ADRIEN MONDOT

cinematique
An invitation to journey, daydream and idle away, while rediscovering the childhood fantasies hidden in each one of us. An invitation to shake up the rational principles that guide us today in our modern existence. Afloat a raft voyaging across virtual materials and through landscapes. Lines, points, letters and digital objects projected on plain surfaces weave through poetic surfaces, marrying body and gesture.

studio smack

PARADISE – A contemporary interpretation of The Garden of Earthly Delights

Lo Studio Smack, meglio conosciuto per il video musicale Witch Doctor di De Staat, ha rilasciato una nuova animazione: un’interpretazione contemporanea di uno dei dipinti più famosi del primo maestro olandese Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights. Nel loro ultimo lavoro, il gruppo ha ripulito il paesaggio originale del pannello centrale del dipinto di Bosch e lo ha ricostruito in un’allucinante animazione 4K. Le creature che popolano questo parco giochi al coperto incarnano gli eccessi e i desideri della civiltà occidentale del XXI secolo. Consumismo, egoismo, evasione, richiamo dell’erotismo, vanità e decadenza. Tutti i personaggi sono metafore per la nostra società in cui i solitari sciamano nel loro mondo dei sogni digitale. Sono riflessi simbolici dell’ego e dell’immaginazione delle persone come si vedono, a differenza della versione di Bosch, in cui tutti gli individui sembrano più o meno uguali. Da un Hello Kitty arrapato a un serpente del pene che caccia alla coca Da uno spybot incarnato a polli fritti senza testa. Questi personaggi, una volta figure di sogno dipinte con precisione, sono ora modelli 3D creati digitalmente. A tutti loro è stato dato il proprio ciclo di animazione per vagare nel paesaggio. Inserendoli tutti insieme in questo affresco sintetico, il quadro non è mai lo stesso. Ciò che l’animazione e il trittico di Bosch hanno in comune è che difficilmente riuscirai a sopportare tutto, puoi guardarlo per ore. “Paradise” è stato commissionato dal Museo MOTI nei Paesi Bassi per la mostra New Delights, che fa parte del 500 ° anniversario di Hieronymus Bosch. Una gigantesca installazione video di quest’opera è esposta nel Museo fino al 31 dicembre 2016.

Pia Myrvold

FLOW

Dall’inizio degli anni ’80, Pia MYrvoLD ha lavorato in un ampio campo di tecniche, sviluppando e combinando diversi mezzi: pittura, suono, video, design infrastrutturale, arte vivente e urbanistica e nuove tecnologie. La ricerca ibrida di MYrvoLD all’interno dei media visivi ha dato al mondo dell’arte e del design concetti nuovi e unici, tra cui CyberCouture, vestiti come editoria, opere multi-superficie, interfacce femminili e progetti nell’area di confine tra spazi virtuali e reali – con l’arte interattiva come un elemento ricorrente. MYrvoLD – che ha iniziato come pittrice – ha continuato anche con i media tradizionali e produce continuamente nuove serie di dipinti, grafica, sculture e video, dove la sua narrativa visiva si riferisce alla tecnologia, alla codifica del DNA, agli oggetti e alle interfacce sensoriali, dove la dialettica tra l’oggetto e lo spazio suggerisce linee guida e nuovi codici su come la società può utilizzare e sviluppare nuova sensualità.

Fuse

Artificial botany
Artificial Botany è un progetto che esplora le potenzialità espressive delle illustrazioni botaniche attraverso l’utilizzo di algoritmi di apprendimento automatico. Prima dell’invenzione della fotografia, le illustrazioni botaniche erano l’unico modo per archiviare visivamente le molteplici specie di piante esistenti al mondo. Queste immagini sono state usate da fisici, farmacisti e scienziati botanici per l’identificazione, l’analisi e la classificazione delle specie.

