ג’רג’ ליגטי
Дьердь Лигети

Le Grand Macabre

source: classiccatnet


Ligeti was born in Târnava-Sânmărtin (in Hungarian, Dicsőszentmárton, renamed Târnăveni in 1945), in the Transylvania region of Romania to a Hungarian Jewish family. Ligeti recalls that his first exposure to languages other than Hungarian came one day while listening to a conversation among the Romanian-speaking town police. Before that he hadn’t known that other languages existed. He moved to Cluj (Kolozsvár) with his family when he was 6 and he was not to return to the town of his birth until the 1990s.

Ligeti received his initial musical training in the conservatory at Cluj. In 1943, after the takeover of Northern Transylvania by Hungary following the Second Vienna Award, his education was interrupted when, as a Jew, he was sent to a forced labor brigade by the Horthy regime. His brother, at the age of sixteen, was deported to the Mauthausen concentration camp; his parents were both sent to Auschwitz. His mother was the only other survivor of the immediate family.

Following the war, Ligeti returned to his studies in Budapest, Hungary, graduating in 1949 from the Franz Liszt Academy of Music. He studied under Pál Kadosa, Ferenc Farkas, Zoltán Kodály and Sándor Veress. He went on to do ethnomusicological work on Romanian folk music, but after a year returned to his old school in Budapest, this time as a teacher of harmony, counterpoint and musical analysis. However, communications between Hungary and the West by then had been undergoing difficulties due to the communist government, and Ligeti and other artists were effectively cut off from the recent developments outside the Soviet bloc. In December 1956, two months after the Hungarian revolution was put down by the Soviet Army, he fled first to Vienna and eventually took Austrian citizenship.

In Cologne he was able to meet several key avant-garde figures and to learn the more contemporary musical styles and methods. These included the composers Karlheinz Stockhausen and Gottfried Michael Koenig, both then working on groundbreaking electronic music. Ligeti worked in the same Cologne studio, and was inspired by the sounds he heard there. However, he produced little electronic music of his own, instead concentrating on instrumental works which often contain electronic-sounding textures.

From this time, Ligeti’s work became better known and respected, and his best known work might be said[weasel words] to span the period from Apparitions (1958–59) to Lontano (1967), although his later opera, Le Grand Macabre (1978) is also fairly well-known. In more recent years, his three books of Études for piano have become better known thanks to recordings made by Pierre-Laurent Aimard, Fredrik Ullén, and others.

Ligeti took a teaching post at the Hamburg Hochschule für Musik und Theater in 1973, retiring in 1989. In the early 1980s, he tried to find a new stylistic position (closer to “tonality”), leading to an absence from the musical scene for several years until he reappeared with the Trio for Violin, Horn and Piano (1982). From then on, his output was plentiful through the 1980s and 1990s. Invited by Walter Fink, he was the first composer featured in the annual Komponistenporträt of the Rheingau Musik Festival in 1990.

However, health problems became severe after the turn of the millennium, and no further vocal pieces appeared after the song cycle Síppal, dobbal, nádihegedüvel (“With Pipes, Drums, Fiddles”, 2000). Ligeti’s last original work to be completed is the eighteenth piano etude of 2001, “Canon.” This title and the form of the etude recall the musical language of Ligeti’s central European homeland.

Ligeti died in Vienna on June 12, 2006 at the age of 83. Although it was known that Ligeti had been ill for several years and had used a wheelchair the last three years of his life, his family declined to release the cause of his death. Ligeti’s funeral was held at the Vienna Crematorium at the Zentralfriedhof, the Republic of Austria and the Republic of Hungary represented by their respective cultural affairs ministers. The ashes were finally buried at the Zentralfriedhof in a grave dedicated to him by the City of Vienna.

Aside from his musical interests, Ligeti was interested in literature, for example in Lewis Carroll, and the arts, in architecture, in science and mathematics, especially in the fractal geometry of Benoît Mandelbrot, and in Douglas Hofstadter.

Ligeti was the grand-nephew of the great violinist Leopold Auer. Ligeti’s son, Lukas Ligeti, is a composer and percussionist based in New York City.


Years in Hungary

Ligeti’s earliest works are an extension of the musical language of Béla Bartók. Even his piano cycle, Musica ricercata, though written according to Ligeti with a “Cartesian” approach in which he “regarded all the music I knew and loved as being…irrelevant”,[8] has been described by one biographer as inhabiting a world very close to Bartók’s set of piano works, Mikrokosmos. Ligeti’s set comprises eleven pieces in all. The first uses almost exclusively just one pitch A, heard in multiple octaves. Only at the very end of the piece is a second note, D, heard. The second piece then uses three notes (E♯, F♯, and G), the third piece uses four, and so on, so that in the eleventh piece all twelve notes of the chromatic scale are present.

Already at this early stage in his career, Ligeti was affected by the communist regime in Hungary at that time. The tenth piece of Musica ricercata was banned by the authorities on account of it being “decadent.” Given the far more radical direction that Ligeti was looking to take his music in, it is hardly surprising that he felt the need to leave Hungary.[original research?]

From 1956 to Le Grand Macabre

Upon arriving in Cologne, he began to write electronic music alongside Karlheinz Stockhausen and Gottfried Michael Koenig at the electronic studio of West German Radio (WDR). He completed only two works in this medium, however, including Glissandi (1957) and Artikulation (1958), before returning to instrumental music. A third work, originally entitled Atmosphères but later known as Pièce électronique Nr. 3, was planned; however, the technical limitations of the time prevented Ligeti from realizing it completely. It was finally realized in 1996 by the Dutch composers Kees Tazelaar and Johan van Kreij of the Institute of Sonology.

