ايسي مياكي
איסי מיקים
イッセイミヤケ
이세이 미야케
ISSEY MIYAKE
homage
R.I.P

ISSEY MIYAKE valued free and unconventional thinking – thinking that took into account the spirit of creation, curiosity and love as a universal expression.
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ISSEY MIYAKE schätzte freies und unkonventionelles Denken – Denken, das den Geist der Schöpfung, Neugier und Liebe als universellen Ausdruck berücksichtigte.
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ISSEY MIYAKEは、自由で型破りな思考、つまり創造の精神、好奇心、愛を普遍的な表現として考慮した思考を大切にしました。

CGI technology
“ABC”
Ludovico Einaudi
Ludovico Einaudi verzichtet gerne auf Schnickschnack. Für den italienischen Meister des Minimalismus liegt der Reiz des künstlerischen Ausdrucks in der Reduktion. Das zeigt sich auch im kunstvollen Musikvideo von Alan Warburton.

Van Beirendonck schloss seine Studien 1980 an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen ab. Er gehört zu der Gruppe der Antwerp Six, zu der die Künstler Dirk van Saene, Dries Van Noten, Ann Demeulemeester, Marina Yee (Alle Abschlussjahrgang 1981) und Dirk Bikkembergs (Jahrgang 1982) gehören.
Seit 1983 entwirft Van Beirendonck seine eigenen Modekollektionen, die sich durch ungewöhnliche Farbkombinationen, Einflüsse durch die Volkskunst verschiedener Nationen sowie grafische Ausdrucksweisen auszeichnen.

梁基爵
Singing Face
File Festival – Hipersonica
Singing Face ist eine iPad-App, die speziell für diese Leistung entwickelt wurde. Durch Berühren verschiedener Teile des triangulierten Gesichts des Trägers auf dem iPad-Bildschirm werden unterschiedliche Gesichtsausdrücke ausgelöst und verschiedene entsprechende Geräusche erzeugt.

MIRROR BOX
Milo Moiré’s Performance Mirror Box ist eine gesellschaftliche Reflexion der menschlichen Sexualität. Es ist ein erweitertes Reenactment des Tapp- und Tastkinos (1968) und eine Hommage an die aussergewöhnliche Künstlerin VALIE EXPORT, die mit ihren Kunstaktionen bereits in den 1960er Jahren für die Frauenrechte eintrat. Künstlerin Milo Moiré setzt ihren Körper als Instrument, gar als Waffe ein um Machtstrukturen darzustellen und aufzubrechen. Offensiv sucht sie nach dem weiblichen Ausdruck sexueller Selbstbestimmung und lotet die Grenzen der Kunst und der bürgerlichen Moral aus.

Ad lib
Die Klangskulptur Ad lib. kombiniert eine medizinische Maschine für die automatische Lungenbeatmung mit einigen Orgelpfeifen, die einen musikalischen Akkord im konstanten Rhythmus des mechanischen Atems spielen, und schafft so ein künstliches Organ, das metaphorisch ein mechanisches Requiem ist, das unaufhörlich klingt. Der Titel des Werkes Ad lib., Eine Abkürzung für den lateinischen Ausdruck “ad libitum“, ist eine musikalische Beschriftung, die dem Interpreten Ermessensspielraum bei der Interpretation gibt und es beispielsweise ermöglicht, bestimmte Takte der Partitur “nach Belieben“ zu wiederholen. Die Skulptur soll sich auf die Situation beziehen, in der Menschen, die unter kritischen Gesundheitszuständen leiden, ihr Überleben an ein Atemgerät gebunden sehen und daher im Ermessen derer, die sich um sie kümmern.

