Pneuma
« Pneuma » de Mel O’Callaghan présenté dans notre exposition Seeing The Invisible, nous invite à nous joindre à une méditation de respiration rythmée alors que nous sommes confrontés à une sphère chatoyante de couleur et de lumière.

L’extase de l’or
Eyck crée des couches de couleurs sonores avec sa voix et le thérémine, jouant avec des boucles et des effets. Le style de la musique varie entre jazz, contemporain et expérimental. Alors que de nombreuses parties sont composées, Eyck laisse toujours de la place aux improvisations.

Moss Garden of Resonating Microcosms
TeamLab essaie de mettre à jour le concept de couleur. Ovoid change avec 61 couleurs, un nouveau concept de couleur nommé “couleur de lumière solidifiée”. On dit que les bryophytes sont les premières créatures terrestres à apparaître dans un monde de roches et de sable, où il n’y a pas encore de créatures sur terre. Avec l’émergence des mousses et des ptérophytes et la formation des forêts, divers animaux sont devenus capables de vivre sur terre. Les organismes meurent lorsque leur corps manque d’eau car l’eau à l’intérieur des cellules est essentielle. D’autre part, les plantes de mousse ont une résistance à la déshydratation en raison de la propriété particulière du changement d’eau, dans laquelle la teneur en eau dans les cellules fluctue en raison des changements d’humidité ambiante, ne meurent pas longtemps à l’état sec, et si l’eau est étant donné, ils peuvent exercer les activités de la vie. Étant donné que la mousse modifie l’eau, sa couleur et sa forme changent considérablement selon que l’air est sec ou humide, par exemple lorsqu’il pleut ou qu’il s’agit de brume. Les tardigrades qui vivent entre les mousses deviennent également dormants, un état de dormance non métabolique, et arrêtent leur activité lorsque l’environnement devient sec, mais lorsque de l’eau est donnée, ils récupèrent et commencent leur activité.

Contraindre
Nous sommes tous et toutes prisonniers et prisonnières d’une nationalité, d’une condition sociale, d’un genre, d’une couleur de peau, auxquels la police et la répression d’État nous force à nous résigner. Ce film raconte comment souffrent les corps, sous les coups, la contrainte et l’humiliation. Le personnage de ce film parle de la répression policière en France, la place qu’il tient dans la société et ses efforts pour y échapper. Ses mouvements sont ceux de danseuses captées numériquement et réinterprétant des scènes d’agressions policières. Mis en regard avec la notion militaire de “théâtre d’opération”, et sans jamais que les agresseurs n’apparaissent à l’écran, cet ensemble mouvant édifie un portrait aux visages multiples, dont la souffrance est la somme de toutes les violences perpétrées par l’état français et sa police.

DigiScape – Forest
Lors de la réalisation de ce projet, je passe le plus de temps à gérer des visuels raisonnables et des idées innovantes pour l’image. Je veux prendre soin de chaque détail tel que l’atmosphère, la dynamique des fleurs et des plantes, le changement progressif du soleil et de l’ombre et l’effet du portail lumineux de transition de scène. Cela m’a coûté près d’un demi-mois pour l’éclairage, le réglage des couleurs et la composition. Ce qui se passe normalement, c’est que la partie la plus difficile d’un projet n’est pas de CONSTRUIRE l’environnement mais d’IDÉRER le concept innovant. En raison des progrès technologiques, le seuil technique deviendra de plus en plus bas. Nous devrions nous concentrer davantage sur l’idéation des concepts.

Keep it up
Guda Koster est une artiste néerlandaise qui compose des sculptures vivantes. L’artiste utilise des tissus, des couleurs et des motifs originaux qui lui permettent de créer des harmonies et des tableaux à la fois énigmatiques et mystérieux. Chacune de ses oeuvres mélange des éléments à la fois concrets et surréalistes.

