JAMES TURRELL

جيمس توريل
詹姆斯·特瑞尔
ג’יימס טורל
ジェームズ·タレル
설치작품 제임스 터렐
Джеймса Таррелла

Bindu Shards

James-Turrell-BINDU

source: blogcsfineartscenterorg

Bindu Shards is a “fully immersive visual and auditory work to be experienced by one person at a time.” One is strapped down and sealed in for 15 minutes in this white chamber and exposed to monotone sound and color. Jonathan Jones, UK Guardian art critic, says “The most important part of the experience is that you do not know what is inside and outside your head.” James Turrell, Bindu Shards, mixed media, 2010.
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source: heyshow

Bindu 是印度經文的中「點」或「中心」,意指人的精神能量中心,在哲學上也被解釋為宇宙萬有的神聖記號。且不管名稱的高深莫測,直接進入展場,映入眼簾的是一個太空艙般的球型裝置。身著白衣,像是科學家或是醫生的工作人員,面對著控制儀,冷然地氛圍不像是在藝術展場,更像是科幻小說的場景。跟隨著他們的指示,脫下外衣鞋襪,安躺在狹窄的床上,準備進入艙內時,剝除身外長物讓人感覺無助,就好像是做 MRI 核磁共振掃描,引起等待宣判的醫院想像。慢慢地你被推送而入,開始十五分鐘的超現實旅程。光與圖像包圍你,愛撫與轟炸你的視覺感官,光與顏色與圖形交相在你眼前閃爍渲染,層層裹裹的覆住你的全身,你的所有感知。直到你的「個體知覺」和外界光與顏色與空間的界線被消洱,你無法分辨自我與外在的存在,你在你自己的腦裡。這叫做普金吉氏效應 Purkinje Effect,其中牽扯複雜的視覺神經傳輸過程與腦神經的判讀連鎖反應,引發人對認知的改變。所有走出太空艙的人,莫不雙腿發軟,一時之間還無法辨別現實與精神的界線,帶著極樂的喜悅與墜入現實的驚慌。

魁克教認為任何人都能與上帝直接接觸,反對任何形式的戰爭,並主張和平與平等。魁克教信仰對 James Turrell 一生有很大的影響。他的父親是航空工程師,也啟發了 James Turrelll 對飛行、宇宙的興趣,他在十六歲時即取得飛行執照,翱遊天際之間,讓 James Turrell 有機會用不同的角度看世界,也讓他探索人對空間的認知與界定。在訪談中他說:「當你飛行時,你所看到的空間並不是由實體界線組成,而是由大氣與光結合的現象。在機長室裡的所見所聞,一再地提醒我用不同的角度看世界,一個以光為原料組合成的空間。」 因此,他決定在大學修習數學和感知心理學,為了探究人如何用視覺資訊建構對世界的認知。接著他在加州大學取得藝術碩士學位,開始了他以光為媒材創作的過程。 如今,James Turrell 已經六十七歲,但在他的作品中絲毫感覺不到老態,或老調重彈的痕跡。另一件也是今年完成的新作 Dhatu,不同於 Bindu Shards 必須要事先預約,而且很快就預訂一空;Dhatu 是一個開放性的空間,但每次只開放五個人進入。走上樓梯,進入長方型的空間,但是你看不見牆與牆的界線。光抹滅了牆角與天花板、地板的連接點,你只看到綿延無盡的顏色與光慢慢在轉換,而你和你的同伴們都漂浮在顏色之上。好像一切都去背了。在這條無界線的通道盡頭,是一面長方形的牆,散放著光,好像通往異世界的入口。如果說,Bindu Shards 是感官的轟炸之旅,Dhatu 就像是洗滌心神的禪定境界。完全地浸淫在漸次轉換的顏色裡,只能用腳底的觸感確認實物的存在,遠近與空間的既定理解都消失遠去。回頭看剛剛進來的展廳,由於顏色的影響,成了一個奇異的綠色空間。好像顯微鏡的這一端與那一端,互相觀察著,不知道誰才是異類。虛與實的感知再一次被錯置。