Mary Katrantzou

S/S 20 Womenswear
La sensibilità della giovane designer definisce i fondamenti culturali del mondo contemporaneo: matematica, letteratura, arte, filosofia si trasformano in elementi ornamentali e pattern ellenistici

PETER WILLIAM HOLDEN

Vicious Circle

file festival

Come molti della mia generazione, sono cresciuto succhiando un tubo a raggi catodici e facendo il bagno nelle onde radio. Tutto questo è rappresentato all’interno del mio lavoro, in un collage di movimento, luce e suono. Attualmente con il mio lavoro sto esplorando modi per dissolvere i confini tra cinematografia e scultura. Le mie recenti ricerche su questo tema hanno coinvolto l’uso di computer combinato con elementi meccanici per creare installazioni simili a mandala. Queste installazioni sono il mio mezzo e le uso per creare animazioni effimere. Questa effimera coreografia di movimento è il punto focale del mio lavoro. Credo che questo fascino per le immagini in movimento e la trasformazione degli oggetti derivi dalla mia giovinezza, dove i primi computer domestici degli anni ’80 mi hanno dato uno sguardo nel meraviglioso mondo della matematica applicata. Su questi computer è stato possibile con codici semplici generare fantastici schemi e suoni astratti e quell’incontro ha distrutto per sempre il confine nella mia mente tra astratto e reale. Anche la danza gioca un ruolo significativo nel mio lavoro; Sono stato attratto dalla musica elettronica. L’electro con il suo suono sintetizzato mi ha introdotto alla break-dance e la mia anima è stata catturata dalla bellezza del movimento fisico coreografato.

EDOARDO TRESOLDI

Etherea
Etherea è l’installazione site-specific concepita per il Coachella Valley Music and Arts Festival, uno degli eventi musicali più attesi e importanti al mondo. L’opera è composta da tre sculture trasparenti ispirate all’architettura neoclassica e barocca, tutte con forme identiche ma dimensioni diverse, posizionate su un asse e misurano rispettivamente 36, 54 e 72 piedi di altezza.

NELO AKAMATSU

Chozumaki
CHOZUMAKI di Nelo Akamatsu è costituito da un recipiente di vetro riempito d’acqua. Un piccolo magnete alato che ruota sul fondo della nave produce un vortice. Le minuscole bolle provocano suoni curiosi quando vengono inghiottite nel vortice. Gli spettatori sentiranno questi suoni attraverso un tubo a spirale a forma di condotto cocleare. Esistono innumerevoli vortici nell’universo, inclusa l’enorme rivoluzione della galassia e anche lo spin minimo degli elettroni. Hanno tutti una struttura frattale che sembra essere uno degli elementi fondamentali dell’universo. L’acqua ha un altro ruolo importante in questo lavoro. In numerose culture è associata alla purificazione. La vista e il suono del vortice d’acqua che cambia continuamente forma ricorderà agli spettatori di attraversare il confine tra il mondo fisico e il mondo psicologico e amplierà la loro percezione degli organi vitali.

RYOJI IKEDA

Micro Macro
micro | macro trasforma il padiglione E del MuseumsQuartier in un enorme mondo di immagini e suoni in movimento. Nella sua installazione immersiva, l’artista multimediale Ryoji Ikeda crea un campo di immaginazione tra fisica quantistica, sperimentazione empirica e percezione umana. In collaborazione con scienziati nucleari del CERN, Ikeda ha tradotto complesse teorie fisiche in un’esperienza sensoriale. La scala di Planck viene utilizzata dagli scienziati per indicare lunghezze o intervalli di tempo estremamente ridotti. Concetti come spazio e tempo perdono il loro significato oltre questa scala e la fisica contemporanea deve fare affidamento su teorie speculative. E sull’arte. Visitatori di micro | macro entra in un mondo di dati, particelle, luce e suono che rende gli estremi dell’universo percettibili all’occhio e all’orecchio. Nel micro mondo penetriamo nelle più piccole dimensioni dell’irrappresentabile, mentre nel macro mondo decolliamo in distese cosmiche che ci permettono di sperimentare lo spazio infinito oltre l’universo osservabile. In questo vortice di dati, un fuoco d’artificio acustico e visivo colma il divario tra la comprensione teorica e la percezione sensuale.

RHIZOMATIKS RESEARCH ELEVENPLAY KYLE MCDONALD

Figure Discrete
Esecutori umani incontrano corpi generati dal computer, visualizzazioni calcolate del movimento incontrano droni svolazzanti! L’intelligenza artificiale e le macchine di autoapprendimento fanno apparire questa tavolozza inedita di progetti di movimento, progetti che trascendono di gran lunga i confini dell’articolazione umana, consentendo uno sguardo profondo nel mondo astratto dell’elaborazione dei dati. Il team di Rhizomatiks Research, guidato dall’artista, programmatore, designer dell’interazione e DJ giapponese Daito Manabe, riunisce il potere collettivo con un numero di esperti, tra cui i cinque ballerini ELEVENPLAY del coreografo MIKIKO e dell’artista di programmazione Kyle McDonald. Il risultato è un’immagine mozzafiato, realizzata magnificamente, insomma: visivamente sbalorditiva.

