摇摆
File Festival
“Swing”将这些感觉带回来，让梦想成真：飞翔的梦想。因此，秋千成为交互式装置的物理组件。 3D oculus的使用增强了虚拟现实的摇摆体验，创造了独特的沉浸式冒险 并将您带入精心制作的水彩世界。在挥杆的同时，您将日常生活的单调乏味抛诸脑后，找个地方放松心情，重获力量。您平稳地进入虚拟世界。飞行高度取决于您实际摆动的时间和高度。数字世界的起点与物理世界的起点相同：地面。这里的一切都是苍白而沉闷的。当你有勇气更密集地摆动时，你会飞得更高，色彩的活力也会增加。高潮在太空。到达它时，世界的颜色强度达到最大值。如果你想下去，你必须停止摆动，但你周围的颜色会保持鲜艳明亮。

不变的园丁
受日本传统禅宗花园的启发，四个工业机器人手臂围绕着巨大的砾石网排列，然后醒来并开始耙地表。在一系列的日常表演中，这些“园丁”共同创作了描绘运动员动作的独特且不断发展的插图。由一系列分析奥运会和残奥会赛事视频片段的定制算法生成，一些插图描绘了随着时间的推移展开的运动，而其他插图则突出了壮观的体育时刻。 The Constant Gardeners 沉思传统、工艺和技术的作用，为游客提供一个安静的内省空间。这项工作探索了一种围绕机器人技术的新叙事，表明这项技术是一种能够进行艺术创造力和实验行动的力量，它在我们迈向更快乐、更健康的未来的旅程中起着决定性的作用。

self Portrait
Wearing’s self-portrait explores farce while examining the concepts of identity and representation.

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自画像
Wearing的自画像探索了闹剧，同时考察了身份和表征的概念。 Wearing注重细节和精致的有机硅修复物，可创造出非凡的自画像，模仿您家庭相册中的照片。这些图像之所以成功，是因为它们提出有关家庭，人际关系和自我的问题，所有这些问题在当代摄影中都很重要。系列中的其他肖像包括她的兄弟，祖母和祖父。

无烟塔
荷兰设计师 Daan Roosegaarde 和他的专家团队创造了世界上最大的烟雾吸尘器。无雾塔采用专利离子技术，在公共空间产生无雾气泡，让人们免费呼吸，体验洁净空气。

IN MEMORIAM
Joachim Sauter

1959-2021

R.I.P

ART+COM Studios

MOBILITY
THE INSTALLATION SPANS A CORRIDOR OF 7-METRES WIDTH. ON THE LEFT WALL ONE HUNDRED PROSTHETIC HANDS ARRANGED IN A MATRIX REVOLVE AROUND THEIR OWN VERTICAL AXIS, THE MOVEMENTS BEING CONTROLLED BY MOTORS. THE MIRRORS THEY HOLD REFLECT THE BEAM OF A STRONG LIGHT ACROSS THE SPACE AND ONTO THE OPPOSITE WALL. WHAT INITIALLY SEEMS LIKE AN ASYNCHRONOUS, CHAOTIC PATTERN OF MOVEMENT SOON REVEALS ITSELF AS A COMPLEX, COMPUTATIONAL
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流动性
该安装跨越了7米宽的走廊。在左墙上，排列成矩阵的一百个假肢手绕其自身的垂直轴旋转，其运动由电动机控制。他们持有的镜子将强光光束反射穿过整个空间并射向对面的墙壁。最初看起来像是一个异步的，混乱的运动模式，很快就显示出一种复杂的计算编排：首先，一百个光点围绕一个中心点移动，类似于行星的天体动力学或昆虫群的飞行模式。并创造出三维空间的印象。然后突然之间，这种有机振动会聚成一个表示运动和动作的汉字。

Happy Recipe
这件艺术品是一个声音互动装置。根据乐器、音序器和乐队的位置放置不同类型的蔬菜和水果。然后通过主板的控制，将50首曲目输入到不同的项目中，接收来自感应观众触摸位置的传感器的信号，然后输出不同的音效。通过现场采样，采样上海、成都、沉阳街头小贩真实的叫卖声，形成音源，让观众的动作反馈也能融入创作过程。包容、流行、无处不在是我对菜市场的特殊感受。音乐是一样的。不同的音效混合在一定的时间和空间中，涵盖了不同的声音、含蓄的文化和现代时尚。每一个菜市场就像一场普通而特殊的音乐会，每一个人、每一件物品都是观众和主角。因此，作者希望通过新媒体艺术，弱化科技与日常生活之间明显的距离感，创造一种新的庸俗生活感。