James Turrell 承先啟後,致力於探討光的本質,呈現完整的光的存在,同時也改變我們對三度空間的固有想法。愛因斯坦提到:光與時間具有不可分割性。進入 James Turrell 的作品讓我們滯留在一個無量、無時的空間裡,並且使人懷疑自己的感知能力,質疑自己是唯一,也是個被拋棄的個體,游移在無來去的空間中。如此身入其境的虛弱感,探索到自己在宇宙間的眇小、恆流時間中的短暫; James Turrell 的光線迅速地膨脹、包圍我們的肉體,抽離我們的靈魂往無止盡的宇宙飛去。
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source: artnetfr

James Turrell (américain, né le 6 mai 1943 à Los Angeles) est né en Californie dans une famille de quakers. À l’âge de 16 ans, Turrell obtient son permis de pilote et accomplit des missions pour apporter des fournitures aux sites miniers situés dans des régions éloignées. En 1961, l’artiste est diplômé de la Pasadena High School. Il obtient sa Licence en Psychologie au Pomona College en 1965 puis une Maîtrise en Arts à la Claremont Graduate School.

Turrell est célèbre pour son intérêt pour l’espace et la lumière dans son travail. En 1966, l’artiste commence à expérimenter la lumière à l’hôtel Mendota. Pendant cette période, un groupe de Los Angeles issu du mouvement Light and Space commence à devenir célèbre et comprend des artistes comme Doug Wheeler (américain, né en 1939) et Robert Irwin (américain, né en 1928).

Turrell reçoit de nombreux prix prestigieux tout au long de sa carrière. En 1974, l’artiste reçoit la bourse Guggenheim et en 1991 il est fait Chevalier des Arts et des Lettres en France. Le travail de Turrell est exposé dans de nombreuses expositions solo ou de groupes à travers le monde, entre autres, à la galerie Gagosian de Londres, au MoMA PS1 de New York et au Museum für Moderne Kunst de Francfort. Il vit et travaille actuellement à Flagstaff en Arizona.
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source: light-artfr
James Turrell est un artiste américain. Il est né en 1943 à Los Angeles dans une famille quaker d’origine franco- irlandaise, il vit et travaille à Flagstaff en Arizona ainsi qu’en Irlande. En 1965, il obtient ses premiers diplômes en psychologie et mathématiques, puis il complète cette formation par des diplômes en Art. Turrell revendique pour sa démarche la double appartenance à la culture scientifique et technique, et à la culture atlantique et pacifique. Ses monochromes lumineux ne sont pas des tableaux de l’ère technologique.

Pour Turrell ce ne sont ni des images, ni des objets. L’art de Turrell nous met en présence de la lumière, il s’agit d’une démarche initiatique et non pas un art de la représentation ou du discours. Les recherches de Turrell sur la lumière pure et sur la perception continuent ce rêve de l’art à la pointe des recherches scientifiques d’une époque. Turrell ne se situe pas dans l’espace matérialiste d’un art de l’objet. Il est aussi à l’opposé des formes d’art marxisantes d’un art soi-disant social, communes dans l’art contemporain.

L’art de Turrell est une quête artistique visant un dépassement de nos limitations sociales et affectives. L’oeuvre de Turrell rend obsolète et dérisoire une masse considérable de l’art contemporain et des arts technologiques qui n’apparaissent en comparaison qu’anecdotiques, un vain bavardage sur la surface des choses de notre époque.

Rejoignant la démarche du zen et probablement des traditions amérindiennes, il invite à un matérialisme spirituel. En donnant au corps la possibilité d’expérimenter sensuellement la dimension immatérielle de la lumière et de l’espace, il donne à vivre la perception de la non-séparation du corps (donc de l’être) et de l’espace.” Je souhaite produire la rencontre entre la vision intérieure et la vision extérieure. Les yeux fermés, nous possédons une vision complètement formée, comme dans un rêve ou dans une rêverie” .

Les oeuvres de Turrell matérialisent, rendent perceptibles la lumière et l’espace pour construire une rencontre entre le corps et l’esprit.” Je m’intéresse beaucoup à l’impression de sentir ce que nous sentons. Voir comment on voit. Et nous découvrons comment le corps, dans sa totalité, sent et ressent intensément. Si nous n’avons pas donné de nom à un sens, cela ne veut pas dire qu’il n’existe pas. La lumière affecte le corps mais aussi le cerveau et l’âme. J’utilise cette lumière afin de créer une stimulation
de la vision. Je m’intéresse à la sublime existence de la lumière ”.