Ligeti’s music appears to have been subsequently influenced by his electronic experiments, and many of the sounds he created resembled electronic textures. Apparitions (1958–59) was the first work that brought him to critical attention, but it is his next work, Atmosphères, that is better known today.

Atmosphères (1961) is written for large orchestra and is not musically related to the earlier electronic piece of the same name, although some of its aesthetic intentions are similar. It is seen[who?] as a key piece in Ligeti’s output, laying out many of the concerns he would explore through the 1960s. Out of the four elements of music — melody, harmony, rhythm and timbre — the piece almost completely abandons the first three, concentrating on the texture of the sound, a technique known as sound mass. It opens with what must be one of the largest cluster chords ever written — every note in the chromatic scale over a range of five octaves is played at once. Out of the fifty-six string players ushering in the first chord, no two play the same note. The piece seems to grow out of this initial massive, but very quiet, chord, with the textures always changing. For this compositional technique not only used in the aforementioned work, Atmosphères, but also in Apparitions and his other works of the time, Ligeti coined the term “micropolyphony”.[citation needed]

The Requiem for soprano, mezzo-soprano, five-voice chorus, and orchestra is a four-movement work in the same totally chromatic style as Atmosphères. It is a massive, twenty-part choral quasi-fugue where the counterpoint is rethought in terms of the material, consisting of melismatic masses interpenetrating and alternating with complex skipping parts. The last instance of this quoted in the film 2001: A Space Odyssey (at Jupiter: Beyond the Infinite) segues to the opening of Atmosphères. The penultimate movement, “de Die Judicii Sequentia” (Day of Judgement Sequence) is a montage of contrasts: fff loud versus ppp soft, masses of sound versus soloists, etc. In the final movement, “Lacrimosa” (weeping), the chorus is muted, and only a reduced orchestra accompanies the plangent singing of the soloists. Ligeti did confirm that his parents’ experience at Auschwitz is an influence in the piece.[citation needed]

Lux Aeterna is a 16-voice a cappella piece whose text is also associated with the Latin Requiem. The piece is strongly modeled after the masterful mensuration canons of Johannes Ockeghem and accomplishes much the same effect, but with secundal, rather than tertian harmony, in a paradoxically thick-but-transparent 16-voice texture.

From the 1970s, Ligeti turned away from total chromaticism and began to concentrate on rhythm. Pieces such as Continuum (1968) and Clocks and Clouds (1972–73) were written before he heard the music of Steve Reich and Terry Riley in 1972, yet the second of his Three Pieces for Two Pianos, “Self-portrait with Reich and Riley (and Chopin in the background),” commemorates this affirmation and influence. He also became interested in the rhythmic aspects of African music, specifically that of the Pygmies.

In the mid-70s, Ligeti wrote his only opera, Le Grand Macabre, loosely based on the 1934 play, La Balade du grand macabre, by Michel De Ghelderode. It is a work of absurd theatre that contains many eschatological references.

After Le Grand Macabre

His music of the 1980s and 1990s continued to emphasize complex mechanical rhythms, often in a less densely chromatic idiom (tending to favor displaced major and minor triads and polymodal structures). Particularly significant is the Piano Concerto (1985–88), which Ligeti described as a statement of his “aesthetic credo”. Also important are his Études pour piano (Book I, 1985; Book II, 1988–94; Book III, 1995–2001), which draw from such diverse sources as gamelan, one of his favorite jazz pianists, Thelonious Monk,[unreliable source?] African polyrhythms, Bartók, Conlon Nancarrow, and Bill Evans; Book I was notably written as preparation for the Piano Concerto, which contains a number of similar motivic and melodic elements. Other notable works in this vein include the Horn Trio (1982), the Violin Concerto (1992), and the a cappella Nonsense Madrigals (1993), one of which sets the text of the alphabet.

Ligeti’s last works were the Hamburg Concerto for horn and chamber orchestra (1998–99, revised 2003, dedicated to Marie Luise Neunecker), the song cycle Síppal, dobbal, nádihegedüvel (“With Pipes, Drums, Fiddles”, 2000), and the last and eighteenth piano etude “Canon,” 2001.


Ligeti’s music shows the influence of many composers, musicians, artists, writers from different centuries, countries and cultures, including the 15th century composer Johannes Ockeghem and the American 20th century composers Harry Partch and Conlon Nancarrow.[citation needed]

In popular culture

Ligeti’s music is best-known to the general public for its use in the films of Stanley Kubrick. The soundtrack to 2001: A Space Odyssey includes four of his pieces: Atmosphères, Lux Aeterna (for the moon-bus scene en route to the TMA-1 monolith in the crater Tycho), Requiem (the Kyrie section), and an electronically altered version of Aventures (in the cryptic final scenes). Some of this music was used again in Peter Hyams’s 1984 sequel film, 2010. Kubrick’s The Shining uses Lontano for orchestra. The second of Ligeti’s Musica ricercata is used extensively in Eyes Wide Shut.

Lontano was also used in Martin Scorsese’s Shutter Island.

Lontano, Melodien, and Volumina were used in the first radio series of The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy as background music to the sections of narrative from the Guide.
source: gitelalanternecanalblog

György Ligeti est un compositeur roumano-hongrois naturalisé autrichien, né en Roumanie à Diciosânmartin le 28 mai 1923 et mort le 12 juin 2006 à Vienne.

