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SKYLAR TIBBITS

Impression de Roche
Le monde est « sur le point d’être révolutionné » par l’impression 3D depuis des années maintenant, mais à part le prototypage rapide, les selfies 3D et la maison imprimée en 3D occasionnelle, nous n’en voyons pas grand-chose tous les jours. Alors pourquoi cette technologie n’a-t-elle pas révolutionné les infrastructures modernes ? L’une des raisons est qu’il doit encore concurrencer le béton, l’un des matériaux les moins chers, les plus polyvalents et les plus efficaces de l’histoire de l’architecture. Lors de la Biennale d’architecture de Chicago, le Self-Assembly Lab du MIT et Gramazio Kohler Research de l’ETH Zurich ont présenté un processus qui pourrait enfin assembler le béton, en utilisant uniquement une extrudeuse d’impression 3D, des roches, des cordes et une conception intelligente.

YANN MARUSSICH

der Würfel
„The cube“ ist der zweite Teil des neuen kreativen Zyklus der Performerin. Immer auf der Suche nach den Grenzen des Körpers, versinkt er buchstäblich im Beton.

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“The cube” is the second part of the performer’s new creative cycle. Always looking for the limits of the body, it literally sinks into the concrete.

IRIS VAN HERPEN

Übersicht
Für Syntopia arbeitet Van Herpen mit den Künstlern Lonneke Gordijn und Ralph Nauta von Studio Drift zusammen, deren biomische Kunstwerke natürliche Prozesse übersetzen, indem sie zarten, immersiven Skulpturen durch Bewegung Leben einhauchen[…] Der lebendige Glasvogel fließt in Symbiose mit den Modellen, während sie sich bewegen über dem Laufsteg betont ihr zartes Zusammenspiel die Zerbrechlichkeit neuer Welten, die zusammen leben und aufsteigen.

MATTHIAS OOSTRIK

A TRAIL OF WATER
DE LICHTINSTALLATIE EEN SPOOR VAN WATER IN DE NEDERLANDSE STAD ASSEN STAAT EEN WATERSPOOR IN EEN SPOORVOORPANG. ELKE TREIN DIE GAAT ACTIVEERT EEN UNIEKE LICHTCOMPOSITIE, OPGENOMEN IN DE BESTRATING EN DE BEPLANTING VAN HET OVERPASS: EEN WATERVAL VAN LICHT DIE OVER HAAR BETON NAAR AARDE NAAR BENEDEN EN OVER HAAR OVERGEGROEIDE HELLINGEN kronkelt. GELEGEN IN EEN HISTORISCHE KREEKBEdding, VERBINDT EEN WATERSPOOR DE NATUURLIJKE WATERSTROOM MET DE HEDENDAAGSE STEDELIJKE VERKEERSSTROMEN VAN DE SITE.

STUDIO DRIFT

Betonsturm
Auf den ersten Blick erleben die Besucher feste Formen, die sich auf minimalistische Motive stützen und die stabilen Eigenschaften von Beton unterstreichen. Während des Tragens der HoloLens betreten die Betrachter eine gemischte Realität, die durch reaktionsschnelle Hologramme belebt wird, die die physische Umgebung der Installation erweitern. Mit Concrete Storm erforscht DRIFT die Schicht zwischen den parallelen Welten, wobei die reale und die virtuelle Welt nebeneinander existieren. Die Aufmerksamkeit der Menschen wird nun ständig zwischen diesen beiden Welten aufgeteilt, in denen sie koexistieren. Die Künstler glauben, dass sie durch die Kombination dieser beiden scheinbar getrennten Welten die unbegrenzten Möglichkeiten der unaufhaltsamen Evolution untersuchen können. Concrete Storm erweitert die Grenzen der digitalen Welt, befreit von Bildschirmen und integriert in das Gewebe der physischen Existenz.

LINA GHOTMEH

Licht in Wasser Installation
“Licht im Wasser“ ist eine ortsspezifische Installation, die ein eindringliches und emotionales Erlebnis bieten soll. Es wurde zuvor auf der Mailänder Designwoche 2011 vorgestellt. Die Installation nutzte den einzigartigen Status des Veranstaltungsortes – einer der ältesten Betonkuppeln in Paris. Die Installation wurde daher an die kreisförmige Form des Raums angepasst und definierte das innere Heiligtum als „Ort zum Sein“ und einen äußeren Bereich als Raum für einen Zuschauer. An der Decke befinden sich 16 Ringe aus Schlitzrohren. Aus jedem Loch fallen jede Minute 60 Tropfen Wasser; Insgesamt zirkulieren 3 Tonnen Wasser im Raum. Die LED-Leuchten vibrieren zwischen Ein und Aus mit Frequenzen im kürzesten Intervall von 7 μs, sodass der Betrachter einen Lichtpunkt im Wasser bis zu 6000 μs materialisieren kann, an dem Licht zur Wasserlinie wird.