CLOUDS ARCHITECTURE OFFICE

AVATAR X Lab
Il progetto è una partnership tra ANA Holdings Inc. e Japan Aerospace Exploration Agency (JAXA); una parte di AVATAR X, un programma collaborativo per il progresso dell’esplorazione e dello sviluppo dello spazio. ANA e JAXA sono entrambe esperte nel lanciare veicoli nell’atmosfera, la sensazione di sospensione o di “essere nell’aria” è naturale per entrambe le entità. L’AVATAR X Lab Building è progettato come un edificio sospeso che galleggia sopra un cratere simile alla luna. La struttura a più piani galleggia a diciotto metri sopra il fondo del cratere ed è accessibile da un ponte. Quando gli astronauti salgono a bordo di un veicolo spaziale attraversano un ponte; quando saliamo a bordo di un aereo, attraversiamo un ponte a reazione tra il terminal e l’aereo. Questo è il nostro ultimo contatto con un terreno familiare prima di partire per un posto nuovo. L’edificio sospeso incarna questo varco di soglie: dopo aver superato il ponte si viene trasportati in un nuovo luogo, l’AVATAR X Lab Building, dove l’innovazione tecnologica cambierà il modo in cui vediamo il mondo.

KOHEI NAWA

Trono
Questo lavoro cerca di esprimere quella premonizione come un immenso “trono vacante fluttuante”. Se istanze di potere e autorità hanno governato sin dai tempi antichi e le piramidi forniscono un esempio, dobbiamo chiederci cosa ci riserverà il futuro. Creata con riferimento alle forme dei carri delle feste e dei santuari portatili che compaiono nei rituali e nelle festività d’Oriente, la scultura fonde le odierne tecniche di modellazione 3D con applicazioni in foglia d’oro che risalgono all’antico Egitto. Nel centro frontale c’è una stanza vuota, spazio sufficiente per far sedere un bambino di 2-3 anni, suggerendo che la nuova intelligenza è ancora in uno stato giovane. Specchietti luminosi e sferici posti al centro davanti e dietro. Realizzati in lamina di platino, rappresentano “gli occhi che guardano il mondo”, dove quello frontale guarda al futuro e il retro si riflette nel passato.

AES+F

The Feast of Trimalchio: Arrival of Golden Boat

Del Satyricon di Petronio, spiritoso e lirico malinconico dell’epoca dell’imperatore Nerone, ci pervenne quasi intatto solo il capitolo dedicato alla cena di Trimalcione. La fantasia di Petronio fece del nome di Trimalcione il simbolo della ricezza e del lusso, del vizio della gola e della lussuria in barba alla fugacità della vita umana.
Abbiamo cercato di presentare qualcosa di simile nelle realta` del Terzo Millennio. Così, abbiamo visto Trimalchione, ex servo, liberto, nuovo ricco che dà conviti di molti giorni nel suo palazzo, invece che una persona, come un’immagine generalizzata di un hotel di lusso, una sorta di paradiso terrestre, il soggiorno in cui è prepagato.
Gli ospiti dell’hotel – i ‘padroni’, esponenti del “miliardo dorato”, cercano di dedicare parte del loro tempo, in qualsiasi stagione, al soggiorno presso Trimalcione odierno che ha arredato il proprio palazzo – hotel con il massimo esoticismo e lusso. L’architettura del Palazzo Hotel rappresenta un’assurda sintesi della spiaggia tropicale con la stazione sciistica. I ‘padroni’ indossano abiti bianchi che sembrano, da una parte, l’uniforme dei giusti dell’Eden temporaneo, dall’altra, la tradizionale uniforme coloniale, e, al contempo, una collezione estiva alla moda. I ‘padroni’ impersonano tutte le caratteristiche dell’umanità: ci sono, tra di loro, personaggi dai bambini ai vecchioni, hanno certi segni psicologici e sociali: un pofessore è dissimile da un broker, una donna di mondo da una intellettuale. I ‘servi’ di Trimalcione, giovani e carini esponenti di vari continenti (asiatici, africani, latinoamericani), il personale dell’industria alberghiera, dalle cameriere ai cuochi, ai giardinieri, alle guardie e ai massaggiatori. Sono tutti giovani e belli e indossano uniformi tradizionali di vario colore a seconda dell’etnia. Sono una specie di ‘angeli’ “di colore” del paradiso al quale i ‘padroni’ possono accedere per un certo tempo.