РОМАН ЕРМАКОВ

现场雕塑

我们的看法-唯一真实的现实。 创造作为一种产生图像的感觉，以形式表达。 美容宣言呼吁超越这一极限想象力。 不能将艺术的美学还原为一组清晰的构建基块，通过这些构建基块，您可以增强或减弱对比度的感知。 美不应接受分析，即交流和参与将情感转化为可见的呼吁。

ADA – ANALOG INTERACTIVE INSTALLATION
File Festival
与Tinguely的“Méta-Matics”相似，是“ ADA”具有灵魂的艺术品。它自己行动。在丁格利（Tinguely），成为一个疲惫不堪的机械人就足够了。他费力地看了一下：这台机器除了工业上的自毁能力外什么都不生产。而Karina Smigla-Bobinski创作的《 ADA》是一种后工业的“生物”，是访客动画，具有创造力的艺术家雕塑，自我形成的艺术品，类似于一种分子杂种，例如纳米生物技术中的一种。它开发了相同的旋转硅碳混合动力，小型工具以及能够生成简单结构的微型机器。 «ADA»是更大的，美学上更复杂的交互式艺术制作机器。充满氦气，自由漂浮在室内，透明的，类似膜的地球仪，掺有木炭，在墙壁，天花板和地板上留下痕迹。尽管访问者感动，但«ADA»产生的标记是非常自主的。地球获得了活泼的气氛和黑煤的痕迹，看上去像是一幅图画。地球仪开始行动，制造出由线和点组成的线条，无论其强度，表达方式如何，访客都难以控制“ ADA”以驱使她驯化她，这仍然是无法估量的。不管他尝试什么，他都会很快注意到，《 ADA》是一个独立的表演者，用图画和标志signs满原始的白墙。越来越复杂的织物结构出现。这是视觉上的动作，就像计算机一样，在输入命令后也会产生无法预料的输出。并非徒劳的《 ADA》让人想起Ada Lovelace，他在19世纪与Charles Babbage一起开发了第一台计算机原型。 Babbage提供了初步的计算机，Lovelace是第一个软件。数学与她的父亲拜伦勋爵的浪漫遗产共生于此。 Ada Lovelace打算制造一种机器，该机器能够像艺术家一样创作诗歌，音乐或图片之类的艺术品。 Karina Smigla-Bobinski的《 ADA》秉承了这一传统，同时也是Vannevar Bush的创始人，他于1930年建立了Memex Maschine（内存索引）（“我们希望Memex的行为像复杂的步道网一样通过大脑的细胞”或提花织机，为了编织花朵和叶子需要打孔卡；或Babbage的“分析机”提取算法模式。 «ADA»在当今生物技术领域兴起。她是至关重要的表演机器，随着观众参与人数的增加，线条和点的样式变得越来越复杂。留下艺术家和访客都无法解读的痕迹，更不用说«ADA»了。而且，“ ADA”的工作无疑是具有潜在的人性化的，因为对这些标志和图画唯一可用的解码方法是，我们的大脑在睡觉时最多只能联想到这种联系：梦tru以求的严峻爵士乐。 （由Arnd Wesemann撰写）

Transcranial

奥地利多媒体艺术家兼编舞克劳斯·奥伯迈尔（Klaus Obermaier）在舞蹈和工艺艺术领域进行不断的实验，与媒体艺术研究中的其他两个参考文献联手，日本人Daito Manabe（现在是该音乐节的常客），而美国的Kyle McDonald也出席了本次艺术节。 Jardin des Plantes的装置Light Leaks。激发表演艺术中各种形式的互动，“跨颅”是一项合作研究与创造项目的一部分，在这里，表演是工作的阶段之一。经颅尤其涉及电磁刺激及其对神经元的影响。在外部命令的冲动下（如Face Visualizer中的Daito Manabe所实践的那样），身体和大脑似乎受到功能失调，异常和不良行为的影响，而正是从数字技术中借来的这三个要素是其中之一。

做男孩做女孩
FILE FESTIVAL
“做男孩做女孩”是涉及视觉，听觉，触觉和气味的多感觉实验。 根据经验，我们的身体不仅仅是眼睛和耳朵。 它们是体验和挑战现实的工具。在装置中，我们通过嗅觉，触摸（通过红外灯和风扇），图像（在360度下使用3D胶片眼镜）和全方位声音的组合来激活所有感官，从而创造了一种幻觉。

