highlike

quantum gate
Edgar Froese – Thorsten Quaeschning – Ulrich Schnauss – Hoshiko Yamane
Quantum Gate is roughly the 150th release and roughly 30th main studio album by Tangerine Dream. It is the first full-length album since the death of founder Edgar Froese in 2015, and is largely based on ideas and musical sketches left by Froese.The album was preceded by and is companion to the 2015 mini-album Quantum Key.
This album earned the group the most press they have had since the release of 1988’s Optical Race due to the revived interest in the group following Froese’s death

.

Quantum Gate (2017) ist ungefähr die 150. Veröffentlichung und das ungefähr 30. Hauptstudioalbum von Tangerine Dream. Es ist das erste Full-Length-Album seit dem Tod des Gründers Edgar Froese im Jahr 2015 und basiert weitgehend auf Ideen und musikalischen Skizzen, die Froese hinterlassen hat. Dem Album ging das Mini-Album Quantum Key aus dem Jahr 2015 voraus und ist dessen Begleiter.
Dieses Album brachte der Gruppe die meiste Presse ein, die sie seit der Veröffentlichung von Optical Race von 1988 aufgrund des wiederbelebten Interesses an der Gruppe nach Froeses Tod hatte

Ring (do/undo/redo)
Auf Initiative der Stadt Leipzig wurde die Installation für einen Partizipationsprozess und die Zusammenarbeit mit mehreren lokalen NGOs und Aktivisten mit den Schwerpunkten Jugend, Zukunft und Nachhaltigkeit geöffnet. Die während des Prozesses erarbeiteten Ideen und zwei Workshops, die im Juni und August in Leipzig stattfanden, haben sowohl den Videoinhalt als auch die endgültige Definition der Wand beeinflusst.

Ich arbeite mit mehreren verschiedenen Medien, normalerweise mehr oder weniger gleichzeitig. Skulptur, Installation, Video- / Filmarbeiten und Holzschnitte. Der Ausgangspunkt für meine Arbeit ist immer die persönliche Erfahrung und das tatsächliche physische Material, mit dem ich arbeite. Ein wiederkehrendes Thema ist der Wunsch nach Kontrolle und das Interesse an den Situationen, in denen es zusammenbricht. Das „Aufrechterhalten des Aussehens um jeden Preis“, die tatsächlichen Kosten dafür und die Momente oder Situationen, in denen die Kontrolle verloren geht und das Chaos unter den Oberflächen. Dahinter liegt die Angst vor dem Scheitern und der anschließende Fall in einen undefinierten Abgrund. Für mich ist das nicht nur ein psychologischer oder existenzieller Zustand, sondern ebenso ein politischer Zustand. Die Skulpturen beziehen sich auf ähnliche Ideen rund um Kontrolle / Chaos, Oberfläche / was darunter liegt, lebendig / tot usw. Aber es geht auch darum, etwas wiederzugewinnen. Für mich sind sie Versuche, das Leben aus dem Reich der Toten zurückzubringen, wie animistische Anrufungen und ein Weg, eine zunehmend entmystifizierte Welt wieder zu verzaubern. data-text=”Ich arbeite mit mehreren verschiedenen Medien, normalerweise mehr oder weniger gleichzeitig. Skulptur, Installation, Video- / Filmarbeiten und Holzschnitte. Der Ausgangspunkt für meine Arbeit ist immer die persönliche Erfahrung und das tatsächliche physische Material, mit dem ich arbeite. Ein wiederkehrendes Thema ist der Wunsch nach Kontrolle und das Interesse an den Situationen, in denen es zusammenbricht. Das „Aufrechterhalten des Aussehens um jeden Preis“, die tatsächlichen Kosten dafür und die Momente oder Situationen, in denen die Kontrolle verloren geht und das Chaos unter den Oberflächen. Dahinter liegt die Angst vor dem Scheitern und der anschließende Fall in einen undefinierten Abgrund. Für mich ist das nicht nur ein psychologischer oder existenzieller Zustand, sondern ebenso ein politischer Zustand. Die Skulpturen beziehen sich auf ähnliche Ideen rund um Kontrolle / Chaos, Oberfläche / was darunter liegt, lebendig / tot usw. Aber es geht auch darum, etwas wiederzugewinnen. Für mich sind sie Versuche, das Leben aus dem Reich der Toten zurückzubringen, wie animistische Anrufungen und ein Weg, eine zunehmend entmystifizierte Welt wieder zu verzaubern.” Ich arbeite mit mehreren verschiedenen Medien, normalerweise mehr oder weniger gleichzeitig. Skulptur, Installation, Video- / Filmarbeiten und Holzschnitte. Der Ausgangspunkt für meine Arbeit ist immer die persönliche Erfahrung und das tatsächliche physische Material, mit dem ich arbeite. Ein wiederkehrendes Thema ist der Wunsch nach Kontrolle und das Interesse an den Situationen, in denen es zusammenbricht. Das „Aufrechterhalten des Aussehens um jeden Preis“, die tatsächlichen Kosten dafür und die Momente oder Situationen, in denen die Kontrolle verloren geht und das Chaos unter den Oberflächen. Dahinter liegt die Angst vor dem Scheitern und der anschließende Fall in einen undefinierten Abgrund. Für mich ist das nicht nur ein psychologischer oder existenzieller Zustand, sondern ebenso ein politischer Zustand. Die Skulpturen beziehen sich auf ähnliche Ideen rund um Kontrolle / Chaos, Oberfläche / was darunter liegt, lebendig / tot usw. Aber es geht auch darum, etwas wiederzugewinnen. Für mich sind sie Versuche, das Leben aus dem Reich der Toten zurückzubringen, wie animistische Anrufungen und ein Weg, eine zunehmend entmystifizierte Welt wieder zu verzaubern.”