Pianographique
Pianographique ist eine Reihe von Kollaborationen der visuellen Echtzeitkünstler Cori O’Lan und Maki Namekawa. Die Visualisierungen sind keine Videos, die mehr oder weniger synchron zur Musik sind, und es ist auch nicht das Spiel des Musikers mit vorgefertigtem Material, sie werden im Moment der Aufführung gemeinsam erstellt. Wie bei den meisten Visualisierungen von Cori O’Lan werden alle grafischen Elemente direkt vom akustischen Material abgeleitet, d. H. Vom Klang der Musik. Zu diesem Zweck wird das Klavier mit Mikrofonen aufgenommen und diese Signale werden dann vom Computer in eine Vielzahl von Informationen über Frequenz, Tonhöhe, Lautstärke, Dynamik usw. umgewandelt. Diese Informationen werden wiederum zur Steuerung des Grafikcomputers verwendet. Erstellen Sie grafische Elemente oder ändern Sie sie auf vielfältige Weise. Da diese Prozesse in Echtzeit stattfinden, besteht eine direkte und ausdrucksstarke Verbindung zwischen Musik und visueller Interpretation. Die Visualisierung wird eigentlich nicht vom Computer „erstellt“, sondern viel mehr von der Musik selbst – der Computer ist eher das Instrument, der Pinsel, der von der Musik gespielt wird.

Schwingungen
“Oscillations” präsentiert eine Gruppe von Statuen aus Bronze, Alabaster, Marmor und Stein, die in einer großen und eindringlichen Installation platziert sind. Die Statuen stellen alte, prähistorische Venus-Statuen dar, die einer Ära vor 15’000 Jahren Ausdruck verleihen, als Frauen zum ersten Mal die Kraft psychoaktiver Substanzen und die Reisen des Geistes erforschten. Humeau navigiert mit diesen Venus zwischen den Welten, während sie Statuen sprechen: Ihre Stimme schafft einen Oszillationsraum zwischen der menschlichen Welt und der Geisterwelt und nimmt die Besucher in diese Art von schamanistischem Ritual mit.

Rote Lichtmaschine
Stahl, Aluminium, Mikroprozessor, Gleichstrommotor, Licht. UJOO + LIMHEEYOUNG ist der Ehemann und die Ehefrau von UJOO- und LIMHEEYOUNG-Medienkünstlern. Seitdem sie zusammenarbeiten, um sich auf den ersten Designwettbewerb im Jahr 2004 vorzubereiten, sind sie an Projekten beteiligt, die verschiedene visuelle Ausdrucksmittel verwenden. KINECT ausdrucksstarke Skulpturen, Zeichnungen und interaktive Echtzeitvideos lösen das Thema Absolutheit

Kreuzfeuer
Der Schwerpunkt der Praxiskommission für Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft lag auf der Untersuchung der immateriellen Eigenschaften des gesprochenen Wortes und der Untersuchung der unsichtbaren Auswirkungen von Schall auf die bewohnte Umgebung. Das Projekt konzentriert sich auf den Kontext eines häuslichen Arguments. In diesem Fall zeigt die Veranstaltung einen Audioauszug aus dem Sam Mendes-Film “American Beauty“ von 1999. Der langsame Dialog zwischen den drei Hauptfiguren des Familienessens gipfelt in einem lauten Aufeinandertreffen von Emotionen. Das Kreuzfeuer des Arguments durchquert den Esstisch, aber wo zuvor die leblosen Alltagsgegenstände wie Teller, Besteck, Teekanne usw. ihren Charakter nicht ausdrücken konnten, verformt die Intensität des Gesprächs ihre einst statische Existenz in Gegenstände unsichtbarer Vertrautheit Die präsentierten Klangartefakte enthalten jeweils eine momentane Emotion des Arguments.