 

GUDA KOSTER

Wandering Mind
Guda Koster è un’artista e fotografo olandese che crea sculture viventi, installazioni montate su più paralleli che poi fotografa. Coi tessuti utilizzati in queste opere, l’artista vuole sottolineare i significati che i nostri abiti trasmettono. Andando oltre alla sua funzione, l’abito divulga un messaggio: “Nella nostra vita quotidiana, comunichiamo identità e posizione sociale principalmente attraverso i nostri vestiti. L’abbigliamento può essere visto come una forma di arte visiva che esprime il modo in cui vediamo noi stessi e il nostro rapporto con il mondo che ci circonda. “

NUMEN/FOR USE

Corda
Corda è un’installazione artistica proposta dal gruppo di design austriaco Numen / For Use. Il designer disegna corde da un’estremità all’altra in un grande cubo gonfiabile per formare un piccolo mondo a griglia. Quando l’intero cubo è pieno d’aria, le corde densamente imballate sono tese e ogni corda è sufficiente per sostenere il peso di una persona. Le persone possono arrampicarsi e attraversarlo e sperimentare il senso generale dello spazio nella direzione impercettibile.

ADRIEN M, CLAIRE B & MOURAD MERZOUKI

Pixel
Ein kleiner Vorgeschmack auf die einstündige Präsentation Die Verflechtung von Körperbewegungen mit Technologie ist keine leichte Aufgabe. Die Tanzshow besteht aus 11 Tänzern in einer virtuellen und lebendigen visuellen Umgebung. Es bedurfte der gemeinsamen künstlerischen Bemühungen der Künstler Adrien Mondot, Claire Bardainne von der Adrien M / Claire B Company und Mourad Merzouk von seiner Tanzkompanie Käfig, um Pixel zum Leben zu erwecken. Eine Illusionsarbeit, die Energie und Poesie, Fiktion und technische Leistung, Hip Hop und Zirkus kombiniert.

Alexander Ponomarev

Punto di vista
Ex marinaio della flotta sovietica, poi ufficiale della marina mercantile, ingegnere di formazione, dai primi anni novanta comincia a dare vita a seducenti invenzioni che si collocano al limite tra arte e tecnologia. Le opere di Ponomarev – le sue azioni, installazioni, disegni, fotografie – hanno una forza concreta, dinamica ed icastica che si manifesta sempre attraverso azioni complesse e articolate nel tempo. Nel suo lavoro la lotta contro gli elementi naturali, il perfezionamento continuo della tecnica e le reazioni alla forza del caso si costituiscono in Avventura. L’arte di Ponomarev è Avventura allo stato puro. Non ha nulla di istantaneo, immediato, di breve durata, ma trasforma la realtà nel tempo. In esse è inscritto un senso del tempo come avventura che modifica la stessa percezione del mondo e il corpo dello spettatore, che si sente proiettato in una dimensione finzionale dinamica, articolata, avventurosa.

edoardo tresoldi

Etherea
Edoardo Tresoldi gioca con la trasparenza della rete metallica e con i materiali industriali per trascendere la dimensione spazio-temporale e narrare un dialogo tra Arte e Mondo, una sintesi visiva che si rivela nella dissolvenza dei limiti fisici.
La fusione del linguaggio classico e di quello modernista ne genera un terzo, marcatamente contemporaneo.

Adrien M / Claire B et Mourad Merzouk

Pixel
A Small tease of the hour long presentation Intertwining body movement with technology is no easy feat. The Dance show is 11 dancers in a virtual and living visual environment. It took the collaborative artistic efforts of artists Adrien Mondot, Claire Bardainne from Adrien M/Claire B Company and Mourad Merzouk from his dance company Käfig to bring to life Pixels. A work on illusion combining energy and poetry, fiction and technical achievement, hip hop and circus.