Ich denke
Die empfangenen Rohsignale dienen als Eingabedaten für ein neuronales Netzwerk, das auf menschlichen Theorien und Ideen von Außerirdischen trainiert wurde. Jetzt versucht es verzweifelt, dieses Wissen anzuwenden und mögliche Botschaften anderer Zivilisationen im Rauschen des Universums zu entdecken. Mysteriöse Geräusche erklingen, wenn die künstliche Intelligenz immer tiefer in die außerirdischen Daten eindringt und dort schließlich den ultimativen Beweis findet. Die Klanginstallation dreht sich um eine der ältesten Fragen der Menschheit – eine, die niemals widerlegt werden kann: Sind wir allein im Universum? ?

ZERO
Tanzkompanie Heidelberg

Nanine Linning is responsible for die best niederländischen Choreographers. After the successful performance “Synthetic Twin”, the fiery “Requiem” and the apokalyptic “Voice Over” she is once again going big. ‘ZERO’ is an excitement Crossover, In which Dance, Game, Film, Music and costumes – by Iris van Herpen – ensure that you are short of eyes and ears. Was it born there when the world changed drastically? What are people different in the last hours before everything else? To the spherical music of, among others, Julia Wolf, Ralph Vaughan Williams, Arvo Pärt and Philip Glass phantasieren von Linning und Haarspangen von faszinierenden Ideen.

駕籠 真太郎
신타로 카고
Синтаро Каго
Seltsame und verdrehte Illustrationen des Japaners Shintaro Kago, dem großen und gequälten Mangaka-Vorläufer der „modischen Paranoia“. Surreale Illustrationen, in denen er nicht zögert, seine Konzepte in vollen Zügen zu nutzen, um seine Ideen mit Humor auszudrücken. Einige unglaubliche Bilder inmitten der Kritik an der modernen japanischen Gesellschaft…

Versions
Versions ist ein laufendes Projekt von Oliver Laric, das sich mit historischen und zeitgenössischen Ideen in Bezug auf Bildhierarchien befasst. Es wird vorgeschlagen, dass gegenwärtige Methoden der kreativen Produktion die Hierarchie eines authentischen oder auratischen „Originalbildes“ in Frage stellen. Anstatt ein primäres Objekt zu privilegieren, schlägt Versions eine Neuausrichtung für die Bilderzeugung vor, bei der Bootlegs, Kopien und Remixe im Zeitalter der digitalen Produktion zunehmend „Originale“ an sich reißen.
Versionen nehmen verschiedene Formen und Iterationen an, darunter eine Reihe von Monologen im Dokumentarfilmstil über montierten Bildern und Videoclips, Polyurethanabgüsse, die auf reformationsgeschädigten religiösen Figuren basieren, eine neu herausgegebene Bootleg-Veröffentlichung von Margaret Biebers Ancient Copies (ein akademischer Text, der sich mit dem Thema befasst) Protraktion der griechischen Ästhetik in die römische Kunst) sowie andere Skulpturen und angeeignete Gegenstände, die die zeitgenössische Bildzirkulation und ihren Austausch durch gegenwärtige und historische Bedingungen erklären.
Das Projekt dient als konzeptioneller Bezugspunkt für den Rest von Larics Praxis, in der eine abgeflachte Bildwirtschaft für die kreative Produktion abgebaut wird und dabei die Konsequenzen für die Hybridität in der zeitgenössischen Kultur untersucht werden. Aktuelle Soloprojekte umfassen: Versionen bei MIT List Visual Arts Center, CAS Annual Award im Lincoln Museum, Art Statements Einzelpräsentation auf der Art | 43 | Basel, Getränkekritik in der Skulpturhalle Basel, Frieze Projects auf der Frieze Art Fair 2011.