Falin Mynd
Falin Mynd est une installation audiovisuelle dédiée à la ville de Milan qui s’inspire du concept de l’image latente dans le champ photographique: une empreinte invisible laissée par la lumière sur le film qui ne se révèle qu’après son développement. De même, les données générées par les habitants et les visiteurs de la ville de Milan produisent des paysages numériques abstraits, laissant une trace de leur analyse et interprétation en temps réel. De cette manière, le travail rend visible le lien indissoluble entre l’individu et la communauté, soulignant comment les deux entités s’influencent mutuellement en changeant la perception de la réalité qui nous entoure faite de lieux, de personnes, de couleurs et de sensations. Les données constituent ainsi une image invisible de la ville, une carte de ce qui n’est pas manifeste et qui se révèle dans Falin Mynd.

L’univers Cristallin Infini
Le pointillisme utilise une accumulation de points de couleur distincts pour créer une image. Ici, les points lumineux sont utilisés pour créer des objets tridimensionnels. La sculpture lumineuse s’étend à l’infini dans toutes les directions. Les gens utilisent leurs smartphones pour sélectionner des éléments pour lancer l’univers de cristal infini. Ces éléments renaissent en trois dimensions, créant l’œuvre d’art. La présence de personnes et leur emplacement dans l’œuvre affectent ces éléments tridimensionnels, qui à leur tour influencent et sont influencés par d’autres éléments de l’espace. Cette œuvre d’art est en constante évolution, changeant d’instant en instant en raison  des personnes présentes dans l’espace.

10 colonnes
Son travail le plus récent, simplement intitulé «10 colonnes», inaugure Bridge Projects en transformant l’espace d’exposition de 7 000 pieds carrés à Hollywood en un lever / coucher de soleil synthétique […] Smith a programmé les diodes électroluminescentes de chaque panneau pour faire défiler un séquence d’une heure de couleurs. La palette est baroque de l’ère spatiale, ses primaires et secondaires dotés du zing artificiellement amélioré de tertiaires délicieusement mélangés.

Imagerie animiste
L’exposition présente aux visiteurs Duffy, l’artiste IA, avec une invitation à collaborer au sein de son studio Symbiotic. Cet espace immersif, rendu possible grâce à la projection mapping et à la technologie interactive, invite les invités à devenir l’égérie de l’IA. Alors que Duffy capture les mouvements générés par les visiteurs grâce à un suivi en temps réel, elle dessine des liens et des connexions, consultant une vaste collection de couleurs et d’images archétypales de la vie sur Terre. Le résultat est une série infinie d’œuvres d’art surprenantes – une interprétation artificielle de l’humanité et du monde naturel.

Red Yellow Blue

Plaçant des lieux au-dessus des gens, de nombreuses photographies de Sanja sont placées dans de grands espaces futuristes ouverts dans le but de créer des émotions visuelles surréalistes et aliénantes. Elle utilise souvent des couleurs fraîches et vives, ainsi que des objets et accessoires uniques pour créer des récits uniques et énigmatiques.

Fiber Optic Dress

Liam a été choisie pour la bourse par la designer principale d’Alexander McQueen, Sarah Burton. Il a passé son année dans l’industrie à Paris, travaillant à la Maison Margiela sous John Galliano, travaillant personnellement avec le créateur sur les collections artisanales et de prêt-à-porter. En tant que designer, ses propres collections se concentrent souvent sur des alternatives à la mode normale et proposent à la place des silhouettes remodelées, des couleurs vives, des textures inattendues et des formes sculpturales exagérées.

卡洛斯·克鲁兹 – 迭斯
디에즈 카를로스 크루즈
Карлос Круз-Диез
chromosaturation
Carlos Cruz-Diez’s artistic proposal is based on eight research projects that reveal the myriad ways in which color behaves: Couleur Additive [Additive Color], Physichromie, Induction Chromatique [Chromatic Induction], Chromointerférence, Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope, and Couleur dans l’espace [Color in Space].

КСАВЬЕ ВЕЙЛХАН
Né en 1963 à Lyon, vit et travaille à Paris.
Les sujets des photos, des sculptures et des installations de Xavier Veilhan sont des évocations directes d’objets ou des signes de la vie quotidienne rassemblées en un monde encyclopédique d’images où pourtant rien n’est traité ni dans sa matérialité ni dans ses couleurs habituelles.