SPENCER TUNICK

斯宾塞图尼克
سبنسر تونيك
ספנסר טוניק
スペンサーチュニック
СПЕНСЕР ТУНИК
Spencer Tunick, è un artista provocatorio e controverso, noto per le sue fotografie di grandi gruppi di persone nude disposte in formazioni artistiche, spesso in zone urbane[…] Con gli anni il fotografo Dopo aver realizzato foto di nudi in diversi stati americani nell’ambito di un progetto chiamato “’Naked States”, ha iniziato a viaggiare per il mondo immortalando diverse città quali Londra, Lione, Melbourne, Montreal, Caracas, Santiago, Sao Paulo, Buenos Aires, Sydney, Newcastle, Roma e Vienna.

ALDO ROSSI

ألدو روسي
알도 로시]
אלדו רוסי
アルド·ロッシ
Альдо Росси
Teatro del Mondo

Il teatro del mondo è stato progettato dall’architetto italiano Aldo Rossi, inaugurato l’11 novembre 1979, nell’ambito della Biennale di Architettura e Teatro di Venezia. Tutto questo sarebbe volgare, se questo fosse davvero un teatro comune, dove vedrai un bello spettacolo delle arti di Thalma. Ma non lo è, e così ho deciso di portarlo a estir@dor. Il “teatro del mondo” si ispirava a una tradizione settecentesca, e intanto scomparve, dal teatro galleggiante che all’epoca ancorò nella città di Venezia di carnevale. L’edificio è stato realizzato in una struttura metallica e rivestito in legno, sia all’interno che all’esterno e sostenuto da una piattaforma galleggiante: una zattera. Formato da un ciottolo centrale con base quadrata di 9,5 m di larghezza e 11 m di altezza e tetto ottagonale in zinco, contiene un palco situato in una zona centrale. Il teatro ha accolto 400 spettatori, di cui 250 seduti, la sua semplicità formale ei colori utilizzati nelle finiture hanno dato un’immagine onirica a questa apparecchiatura che aveva come sfondo Venezia ei suoi canali. Gli utenti che entravano in quel teatro per assistere alla performance artistica degli attori, sono diventati subito se stessi, personaggi di un evento che interagiva con Venezia, osservatori e osservati, da Punta della Dogana, vedendo la Plaza de S. Marcos delle vostre finestre. Una vera Arca di Noè dell’intera Biennale.

MARCEL VAN DER VLUGT

Марселя ван дер Влагта
マルセル·ファン·デル·フルーフト
“I Like…”

Marcel van der Vlugt è un fotografo olandese, nato a Naaldwijk nel 1957. Il suo lavoro, che si divide in diverse serie, racconta un mondo misterioso pieno di bellezza. Le sue immagini mostrano corpi fatti di fiori appassiti, occhi bendati e nudi seducenti.

MICHELE DE LUCCHI

米歇尔·德卢基
ミケーレ・デ・ルッキ
Homage to the Imagination

Il paesaggio, le colline, le montagne, i laghi, le valli, i dolci declivi. La fantasia se ne va, non più trattenuta dalla ragione. Parte per un viaggio a occhi aperti, dove noi stessi, svegli e nel possesso delle facoltà mentali, decidiamo cosa deve succedere e con un semplice impulso mentale cancelliamo quello che non ci piace e non vogliamo vedere e vivere. È la forza dell’immaginazione. Senza, il mondo non avrebbe colori, l’esistenza non meriterebbe interesse’.

RACHEL PERRY WELTY

雷切尔·佩里韦尔蒂
Lost In My Life

Consumismo delirante? L’arte è il miglior modo per ingannarlo. Fra i tanti esempi di artisti che si stanno affacciando nel mondo dell’arte del riciclaggio ce n’è uno in particolare: Rachel Perry Welty. Le opere di questa artista straordinaria è di assemblaggio tra essere umano e riciclaggio, contornando ed amalgamando la persona di ricevute, etichette adesive, fil di ferro plastificati, ma anche scarti virtuali quali aggiornamenti di Facebook, e-mail indesiderate, registrazioni di messaggi sbagliati in segreteria e chi ne ha più ne metta. Insomma, riciclo a 360°.