Ce sont les techniques les plus récentes, mais aussi une relation aux oeuvres qui conduisent Turrell à cette approche holistique de la lumière. Ce n’est pas la rétine qui est concernée par ces oeuvres, mais le corps tout entier qui est porté, absorbé par la lumière. La présence à, ou plutôt dans une oeuvre de Turrell, nous met véritablement en état d’apesanteur. Nous flottons dans la lumière. Notre esprit se met à vibrer à la fréquence de la lumière. Nous sommes absorbés et nous absorbons la lumière. Nous expérimentons un état fusionnel où nous vivons cette non-séparation du sujet et de l’objet.

Cette expérience est celle de la méditation. Les oeuvres de Turrell nous mettent dans un état de méditation lumineuse. La démarche de Turrell est une invitation à une spiritualité tangible, que chacun peut vivre, expérimenter. Ses oeuvres sont aussi, particulièrement les Wedgeworks, jeux de lumière et de perturbation optique de la perspective, des mises en questions de nos conditionnements culturels. Nos notions, nos repères de l’espace sont appris.

Les oeuvres de Turrell redimensionnent notre conscience. Il n’y a, en cela et en beaucoup d’autres points, aucune différence entre l’art romantique d’un Caspar David Friedrich et les oeuvres d’art technoromantiques comme les installations de James Turrell.
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source: Garagemcaorg

Таррелл занимается созданием объектов искусства из света и пространства с 1960-х. За почти пятьдесят лет он создал обширную коллекцию работ, которая включает в себя скульптуры, голограммы, инсталляции и архитектурные объекты. Его тщательно продуманные работы являются катализатором для зрителя в его познании феномена восприятия. Улавливая и подчеркивая качества света — мимолетной и непокорной субстанции, — Таррелл создает произведения, которые нужно прочувствовать, а не просто увидеть.

Эти последние произведения позволяют зрителю оказаться в пейзаже, полностью выполненном из света, погрузившись в «чистую солнечную ванну», что порождает ощущение полной потери пространства. Таррелл описывает этот эффект как свойство «чувствовать глазами», как не только эстетический, но и духовный опыт.

Джеймс Таррелл родился в 1943 году в Лос-Анджелесе. Он получил степень бакалавра искусств по экспериментальной психологии в колледже Помона в г. Клэрмонт (штат Калифорния) в 1965 году, а затем степень магистра искусств в аспирантуре Клэрмонта в 1973 году. Его работы включены в публичные коллекции многих музеев, в том числе лондонского музея Тейт Модерн, Музея искусств округа Лос-Анджелес, Музея Гуггенхайма в Нью-Йорке.
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source: abcblogsabces

«Mi trabajo es sobre el espacio y la luz que habita en él. Se trata de cómo se puede hacer frente a ese espacio y materializarlo. Se trata de tu visión, como el pensamiento sin palabras que proviene de mirar hacia el fuego». Estas palabras son suficientes para definir la obra de este artista californiano que ha pretendido encerrar la luz en un solo espacio, y que ha hecho de estos dos elementos los ejes de su obra.

James Turrell nació en Pasadena (1943), California, un lugar indudablemente lleno de luz y su trabajo como cartógrafo, a los dieciséis años, posiblemente fuera el origen de su atracción por el espacio. Más tarde, estudiaría percepción psicológica en Pompona College, en 1965, además de matemáticas, geología y astronomía. No fue hasta 1966, cuando dio el paso a los estudios artísticos en la Universidad de California, realizando sus primeros trabajos basados en la proyección de la luz. Fue entonces, en 1967, cuando tuvo lugar la muestra en solitario de su obra Projection Pieces, en el Museo de Arte de Pasadena, en la que utilizó proyectores de alta intensidad con el fin de modificar los espacios a través de la luz.

