Système Environnemental Encapsulé
Cette machine est entièrement équipée d’une machine à brouillard comme pour envelopper les plantes dans un brouillard des deux côtés et d’un système d’alimentation en eau goutte à goutte qui peut être activé en fonction de la situation afin de maintenir l’état d’une plante et de contrôler la température et l’humidité intérieures. De plus, la forme cylindrique peut capturer entièrement la lumière naturelle à des angles de 365 ° depuis les verres, et elle peut correspondre à la croissance des plantes en ayant la plus grande échelle de hauteur de la série. Les ventilateurs au plafond jouent le rôle du vent et une plante peut écouter la musique des haut-parleurs étanches. La machine absorbe des éléments essentiels – pluie, vent, lumière et son – par des moyens artificiels et complète un petit monde où son cycle écologique est condensé. Cela nous permet d’admirer la beauté des plantes en n’étant pas affecté par l’environnement extérieur.

Mais fonctionne-t-il sous Linux ? – Une calculatrice de marbre cadencée
On les allume, ils font des trucs pour nous. Est-ce magique ? A quoi servent nos ordinateurs ? Cette toute nouvelle calculatrice mécanique à 0,1 Hz dotée d’une architecture 1 bit et de 16 bits de RAM est conçue pour répondre à cette question en amenant la logique informatique élémentaire à une échelle humaine. Il ne fonctionne pas sous Linux, mais billes. Voyez-les rouler.

Circuit Ouvert
File Festival
Circuit Ouvert est une installation sonore de Christoph Haag, Martin Rumori, Franziska Windisch et Ludwig Zeller. L’équipe a créé le projet pendant ses études à l’Académie des arts médiatiques de Cologne. Le circuit ouvert consiste en un labyrinthe de pistes de cuivre ouvertes qui couvrent le sol et les murs de l’espace d’installation. Ces pistes transportent les signaux électriques d’un référentiel sonore multicanal qui deviennent audibles lorsque des haut-parleurs sans fil sont placés sur le cuivre. Le son émis par les haut-parleurs change en fonction de la façon dont ils sont déplacés.

Eau qui coule
Ce projet s’inspire du roman du neurologue Oliver Sacks, L’homme qui prenait sa femme pour un chapeau, dans lequel il raconte l’histoire de Jimmie G, un ancien marin de 49 ans convaincu d’avoir 19 ans depuis qu’il a quitté la Marine. Choqué par son propre reflet lorsque Sacks lui tend un miroir, Jimmie revient à lui-même de 19 ans dès que son regard quitte la surface réfléchissante. Ayant perdu tout sens de la continuité temporelle, Jimmie vit prisonnier de cet instant unique et perpétuel, oscillant entre une présence au monde et une présence à soi. Tout comme Jimmie G, les vêtements évoluent entre deux états et affichent une perpétuelle métamorphose au fur et à mesure qu’ils réagissent au spectre chromatique. Ce voyage entre états opposés – de l’immobilité au mouvement – ​​ne fonctionne pas comme une dichotomie

Art of the Cell

Beneath our everyday world there is a miniature universe of cells, trillions of tiny worlds, unseen and beautiful. Here is our latest 3D medical demo reel, including clips from many of the projects we’ve worked on, such as “Biology:How Life Works”, and “The Inner Life of the Cell”. We hope that you enjoy this two and a half minute tour of the Art of the Cell.

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Art de la cellule

Sous notre monde quotidien, il y a un univers miniature de cellules, des trillions de mondes minuscules, invisibles et beaux. Voici notre dernière démo médicale en 3D, comprenant des extraits de nombreux projets sur lesquels nous avons travaillé, tels que «Biologie: comment fonctionne la vie» et «La vie intérieure de la cellule». Nous espérons que vous apprécierez cette visite de deux minutes et demie de l’Art de la cellule.

Nemo Observatorium
File Festival

Si on pouvait décrire Nemo Observatorium, on en parlerait comme d’une pièce, une chambre plutôt, qui n’aurait la possibilité d’être visitée que par une ou deux personnes maximum. Dans Nemo Observatorium, le visiteur se place au centre d’un cylindre transparent et appuie sur un bouton. Ce bouton déclenche alors un tourbillon qui fait voltiger à très haute vitesse des petites bulles de polystyrène qui se déplacent trop rapidement pour être suivies par l’œil humain. La personne située à l’intérieur décide de la durée de la tornade ( tornado ). La tornade fonctionne à partir de 5 gros ventilateurs. Un situé en dessous du spectateur et 4 autres autour du cylindre.