Anouk Wipprecht and Viktoria Modesta

Smokification

“Smokification” di Anouk Wipprecht. Gamba basata su accelerometro dotata di Arduino 101 e Intel Curie incorporata che guida intuitivamente i movimenti di Viktoria mentre si interfaccia con il mondo che la circonda usando una facciata di fumo. Anouk sta lavorando con Viktoria sull’uso della sua gamba protesica come strumento musicale digitale basato sui gesti, in collaborazione con Alex Murray-Leslie di Chicks on Speed.

Du Zhenjun

Babel

Il primo sinonimo di disordine che compare sul dizionario è babele, con la lettera minuscola
Du Zhenjun trasforma il mondo in una nuova torre di Babele, ma non pensate che questa Terra lo sia già? Non c’è già troppo disordine, ingiustizia e incomprensione?
Il primo sinonimo di disordine che compare sul dizionario è babele, con la lettera minuscola. E nemmeno a farlo apposta tutte le conseguenze della confusione voluta da Dio sono qui, come a giustificare questo aggettivo. Incarniamo la superbia e la supremazia sul mondo, lo stesso che Egli voleva che abitassimo.
Nelle immagini proposte da Du Zhenjun osserviamo una composizione standard: al centro è sempre presente un’interpretazione della Torre, varie forme, varie strutture, varie visioni. Poi tutt’intorno aleggia un’atmosfera grigia, l’atmosfera della realtà. Un ammasso di cose, persone e edifici. Sono parti di fotografie, o meglio di reportage giornalistici, di guerra e non solo.
L’origine della fonte di luce non la individuiamo, è nell’aria: tutto è illuminato, come nelle stampe composite di fine ottocento, antenate del fotomontaggio.

MELANIE BONAJO

梅拉妮·柏娜桥
I beni, per quanto desiderati o utili, possono diventare un peso nel tempo. Tuttavia, diventano anche una parte molto reale di ciò che siamo e delle vite che costruiamo per noi stessi. Melanie Bonajo esplora le nostre relazioni con gli oggetti materiali e il ruolo che giocano nella nostra creazione del “sé”. La serie Furniture Bondage parla della necessità di una perfetta armonia con il mondo che ci circonda. Il risultato è una nuova forma vivente, una fusione del corpo umano con i suoi ornamenti esterni.

JUNG-YEON MIN

ЈУНГ-ЈЕОН МИН
郑妍敏
JUNG-YEON MIN VIENE DALLA COREA DEL SUD, MA ORA VIVE E LAVORA A PARIGI. HA MOLTO INVENTIVO E LE SUE OPERE SUPER IMMAGINATIVE SEMBRANO COME SE POTREBBERO ESSERE INDOTTE DALLA DROGA. LE PERSONE SONO NEI LORO SOGNI, IN UN MONDO SURREALE. C’È UN MIX DI REALISTICO E STRAORDINARIO; IL MICRO E IL MACRO, IL MONDO CHE CONOSCIAMO E QUELLO VIRTUALE. NON C’È TEMPO.

LIZ LARNER

Corridor Red/Green

Liz Larner Non voglio davvero guidare l’interpretazione delle persone del lavoro, ma posso farti sapere cosa ne penso. I problemi legati alla fotografia nel periodo in cui ero alla Cal Arts nei primi anni ’80 mi hanno spinto a voler affrontare il nostro mondo spazialmente e materialmente, ma non come architetto. La scultura affronta molti degli stessi problemi dell’architettura, ma per ragioni diverse. Per me è un mezzo che può affrontare il modo in cui viene prodotto il nostro mondo e i fattori che lo compongono. Per questo motivo, sento che c’è una potenziale poetica nella scultura che è strettamente connessa al nostro mondo come contesto in cui viviamo.

Tom Beddard

ТОМ БЕДДАРД
box pyramid 1

Dopo il dottorato, il mondo del boom di Internet “dot-com” era più attraente del mondo accademico, quindi Tom è diventato uno sviluppatore web specializzato in sistemi di gestione dei contenuti di e-commerce. Negli ultimi dieci anni Tom ha lavorato per una varietà di agenzie in Scozia e ora lavora attualmente alla 55 Degrees di Glasgow, specializzata in mostre museali interattive e produzione video. Tom si considera un “programmatore creativo”, un tecnico che apprezza anche l’estetica. Il suo sito, subblue.com, è dove scrive programmi e plugin che esplorano la grafica matematica e generativa. Ove possibile, questi esperimenti sono interattivi e hanno il codice sorgente disponibile per il download. L’esposizione del suo sito e dei plug-in Photoshop e After Effects che ha rilasciato hanno portato alla creazione di copertine di libri, video musicali e immagini di scena.