LORIS CECCHINI

Der unbeschreibliche Gärtner
“Loris zieht eine starke Anziehungskraft auf die Komposition, die durch die Verschmelzung von Leben und Kunst entsteht. In seinen Kreationen bezieht er häufig Segmente aus verschiedenen wissenschaftlichen Bereichen ein, zum Beispiel Chemie und Spitzentechnologie. Nach dieser philosophischen Linie ist der Begriff des organischen Elements einer der Hauptbestandteile und wesentlichen Konzepte seiner Arbeit. Dieser Begriff dient einem doppelten Zweck, mit der Absicht, ein bestimmtes Objekt und seine Relevanz in der materiellen Welt zu erforschen, aber auch den minimalistischen Ansatz im Kunsthandwerk zu betonen.” Hugo Hess

Vitus Schuhwerk & Till Maria Jürgens

The Life of an Overtaxed Surface
file festival
@> <# !!! ist eine Oberfläche einer beliebigen Maschine, die auf emotionaler Ebene mit den Menschen kommuniziert. Es versucht, interne Prozesse durch eine Veränderung seiner Oberflächenstruktur sichtbar zu machen und auf Wechselwirkungen zu reagieren. Das Ergebnis ist ein spielerisches Handling, das mit einem vorsichtigen Ansatz, reibungslosen Bewegungen und dem Auschecken der Möglichkeiten beginnt. Wenn die Interaktion intensiver wird, wird die Maschine überfordert und zeigt stärkere Reaktionen. Am Ende: völlige Ablehnung, spielt tot, es braucht eine Pause; bis der nächste Benutzer damit interagiert. Ziel Um mit Maschinen arbeiten und umgehen zu können, benötigen wir eine Schnittstelle als Kommunikationsmittel. Wir brauchen es, um zu sagen, was die Maschine zu tun hat, und die Maschine braucht es, um den internen Zustand auszudrücken. Unser Plan war es, eine Maschine zu schaffen, die ihren inneren Prozess oder Zustand emotional ausdrückt. Wir wollten es durch eine Veränderung seiner Form und Struktur sichtbar machen, eine emotionale Kommunikation zwischen Mensch und Maschine ermöglichen und die Maschine ausdrücken kann: "Hey, ich bin überfordert. Bitte komm runter, gib mir eine Pause . " Idee Diese Maschine und ihre Veränderung von Form und Struktur, um auf Interaktion zu reagieren, muss so einfach und abstrakt wie möglich sein. Deshalb haben wir uns entschieden, nur eine Metapher einer Maschine zu verwenden, ihre Oberfläche, ein zweidimensionales Objekt. Wir verwenden eine metallbeschichtete Folie, die stark zerknittert und abstrakte, interessante und anorganische Zufallsstrukturen ergibt. Einfache Bewegungsmuster betonen die Abstraktion. Die goldene Farbe der Folie gewinnt zusätzliche Aufmerksamkeit. Das Endergebnis simuliert ein lebendes Objekt mit Gefühlen, Handlungen und Reaktionen. Die Benutzer behandeln es auf viele verschiedene Arten und wir konnten ein breites Spektrum ihrer Reaktionen beobachten: süßes Ding, verschiedene Arten eines Tieres, hässlich, verängstigt, seltsam, verwirrend, muss sich darum kümmern und manchmal die Frage: Was macht das? Reaktion der Folie über mich, über meine Interaktion mit ihr, üb

SUSANA SOARES

Insects au Gratin

Das Projekt sucht nach neuen Wegen, Insekten zu konsumieren, und diskutiert die Nährstoff- und Umweltaspekte von Insekten als menschliche Nahrung. Durch die Kombination von Entomophagie mit neuen 3D-Technologien für den Lebensmitteldruck ermutigt Insects au gratin die Menschen, über nachhaltigere Ernährungsweisen nachzudenken. “Warum nicht Insekten essen?” Dies war die Frage, die Vincent Holt 1885 stellte, als er im St. Paul Daily Globe vorschlug, dass Insekten als primäre Nahrungsquelle für den Menschen dienen könnten. Während die Idee von den Viktorianern abgelehnt wurde, haben Insekten an vielen Orten auf der Welt eine lange Geschichte als Nahrung. Wie Holt betonte, sind Insekten alle Gemüsefresser, sauber, schmackhaft, gesund und in ihrer Fütterung entschieden spezifischer als wir ‘. Sie sind auch enorm effizient bei der Umwandlung von Vegetation in essbares Protein. 100 kg Futter produzieren 40 kg Grillen, aber nur 10 kg Rindfleisch. Insekten Au Gratin sucht nach neuen Wegen, Insekten zu verzehren, und diskutiert die Nährstoff- und Umweltaspekte von Insekten als menschliche Nahrung. Einer der Aspekte, der Menschen davon abhält, Insekten zu essen, hat nicht nur mit dem kulturellen Hintergrund zu tun, sondern auch mit der Ästhetik der Gerichte selbst.