Son oeuvre est des plus diverses, puisqu’elle va de la pièce pour piano seul à l’opéra, en passant par lamusique de chambre, l’orchestre, la musique électronique et des formations plus anecdotiques (Poème symphonique pour 100 métronomes), sans oublier l’orgue et le clavecin qui apparaissent assez peu dans la musique contemporaine.

Au Cinéma le réalisateur Stanley Kubrick utilisa plusieurs fois la musique de György Ligeti dans ses films, en particulier Atmosphères, Requiem, et Lux Æterna dans2001, l’Odyssée de l’espace (« le monolithe noir ») et Musica Ricercata dans Eyes Wide Shut (le thème au piano, « comme un coup de poignard dans le cœur de Staline », d’après Ligeti). Kubrick a également utilisé Lontano de Ligeti dans The Shining.
source: physinfoorg

György Ligeti est avec (après ?) Bela Bartok (1881-1945) le plus important compositeur hongrois des temps modernes. Un demi-siècle les sépare cependant et si Bartok est entré très tôt au Panthéon des classiques du 20ème siècle, il reste encore beaucoup à faire, en particulier auprès du public, pour que son cadet l’y rejoigne. Espérons que cette modeste chronique y contribuera car une chose est sûre : si la musique de Ligeti est d’un accès parfois difficile, elle ne devrait laisser personne indifférent.

Je me conforme à l’usage en présentant Ligeti comme Hongrois, bien qu’il soit né en Transylvanie, une historique pomme de discorde entre la Hongrie et la Roumanie. Membre effectif de la communauté hongroise de cette région, il a fini par mettre tout le monde d’accord en passant à l’Ouest et en prenant la nationalité autrichienne.

Ligeti tenait des propos ironiques – voire amers – sur ses racines, ce qui explique, en partie, qu’il se soit considéré, toute sa vie, comme un juif errant parmi les courants artistiques de l’époque. Laissons-lui la parole :

“Je suis né en Transylvanie et suis ressortissant roumain. Cependant, je ne parlais pas Roumain dans mon enfance et mes parents n’étaient pas transylvaniens. […] Ma langue maternelle est le Hongrois mais je ne suis pas un véritable Hongrois car je suis juif. Mais n’étant pas membre d’une communauté juive, je suis un juif assimilé. Je ne suis cependant pas tout à fait assimilé non plus car je ne suis pas baptisé”.

La trajectoire musicale de Ligeti est sinueuse, à l’image de l’histoire de sa vie. Ses débuts furent déjà difficiles : il dut se battre contre la volonté de son père qui le voyait physicien alors que c’était la musique qui l’attirait. Ayant obtenu gain de cause, en partie parce que les lois antisémites lui interdisaient (providentiellement ?) l’entrée à l’Université, il commença ses études musicales à Cluj en Roumanie et dut attendre la fin de la guerre pour les compléter à l’Académie Franz Liszt de Budapest.

On distingue clairement trois manières dans la production de Ligeti.

Première manière.

La période hongroise du compositeur – pré-Ligeti comme il la nommait lui-même, sans que cela ait jamais impliqué le moindre reniement de sa part – est naturellement influencée par la personnalité et les recherches de Bela Bartok. Comme lui, il s’est intéressé aux chants populaires de Transylvanie. Il a d’ailleurs séjourné un temps, en 1949, à l’Institut du Folklore de Bucarest, retranscrivant quantité de mélodies enregistrées sur des rouleaux de cire. Ligeti s’est, comme Bartok, composté un terreau de folklore imaginaire qu’il réutilisera pour fertiliser ses créations ultérieures.

Ses premières œuvres sont directement issues de cette démarche :

La courte Sonatina pour piano à 4 mains, datée de 1950, est un exemple parfait d’assimilation du patrimoine populaire. En voici le finale : .

Le Concerto Roumain (1951) date également de cette époque et il ne peut davantage cacher sa couleur locale, en particulier dans le Molto Vivace final qui fait penser aux rapsodies roumaines de George Enesco (1881-1955) (Notamment la première, opus 11, datée de 1901). Voici un extrait du mouvement finale de ce Concerto Roumain .

Six bagatelles (1953) pour piano que je vous propose dans une transcription pour instruments à vents. Elles sont extraites d’un CD anthologique par ailleurs fort réjouissant, excellemment interprété par le Quintette Domus. Il vaut le détour, comme on dit chez Michelin.

Ligeti a souffert de l’isolement intellectuel et musical sévissant de l’autre côté du rideau de fer. Même les émissions radiophoniques en provenance de l’Ouest étaient systématiquement brouillées. Parfaitement conscient qu’il était artificiellement maintenu à l’écart de la modernité, il en conçut un sentiment de révolte l’encourageant à écrire (provisoirement pour les tiroirs !) une musique radicalement à l’opposé de ce qui était toléré. Une musique “noire” comme il aimait l’appeler par opposition à la musique “rouge”.

Le grand chef-d’œuvre de cette époque est le Premier Quatuor à cordes “Métamorphoses nocturnes” (1954) qui propose, sans interruption notable, 17 épisodes contrastés, sorte de cycle de variations sans thème.

Cette œuvre phare du 20ème siècle est unique en son genre, ni tonale ni atonale, allant plutôt dans le sens d’un chromatisme intégral. Elle a été enregistrée à de multiples reprises mais vous privilégierez, à ce jour, les enregistrements des quatuors Hagen et Artemis. Si vous souhaitez vous livrer au jeu des comparaisons – mouvement après mouvement – prenez garde au fait que les Hagen joue la version originale de l’œuvre au découpage différent. Plus nerveuse, cette version a ma préférence. Voici un extrait plus long : .

