, das Leben aus dem Reich der Toten zurückzubringen, wie animistische Anrufungen und ein Weg, eine zunehmend entmystifizierte Welt wieder zu verzaubern.”

Schnittstelle
Schnittstelle I untersucht die Grenze zwischen zwei interagierenden Systemen, die in das Physische übertragen werden. Jedes System besteht aus Motoren, Saiten und Gummibändern, die horizontal angeordnet sind. Die beiden Einheiten stehen sich vertikal gegenüber (eine oben, eine unten). Jeder Motor einer Ebene (oben, unten) ist mit einer Schnur mit seinem Gegner verbunden und trifft sich in der Mitte. Beide Motoren ziehen ihre Schnur in die entgegengesetzte Richtung (wie bei einem Tauziehen). An der Verbindungsstelle der Saiten verbindet ein Netz aus Gummibändern die Saite mit ihren Nachbarn. Das Netz koppelt jedes Element mit seinen umgebenden Elementen, um ein lokales emergentes Verhalten zu erreichen.

Ad lib
Die Klangskulptur Ad lib. kombiniert eine medizinische Maschine für die automatische Lungenbeatmung mit einigen Orgelpfeifen, die einen musikalischen Akkord im konstanten Rhythmus des mechanischen Atems spielen, und schafft so ein künstliches Organ, das metaphorisch ein mechanisches Requiem ist, das unaufhörlich klingt. Der Titel des Werkes Ad lib., Eine Abkürzung für den lateinischen Ausdruck “ad libitum“, ist eine musikalische Beschriftung, die dem Interpreten Ermessensspielraum bei der Interpretation gibt und es beispielsweise ermöglicht, bestimmte Takte der Partitur “nach Belieben“ zu wiederholen. Die Skulptur soll sich auf die Situation beziehen, in der Menschen, die unter kritischen Gesundheitszuständen leiden, ihr Überleben an ein Atemgerät gebunden sehen und daher im Ermessen derer, die sich um sie kümmern.

Veränderte Erde
Aitkens Fokus liegt auf der Region Camargue in Südfrankreich, wo er monatelang die Schilflagunen, die herrliche Fauna und die leeren Panoramen einer Geographie einfängt, die seit der Römerzeit besiedelt ist und sich seitdem kaum entwickelt hat. Die Ausschnitte des Lebens werden als “Veränderte Erde: Arles, Stadt der bewegten Bilder” gezeigt, eine Ausstellung im Parc des Ateliers im historischen Arles. In der Hangar-ähnlichen Grande Halle des Parks schaffen Aitkens riesige Kinoleinwände eine fast holographische Sicht auf die physische Landschaft. Sie baumeln wie fantastische Kulissen in einem Hollywood-Tonstudio von der Gewölbedecke und ziehen den Betrachter in die Landschaft. Er nennt den Effekt “flüssige Architektur”, obwohl unklar ist, ob er sich auf den Veranstaltungsort bezieht, der im Hintergrund zu verschmelzen scheint, oder auf die labyrinthische Anordnung von Bildschirmen, die Besucher wie die Strömung eines gewundenen Stroms führen.

Geist Rendern
RENDER GHOST ist eine kombinierte immersive Theaterarbeit aus virtueller Realität, die vom New Media Art Team NAXS CORP erstellt wurde. Die sechs teilnehmenden Zuschauer werden weiße, staubfreie Kleidung anziehen, und das Servicepersonal wird dabei helfen, Virtual-Reality-Ausrüstung zu tragen und langsam das weiße aufblasbare Zelt zu betreten. Angeführt von der virtuellen Szene werden sie um den Spiralturm herumgehen, um eine physische zu starten Science-Fiction-Zeremonie. Wenn der Betrachter auf die Spitze des Turms tritt, entfernt er seine Virtual-Reality-Ausrüstung und taucht in eine surreale Landschaft ein, die aus Lichtern, Lasern, Rauch, Geräuschen, schwebenden Partikeln und Wind besteht. Allmählich geriet er in Trance und Blitz Nebel.

Moving Objects | nº 502 – 519
Gravitation, Magnetismus, Mechanik. Wenn in einer Runde gelegentlich das Wort ‘Physik’ fällt, verziehen sich die Gesichter. Mit Grausen erinnern sich viele an ihre Schulzeit. Dem Schweizer Künstler Pe Lang aus Sursee ist ein fabelhafter Coup gelungen. Seine Arbeiten greifen physikalische Phänomene auf. Bewegung und Chaos, Raum und Zeit. Präzision, Reibung, Klang. Auf unerhört ästhetische Weise sind seine Objekte so konstruiert, dass es ein pures Vergnügen ist, sich ihnen, staunend wir Kinder, zu nähern.