Violet Dennison

MUMBO JUMBO
En utilisant des matériaux de son environnement urbain, y compris du béton et des tasses à café, Violet Dennison crée des sculptures qui répondent aux conditions de travail modernes. Alors que ses sculptures abordent les conditions de travail terne avec esprit et parfois avec un ton moqueur, elle rejette des termes comme la satire comme trop restrictifs, déclarant qu’elle veut «que l’art soit plus ouvert que cela». Ses dernières séries d’œuvres évocatrices proviennent de chaises de bureau trouvées, qu’elle a démontées et re-combinées avec des arrangements fantaisistes composés de matériaux industriels quotidiens tels que les barres d’armature.

Heiner Goebbels

The experience of things
Diese Dokumentation begleitet die Entstehung des Musiktheaterstücks „Stifters Dinge” von Heiner Goebbels und macht die Zuschauer zu Augen- und Ohrenzeugen eines kreativen Arbeitsprozesses, der den Künstler auch und vor allem als Techniker fordert: Ganz ohne Schauspieler und Musiker schafft Goebbels ein modernes multimediales Gesamtkunstwerk, das auf Texten Adalbert Stifters basiert und so unterschiedliche Elemente wie ethnografisch-historische Aufnahmen aus Papua-Neuguinea von 1905, automatisch spielende Klaviere und Geräusche von aneinander reibenden Betonplatten in der Tradition der musique concrète kombiniert und diese Tradition neu zu definieren vermag. Zur Londoner Premiere schrieb The Telegraph:” Stifter‘s Dinge: who cares what it is? It‘s terrific” – Stifters Dinge: Wen kümmert es, was das ist? Es ist großartig.

ANDREAS ANGELIDAKIS

アンドレアス・アンジェリダキス

Ein Kunstwerk zu verstehen ist keine einfache Aufgabe. Wir wissen nicht immer, was im Kopf des Autors vor sich geht, seine Motivationen und seine Ideen. Wenn wir also die Bedeutung einer Arbeit wie dem Hand House kennen, einem konzeptionellen Projekt des griechischen Architekten Andreas Angelidakis, erkennen wir, wie großartig der Prozess des künstlerischen Schaffens ist. Angelicakis kritisierte den Lebensstil der amerikanischen Großstadt Los Angeles mit surrealistischer Ästhetik . Das Handhaus ist eine Residenz, aber nicht wie jede andere: Seine Formen repräsentieren eine Stadt in einem Zustand der Paranoia, entweder aufgrund der Kultur der Verehrung der dort lebenden Prominenten oder der Angst vor Naturkatastrophen (weil es sich oben befindet Los Angeles ist ein geologischer Fehler und leidet unter häufigen Erdbeben. Die Räume des Hauses (Esszimmer, Wohnzimmer, Küche, Schlafzimmer) sind in zwei großen hohlen Betonblöcken installiert, die an einem Berg hängen – die Absicht ist, sie zu verwandeln in Orte der Dunkelheit und völligen Isolation. Als wir diese „Höhlen“ verließen, fanden wir ein Wasserreservoir, fast einen künstlichen Strand, ein klarer Hinweis auf William Mulholland, Ingenieur, der in den 1920er Jahren für die Arbeiten des Wasserverteilungssystems in Los Angeles verantwortlich war, ein grundlegender Faktor für das Wachstum der Stadt Betonarm kommt aus dem Wasser. Auf der ausgestreckten Seite befindet sich der Raum, der für den Empfang der Gäste reserviert ist: eine Glasbox ohne Privatsphäre, die die gesamte Exposition des Privatlebens von Prominenten gegenüber der Gesellschaft darstellt.

 

IÑIGO MANGLANO-OVALLE

Иньиго Manglano-Оваллье
Manglano-Ovalles technologisch anspruchsvolle Skulpturen und Videoinstallationen verwenden natürliche Formen wie Wolken, Eisberge und DNA als Metaphern für das Verständnis sozialer Probleme wie Einwanderung, Waffengewalt und menschliches Klonen. In Zusammenarbeit mit Astrophysikern, Meteorologen und medizinischen Ethikern nutzt Manglano-Ovalle außerirdische Funksignale, Wettermuster und biologischen Code und wandelt reine Daten in digitale Videoprojektionen und Skulpturen um, die durch Computer-Rendering realisiert wurden. Seine Strategie, die Natur durch Informationen darzustellen, führt zu einer Untersuchung der zugrunde liegenden Kräfte, die den Planeten formen, sowie der Punkte menschlicher Interaktion und Eingriffe in die Umwelt. Manglano-Ovalle beschäftigt sich mit Schnittpunkten zwischen lokalen und globalen Gemeinschaften und betont die Komplexität von Ökosystemen.