The Life of an Overtaxed Surface
file festival
@> <# !!! ist eine Oberfläche einer beliebigen Maschine, die auf emotionaler Ebene mit den Menschen kommuniziert. Es versucht, interne Prozesse durch eine Veränderung seiner Oberflächenstruktur sichtbar zu machen und auf Wechselwirkungen zu reagieren. Das Ergebnis ist ein spielerisches Handling, das mit einem vorsichtigen Ansatz, reibungslosen Bewegungen und dem Auschecken der Möglichkeiten beginnt. Wenn die Interaktion intensiver wird, wird die Maschine überfordert und zeigt stärkere Reaktionen. Am Ende: völlige Ablehnung, spielt tot, es braucht eine Pause; bis der nächste Benutzer damit interagiert. Ziel Um mit Maschinen arbeiten und umgehen zu können, benötigen wir eine Schnittstelle als Kommunikationsmittel. Wir brauchen es, um zu sagen, was die Maschine zu tun hat, und die Maschine braucht es, um den internen Zustand auszudrücken. Unser Plan war es, eine Maschine zu schaffen, die ihren inneren Prozess oder Zustand emotional ausdrückt. Wir wollten es durch eine Veränderung seiner Form und Struktur sichtbar machen, eine emotionale Kommunikation zwischen Mensch und Maschine ermöglichen und die Maschine ausdrücken kann: "Hey, ich bin überfordert. Bitte komm runter, gib mir eine Pause . " Idee Diese Maschine und ihre Veränderung von Form und Struktur, um auf Interaktion zu reagieren, muss so einfach und abstrakt wie möglich sein. Deshalb haben wir uns entschieden, nur eine Metapher einer Maschine zu verwenden, ihre Oberfläche, ein zweidimensionales Objekt. Wir verwenden eine metallbeschichtete Folie, die stark zerknittert und abstrakte, interessante und anorganische Zufallsstrukturen ergibt. Einfache Bewegungsmuster betonen die Abstraktion. Die goldene Farbe der Folie gewinnt zusätzliche Aufmerksamkeit. Das Endergebnis simuliert ein lebendes Objekt mit Gefühlen, Handlungen und Reaktionen. Die Benutzer behandeln es auf viele verschiedene Arten und wir konnten ein breites Spektrum ihrer Reaktionen beobachten: süßes Ding, verschiedene Arten eines Tieres, hässlich, verängstigt, seltsam, verwirrend, muss sich darum kümmern und manchmal die Frage: Was macht das? Reaktion der Folie über mich, über meine Interaktion mit ihr, üb

with Jean Paul Gaultier & Antoine de Caunes
“MIRROR BOX”
Milo Moiré’s Performance Mirror Box ist eine gesellschaftliche Reflexion der menschlichen Sexualität. Es ist ein erweitertes Reenactment des Tapp- und Tastkinos (1968) und eine Hommage an die aussergewöhnliche Künstlerin VALIE EXPORT, die mit ihren Kunstaktionen bereits in den 1960er Jahren für die Frauenrechte eintrat. Künstlerin Milo Moiré setzt ihren Körper als Instrument, gar als Waffe ein um Machtstrukturen darzustellen und aufzubrechen. Offensiv sucht sie nach dem weiblichen Ausdruck sexueller Selbstbestimmung und lotet die Grenzen der Kunst und der bürgerlichen Moral aus.

آلان راث
Watcher VIII
Alan Rath erkundet die Schnittstelle von Kunst und Technologie und macht Elektronik mit seinen elektrischen, kinetischen und Roboterskulpturen zu einer Kunstform. Wall Throbber (1998) zum Beispiel ist ein Gerät aus Aluminium, Elektronik, einem Lautsprecher und Leuchten, bei dem eine rote Kugel sanft abprallt. Neuere Arbeiten enthalten digitale Medien wie bewegte Bilder auf eine Weise, die die Technologie humanisiert. In Watcher VII (2011) zeigen zwei Bildschirme Nahaufnahmen ausdrucksstarker menschlicher Augen, die aus beiden Seiten einer anthropomorphen Weißmetallstruktur herausragen. Er verleiht diesen Skulpturen lebensechte Qualitäten und geht davon aus, dass Menschen menschliche Qualitäten auf Aufforderung auf Maschinen projizieren und sie sogar als Persönlichkeiten wahrnehmen. Die Arbeit zelebriert das Potenzial der Technologie für das Gute und spielt gleichzeitig auf die Gefahren an, die unter der Oberfläche lauern.

マウリツィオ·カテラン
Маурицио Каттелана
SELBSTUNTERRICHTETER ZEITGENÖSSISCHER ITALIENISCHER KÜNSTLER, DER 1960 IN PADUA GEBOREN WURDE. SEIN KÜNSTLERISCHER VORSCHLAG BEFINDET SICH ZWISCHEN SKULPTUR UND LEISTUNG (KÜNSTLERISCHE MASSNAHMEN, WENN EIN KÜNSTLER ODER EINE KÜNSTLERGRUPPE AN DER VERWENDUNG DES KÖRPERS ALS SKULPTURELEM ELEMENT “LEBEN” VOR DER ÖFFENTLICHKEIT BETRACHTET). Der Sinn für Humor und die Übertragung der etablierten Symbole bilden seine wichtigsten ausdrucksstarken Waffen.