Deuxième manière.

1956 signe l’invasion de la Hongrie par les troupes russes : autant dire que Ligeti allait se sentir de plus en plus à l’étroit. Il passa la frontière en cachette et se débrouilla pour être admis aux studios de Cologne où “travaillaient” Stockhausen, Boulez, Berio et Kagel. On peut être surpris d’apprendre que des musiciens puissent travailler mais je n’ai pas trouvé d’autres mots pour qualifier leur recherche électro-acoustique consistant à pister la “musique” sur bandes magnétiques. Ligeti, adopté, ne rentra plus au pays.

Grisé par la découverte de la liberté, il va s’appliquer à l’exercer dans tous les domaines de la composition, encouragé par ses nouveaux mentors. On sait qu’à cette époque, les studios de Cologne étaient “réputés” pour les expérimentations les plus diverses sans que le moindre contrôle soit exercé – voire même toléré – sur les résultats sonores obtenus. Depuis qu’un demi-siècle a passé, le temps a fait son œuvre civilisatrice et le fait est qu’il ne reste plus grand-chose de ces créations, à l’image de ces sculptures métalliques rouillées qu’on rencontre parfois au détour d’une promenade urbaine.

Débridée, la liberté de créer propre aux artistes peut produire des œuvres déroutantes pour tout auditeur non préparé. Les expérimentations proches du canular ne manquent pas de fait dans l’œuvre de Ligeti, jugez plutôt :

“Artikulation” et “Glissandi”, sont des œuvres électroniques ayant vieilli avant l’âge.

Le succès ne fut pas davantage au rendez-vous avec “Aventures” et “Nouvelles Aventures” qui ont tenté de théâtraliser la voix humaine en lui imposant tout ce qu’elle n’est pas sensée faire : soupirs, grognements, cris, rires, … .

“Poème symphonique pour 100 métronomes” est une pièce de caractère ludique d’une durée ad libitum et mettant en scène 100 métronomes préréglés sur des fréquences et des minutages différents. On devine l’effet produit par autant de cliquetis qui se déphasent et se rephasent puis finissent par s’éteindre, un à un. On a dit de cette pièce qu’elle était un pied de nez à l’intelligentsia avant-gardiste (dont il faisait partie), inspirée notamment par les jeux de l’américain John Cage (1912-1992). Si elle créa un véritable scandale lors de sa première représentation, elle a récemment été récupérée avec un certain bonheur par la troupe chorégraphique de Anne Térésa De Keersmaeker.

Rassurez-vous, toute l’œuvre de Ligeti n’est pas iconoclaste. Apparitions (1959) et Atmosphères (1961), bien que dépourvues de structures motiviques ou rythmiques perceptibles, jouent avec les notions de timbre et de volume sonores.

Le lac d’Annecy (Paul Cézanne)
Atmosphères est, aux dires du compositeur, une œuvre manifeste qui ne désire se réfugier ni dans la mélodie ni dans l’harmonie. Largement statique, elle cherche un équivalent musical aux leçons de peinture de Paul Cézanne (1839-1906) où la couleur remplace les contours et les contrastes de poids et de volumes engendrent les formes. Le compositeur recommande de se laisser porter par le courant musical global sans chercher à tenter une lecture analytique locale. Jugez vous-mêmes si vous voyez le rapport convoité entre la musique et la peinture qui l’a inspirée.

Lontano (1967), sans doute l’une des œuvres les plus célèbres de cette période, tire son pouvoir de séduction de lents canons qui se développent à l’unisson. L’atmosphère créée préfigure le courant minimaliste d’Ingram Marshall (1942- ).

Lux Aeterna (1966) est une autre œuvre emblématique de Ligeti. Elle doit une part de son succès au fait d’avoir été utilisée par le cinéaste Stanley Kubrick dans son film culte “2001, L’Odyssée de l’Espace”. Incidemment, dans le même film, on entendra encore des extraits du Requiem et d’Atmosphères. Kubrick était apparemment un “fan” de Ligeti : il a aussi utilisé Musica Ricercata dans “Eyes Wide Shut” et Lontano dans “The Shining”. Le cinéaste a ainsi contribué à vulgariser une musique largement ignorée du grand public. Cette démarche n’est jamais innocente : on se rappellera combien de cinéphiles on découvert la musique de Gustav Mahler (1860-1911) en visionnant “Mort à Venise” de Visconti.

Le Deuxième Quatuor (1968) date de la même période et le contraste avec le premier est d’autant plus saisissant qu’ils sont généralement couplés au disque. Cinq mouvements où les indications gestuelles remplacent les consignes musicales : “Come un meccanismo di precisione” ponctue le troisième mouvement qui pratique la répétition d’un même son dans plusieurs voix à des vitesses presque identiques créant des déphasages évoluant lentement dans le temps. On fera bien de n’aborder cette musique sans concessions qu’après assimilation parfaite du Premier Quatuor, nettement plus abordable.

Ramifications (1969), pour double orchestre à cordes, accorde un quart de ton plus bas six des 12 cordes requises, ce qui provoque des battements sonores irréguliers.

On monte, de temps à autre, l’unique opéra de Ligeti, “Le grand Macabre (1977)”, d’après l’œuvre de Michel de Ghelderode. Comme souvent avec l’opéra contemporain, le spectacle vaut ce qu’en vaut la mise en scène : isolée de son contexte, la musique est inécoutable. On peut écouter “Orfeo”, “Les Noces de Figaro”, le “Ring” ou “Fidelio” sur une installation domestique car la musique et le chant se suffisent à eux-mêmes mais cela est radicalement impossible avec certains opéras modernes et “Le grand Macabre” n’échappe pas à cette règle. Vous apprécierez peut-être la scénographie pour le moins inventive de la célèbre compagnie catalane “La Fura dels Baus”.