ROSEMARIE TROCKEL

罗斯玛丽特洛柯尔的
РОЗМАРИ ТРОКЕЛЬ

Cosmos

A Cosmos riflette l’interesse dell’artista nel creare uno spazio in cui le idee possano esistere tra diverse discipline, passate e presenti. Molti degli oggetti e delle opere d’arte, selezionati da Trockel in dialogo con la curatrice Lynne Cooke, producono un contesto per il lavoro dell’artista all’interno di altri campi di indagine, come le scienze naturali e la storia naturale. Gli acquerelli dipinti dalla pioniera botanica Maria Sibylla Merian si trovano accanto a intricati modelli di invertebrati marini realizzati da Leopold e Rudolph Blaschka, inizialmente utilizzati come strumenti di ricerca da naturalisti che non avevano accesso a esemplari viventi. Per più di trent’anni Trockel ha resistito a uno stile identificabile, lavorando in una varietà di materiali, tra cui lana, bronzo e oggetti trovati, e una gamma di mezzi, tra cui fotografia, collage, video e assemblaggio. Le costanti della sua pratica ad ampio raggio includono questioni che hanno a lungo occupato il suo pensiero e che hanno sostenuto la sua diversa attività, come le idee contrastanti del femminismo e le divisioni costruite tra dilettante e professionista, celebrità e anonimato, e il fine e applicato. arti. Più in generale, attraverso i suoi lavori Trockel sonda non solo le interrelazioni tra esseri umani e animali, ma anche il nostro impatto, come specie, sul mondo naturale.

OLAFUR ELIASSON

オラファー·エリアソン
اولافور الياسون
奥拉维尔·埃利亚松
אולאפור אליאסון
Олафур Элиассон
The cubic structural evolution
Al centro del lavoro di Eliasson c’è la considerazione di come percepiamo e viviamo il mondo. Spesso fabbrica fenomeni dall’aspetto naturale (come la luce del sole, l’acqua corrente o la nebbia) in ambienti artificiali come una galleria d’arte. Questi fenomeni fabbricati coinvolgono direttamente i sensi del suo pubblico e sollecitano riflessioni su come viviamo le cose. Eliasson ha descritto questo effetto come la capacità di “vedere se stessi vedendo”. Il progetto di evoluzione strutturale cubica 2004 è un’opera d’arte partecipativa in cui gli spettatori contribuiscono alla costruzione di un mondo Lego. È un lavoro in cui Eliasson incoraggia un livello di coinvolgimento molto diretto. Gli spettatori sono in grado di guidare attivamente la loro esperienza del lavoro mentre prende forma organicamente per tutta la durata della sua installazione.

MAURIZIO CATTELAN

マウリツィオ·カテラン
Маурицио Каттелана
The Ninth Hour

“Una delle opere più note di Cattelan, La nona ora rappresenta Papa Giovanni Paolo II che muore a terra dopo essere stato bloccato da un meteorite. L’immagine mediatica del papa è amplificata nella scultura con la sua espressione di sofferenza. Il titolo del il lavoro allude al momento in cui Cristo grida: “Perché mi hai abbandonato? “e muore in croce. Maurizio Cattelan fa cadere sfacciatamente una meteora a somiglianza di Papa Giovanni Paolo II. Sembra suggerire che anche l’uomo più santo della tradizione cattolica romana possa non essere al sicuro dalla sfortuna. L’opera è stata interpretata in vari Alcuni lo leggono come un commento sulla reputazione della Chiesa cattolica di nutrire scandali sotto la sua superficie morale. Altri lo hanno visto come un suggerimento che anche le sedi di potere più consolidate possono diventare vulnerabili. La Chiesa è un’istituzione stordita e cambiata dal nostro sempre più mondo secolarizzato. Il Papa potrebbe essere un simbolo di resilienza e reinvenzione; una chiamata a trovare nuovi linguaggi affinché la fede e la cultura perenni sopravvivano e si adattino “.