Después llegarían otra serie de trabajos desarrollados en su estudio de Santa Mónica. En esta ocasión, transformó completamente el Hotel Mendota, abriendo huecos en sus paredes y techos, cambiando las persianas y tratando de integrar el paisaje urbano en su interior. Su finalidad era cambiar la percepción de quienes entraran en él, a través de la luz y su proyección por el edificio. A partir de aquí fueron surgiendo diferentes proyectos en los que investigó sobre la percepción del espacio y la proyección de la luz a través de él. Estos proyectos hicieron que muchos estudiosos de su obra hablaran sobre ese toque de espiritualidad de las mismas, al parecer resultado de su formación cuáquera. Sea cierto o no, su manejo de la luz transforma los espacios en lugares para meditar, haciéndolos más intimistas y cambiando nuestra percepción sobre ellos. Según Clavin Tompkins, del New Yorker: «Su trabajo no es sobre la luz, o una alabanza de la luz, es la luz; la presencia física de la luz manifestada de una forma sensorial».

Su formación filosófica a menudo le lleva a citar la parábola de la cueva de Platón, como base para su percepción de las cosas a través de la luz: nuestros sentidos están limitados por nuestro entorno y nuestra cultura y nuestra realidad es la que nosotros creamos. A partir de aquí surgen sus Skyspaces (Espacios celestes), habitaciones con un vano en el techo por donde ver el cielo, espacios que nos dan la opción, como espectadores, de crear nuestra propia visión de los cambios que se van produciendo en la luz y el color.

Con estos principios estéticos, quién sino él podía transformar un volcán inactivo en una obra de arte. Así, en 1974, empieza su proyecto más ambicioso, llevado a cabo en el volcán Roden Crater, en Arizona, en el que el artista ha ido creando, a lo largo de los años, su propio paisaje desde el interior del volcán, escavando túneles, abriendo pequeñas cámaras, etc. Un proyecto que aún está en marcha y que ha compaginado, durante las últimas décadas, con numerosas exposiciones y trabajos que han visitado museos como el Guggenheim, el Whitney Museum of American Art de Nueva York, los museos de arte contemporáneo de Los Ángeles y de San Francisco y la Colección Panza de Biumo en Varese, Italia.

Al mismo tiempo que supervisaba la marcha de este gran proyecto, seguía creando y realizando exposiciones. Por ejemplo, su obra Meeting, en 1986, para el MoMA PS1 en Nueva York, o Irish Sky Garden, su creación de 1992 para el hotel Liss Ard Estate, en Irlanda. Después llegaría una nueva serie de sus Skyspaces: Kielder Skyspace (2000) en Inglaterra, Sky-Space (2006) en Salzburgo y Second Wind 2005 en Cádiz. Su trabajo en Cádiz (2009) fue el primero en nuestro país. Y para realizarlo, Turrell estuvo en persona eligiendo el terreno para su construcción; un terreno en pendiente que permitiera crear una estructura subterránea y en su interior una estupa de piedra sobre una cisterna con agua, a la que se accede por un túnel, y una abertura en el techo que permite ver un trozo de cielo. Se trata de que el visitante pueda contemplar esta estructura durante aproximadamente una hora y media, el tiempo necesario para disfrutar de los distintos colores que trae el atardecer.

Entre nuevos retos y proyectos, como Wolfsburg Project, en Alemania (2009), una instalación que iluminaba un área de 700 metros cuadrados, o su trabajo en el Yucatán (México), llamado Agua de luz, en donde ha creado una serie de sus Skyspaces junto a unas piscinas, dentro de una pirámide (2010), llegó la mayor retrospectiva que se había hecho sobre su carrera. Llevada a cabo en tres lugares diferentes durante todo el 2013 y parte del 2014.
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source: dw

ولد جيمس توريل سنة 1943 في لوس أنجلوس في كنف عائلة متشددة من أتباع الكويكرز، وحاز على إجازة قيادة طائرة وهو السادس عشرة من عمره، ثم درس علم النفس والرياضيات في الجامعة في كارلمونت حيث تخرج سنة 1973 بشهادة في الفنون، وهو يعمل منذ الستينيات على فضاءات ضوئية. ولهذا الغرض بنى مكعبات مفتوحة لجهة السماء وذلك في مبانٍ شُيدت خصيصًا لهذا الغرض، واستخدم أحيانًا قاعات ليحولها عبر أضواء ملونة غير واضحة المنشأ إلى عوالم سحرية، حيث يفقد الزوار كلَّ صلةٍ بالمسافات والألوان والضوء والحركة.
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source: artnetnewscn