Troisième manière.
Insensiblement Ligeti va, comme tant d’autres compositeurs de sa génération, adoucir ses mœurs et les contours de son oeuvre. En cela, il n’a fait que rejoindre la cohorte de ceux – Rochberg, Schnittke, Penderecki, Rautavaara, Pärt, etc … – qui ayant épuisé les possibilités d’un sérialisme pur et dur, reviennent à leurs convictions d’artistes soucieux de renouer avec un large public.

Aucune date charnière ne peut être véritablement proposée : la dernière manière de Ligeti s’installe définitivement au début des années 1980 mais le Concerto pour Violoncelle de 1966 fait déjà état de changements notables. Notez que si Ligeti revient à une écriture plus traditionnelle, elle reste éminemment personnelle. C’est l’époque des grands concertos (4 cors, piano, violon et violoncelle) ou des Trois Livres d’études pour le piano (ici “L’escalier du Diable (13ème étude, livre 2)” que Greg Anderson joue avec un punch dévastateur).

Les concertos pour violoncelle (1966), pour piano (1985-88) et pour violon (1992) ont précisément été enregistrés chez DGG par l’Ensemble Intercontemporain sous la direction de Pierre Boulez. Il accompagne, dans l’ordre, Jean-Guilhen Queyras, Pierre-Laurent Aimard et Saschko Gawriloff. Ce CD est incontournable pour tout amateur de musique moderne. Le Concerto pour violon est un pur chef d’œuvre dont voici un large extrait du 2ème mouvement, Aria, Hoquetus & Choral .

Le label Sony a entrepris d’enregistrer l’œuvre (complète ?) de Ligeti. Sept volumes ont, à ma connaissance, paru à ce jour mais il me semble que le rythme des parutions s’essouffle. Moins ambitieux mais au bilan plus convaincant, le label Teldec s’est plus modestement contenté de 5 CD dans son Ligeti Project. Le volume 2 est particulièrement recommandable qui regroupe Lontano, Atmosphères, Apparitions, San Francisco Polyphony et le Concerto Roumain.

Ligeti fut, toute sa vie, un chercheur inlassable. Il revendiquait d’ailleurs le droit à l’expérimentation de formules nouvelles d’où on lui concèdera celui à l’erreur occasionnelle. Après tout, une expérience n’est jamais assurée de réussir et on apprend tout autant de celles qui ratent que de celles qui réussissent. Une évolution est cependant clairement perceptible dans son œuvre avec un retour évident à une tonalité de plus en plus affirmée vers la fin de sa vie. Seules, les recherches rythmiques sont en permanence restées au cœur de sa démarche créatrice.

Ligeti restera pour la postérité comme l’un des rares musiciens de la deuxième moitié du 20ème siècle réussissant à imposer une forme de modernité située à égales distances de l’avant-garde post sérielle, des tendances néo classique ou romantique et du mouvement minimaliste. C’est sans doute cette indépendance, en partie explicable par sa marginalité de départ, qui rend sa musique immédiatement intéressante car non interchangeable avec une autre.
source: historiadamusicaxxblogspot

Le Grand Macabre
Esta obra é considerada uma ‘anti-opera’, onde Ligeti introduziu novos timbres instrumentais e processos como colagens, citações de temas e fragmentação, de maneira a criar um mundo dominado pelo sentimento amargo de algo misterioso e estranho no meio de um absurdo grotesco. Neste mundo onírico, revela-se uma profunda meditação sobre as absurdidades macabras da história do século XX. A história é baseada numa peça de teatro de Michel de Ghelderode, e a ópera foi estreada em 1978.

Gyorgy Ligeti foi um dos mais importantes compositores vanguardistas da segunda metade do século XX. Personagem controversa, a sua música revela uma componente criativa extraordinária onde a riqueza de texturas e materiais proliferam à luz de elementos irónicos, paradoxais, misteriosos, grotescos, por vezes, leves e melancólicos, por vezes, densos e perturbadores. Influências artísticas vindas da literatura, dos enigmas da ciência, das visões de Hieronymus Bosch, do realismo de M.C. Escher, de puzzles, da teoria do caos, da complexidade matemática, dos aspetos estimulantes e contraditórios da cultura musical do Caribe, da África Central e do Leste asiático. Definir a música de Ligeti seria contradizer a sua própria essência, que reside na busca do desafio à categorização e às fações ideológicas. Ligeti sempre resistiu a pertencer a um movimento orientado por regras e parâmetros rigorosamente estabelecidos. Para ele, a emoção e o intelecto são unos – esta dicotomia não existe. Suspeitava do sistema e preferia procurar a evocação e a modulação do som de uma forma directa e construtiva, querendo atingir novas ‘complexidades’ na música. Não são as ideias que importam, mas a música em si.
Nasceu em 1923, no seio de uma família judia, em Dicsõszentmárton, numa zona da Transilvânia húngara que tinha sido cedida à Roménia em 1918. Ligeti lembra-se que o seu primeiro contacto com outras línguas para além do húngaro foi quando ouviu a conversa de dois polícias romenos mal tinha 6 anos. Recebeu os seus primeiros estudos de música no Conservatório de Cluj, onde estudou composição com Ferenc Farkas, e durante o Verão, em Budapeste, com Pál Kadosa.
Em 1944, durante a Segunda Guerra Mundial, foi enviado para um campo de concentração. Depois da guerra, Ligeti voltou aos seus estudos de música em Budapeste, onde se licenciou em 1949 na Academia Franz Liszt. No ano seguinte, começou a dar aulas de composição na Academia.
A Hungria era um Estado estalinista, onde cabia o papel aos artistas, incluindo compositores, de glorificar o Estado nos seus trabalhos. Ligeti virou-se para o estudo do folclore húngaro e romeno, enquanto escondia das autoridades as suas composições mais criativas e vanguardistas.
source: blogclasico