香草机
VANITAS MACHINE装置可满足人们对永生的渴望和延长生​​命的潜力。 VANITAS MACHINE基于蜡烛，通过技术干预将其缓慢燃烧，创造了当代的比喻，类似于在科学和技术的帮助下延长人类寿命的努力。VANITASMACHINE是专门为保持蜡烛而开发的»在受控条件下还活着。通过保护其免受环境因素的影响，并通过精确地调节氧气的供应，可以影响蜡烛的“新陈代谢”，从而影响其“寿命”。

生物结构IV
杰森·霍普金斯（Jason Hopkins）致力于人类的未来进化，将几何形状和有机形状结合在一起，创造出具有有趣结构和类似于大型肿瘤形状的物体。我喜欢皮肤纹理方面的出色工作，在他的博客上，您可以找到一些有趣的纹理和教程。

URME
我的作品www.youareme.net探索了将开源方法应用于身份识别时发生的情况。实际上，我已经放弃了对在线角色创建的控制，并向公众提供了我的身份和图像，以作为要操纵，创建甚至销毁的材料。在我们高度监视和敏感的社会中，我对公众公开访问我的信息可能会做什么感兴趣。我不仅关注所谓的公共和私人信息的动态，而且关注精心策划的在线身份的创建。诸如Facebook之类的社交技术如何塑造我们展现自我的方式，以及如何编辑生活中的现实以进行在线消费？如果我们通过我们的技术创造或重塑自己，那么，如果这个过程是一个公开讨论的过程，那么我到底是谁？这会扩大我是谁的可能性，还是破坏我的网络社会关系和信誉？

Энтони Хоу
ആന്റണി ഹോവെ
Энтони Хоу
安东尼·豪
Frenzy
安东尼·豪（Anthony Howe）是一位美国动能雕塑家，他创造了类似于脉搏，外来生物和漩涡的风力雕塑。他利用计算机辅助设计，用等离子切割机对金属部件进行成型，并利用传统的金属加工技术完成了他的工作。

לורן סרוסי
insectes
摄影师、图像设计师Laurent Seroussi在最新的作品中《昆虫》中，将女性之美与想象力、对称性和长足昆虫相结合，创造出了一组另类的人体写真。女性的光滑肌肤和昆虫棱角分明的肢体在毫无PS痕迹的状态下展现在人们面前，是何等怪异。

摄影师Mark Dorf创作了一组作品“环境职业”（Environmental Occupations），这一系列的作品探讨了人类创造者的角色及其与自然环境的关系。在他的每一幅作品中，巨大的混凝土形态，抽象极简雕塑作品上的图案——都让人想起了Donald Judd 和 Richard Serra 的作品——他去除了任何形式的表达，而是去关注物体的几何形态以及制作它们的材料。
这些人造物庞大而又强迫的形态与它们所置身的安宁平静的自然环境形成鲜明对比，并把它们从自然背景中抽离出来，为固有的现实提供了扭曲的图像。

Oyster EB-124
新泽西艺术家Madiha Siraj经常使用日常材料如粘土，纱，或油漆色板来有创造性的操作空间。对于这个工作，她的每一寸经过设计的地方都被填充了小的长方形色板来营造出一个色彩丰富，像素画的空间。在这样做的时候，她将白墙和光秃秃的地板变成了一个迷人的空间。当人们选择以步行的方式走过这片区域的时候，他们无疑会被迷住。在工作中，她也重新定义了一个小色块的意义，当它们被排列成一个集体化安排，就会成为全新的东西。“通过她的设施，Siraj试图挑战观众们感知，识别的标准。”

Јунг-Јеон Мин
郑妍敏
钟敏来自韩国，但现在她在巴黎生活和工作。 她有很多发明创造力和超凡的想象力，因为他们可能是药物引起的。 在一个梦幻般的世界里，人们在他们的梦境中。 有现实和非凡的融合； 微观和宏观，我们知道的世界和虚拟的世界。 没有时间了。

古达·科斯特（Guda Koster）是一位荷兰画家，他创作的是雕塑作品。 艺术家使用原始的面料，颜色和图案，使他能够创造出神秘而神秘的和谐和绘画。 他的每件作品都融合了具体和超现实主义的元素。