作为近五十年来最具影响力的艺术家之一,詹姆斯•特瑞尔以光作笔,构建出一种积极的空间叙述策略,并运用到视觉形式的阐释思辨之中,自1967年以来,已在全球范围内举办过超过160场个展。这位前卫艺术家追求超越想象的视觉体验,并不断刺激和唤醒人们的原始感知,探索人们对于感官刺激和空间转换的视觉与心理反应。

在视知觉体验中,光线是一个至关重要的媒介元素,它没有具象形体,飘忽不定,不可用手触碰,用耳捕捉,却散布在其他任何介质。通过它可游离于现实与想象之间——反射得以洞见真实的大千世界,折射则能企及虚幻的海市蜃楼。在神学领域,光是最初的启示与福音,是上帝创造的原初产物之一,而在科学领域,波粒二象性则提供了其作为特殊媒介的可能性。在宗教艺术领域,早期的预言家们通过光来喻示神启,在中世纪教皇格里高利的倡导下,变幻的光影与炫目的彩色花窗增添了教堂的艺术性与剧场性,为芸芸教徒奠定了更加虔诚的冥想场所;与此同时期的天竺印度,佛教则为众生构建了“黄金为地,七宝为界”的光耀极乐世界。

16世纪末期的古典画家卡拉瓦乔,将强烈的明暗光线对比引入构图,其后百年的荷兰画家维米尔,利用室内光线与空间构建了生活与信仰的沉浸式体验,到了印象派,以莫奈、雷诺阿为首的艺术家们更是热衷于捕捉时间光影的瞬息变幻,定格永恒。在摄影界,安塞尔·亚当斯利用光建立丰富的层次与色调,到建筑领域,柯布西耶与安藤忠雄的世界里光与建筑一同完成了超越性的抽象体验。这些艺术家通过对光线的固有认知描绘自己所看到的东西,并呈现它的变化与发展。

区别于将光线视为辅助媒材的艺术家,特瑞尔把光线本身当作唯一的创作素材。特瑞尔出生于一个基督教贵格会信仰的家庭,随后在波莫那学院(Pomona College)学习了心理学专业,并同时学习了数学、地理与天文学,因此自小便崇尚的自然性宗教冥思与专业严谨的科学性始终贯穿其创作之中。“成为光”(belight)是特瑞尔创作中强调的主体意识,如同艺术家本人的兼具性或是光本身的双重性质一样,这句话既具备《创世纪》般宗教式的神秘体验,又涉及科学范畴的抽象认知。重视光本身,“让观众如同重视黄金、白银、绘画或者器物那般重视光,对我而言至关重要。”

实际上,将光作为创作媒介的探索在1960年代中期颇为前卫,以罗伯特·欧文、道格·惠勒为首的艺术家在美国洛杉矶发起“光与空间运动”,特瑞尔也加入其中,并随后成为南加州光与空间运动的先驱艺术家。去除了其他光与空间运动艺术家作品中层叠的视角与交织的多维空间平面,特瑞尔的作品带有当时盛行的极简主义特征,通过严密精准的几何光学计算来影响和调动感知与心理。

特瑞尔颠覆了古典画家历来所追求的从二维到三维的真实性,创造了一种从空间到平面的逆向运动,对视觉机制的传统性进行挑战与重组,如犹太教中的卡巴拉圣树(Cabala)一般,逃逸真实视觉机制,回溯到太一的无限。解读特瑞尔作品的过程,颠倒了原本人们对幻觉与错视的认知,在感官识别活动触发的投射过程中进行视觉再现与心理的矫正,以实现感官上的超验。

不仅如此,特瑞尔认为他的艺术作品是一种“慢艺术运动”,是那种“为了一个个体而创作”需要花上一个甚至几个小时慢慢观赏的作品。作为贵格会的终身教友,他为贵格会设计了“活栎树集会所”(Live Oak Meeting House),其中屋顶的代表作品《天窗(Skyspace)》,这是一个容纳15人的空间,观众坐在边缘的长凳上凝视空间中唯一的天窗。其灵感来自于贵格会的会面仪式,长时间的凝视带来冥思般的平和、沉静与纯净。

里程碑式的作品《罗登火山口(Roden Crater)》,则是将美国亚利桑那州的一座死火山的喷火口改造成为可用肉眼观测的天文台,借由自然荒野的壮美与人工光学装置的巧妙计算与布局,形成科技与自然的统一,自下而上地探索宇宙与世界的未知与无限可能。
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source: tarbutandthecity