Clignotement inversé
Imaginez que votre tête soit capturée dans un appareil photo. Il fait complètement noir. Ce n’est que lorsque l’obturateur s’ouvre et se ferme que vous voyez le monde en un éclair. L’obturateur se déplace si vite que rien n’a le temps de bouger. Tout ce sur quoi vous pointez votre regard devient comme une photographie. Un souvenir. Quelque chose qui a été, mais qui n’est plus. Vous voyez les gens comme des personnages figés, des rues entières comme des moments intacts. La vie comme une sorte de spectacle. «Reverse Blinking» crée cette expérience. C’est un casque complètement fermé avec deux volets devant les yeux. Ils sont contrôlables par l’utilisateur. Le clignotement inversé fonctionne sur piles et peut être utilisé librement à l’intérieur ou à l’extérieur du musée. Il est préférable de l’utiliser là où il y a beaucoup de mouvement et de monde. «Reverse Blinking» fait partie d’une série d’œuvres d’art, à travers laquelle l’artiste essaie d’ajouter des effets vidéo et photographiques à notre façon naturelle de voir.

Esthétique du système
Les travaux de cette série font partie d’un vaste projet de recherche de FIELD, explorant les algorithmes d’apprentissage automatique les plus pertinents dans des illustrations à base de code […] Nous avons commencé une exploration plus approfondie des informations moins accessibles qui existent, telles que les articles scientifiques et des publications de code open source, pour développer une compréhension du fonctionnement interne de ces algorithmes, et le traduire en métaphores visuelles qui peuvent contribuer à un débat public.

Table de Chuchotement
Quatre festivités uniques célébrées par des personnes de cultures distinctes sont rassemblées dans une scène archétypique de la congrégation. Les visiteurs qui s’approchent d’une table ronde remplie de plats vides découvrent que ceux-ci racontent en fait des histoires personnelles sur la signification symbolique de la nourriture et des rituels. Écrites par un écrivain, ces histoires sont basées sur des interviews et des recherches menées pour cette pièce. Le contenu change en fonction des positions des plats et de leur distance par rapport aux autres. Similitudes et particularités des différentes cérémonies culinaires explorées de manière ludique et divertissante. En changeant les constellations de table, les visiteurs révèlent de plus en plus d’histoires et s’intègrent à un spectacle participatif.

Decimal Clock
dans Decimal Clock (White and Pink), les instincts rationalistes de Höller se tournent vers la division du temps. L’horloge fonctionnelle, qui représente 10 heures, 100 minutes et 100 secondes, nous rappelle que l’homogénéisation globale du temps n’a eu lieu que récemment en réponse au degré sans précédent d’interconnexion planétaire. Decimal Clock (White and Pink) fait signe aux expériences avec le temps décimal pendant la Révolution française et rend hommage aux efforts visant à la comparabilité et à la régularité temporelles. Pourtant, il reconnaît également diverses manières non occidentales de mesurer le temps et, plutôt que de les voir comme une menace pour l’empire de la raison , les célèbre comme une expression enrichissante de la diversité de notre existence dans le temps.

Prosperity
Prospérité est un dispositif autonome qui manipule les grains de riz. Une pince se déplace d’un support à l’autre, saisissant sur son passage les grains qui ont été placés aléatoirement pour ensuite venir les déposer de façon ordonnée sur un deuxième support. À la suite de ce processus, les grains de riz sont ainsi alignés, mais leur orientation initiale a été conservée. Prosprérité est une machine autonome qui ne requière aucun ordinateur. Tout le fonctionnement est intégré au microcontrôleur principal ainsi qu’à ses 3 périphériques, le lecteur de grain de riz, le contrôleur de mouvement linéaire et le contrôleur de la tête (pince).

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Une équipe de scientifiques s’est penchée sur la variation de la température corporelle en fonction des humeurs. Des résultats révélent que l’amour et le bonheur diffusent une chaleur dans tout le corps.

Ikarus

Des éléments qui semblent essentiels à la pratique de De Boer sont présentés aux algorithmes, aux fonctions de lecture aléatoire, aux randomiseurs ou à d’autres structures codées. En soumettant son propre matériel à ces facteurs décisifs, l’œuvre est réarrangée en permanence selon ces chemins algorithmiques en constante évolution.

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FILE SAO PAULO 2015

POF 51
Fabrice Hyber sets out to examine the way we communicate and mimic the endless affinities between ideas. What interests Hyber is engaging people with everyday life to invent new modes of behavior. In his mental spa with Faust, he deploys one of his POF’s (Prototypes d ‘Objets en Fonctionnement, created between 1991-2012) to interpret and resolve the complexity of reality by constantly searching for possible, or impossible, hypotheses, a kind of activism to explore endless possibility and infinite variations for art-making.