舞妓武田
武田舞妓
מאיקו טאקדה
마이코 다케다
مايكو تاكيدا
Shadow Jewelry
逻辑+几何+空间构成了武田舞子所有作品的共同点。在这个世界中，简单会显得复杂，秩序会变得混乱。但不要害怕沉迷，因为最后您将始终发现公分母站立着（就在它所属的底部）。
武田舞子（Maiko Takeda）在繁荣后的东京长大，在那里她很快面临着要在一个缓慢停滞的国家创造具有个性和永恒品质的产品的挑战。这意味着她越来越多地将目光投向时尚和流行文化以外的地区，以步行的方式探索这座城市，从最小，最随意的事物中寻找灵感。
在作品中，各种元素并存。阴影，风和重力等环境影响为装饰带来了奇观和迷惑。她的作品本身绝不是唯一的形式，因为作为作品的一部分，多余的元素总是试图超越佩戴者的期望。

Splendor

西尔维娅（Silvia）在共生中专心致志地开展工作，带领她研究过去-尽管打破常规，但意识到手工编织的古老技术遗产-并同时在她的研究和研究中以当代的方式表达了自己。 大胆的实验。 在她的工作中，她一遍又一遍地将“纤维”的定义扩展到包括工业的，不可回收的，匿名的边际材料，例如PVC，橡胶，塑料，乳胶，聚氨酯等，这些材料似乎很难与任何其他材料相结合。 美学品质，但具有“可编织”的共同特征。 西尔维亚（Silvia）设计和创造当代珠宝，挂毯和雕塑服，并参加意大利和国外的众多艺术展览。

Bishop的作品与已发现，现成的和预制的物品一起使用，使27岁的Bishop的作品能够流畅地在各种风格的参考点之间移动，从最低限度到波普艺术再到更加有机。 他极富创造力的作品使观众对艺术家的思维过程产生了浓厚的兴趣和质疑。 似乎是对他的思想和灵感的不断解释，使这些作品在引起安静思考的作品和传递视觉冲击力的作品之间徘徊，无论它多么干燥。

卡塔琳娜·洛夫斯特罗姆（KatarinaLöfström）的视频作品，三维作品和装置以及她对图像固有的创造意义的能力（不使用语言/文字）的信念是光，感知以及我们如何选择解释外部世界。 。这并不一定意味着Löfström对语言不感兴趣：恰恰相反。在经常通过语言分析图像的地方，洛夫斯特罗姆（Löfström）对通过图像接近语言更感兴趣。主要是她的不足和无形的品质引起了她的兴趣。她的几幅作品都作为构架或框架来捕捉生活和语言中难以捉摸和多变的方面。 路德维希·维特根斯坦（Ludwig Wittgenstein）试图在他的著名条约《逻辑哲学》（Tractatus Logico-Philisophicus）终结的著名条约中，定义超越语言创造意义的能力。在可以说的和只能显示的之间，在可以表达的和无法表达的之间，存在着语言上的张力。它们彼此是对立的，并具有内在的联系，就像只有在存在可以衡量的虚无的情况下，某些事物才能存在。没有黑暗就没有光，只有在其表面要投射的情况下才能感知到光。没有沉默就没有声音，至少有一对耳朵可以听到区别。因此，语言被无法表达的一切所反映。 在她的作品中，她不断研究视觉艺术与传统行为模式和理性思维脱节的内在能力。

دانيال ليبسكيند
丹尼尔·里伯斯金
דניאל ליבסקינד
ダニエル·リベスキンド
ДАНИЭЛЬ ЛИБЕСКИНД
places beyond the wall

Studio Libeskind参与设计和实现全球范围内的各种城市，文化和商业项目。 我们的工作室是建筑师和设计师的合作，他们认为建筑是一种乐观的作法。 我们对待项目的态度是要取得辉煌的成就，您必须相信未来，但也要记住过去。 利伯斯金工作室的建筑源于建筑应富有表现力并能反映当代生活的想法。 创新是我们设计过程的核心。 我们认为必须通过可持续技术来实现大胆的设计，并且我们坚信建筑的艺术在于在预算和功能的限制内创造最大的影响力。 我们从经验中知道，优秀的体系结构来自与优秀客户的合作。 然而，建筑是一门公共艺术，我们不仅对客户负责，而且对我们建设的社区和城市负责。

拉斐尔·奥乔亚（Rafael Ochoa）的数字绘画占据了一个独特的领域，以他对20世纪前艺术创作的图像进行创造性的混合而著称。 就像许多在过去十年中开始其职业生涯的艺术家一样，奥乔亚（Ochoa）也在互联网上寻找灵感-使用复杂且劳力密集的渲染过程从头开始构建新的形式。