뮤스 건축가
Museum Jerez

Bewegungen und Gesten von Tänzern sind voller Ausdruck und Spannung. Tänzer bringen den faszinierten Betrachter durch die schwingende Bewegung ihrer Hüften, die dekorative Anordnung ihrer Finger und die sanfte Vibration der Zierrüschen in eine innere Welt der Erfahrung und Emotionen. Rhythmische und dynamische Musik versetzt den Zuschauer in eine Welt unglaublicher ästhetischer Gefühle, die alle Sinne erwecken und die Fantasie anregen… So sollte Architektur aussehen, die der Kultur des lebhaften Flamenco gewidmet ist. Standortmanagement und Gebäudeform spiegeln den Flamenco-Geist wider. Innen- und Außenräume des ISMOF-Gebäudes wurden durch die skulpturale Interpretation des Themas geschaffen. Das Bauen von Festkörpern reagiert auf unterschiedliche Höhen des Geländes – es steigt und fällt wie ein sinusförmiges Diagramm dynamischer Schallwellen. Im Erdgeschoss, das von Segelgewölben überdacht ist, befindet sich ein weitläufiger Platz – ein Vordergrund für das interne Bauprogramm. Raumflächen werden nur durch Glasscheiben unterteilt. Infolgedessen dringen innere und äußere Räume in Gewölbe ausdrucksstarker Vordächer ein.

Sound Poem

Studio Schwitters ist Pavel Büchlers Hommage an das Klanggedicht des Dada-Künstlers Kurt Schwitters, The Ursonate, seine „Ursonate“ oder die Vorstellung, wie eine Sonate vor der Erfindung der Sprache ausgesehen und geklungen hätte. Mit einem digitalen deutschen Sprachprogramm ließ Büchler den gesamten Text von The Ursonate lesen und produzierte eindrucksvoll seine eigene außerirdische Interpretation von Schwitters ‘einundzwanzigminütiger Originalversion der Sonate. Das Programm bringt die sehr klassische Struktur von Ursonate entschlossen zum Ausdruck, verändert Inhalt und Struktur radikal und verlängert das Stück auf neununddreißig Minuten. The Ursonate wird von vielen als eines der einflussreichsten und wichtigsten großen Klanggedichte des 20. Jahrhunderts angesehen und von Klangkünstlern auf der ganzen Welt neu interpretiert. Schwitters ‘eigene Aufnahme ging für viele Jahre verloren und tauchte schließlich Ende der 1980er Jahre in Holland auf. Pavel Büchler beschreibt seine Arbeit als „nichts geschehen lassen“ und betrachtet Kunst als Katalysator, um den Alltag und das Offensichtliche als letztendlich bizarr zu enthüllen. Er manipuliert Literatur, gefundene Objekte, alte Audioaufnahmen und Fotografien, veraltete Technologien und andere Medien und macht sie für die Gegenwart relevant.

Opus Tetis
Nachdem sie verschiedene Strömungen künstlerischer Bereiche erforscht hat, findet sie ihren endogenen Ausdruck in der Skulptur.
Ihr plastisches Universum definiert sie durch Gender Studies sowohl sozial als auch sexuell. Ihr ursprünglicher Bezugspunkt ist die Weiblichkeit, die mit Appetit nach ihren Ursprüngen, Fleisch und Blut sucht. Von den ersten Felsmalereien über die Formen des Bodybuildings bis hin zu Barockvolumina verformt, reformiert Luce de Tetis Identitäten und transformiert Grenzen. Sie hinterfragt die Kräfte, die eine männlich-weibliche Beziehung im erotischen Bereich, in der Leistung oder im Machtkampf definieren.Ihre diskrete und humorvolle Arbeit stört und destabilisiert männliche Fantasien und befreit das, was Freud “die Libido” nannte.