Túnel
«Tunnel» est une sculpture cinétique, immersive et interactive, composée de 92 portiques qui se désordonnent en fonction de la position et de la masse corporelle de l’interacteur. De nombreux utilisateurs peuvent simultanément entrer et interagir avec la machine. Les interacteurs agissent sur la machine par leur position et leur poids. Un exemple d’interaction est: vous entrez dans le «Tunnel» et vous vous tenez près de l’un des murs latéraux. Dans ce cas, la position relative et la force gravitationnelle de votre corps provoquent des variations de hauteur du sol. Le sol s’incline jusqu’à 5 °, les portiques associés tournent progressivement dans la direction et l’angle correspondants, ce qui propage des mouvements ondulatoires dans toute l’installation. Pour l’observateur extérieur, le mouvement interne ou votre déplacement par rapport à l’installation produit des effets optiques cinétiques.

“Jouer avec les limites de la fonctionnalité conduit à vous interroger en tant que designer et en tant que propriétaire. Il est important de créer une relation forte entre le consommateur et l’objet où l’humour et l’image sont tout aussi important que la fonction”

Asian Portrait
Jesse Auersalo est un illustrateur finlandais très talentueux. Le travail de Jesse est foncé, intimidant, des nuances surréaliste qui fonctionnent parfaitement avec son esthétique unique. Il décrit son travail comme “poli et propre, ainsi que collant et sale”. L’attention au contraste et au rendu des détails minutieux est vraiment impressionnant.

Lamp and Statue
Jesse Auersalo est un illustrateur finlandais très talentueux. Le travail de Jesse est foncé, intimidant, des nuances surréaliste qui fonctionnent parfaitement avec son esthétique unique. Il décrit son travail comme “poli et propre, ainsi que collant et sale”. L’attention au contraste et au rendu des détails minutieux est vraiment impressionnant.

Ральф Беккер
The Conversation
Pataphysical Processing Environment
À travers des installations et des machines, Baecker explore les mécanismes d’action fondamentaux et les effets des nouveaux médias et technologies. Dans ses représentations et spatialisations de processus microscopiques, il cherche à perturber complètement notre perception. Au cœur de ses objets se trouve l’intrication du virtuel avec le réel, ou plutôt avec le monde. Avec une perspective médiatique et archéologique, Ralf Baecker fouille dans des dispositifs obsolètes des traces et des fonctions encore détectables dans les technologies d’aujourd’hui. Son travail cherche à former un hybride entre l’esthétique numérique actuelle et une compréhension historique des matériaux. En conséquence, il appréhende la technologie non pas comme un outil mais plutôt comme un instrument épistémologique, afin de poser des questions élémentaires sur un monde perçu à travers les impressions technologiques.

’98m

Le travail d’Elizabeth McAlpine est souvent lié à la question du temps et à l’expérience du regard. Dans « The Height of the Campanile », l’artiste a calculé la durée de son film en fonction de la hauteur de son sujet, le Campanile, de sorte qu’au final la longueur de la pellicule soit équivalente à celle de la tour. De même, le temps nécessaire pour visionner le film et le rythme du travelling effectué par la caméra correspondent. Ainsi, tandis que nombre des oeuvres de McAlpine sont basées sur le montage, la répétition et la fragmentation, « 98m » se présente comme un simple plan-séquence.
L’image, au grain apparent, est projetée au mur à la taille d’une carte postale, pendant que le film forme une boucle au sein d’une structure en verre pensée par l’artiste. La taille de la projection rappelle que Venise est devenue une destination touristique incontournable. L’utilisation du Super 8 est une évocation de la pratique amateur – précédant l’invention de la vidéo, du touriste fixant le souvenir de ses vacances pour le projeter une fois rentré à la maison. Si ce support procure à l’oeuvre un caractère daté, la boucle continue et hypnotique formée par la pellicule suggère au contraire une certaine intemporalité, semblable à celle que peut ressentir le touriste qui découvre San Marco.

Maarten de Ceulaer est un jeune et talentueux designer à suivre. Il a obtenu son diplôme avec mention au département de design d’intérieur de la St-Lukas Hogeschool de Bruxelles et a décidé de continuer sa formation sur la conception des produits, en poursuivant ses études à la Design Academy d’Eindhoven. Il explique très bien sa vision sur le design, que je partage avec lui, de cette façon : « J’essaie de développer mes créations sur un solide, simple et pur concept. Je veux surprendre, faire sourire les gens de façon très subtile. J’essaie de remettre en question ce que je vois autour de moi, et de le traduire dans l’objet. Je pense que la poésie, humour et de la communication des idées sont des aspects très importants de mon travail, mais en même temps, je tiens à rendre utiles et fonctionnels les objets avec cette façon de penser. Conceptuel au début, mon design doit être plus que des idées. Un bon concept dans un bon produit, est ce que je cherche à réaliser. » Son site est à visiter absolument!