汪建伟
Time Temple 1
王建伟的作品探讨了艺术与社会现实之间的联系。 他极富创造力的艺术品精心地考虑了时间和空间：从艺术品的创作可以是连续的排练这一观念出发，将戏剧，视觉艺术和电影联系在一起。 王建伟：时间殿是艺术家在北美的首次个展。 该展览包括装置，绘画，电影和现场影院制作。

video

Range Light
远射灯Borden-Carleton，PEI，2010年是爱德华王子岛Borden-Carleton镇退役的远射灯内部和外部的烙印/铸件。 我从一座枯死的纪念碑上创造出一种文化文物–一种与纪念物变化的正反相对的纪念，这些变化现在正隐含在画廊空间中的过去，现在和未来。 标题是墓志铭。

Vienna Central Station
Infobox Hauptbahnhof Wien
迈克尔·沃拉夫（Michael Wallraff）是维也纳建筑师，1968年出生于慕尼黑，曾在洛杉矶和维也纳学习，并在那里开设了工作室。沃拉夫（Wallraff）花费了多年的时间来深入研究城市结构中垂直空间的使用，以及通过位于人口稠密的城市结构中的典型开放式公共空间来创造社会互动的新维度的方法。 Wallraff的“ Infobox维也纳中央车站”项目是一个投机竞赛项目，目的是建立一个新的信息中心，该中心是为维也纳旧城的维也纳中央车站的施工现场而设计的。该结构将被抬高至地面以上22米，并悬挂在与这些支柱支撑相连的高架结构钢腹板上。尽管箱子的钢结构计划为规则的钢格板，但适合于铺设地基的有限表面使得无法以固定的间隔设置支撑（地下排水沟，停车场严重限制了地面荷载的传递选择）很多，还有一个巴士总站）。尝试使用生成过程建模来开发复杂的三维结构，该结构不仅在结构上有效，而且还是建筑设计的基本要素。

在她的项目中，居住在鹿特丹的西班牙裔艺术家拉拉·阿尔玛斯凯（Lara Almarcegui）研究了政治，社会和经济变化带来的城市转型过程。自1990年代中期以来，她研究了通常不被关注的城市特征：荒地，建筑材料，看不见的元素。劳拉·阿尔玛斯凯（Lara Almarcegui）在奥地利举行的首次个展中，为分裂国家创造了三件与维也纳市和历史悠久的展览馆密切相关的新作品，同时还重复了该艺术家在世界各地不同城市开发的早期作品。
Lara Almarcegui使我们看不到，看不到或注意到的东西可见。她进行解构以便发现-包括对未来乌托邦的看法。在Bauschutt Hauptraum脱离国家会议厅/脱离国家会议厅的建筑瓦砾中，拉拉·阿尔玛斯凯（Lara Almarcegui）通过堆放这些材料（回收过程的所有产品）来评估用于建造展览馆正厅的建筑材料。未来可能使用的愿景。具有光环的展厅变成了无形状的堆。如果这些吨的混凝土，木材，水磨石，砖，砂浆，玻璃，灰泥，聚苯乙烯和钢材重返建筑业，会发生什么？现在构成分离派主殿的材料可能会产生哪些新建筑？

蒂姆·霍金森
ティム·ホーキンソン
تيم هاوكينسون
蒂姆·霍金森（Tim Hawkinson）的作品有多种艺术形式，包括绘画，绘画，摄影，录像，装置和声音，但他最受欢迎的作品是雕塑。他以使用简单的方法，工具和零件制作复杂的结构而闻名。例如，用电工和塑料布制成的风笛大小相当于足球场的大小。这不是他唯一以音乐为特色的作品。还有他的作品《五旬节》。它的特征是在纸板树上竖立了十二个与自己一样大小的雕塑。这些都被编程为播放宗教赞美诗。他还以创造动感和发声元素的纪念性作品和微观作品而闻名。总而言之，他的作品既以科学为基础，也以艺术为基础，尤其是因为他经常为自己的作品创造新的发明和工具。
蒂姆·霍金森（Tim Hawkinson）的灵感来自他自己的身体，并试图对其进行重新想象。确实，有时甚至会牵涉到他的身体，例如当他使用自己的指甲剪和头发做雕塑时。他还喜欢表达生命，死亡和时间的流逝。