Just married
Guda Koster est une sculpteure, performeuse et photographe néerlandaise. Son travail se caractérise par l’usage de couleurs vives, de vêtements aux motifs graphiques qu’elle met en scène dans ce qu’elle appelle des sculptures vivantes qu’elle immortalise en photos.

Le Mannequin
Alain Séchas est intéressé par des questions de forme, d’équilibre et de couleur. Il pousse le public à la confrontation, à s’interroger, tout en nous proposant une réflexion humoristique sur la vie quotidienne. On pourrait le qualifier d’artiste plasticien puisqu’il utilise de nombreux outils et fait diverses installations intégrant plusieurs disciplines.

Guda Koster est une artiste néerlandaise qui compose des sculptures vivantes. L’artiste utilise des tissus, des couleurs et des motifs originaux qui lui permettent de créer des harmonies et des tableaux à la fois énigmatiques et mystérieux. Chacune de ses oeuvres mélange des éléments à la fois concrets et surréalistes.

Шон МакГиннис
肖恩·麦金尼斯
The Webmaster
Des brins de couleur, tantôt rougeoyants tantôt fluorescents, s’entrelacent pour former d’étranges toiles. Ces sculptures sont installées à l’intérieur ou en extérieur, et changent selon l’angle de vue du spectateur. Elles interrogent le lieu qu’elles occupent tout autant que notre rapport à l’espace.

Au centre des luttes, des désirs souterrains, des pulsions de vie d’un corps. Se trouver au sein d’un volcan. S’introduire dans l’univers de Julie Legrand, dans lequel les oppositions ne se contrarient pas, mais correspondent à une recherche permanente de nouvelles complémentarités entre matières, structures, agencements et couleurs, comme la naissance de nouveaux possibles.

Souffle
Connue pour ses interventions « minimales », discrètes et aériennes qui s’inscrivent en dialogue avec l’architecture, l’artiste d’origine autrichienne propose au Frac Franche-Comté une série de nouvelles œuvres produites pour l’occasion : Installations, pièces sonores, sculptures et dessins révèlent une œuvre sensible jouant de la transparence, de la couleur et de la lumière.more…

Your Colour Perception
L’artiste britannique Liz West, spécialiste du light-art, a choisi d’interroger nos perceptions des couleurs en créant un gigantesque arc-en-ciel d’intérieur.
En inondant de couleurs une pièce de 500 mètres carrés au 4ème étage de la Castlefield Gallery’s New Art Spaces Federation House de Manchester, l’installation Your Colour Perception immerge le public dans un univers multicolore et bigarré, saturé de lumière.

Canary

Les grimpeurs ne prêtent pas leurs cordes. Ils doivent leur faire confiance, connaître leurs antécédents d’utilisation, leur usure, leur élasticité et leur durabilité. Les différentes couleurs de cordes représentent des usages spécifiques. Accroché à flanc de montagne, c’est un soulagement de savoir quoi ou qui est au bout de quelle corde. Canary est basé sur l’histoire de l’élevage des oiseaux, qui est une métaphore directe du mélange pictural des couleurs. L’obsession de créer l’oiseau rouge au début du XXe siècle est comme l’objectif d’une peinture monochromatique parfaite. Les notions d’amélioration raciale ont des liens avec la discussion contemporaine sur l’éthique de la génétique. J’ai également considéré le lien entre la pureté de la forme moderne et le point de vue idéaliste. Lorsqu’un tableau ou une œuvre de sculpture est réduit à sa surface, il est idéalisé pour n’être que ce que nous y voyons. Le motif visuel d’une œuvre ne sert que de composition.