アンドレアス・アンジェリダキス

Ein Kunstwerk zu verstehen ist keine einfache Aufgabe. Wir wissen nicht immer, was im Kopf des Autors vor sich geht, seine Motivationen und seine Ideen. Wenn wir also die Bedeutung einer Arbeit wie dem Hand House kennen, einem konzeptionellen Projekt des griechischen Architekten Andreas Angelidakis, erkennen wir, wie großartig der Prozess des künstlerischen Schaffens ist. Angelicakis kritisierte den Lebensstil der amerikanischen Großstadt Los Angeles mit surrealistischer Ästhetik . Das Handhaus ist eine Residenz, aber nicht wie jede andere: Seine Formen repräsentieren eine Stadt in einem Zustand der Paranoia, entweder aufgrund der Kultur der Verehrung der dort lebenden Prominenten oder der Angst vor Naturkatastrophen (weil es sich oben befindet Los Angeles ist ein geologischer Fehler und leidet unter häufigen Erdbeben. Die Räume des Hauses (Esszimmer, Wohnzimmer, Küche, Schlafzimmer) sind in zwei großen hohlen Betonblöcken installiert, die an einem Berg hängen – die Absicht ist, sie zu verwandeln in Orte der Dunkelheit und völligen Isolation. Als wir diese „Höhlen“ verließen, fanden wir ein Wasserreservoir, fast einen künstlichen Strand, ein klarer Hinweis auf William Mulholland, Ingenieur, der in den 1920er Jahren für die Arbeiten des Wasserverteilungssystems in Los Angeles verantwortlich war, ein grundlegender Faktor für das Wachstum der Stadt Betonarm kommt aus dem Wasser. Auf der ausgestreckten Seite befindet sich der Raum, der für den Empfang der Gäste reserviert ist: eine Glasbox ohne Privatsphäre, die die gesamte Exposition des Privatlebens von Prominenten gegenüber der Gesellschaft darstellt.

Schnitzelprinz
via highlike submit

Bildstein | Glatz Schnitzelprinz, 2010 wood, screws 340 x 540 x 255 cm BANALES, ABSURDES, DUMMES, ÜBERSEHENES, UNRELEVANTES, VERBORGENES, FALSCHES UND UNSINNIGES ODER: LASSEN WIR UNS WENDEN! (…) Der Schnitzelprinz (2010), den sie für die Ausstellung “Der Blitz schlägt nie zweimal am selben Ort” ein entwickelt haben, fungiert als Perspektivenwender. Holzfaserplatten und Latten fügen sich zu einer skulpturalen Apparatur zusammen: Zwei halbrund gebogene Platten formen eine Art Rutsche. Wer sich oben hineinstürzt kommt unten gewendet heraus, erlebt die Temporary Gallery neu. Indem er den Rutschtenden um die eigene Achse vom Bauch auf den Rücken oder umgekehrt wendet, erzeugt der Schnitzelprinz einen „Rundumblick“: plötzlich steht die Welt Kopf! Auch wenn die „Rutsche“ offiziell nicht zur Benutzung freigegeben wird, implizieren Bewegung und Form die Möglichkeit des „Wendens“. Dem Schnitzelprinzen liegt die empiristische Überlegung zu Grunde, dass Bedeutung maßgeblich durch sinnliche Wahrnehmung bestimmt ist. Verändert sich ein Sinneseindruck, reguliert er unser Weltkonstrukt – kurz: was wir wahrnehmen erzeugt Ideen. Im Gedankenexperiment werden wir aufgefordert, Grundvoraussetzungen bildnerischen Sehens und Wahrnehmens zu reflektieren. Bisherige Annahmen über unsere Umwelt erweisen sich als falsch, der zufälligen Anatomie des menschlichen Körpers geschuldet. Wir müssen uns davon lösen, zufällig Wahrgenommenes als Wirklichkeit zu begreifen. Die Werke setzen ihre eigene Unabgeschlossenheit voraus. Denn um Fragen aufzuwerfen, ist es nicht nötig, Antworten zu liefern: Wir sollen weiterdenken! Deshalb legen die Künstler Spuren für den Rezipienten, der dem Experiment mit Raum, Körper und Apparatur selbst auf die Schliche kommen soll: Was wäre wenn…? Sie erforschen die Wahrnehmung des Raumes und der umliegenden Kunstwerke, die sich in der Temporary Gallery befinden: Nina K. Doeges pinke Schläuche etwa fallen nicht mehr in einer Kaskade von oben herab, sondern wachsen wie Ranken der Decke entgegen. (…) Andrea Günther, 2010.