Зе, Сара
サラ・セー
triple point

席女士说，她的展览被称为“三点”，主题是“定向与迷失方向”。 布朗克斯艺术博物馆的馆长Holly Block和评论家兼独立策展人Carey Lovelace为双年展提议了Sze女士并组织了展览，而布朗克斯博物馆则作为委托机构。 Lovelace女士周二在双年展美国馆外说：“萨拉（Sarah）是新一代的一部分，他们正在回归现代主义的观念，但以新的方式发展它们。” Sze女士正在向听众提问：“您生活中哪些对象具有价值，以及如何创造价值？” 她解释。 “我想展示我们在袋子里或商店的货架上认识并见过的残留有情感的物品。”

露西·麦克雷和巴特·赫斯
Люси Мак Рае и Барт Хесс

当然，在LucyandBart（露西·麦克雷和巴特·赫斯）的“荒谬的”人类增强作品中也可以找到另一种观点，这种作品通常被描述为对时尚，建筑，性能和身体的本能跟踪。 两者都着迷于基因操纵和美丽表达，创造了未来的人类形态，盲目地发现了低技术的人工修复人类的方法。 作为车身设计师，他们在皮肤上发明并建造了可以重塑人体轮廓的结构。 他们引人入胜的，往往是奇特的美丽形象暗示着一个新品种。 存在于替代世界中的未来人类原型。 在使人体充当与物质世界的亲密界面的场景中可视化。

하우스-루커-코
是由豪斯拉克科
flyhead-environment-transformer
名为“ Fly-Head”的头盔能够使视线和听觉混乱，改变人的真实感，尤其是在公众中最为成功的头盔，因为这些照片不会给任何人以漠不关心的态度。
Haus-Rucker-Co装置成为对封闭空间和资产阶级生活的批判，创造了一种临时的，一次性的建筑，这是其他更多当代设计师的基础和灵感。

Мартине Фейпеля и Джина Бехамейла
Le Cercle Ferme
“马丁内·费佩尔（Martine Feipel）和让·贝查梅尔（Jean Bechameil）的工作之初，是意识到感觉的感知具有生理学上的局限性，而且我们对空间的观念在历史上已经过时。超越一个地方的极限去寻找一个新的地方，这归结为思考边界的意义和空间的意义，这主要是传统的结果，重要的是不要通过跨越或超越法律来极限，而是在前一个空间的中心“打开”一个空间，这个开口不会创造新的空间来占据，而是一种隐藏在极限旧含义内的口袋。按照滑移原理，空间的这种内部滑移和空间的再现总是意味着一个机构的破坏，“空间”一词的含义被极大地破坏了稳定性，在这方面，我们两位艺术家非常关注主题，因为空间管理处于危机中。我们认为该空间是生活空间，同时也是行动，方向和交流的空间。科学技术的发展，对世界和传统价值体系的特殊见解的侵蚀，经济的结构性危机以及逻辑问题的加剧，对传统的空间和管理观念提出了质疑，这种观念只考虑了以下领域：能力，并沉迷于增长和价值约束。我们生活在一个突变的时代，过去的定向和行动模式不再起作用。” RenéKockelkorn

维克托里娜米勒
维克托琳·穆勒（VictorineMüller）以巨大且令人印象深刻的PVC充气动物和其他有机形式的充气雕塑而闻名，但其真正的魔力始于这位瑞士艺术家本人的存在。 Müller经常打扮这些空灵而又不同的灵魂，在某种精神上的表演中将它们揭示出来，声音和图像被结合在一起，吸引着沉思的听众。这位艺术家和平地生活在透明而有光泽的生物中，使人们与她和她的水晶雕塑建立了非常亲密的联系。
“我对创造敏感时刻，我们的防御能力低下以及我们对新事物持开放态度的时刻感兴趣。 （…）我创建区域，呈现图像，显示触摸观众的过程，调用各个级别的关联并将它们传递到不同的状态，以便隐藏的事物变得可见，可访问，开放的可能性-展示它所能展示的东西不是说，不能说，但是是。”

bouquet final
我认为我的雕塑是生物。 我作为雕塑家的姿态通常包括触发一个过程，该过程会自行形成。 我尝试为材料的执行创造合适的条件。 软质材料使我感兴趣，因为它们在运动，它们的形状取决于自身，而我的控制权也受到限制。 关于“最终花束”系列，苔藓不断增长，但乍一看它们的发展速度并不明显。 这些形式形成得非常缓慢，靠在其他物体上，填充了空隙，有时会产生过多的材料，这些材料会无声地掉落并无限期地再次生长。” Michel Blazy参与作品“ Bouquet Final”。