تريشا براون
트리샤 브라운
トリシャブラウン
Триши Браун
floor of the forest
Trisha Browns Boden des Waldes – teils Skulptur, teils Tanzstütze, teils Performance – wird im Rahmen von Dance / Draw präsentiert und verfügt über einen 12 x 14 Fuß großen Stahlrohrrahmen, über den Seile gebunden und mit gebrauchter Kleidung dicht eingefädelt werden. Innerhalb der Struktur winden und weben sich zwei Tänzer, die sich buchstäblich durch die Skulptur ziehen und ausziehen. Jede Aufführung unterliegt dem Zufall, so dass die Individualität jedes Tänzers, der sie aufführt, ihre Bewegungen bestimmen kann, was bedeutet, dass keine zwei Aufführungen jemals gleich sind.

ジム·ランビー

ג’ים למבי

Die arbeitsintensiven Installationen dauern bis zu mehreren Wochen. Wenn Lambie über seine Arbeit spricht, sagt er: „Erweitert sich der Raum oder zieht er sich zusammen? Das Abdecken eines Objekts verdunstet irgendwie die harte Kante des Dings und zieht Sie eher in eine Traumlandschaft. “Als ehemaliger Musiker stützt sich der Künstler auf musikalische Referenzen als Inspiration. Oft beziehen sich die Titel seiner Stücke auf legendäre Bands oder Songs, darunter The Doors, Morrison Hotel (2005) und Careless Whisper (2009). Die Stücke hängen von der Architektur des Raumes ab und sind somit einzigartige und flüchtige Installationen, die nirgendwo anders exakt reproduziert werden können.

Refugee Only

Refugee Only besteht nur aus zwei Kostümen, deren Form eher an einen Unterschlupf als an ein Kleidungsstück erinnert. Eines ist aus Textilien für gewöhnliche Menschen gefertigt, während das Leder mit ausgefallenen Schnallen für die Elite gemacht ist. Diese Unterkünfte beziehen sich auf die aktuelle globale Realität der Migration, in der jeder bereit sein muss, ein Flüchtling zu werden.

ויליאם פורסיית
ウィリアム·フォーサイス
威廉‧科西
윌리엄 포사이드
УИЛЬЯМ ФОРСАЙТ
BLACK FLAGS
„Diese Arbeit schüchtert auf intuitiver Ebene ein und ist doch hypnotisch anziehend, unheimlich und wundervoll – ungeachtet der offensichtlichen Bezüge zu klassischen Strategien des Komponierens.“ (William Forsythe)

ШЕН ВЕЙ
שן וויי
沉伟
FOLDING
Shen Wei’s Werk “Folding” (hier in der Park Avenue Armory abgebildet) wurde 2002 in New York uraufgeführt
Weißbrust, weißarmig, weißgesichtig, mit langgestreckten Haarwickeln (Kopfschmuck? Sind ihre Köpfe länglich?), Tauchen die ersten Tänzer aus der Dunkelheit auf einem trüben blaugrünen Boden mit langen Röcken auf, deren Farben sie verfolgen Teilen Sie sie in zwei Gruppen auf: rot und schwarz. Die Roten sind fliegende, wirbelnde, unabhängige Kreaturen, die oft im Kongress agieren, während die Schwarzen paarweise durch Stoff (wie gruselige, tragisch verbundene Kreationen von Jake und Dinos Chapman) versiegelt sind und einen Großteil ihrer Zeit damit verbringen, sich auf unerträglich langsame Koitusakte einzulassen und noch langsamere Trauermärsche, die ihre leblosen Zwillingsliebhaber ins Schlepptau ziehen.
Die Roten haben anscheinend einen König und die Schwarzen eine Königin (die schließlich allein erscheint). Es gibt eine wunderbare Veränderung in der Dynamik später, wenn die Roten Einheit in einer ironischerweise als Gruppenverweigerung ihrer eigenen Person (Shen Wei’s eigener königlicher Charakter, nicht weniger) erscheinenden Einheit finden, während die gepaarten Schwarzen eine aufgeklärtere zu finden scheinen Individualität im Kampf ihrer Paarungen. Dies ist auch die erste Aufführung, bei der ich einen Ganzkörper-Spandex-Anzug gesehen habe, dessen Träger als Live-Action-Charakter in einem mobilisierten Basrelief auftritt, das wie eine Panne im Hintergrund erscheint in der Software dieser Binomialwelt. Vielleicht ist dieser gesichtslose Charakter die Synthese von Rot und Schwarz oder der Traum des Anbeters von einem Höchsten Wesen, zwei Teile, die zu einem Ganzen zusammengefasst sind. Vielleicht ist der Charakter nur ein kleiner Charakter, aber weil er auffällt, hat er die Kult-Qualität eines Boba Fett und ist mir in der zweiten Pause geblieben.