汉斯·哈克
הנס האקה
ハンス·ハーケ
Ханс Хааке
Germania
Haackes Installation Germania verwies ausdrücklich auf die Wurzeln des Pavillons in der Politik des nationalsozialistischen Deutschlands. Haacke riss den Boden des deutschen Pavillons auf, wie es Hitler einst getan hatte. 1993 sieht der Betrachter durch die Türen des Pavillons hinter dem kaputen Boden das Wort an der Wand: “Germania”, Hitlers Name für Nazi-Berlin

Айрис Ван Эрпен
イリス ヴァン ヘルペン
„Mode ist für mich ein Ausdruck von Kunst, der sehr eng mit mir und meinem Körper verbunden ist.
Ich sehe es als Ausdruck meiner Identität, kombiniert mit Verlangen, Stimmungen und kulturellem Umfeld.
In all meinen Arbeiten versuche ich klar zu machen, dass Mode ein künstlerischer Ausdruck ist, Kunst zeigt und trägt und nicht nur ein funktionales und ohne Inhalt oder kommerzielles Werkzeug. Mit meiner Arbeit möchte ich zeigen, dass Mode sicherlich einen Mehrwert für die Welt haben kann, dass sie zeitlos sein kann und dass ihr Konsum weniger wichtig sein kann als ihr Anfang. Das Tragen von Kleidung schafft eine aufregende und zwingende Form des Selbstausdrucks. “Form folgt Funktion” ist kein Slogan, dem ich zustimme. Im Gegenteil, ich finde, dass Formen den Körper und damit die Emotionen ergänzen und verändern. Bewegung, die für und im Körper so wichtig ist, ist in meiner Arbeit genauso wichtig. Indem ich Form, Struktur und Materialien auf neue Weise zusammenbringe, versuche ich, optimale Spannung und Bewegung vorzuschlagen und zu realisieren. “

Шахира Хаммад
Asemic Forest – Westbahnhof Train Station

Dieses Projekt stellt meine Diplomarbeit für das Postgraduiertenprogramm „Übermäßig“ an der Fachhochschule Wien 2012 dar. Wir wurden gebeten, uns einen neuen Bahnhof für Wien vorzustellen, der den bestehenden Westbahnhof entweder modifizieren oder ersetzen würde. Ich entschied mich dafür, das bestehende Gebäude beizubehalten, es aber mit Strukturen zu kontaminieren, die eine Komplexität ausdrücken würden, die jetzt fehlt. Meine Intervention war sowohl von der Natur als auch von der Kultur inspiriert und beabsichtigt, über ihre polemischen Eigenschaften hinaus das zurückzubringen, was in der Wissenschaft als spontane Ordnung bezeichnet wird. Dies ist keine Störung im gesunden Menschenverstand, obwohl sie dieses Aussehen haben könnte. Es ist offensichtlich eine Reaktion gegen übermäßigen Rationalismus und Rationalisierungen. Ja, es ist übertrieben, aber im Wesentlichen versucht es nichts anderes, als die in der Natur vorhandenen Komplexitäten in das städtische Gefüge zu bringen. In gewisser Weise ist mein „Projekt“ nicht wirklich ein „Projekt“, da ich das, was ich mir vorgestellt hatte, fast von selbst „natürlich“ entstehen ließ und nicht nur äußere, sondern auch innere Realitäten zum Ausdruck brachte. Wir könnten sagen, dass dies vielleicht ein epimethisches Werk ist, im Gegensatz zu Promethean, dh ein Werk, in dem das Denken danach kommt. Das Verhältnis zwischen Ursache und Wirkung ist also kreisförmig und nicht linear. Alles in allem ist dies eine architektonische Meditation über Auch die Zeit, da die Strukturen, die ich mir vorgestellt habe, Metamorphose, Zeitablauf, Veränderung, Vergänglichkeit und sogar Verfall widerspiegeln… Themen, die wiederum von herkömmlichen Architekturen vernachlässigt werden. Wenn das Chaos seiner negativen Konnotationen beraubt wird, haben wir vielleicht wieder die Chance, die positiven Aspekte der sogenannten „spontanen Ordnung“ zu erreichen.