Aparte de sus intereses musicales,
Ligeti manifestó su interés y hallazgos
en la geometría fractal de Benoît Mandelbrot,
y en las obras de Lewis Carroll

György Sándor Ligeti
(1923 – 2006)
Compositor húngaro judío (que residió en Austria y luego se naturalizó), ampliamente considerado como uno de los más grandes compositores de música clásica (sobre todo instrumental) del siglo XX. No sólo es conocido en los círculos musicales clásicos, sino también por el gran público, sobre todo gracias a que el director de cine Stanley Kubrick usó sus obras como parte de la banda sonora de varias de sus películas: 2001: Una odisea en el espacio, El resplandor y Eyes Wide Shut. También es conocida su ópera Le Grand Macabre. Ligeti nació en Dicsőszentmárton (en rumano Diciosânmartin, ahora Târnăveni), en la región de Transilvania (Rumania).
Dicsőszentmárton por entonces era un pueblo húngaro con una población de judíos. Ligeti contó que su primer contacto con el idioma rumano fue un día en que escuchó una conversación entre policías que hablaban dicho idioma, una experiencia incomprensible para el joven. Después de dejar su pueblo natal, no regresaría sino hasta los años noventa, cuando de pasada por un sitio de veraneo (Churdano´s Sea), decide retornar. Ligeti recibió su primera educación musical en el conservatorio de Cluj/Kolozsvár, una gran ciudad en el centro de Transilvania. Su educación se interrumpió en 1943 cuando, por su condición judía, fue forzado a trabajar para los nazis.
Sus padres, su hermano y otros parientes fueron deportados al campo de concentración de Auschwitz; su padre murió en 1945 en el de Bergen-Belsen, su hermano el mismo año en el de Mauthausen. Su madre fue la única sobreviviente. Probablemente él habría seguido el mismo destino de no haber sido reclutado para trabajos de logística para la armada húngara en enero de 1944.

Terminada la Segunda Guerra Mundial regresó a estudiar a Budapest, graduándose en 1949. Estudió con Pál Kadosa, Ferenc Farkas, Zoltán Kodály y en la academia Liszt de Budapest con Sándor Veress (quien había sucedido a Bela Bártok en la cátedra de composición). Fue a realizar un trabajo etnomusicológico sobre la música folclórica rumana, pero después de un año regresó a su antigua escuela en Budapest, y fue nombrado profesor de armonía, contrapunto y análisis musical. En aquel tiempo, las comunicaciones entre Hungría y Occidente estaban cortadas por el entonces gobierno comunista, y Ligeti tuvo que escuchar en secreto las difusiones radiales para estar al tanto de los progresos musicales en el mundo. En diciembre de 1956, dos meses después de que el Renacimiento Húngaro fue aplastado por la armada soviética, viajó a Viena y finalmente tomó la ciudadanía austriaca.

Se puso en contacto con varias de las figuras clave de la vanguardia que no eran conocidas en la aislada Hungría de su tiempo. Entre ellas estaban los compositores Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig, ambos entonces trabajando en la avanzada música electrónica.
Ligeti trabajó en ella en el mismo estudio que había en Colonia, y se inspiró con los sonidos que creaba allí. Sin embargo, produjo poca música electrónica propia, concentrándose más en obras instrumentales que pudieran contener aquellas texturas de sonoridad electrónica. Desde ese tiempo, la obra de Ligeti empezó a ser más conocida y respetada.
Se considera que sus mejores obras fueron compuestas en el período entre Apparitions (1958-1959) hasta Lontano (1967), si bien su ópera posterior, Le Grand Macabre (1978) es también muy conocida. En años más recientes, sus tres libros de estudios para piano han adquirido una gran difusión gracias a las grabaciones hechas por Pierre-Laurent Aimard,Volker Banfield, Fredrik Ullén y otros.

En 1968, algunas obras suyas fueron empleadas —sin su autorización— como parte de la banda sonora de la película futurista 2001: Una odisea del espacio de Stanley Kubrick. Las obras incluidas fueron partes del Réquiem, Lux aeterna y Atmosphères. Ligeti entonces entabló una demanda legal contra ellos, exigiendo daños por el monto de 1 dólar, estableciendo que el asunto en juego no era el dinero, sino el no haber solicitado adecuadamente el permiso. Singularmente, con el éxito extraordinario que obtuvo la película, la música y el nombre de Ligeti se hizo también muy famoso en el mundo entero. Kubrick volvió a usar música de Ligeti, en El resplandor (1980, la obra Lontano) y en su obra póstuma Eyes Wide Shut (1999, la 2da. pieza de Música ricercata). También su música fue usada en la película Fuego contra fuego (1995) de Michael Mann, la secuela de 2001 (con guión de Arthur C. Clarke), 2010 de Peter Hyams y en la cita paródica de 2001 en Charlie y la fábrica de chocolate (2005) de Tim Burton.