“אני משתמש באור כדי ליצור חוויות של תפיסה. אין בעבודה שלי אובייקטים, כי האובייקט שלי הוא התפיסה. אין בעבודות שלי תמונות, כי איני מעוניין באסוציאציות. רק בחוויה המרחבית”, אומר ג’יימס טורל על עבודתו האמנותית. טורל, מגדולי האמנים בני זמננו, הוא פסל סביבתי, רק שחומר הגלם שלו הוא התאורה. “לא מקור האור הוא שמעניין אותי, אלא תוצאתו בחלל, המקום שהאור נשפך אליו”. טורל יוצר אשליות מרחביות וחוויות הנובעות מקונפליקטים של תפיסה. הקהל לא בטוח במה שהוא רואה וחווה.

מיהו James Turrell?
ג’יימס טורל נולד ב-1943 למשפחה קוויקרית, קהילה נוצרית הנודעת גם בשם ‘ידידי האור’. עיקר תורתם של הקוויקרים, השוללים את ההיררכיה הכנסייתית והפולחן הדתי המקובל, נסבה על “האור הפנימי” שהאל מקרין היישר לנשמה, רעיון המשתקף ברבות מיצירותיו של טורל.

השכלתו של טורל, המחזיק ברישיון טייס מגיל 16, מגוונת וכוללת לצד הכשרה תיאורטית ומעשית באמנות, גם לימודי מתמטיקה, אסטרונומיה ופסיכולוגיה. בדומה לאמנים רבים מבני דורו שניסו לשנות את האובייקט האמנותי ואת מעמדה המסחרי של האמנות תוך פיתוח דרכי ביטוי חדשניות, נטש טורל את הקטגוריות המסורתיות של ציור, רישום ופיסול, ומתוך תהליך החיפוש אחר שפה חזותית חדשה נוצר עיסוקו הייחודי באור.

טורל מציין כי התעניינותו באור כחומר אמנותי החלה בעקבות שיעורי תולדות האמנות בהם צפה בשקופיות של ציורי ורמיר, רמברנדט, טרנר ומונה – כולם אמנים שתיארו את האור בדרכים מיוחדות. לאחר שלמד על ייצוגי האור בציוריהם של אמני-המופת, נדדה תשומת-לבו לאור שמפיץ מקרן השקופיות הריק באודיטוריום החשוך. טורל הוקסם מאלומת האור, מקרינתה, מצורתה ומתמצית האור הלבן הבוהק שהפיץ המקרן. כך החל לעבוד עם האור ולהשתמש בו כחומר גלם, תוך שהוא עורך ניסויים באור טבעי ובאור מלאכותי ובוחן את מהותו הפיסיקלית והמטאפיסית ואת תפקיד הסביבה הארכיטקטונית במסגור ובמתן הקשר לתפיסת האור והשתנותו.
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source: bijutsutecho

ジェームズ・タレルは1943年アメリカ・ロサンゼルス生まれ。ポモナ・カレッジ(カリフォルニア州)で知覚心理学と数学の学士号を取得。カリフォルニア大学大学院にて美術史を学んだのち、クレアモント大学大学院で芸術修士号を取得。アメリカ航空宇宙局研究所に勤務後、一貫して光と知覚の関係をテーマに作品を制作し、光の存在を改めて認識させるようなインスタレーション作品を発表してきた。これまで、ホイットニー美術館(ニューヨーク、1980)、パリ市立近代美術館(1983)、ニューヨーク近代美術館(1990)など世界各地で個展を開催。代表作に、1979年から制作中の壮大なプロジェクトである《ローデン・クレーター》(アリゾナ)、《スカイスペース》(ニューヨーク、1986)、《ザ・ライト・インサイド》(ヒューストン美術館、1999)など。また日本では「タレルの部屋」としても親しまれる金沢21世紀美術館の常設展示作品《ブルー・プラネット・スカイ》(2004)のほか、香川県の地中美術館の《アフラム、ペール・ブルー》(1968)、《オープン・フィールド》(2000)、《オープン・スカイ》(2004)、新潟県の《光の館》(2000)などを見ることができる。