In Übereinstimmung mit seinen früheren Kollektionen zerstört seine Arbeit das Thema Organismus in der Mode. Die Arbeit, die oft stark von der Natur beeinflusst wird, flirtet nicht nur mit den Ideen des Viszerals, sondern nimmt auch eine explorative Haltung zur menschlichen Figur und ihrem Zustand ein. Seine verführerischen Entwürfe sind in ständigem Wandel zwischen: Fluidität und Starrheit; Schönheit und Entstellung; Abstraktion und Form; Dunkelheit und Leichtigkeit. Ein Weg nach Asher! Wir können es kaum erwarten, mehr von Ihnen zu sehen.

Леббеус Вудс
レベウス・ウッズ
RADICAL RECONSTRUCTION

Woods’ Entwürfe sind bekannt für ihre destruktiven, verstörenden Momente. Zur Ausführung gelangten die wenigsten – gleichwohl inspirierten seine radikalen Ideen nicht nur andere Architekten, sondern auch Filmemacher: Er war zu großen Teilen für das Design von Alien 3 verantwortlich. Die Produzenten von 12 Monkeys verklagte er erfolgreich, weil sie ohne sein Wissen eine seiner Zeichnungen als Filmset adaptiert hatten. Viele Werke erinnern an Science-Fiction, gleichzeitig thematisieren sie aber auch die Vergangenheit. Die visuelle Spannung, die im Nebeneinander von Konstruktion und Zerfall gründet, erinnert nicht zufällig an die Zeichnungen Piranesis.In Woods’ Visionen sind das Gewaltmoment und das Motiv des Krieges allgegenwärtig: Er zeichnet ein San Francisco, in dem sich nach einem Erdbeben, und ein Sarajevo, in dem sich nach dem Krieg Spuren der Zerstörung und der Wiederauferstehung verbinden; auch sieht man ein Manhattan, dessen Südspitze von riesigen Dämmen gegen die Wasser des Hudson und des East Rivers abgeschirmt wird.„Ein Architekt ist in meinen Augen ein Entwerfer des Lebens“, zitiert die Wiener Tageszeitung Der Standard aus einem Interview mit Woods. „Schmerz und Gewalt sind Teil des Lebens, insofern darf man diesen Aspekt nicht ausblenden.“ Woods starb an dem Tag, als Wirbelsturm Sandy über New York hereinbrach.

Felinanthropy

Die ökologischen Anliegen von art oriente objet führten zu Kunst, die offenbar eng mit einer Handwerkstradition verbunden ist, in der Recycling und Wiederverwendung wichtig sind. Ihre Verwendung von recycelten Materialien verleiht ihrer Kunst einen Aspekt des meisterhaften Bastelns. Tatsächlich erstrecken sich ihre Vorstellungen von Recycling auch auf bereits etablierte Ideen, die sie von Beginn ihrer Zusammenarbeit an als bereitwillig definiert haben. Ihre Arbeit in Bezug auf Biotechnologie hat ihnen einen Platz in der BioArt-Bewegung eingebracht (Jens Hauser, Le Lieu Unique, 2004) und sie werden oft zu den Künstlern an der Grenze zwischen Kunst und Wissenschaft gezählt. Darüber hinaus können sie als Künstler des sozialen Beobachters oder als Künstler des Anthropologen betrachtet werden, die das Experimentieren mit Systemen fördern, die sie formal analysieren. Darüber hinaus ist Marion Laval-Jeantet als professionelle Praktikerin für Ethnologie und Psychologie mit diesen Problemen konfrontiert. Ihre Vorgehensweise besteht darin, Lebenserfahrungen aus einem direkten Eintauchen in ein Erfahrungsfeld zu gewinnen, auf dem sie die Schaffung einer übertragbaren Vision und eines aktiven Objekts aufbauen.