格雷格·林恩
גרג לין
グレッグ·リン
그렉 린
Грег Линн
GREG LYNN a été un innovateur dans la redéfinition du support de conception avec la technologie numérique et a été le pionnier de la fabrication et de la fabrication de formes fonctionnelles et ergonomiques complexes à l’aide de machines CNC (Computer Numerically Controlled). Les bâtiments, les projets, les publications, les enseignements et les écrits associés à son bureau ont eu une influence sur l’acceptation et l’utilisation de matériaux et de technologies de pointe pour la conception et la fabrication. Alors que les opportunités de conception s’étendent aujourd’hui à de multiples échelles et supports, son studio Greg Lynn FORM continue de définir la pointe du design dans une variété de domaines. Son travail fait partie des collections permanentes des plus importants musées de design et d’architecture au monde, notamment le CCA, la SFMoMA, l’ICA Chicago et le MoMA.

inges idee se compose des artistes Hans Hemmert, Axel Lieber, Thomas A. Schmidt et Georg Zey, qui ont travaillé conjointement sur des projets dans l’espace public depuis la création du groupe à Berlin en 1992. Parallèlement aux travaux réalisés dans le groupe, tous les membres sont actifs dans leur propre pratique artistique individuelle.
inges idee fonctionne comme un collectif artistique dans l’espace public. Ce qui est donc important, c’est de développer une intuition pour les possibilités et les spécificités d’un site et d’explorer l’effet qu’une intervention concrète pourrait avoir. Cela se fait en dialogue avec le site donné, qui, contrairement au «cube blanc» sans référence des musées et des galeries, n’est pas statique et intemporel, mais soumis à un processus constant de changement. Pour bien comprendre un site, ses qualités spatiales, sociales et historiques doivent être examinées.

ZEE

Expérience immersive forte alliant approche méditative et implication physique, Zee s’inscrit dans le travail sur la représentation humaine et ses ressorts psychologiques poursuivi par Kurt Hentschläger. Une expérience qui se suit comme un véritable fil d’Ariane.Savez-vous vraiment ce que signifie faire l’expérience physique d’une œuvre numérique immersive ? Ceux qui ont eu la chance d’expérimenter le Feed de Kurt Hentschläger, plongée radicale au cœur d’une matière instable de brouillard artificiel dense, de lumières stroboscopiques et de fréquences sonores électroniques pulsatives répondront sans doute par l’affirmative. Pour les autres, l’épreuve de rattrapage ultime aura pour nom Zee, pièce rare et prolongement de Feed, présentée au Centquatre parisien dans le cadre de l’exposition Trouble Makers, fil rouge de Némo, le festival arts numériques d’Arcadi Île-de-France. Ancienne moitié du duo de défricheurs numériques extrêmes Granular Synthesis, Kurt Hentschläger cultive le goût des environnements déstabilisants et trouve dans Zee le dispositif déambulatoire idoine pour nous prêter au jeu. « Zee fait partie de la même série de travaux que Feed, mais en format installation », explique l’artiste autrichien basé à Chicago. « Zee fonctionne en mode huis clos, dans un espace totalement fermé. Dès que l’on entre, le brouillard est déjà là. Il remplit l’espace dans lequel vous êtes invitez à vous déplacer. Par rapport à Feed, où le public reste assis à un endroit précis, il y a donc davantage de flexibilité dans l’expérimentation du dispositif. Cette idée de déambulation dans l’espace induit un climat différent. C’est peut-être encore plus intimidant pour certains mais pour moi cela donne à Zee une connotation plus méditative. »Procéder à l’expérience nécessite véritablement de se prendre en main.

genius idea
Je porte une attention particulière à l’aspect fonctionnaliste de notre système d’organisation sociale en tant que modèle de société. Pour créer l’effet d’une tension entre ce qui est individuel et collectif, j’utilise des objets, mobilier et matériaux fonctionnels comme des indices de notre logique de vie. Mes installations, performances et objets questionnent des mouvements de masse (ex : prendre le métro) pour montrer du doigt notre société qui préfabrique et standardise nos désirs et nos besoins. Par l’accumulation, il se trame une matière première à partir de laquelle elle élabore des mises en scène minimalistes ou exubérantes qui questionnent nos moments collectifs (ex : pique-nique, mariage, réunion universitaire) tout en indiquant des préoccupations d’ordre politique et écologique.