تاي غون كيم
Robes de mémoire

Amant imaginaire
L’œuvre éthérée de Tae Gon Kim, Dresses of Memory, façonne des centaines de brins de fibre optique sous la forme de quatre robes magnifiques et extravagantes. Suspendues dans l’obscurité, les robes apparaissent comme des apparitions, scintillantes des royaumes de la fantaisie. Lentement, la fibre optique illuminée de chaque robe change de couleur, symbolisant son histoire et sa transformation au fil du temps.En créant l’œuvre, l’artiste s’est inspirée de l’écriture du théoricien et philosophe littéraire français Roland Barthes. Dans sa publication de 1978 A Lover’s Discourse: Fragments, Barthes écrivait: «Je veux être un, je veux que ce soit comme si nous étions unis, enfermés dans le même sac de peau, les vêtements étant l’enveloppe lisse du matériau fusionnant qui est en fait mon amant imaginaire.
Tae Gon Kim a interprété ce texte en créant des œuvres qui reflètent également sa propre fascination pour les relations et l’amour. Il veut que les robes amènent le spectateur à imaginer «que nous devenons les gens que nous aimons». En projetant des images sur les robes, il invite le spectateur à l’intérieur, «comme si nous portions nos désirs». Les différentes images racontent également l’histoire et en constante évolution de chaque robe.

Reflexions sur une esthetique programmee

Influencé par son expérience de musicien de jazz et par les théories du philosophe allemand Max Bense sur l’esthétique rationnelle, Manfred Mohr a été un innovateur dans le domaine de l’art généré par ordinateur. Pour manipuler, par exemple, la myriade de variations de l’hypercube à 11 dimensions, Mohr a créé des algorithmes en langage de programmation FORTRAN et les a imprimés sur des traceurs à plat avant l’avènement des imprimantes laser. La série «Klangfarben» de Mohr (2008) présente des peintures et des animations numériques de lignes diagonales aux couleurs vives et de plans qui se croisent sur un fond noir mat. .

Circulation rouge

L’œuvre de Lionel Estève se situe à la croisée du dessin, de la sculpture et de l ‘installation. L’informel et la fragilité, qui caractérisent ses œuvres, éveillent notre perception d’une réalité infinie en dévoilant un espace palpable, presque tactile. Son travail joue sur l’espace, les couleurs et la perception sensorielle.
Ces œuvres rappellent l’intérêt de l’artiste pour les énergies créatrices et leurs captations.
Artisan, chercheur, Lionel Estève déploie matières, lignes, couleurs dans l’intervalle du perceptible et de l’imperceptible

دانيال بورين
丹尼尔·布伦
다니엘 뷰렌
ダニエル·ビュラン
ДАНИЭЛЬ БЮРЕН
Sept Couleurs pour une cheminée

جيمس توريل
詹姆斯·特瑞尔
ג’יימס טורל
ジェームズ·タレル
설치작품 제임스 터렐
ДЖЕЙМСА ТАРРЕЛЛА
Aten Reign
Dans Aten Reign, une lumière naturelle pénètre à travers le verre du musée et atteint la couche inférieure de la composition massive en suspension. Composée d’une série de cônes interconnectés éclairés par des LED, l’installation circonscrit le cœur de la lumière du soleil avec cinq anneaux elliptiques de lumière aux couleurs changeantes qui font écho au motif des rampes du musée

À l’aide d’outils et de matériaux simples que l’on trouve couramment dans l’atelier d’un peintre, l’artiste Lisa Hamilton construit des images, des sculptures et de courtes vidéos qui interrogent les limites de la perception, la transmission du sens et la relation entre le spectateur et l’objet visuel. Dans des enquêtes récentes, elle engage le langage formel de l’abstraction, la théorie des couleurs et la dynamique psychologique du voir pour examiner le point de rencontre de l’observation et de la participation. Ici, elle propose, est le site critique où la forme produit du contenu. Dans son travail, les expériences de perception, d’enquête intellectuelle, d’émotion et d’invention matérielle convergent pour générer du sens à travers l’expérience du regard. Dans sa recherche d’articulation des idées sous une forme concrète, Hamilton a revigoré et élargi le discours contemporain sur l’abstraction.