JIRO TAKAMATSU

高松次郎

Inspirée par des images d’ombres dans la peinture et les gravures sur bois japonaises du XIXe siècle, ainsi que par des ombres réelles projetées sur des portes coulissantes en papier dans des environnements domestiques, la série Shadow Painting de Takamatsu (1964–98) a étudié les fondements formels de la peinture à travers des représentations délicates de ombres (de clés ou de figures humaines) en émail et acrylique. La série rappelle également les empreintes figuratives laissées sur les murs laissés après la destruction nucléaire d’Hiroshima. Takamatsu s’est bridé à l’essentialisation du matériau et du médium au milieu du siècle, préférant plutôt un excès de l’ancien et, semblable à des artistes comme Eva Hesse, a créé des sculptures telles que Slack of Net (1968-1969) qui s’affaissaient et s’inclinaient sous l’effet de la gravité. Son Unicité du béton (1971) a pris la forme d’un gros bloc brisé en centaines de fragments, une ruine faite de monument qui contestait la suprématie du cube minimaliste.

GREGORY BARSAMIAN

Lather
Gregory Barsamians Arbeit existiert in einer tiefen Konfrontation mit der Realität. Theatralisch in dem Sinne, dass es in einem abgedunkelten Raum vor einem passiv engagierten Publikum stattfindet, verlässt sich seine Skulptur fast vollständig auf den Betrachter, denn was der Betrachter sieht, scheinbar vollständig präsent und greifbar, ist tatsächlich nicht da. Diese konstruierten Illusionen sind Produkte der unbewussten Reaktion des Betrachters und erzeugen einen Konflikt zwischen sensorischer Information und Logik, eine Konfrontation, die auf einen Traumzustand hindeutet. Barsamian hat mithilfe von Animationen einen Weg gefunden, Bilder sichtbar zu machen, die normalerweise im Unterbewusstsein verborgen sind – Bilder, die normalerweise nur während des Träumens zugänglich sind. Seine Arbeit ist seltsamerweise solipsistisch und impliziert für den Betrachter, dass nichts existiert und dass selbst wenn etwas existiert, nichts darüber bekannt sein kann. Vielleicht weil Barsamian kein ausgebildeter Künstler ist (sein Abschluss ist in Philosophie), ist er besonders empfänglich für Erweiterungen Definitionen des Kunstobjekts. Dies hat es ihm ermöglicht, über die Grenzen von Präsentations- und Themengenres hinaus zu konzipieren. Seine Arbeit ist geprägt von der Jungschen Psychologie, Traumtheorien aller Art und neueren Forschungen zur Neurologie des Träumens. Er interessiert sich besonders für Unterschiede zwischen dem Bewusstsein und dem Unterbewusstsein. Wie er kürzlich in einer Erklärung betonte: „Bewusstsein… ist auf eine ziemlich langsame (15 bis 20 Bit pro Sekunde), trottende Art und Weise zu bemerkenswerten Taten der Vernunft fähig… die Sinne bringen 20 Millionen Bit Information pro Sekunde ein. Unser Verstand verarbeitet und handelt tatsächlich auf eine Weise, die dem Bewusstsein völlig unbekannt ist. Im Unterbewusstsein erleben wir Dinge nicht durch die Grenzen des Bewusstseins, sondern durch den vollen Strom, der uns von allen Sinnen gebracht wird. “

GUN ARCHITECTS

Water Cathedral

Le pavillon est une initiative horizontale composée de suspension d’éléments verticaux à différentes hauteurs et densités, naturellement afin de sculpter des espaces par des composantes pyramidales qui sont en tissu et en béton pour imiter les stalactites et stalagmites trouvés dans les grottes.
Soutenus par un cadre en acier extérieur minimal, les cônes inversés sont suspendues à partir d’une grille métallique pour capturer l’eau de pluie dans un sac en plastique. Coulant goutte à goutte, avec des impulsions et des vitesses différentes, les gouttes d’eau sortent du revêtement textile pour générer une atmosphère fraîche pour les visiteurs sous la canopée. Les stalagmites formées de blocs de bétondoubles bancs, les personnes plaçant stratégiquement sous les jets d’eau.
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