Después de que en 1968 la música de Ligeti estuviera en la película 2001: A Space Oddisey, ha aparecido en otras 10 obras cinematográficas, desde documentales hasta películas como Heat, o Eyes Wide Shut. Tambien incluyendo la aparición de György Ligeti en el documental sobre la vida de Stanley Kubrick: A Life in Pictures. Su más reciente aportación musical al cine ha sido en una película húngara llamada Másnap (2004). Ligeti ofreció clases en Darmstadt, Hamburgo, Estocolmo y Stanford. Luego tomó un puesto de enseñanza en la Hamburg Hochschule für Musik und Theater en 1973, retirándose en 1989. A inicios de los años ochenta, sufrió problemas cardíacos, que lo llevaron a ausentarse varios años de la escena musical hasta que reapareció con el Trío para corno (1983). Desde entonces, su producción fue abundante hasta los años noventa. Sin embargo, sus problemas de salud regresaron después del cambio de siglo, y no aparecieron más obras después del ciclo de Canciones Síppal, dobbal, nádihegedüvel (‘Con pipas, tambores, violines’, 2000). Ligeti era sobrino nieto del gran violinista Leopold Auer. Estuvo casado con Vera Ligeti, con la que tuvo un hijo, Lukas Ligeti, que también es compositor y percusionista, y vive en Nueva York.Ligeti murió en Viena, el lunes 12 de junio de 2006 después de una aquejante enfermedad que lo mantuvo en silla de ruedas durante los últimos tres años de su vida. Tenía 83 años.

Las primeras obras de Ligeti son una extensión del lenguaje musical de su compatriota Béla Bartók. Por ejemplo, sus piezas para piano Música ricercata (1951-1953), han sido comparadas con las del Mikrokosmos de Bartók . La colección de Ligeti tiene once piezas en total. La primera (escuchar enlace) usa casi exclusivamente una sola nota, la, oída en distintas octavas. Sólo al final de la pieza se puede oír la segunda nota, re. La segunda pieza (empleada en Eyes Wide Shut) emplea tres sonidos diferentes, la tercera cuatro, y así hasta el final, de tal modo que la undécima pieza emplea las doce notas de la escala cromática.

A mediados de los años 1970 compuso su primera ópera, Le Grand Macabre, basado en una obra del teatro del absurdo con muchas referencias escatológicas. Su música de los años 1980 y 90 ha seguido dando énfasis a complejos mecanismos rítmicos, sin bien en un idioma menos densamente cromático (tiende a favorecer las tríadas mayores y menores desplazadas y estructuras polimodales).
Particularmente significativos son los Études pour piano (Libro I, 1985; Libro II, 1988-1994; Libro III 1995-2001), que muestra diversas influencias como el gamelan, polirritmos africanos, Bela Bartók, Conlon Nancarrow y Bill Evans. Otras obras notables en esta vena incluyen el Trío con Corno (1982), el Concierto para piano (1985-1988), el Concierto para Violín (1992) cuya primera grabación fue hecha por Saschko Gawriloff en violin acompañado por el Ensemble InterContemporain dirido por Pierre Boulez
Los Nonsense Madrigals (1993) para sexteto vocal, uno de los cuales musicaliza al alfabeto, mientras que en los restantes musicaliza textos de Lewis Carroll, William Brighty Rands y Heinrich Hoffmann.La última obra de Ligeti fue el Concierto de Hamburgo para corno y orquesta de cámara (1998-1999, revisado en 2003).
source: cinemanch

György Sándor Ligeti war ein österreichischer Komponist rumänisch-ungarisch-jüdischer Herkunft. Ligeti gilt als einer der bedeutenden Komponisten des 20. Jahrhunderts und als ein Erneuerer der Neuen Musik. Einer grösseren Öffentlichkeit bekannt wurde er durch die Verwendung seiner Musik als Filmmusik in 2001: Odyssee im Weltraum von Stanley Kubrick.

Kindheit und Jugend
Ligeti war der Sohn einer Augenärztin und eines promovierten Nationalökonomen und Bankfachmanns. Sein Vater wurde 1944 im Konzentrationslager Bergen-Belsen ermordet, sein jüngerer Bruder Gábor im KZ Mauthausen; die Mutter überlebte das KZ Auschwitz-Birkenau. Er ging zunächst auf eine ungarische Volksschule, dann besuchte er ein rumänisches Gymnasium. Seine Eltern liessen ihn ab 1936 am Klavierunterricht teilnehmen und schon nach einem Jahr versuchte er sich an ersten symphonischen Kompositionen. Nach der Matura im Jahre 1941 wollte er Physik und Mathematik studieren, wurde aber abgewiesen, weil er Jude war.
Ligeti begann eine musikalische Ausbildung bei Sándor Veress, Pál Járdányi, Lajos Bárdos und Ferenc Farkas in Musiktheorie und Orgel am Konservatorium von Klausenburg (rum. Cluj-Napoca, Rumänien) und später in Budapest. Er musste sein Studium unterbrechen, da er 1944 in die ungarische Armee zum Arbeitsdienst einberufen wurde . Ligeti geriet in sowjetische Gefangenschaft, aus der er während eines Bombenangriffs auf das Lager fliehen konnte.
Nach dem Krieg nahm er seine Studien wieder auf und schloss sie 1949 ab. Ein Jahr lang arbeitete er als Musikethnologe über rumänische Volksmusik, kehrte dann an seine ehemalige Schule in Budapest zurück, diesmal als Lehrer für Harmonielehre, Kontrapunkt und Musikanalyse. Zu der Zeit schränkte die kommunistische Partei die Kommunikation zwischen Ungarn und dem Westen ein. Ligeti konnte die aktuellen musikalischen Entwicklungen nur durch verrauschte (gestörte) westliche Radiosendungen verfolgen. Rückblickend auf die Zeit schrieb er 1995:

“So entstand in Budapest eine Kultur des ‚geschlossenen Zimmers‘, in der sich die Mehrheit der Künstler für die ‚innere Emigration‘ entschied. Offiziell wurde der ‚sozialistische Realismus‘ aufoktroyiert, d. h. eine billige Massenkunst mit vorgeschriebener politischer Propaganda. Moderne Kunst und Literatur wurden pauschal verboten, die reiche Sammlung französischer und ungarischer Impressionisten im Budapester Kunstmuseum beispielsweise hängte man einfach ab. […] Nicht genehme Bücher verschwanden aus Bibliotheken und Buchgeschäften (unter anderem wurden auch Don Quijote und Winnie the Pooh eingestampft). […] Geschrieben, komponiert, gemalt wurde im Geheimen und in der kaum vorhandenen Freizeit: Für die Schublade zu arbeiten galt als Ehre.”
– György Ligeti: Begleittext zu György Ligeti Works, Sony Classical 2010

1956 bis 2006
Nach dem Ende des Volksaufstands in Ungarn floh er im Dezember 1956 gemeinsam mit Vera Spitz, seiner späteren Frau, nach Wien. Kurz nach seiner Flucht lernte Ligeti den österreichischen Musikforscher, Kritiker und Philosophen Harald Kaufmann kennen, mit dem er zusammen im Januar 1959 in Graz an der Endfassung für den Aufsatz Wandlungen der musikalischen Form arbeitete, einer Kritik an der Entwicklung der seriellen Musik, die 1960 in der Nummer 7 der Zeitschrift die reihe erschien. Kaufmann war in den 1950er- und 1960er-Jahren einer der führenden Musiktheoretiker, der Analysen über Werke Ligetis verfasste.
Später nahm Ligeti die österreichische Staatsbürgerschaft an. 1957-58 arbeitete Ligeti im Studio für elektronische Musik des Westdeutschen Rundfunks in Köln und traf dort wichtige Vertreter der Avantgarde, darunter die Komponisten Karlheinz Stockhausen und Gottfried Michael Koenig, damals Pioniere elektronischer Musik. Die neuen technischen Möglichkeiten inspirierten Ligeti. Auch wenn er sich später ausschliesslich auf Instrumental- und Vokalmusik konzentrierte, enthielt diese doch häufig Denkweisen der elektronischen Musik, wie er in seinem Aufsatz Auswirkungen der elektronischen Musik auf mein kompositorisches Schaffen (1970) bekennt. Beispiele sind seine Hüllkurvenbehandlung, Schnitttechnik, Clusterfüllung – wobei er insgesamt nur drei Werke im Bereich der elektronischen Musik produzierte.
Von 1969 bis 1972 lebte Ligeti in Berlin und war von 1969 bis 1970 Stipendiat des Deutschen Akademischen Austauschdienstes. 1972 bis zu seinem Austritt 1992 war er Mitglied der Berliner Akademie der Künste (West). 1972 befand er sich als “Composer in Residence” an der Stanford University in Kalifornien und schrieb das Orchesterwerk San Francisco Polyphony (1973-74). Von 1973 bis 1989 war er Professor für Komposition an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg. Zu seinen Studenten zählten Detlev Müller-Siemens, Hans-Christian von Dadelsen, Babette Koblenz, Wolfgang-Andreas Schultz, Hans Abrahamsen, Xiaoyong Chen, Unsuk Chin, Benedict Mason, Manfred Stahnke, Sidney Corbett, Wolfgang von Schweinitz, Roberto Sierra, Hubertus Dreyer und Altuğ Ünlü.
Auf Einladung von Walter Fink war er 1990 der erste Komponist im jährlichen Komponistenporträt des Rheingau Musik Festivals.
Der bedeutende polyglotte Kosmopolit verbrachte die letzten Jahre seines Lebens in Wien und starb dort am 12. Juni 2006. Nach seiner Einäscherung wurde die Urne Ligetis in einem Ehrengrab auf dem Wiener Zentralfriedhof (Gruppe 33 G, Nummer 37) beigesetzt. Mit seiner Frau, der Psychoanalytikerin Dr. Vera Ligeti (geb. Spitz), mit der er seit 1957 verheiratet war, hatte er den Sohn Lukas, der ebenfalls als Komponist tätig wurde.
source: webliojp




source: ipocoil

גֶ’רְג’ שאנדוֹר ליגֶטי
(‏28 במאי 1923 – 12 ביוני 2006)

ליגטי הוא מלחין הונגרי-אוסטרי, יהודי יליד טרנסילבניה, רומניה. אחרי מלחמת העולם השניה למד ופעל בהונגריה משם ערק אחרי המרד ההונגרי משנת 1956 לאוסטריה שם התאזרח בשנת 1967. הוא חי תקופה ארוכה בגרמניה ואחרי 1989 חזר לחיות באוסטריה עד סוף ימיו.

ליגטי נחשב בעיני רבים כאחד מגדולי המלחינים של מוזיקה אינסטרומנטלית של המאה העשרים. רבות מיצירותיו נודעות מאוד בחוגי המוזיקה הקלאסית, אבל בציבור הרחב הוא ידוע בעיקר בקטעים השונים המופיעים בסרטיו של סטנלי קובריק, “2001: אודיסיאה בחלל”, “הניצוץ” ו”עיניים עצומות לרווחה”.