Formalidade Cerimonial
O trabalho de Frederik Heyman é um ato de equilíbrio que incorpora várias mídias – incluindo vídeo, instalações e fotografia – muitas vezes em um ambiente digitalmente alterado. Em seu trabalho, Heyman explora a memória e a duração, usando fotogrametria e digitalização 3D para retratar e representar a passagem do tempo. As marcas registradas do trabalho de Heyman são mecânicas e tecnológicas: fios, rodas, letreiros LED de rolagem, armações de metal, pinças, lâmpadas industriais, telas e câmeras. Corpos – ao contrário dos humanos – estão sujeitos a uma dinâmica incomum com essas armadilhas tecnológicas. Em Cerimonial Formality (2020), uma contorcionista está presa em uma gaiola de metal enquanto um espectador, preso a fios, observa.

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Zeremonielle Formalität Frederik Heymans Arbeit ist ein Balanceakt, der mehrere Medien einbezieht – darunter Video, Installationen und Fotografie – oft in einer digital veränderten Umgebung. In seiner Arbeit erforscht Heyman Gedächtnis und Dauer, indem er Photogrammetrie und 3D-Digitalisierung verwendet, um den Lauf der Zeit darzustellen und darzustellen. Die Markenzeichen von Heymans Arbeit sind mechanisch und technologisch: Drähte, Räder, scrollende LED-Schilder, Metallrahmen, Pinzetten, Industrielampen, Bildschirme und Kameras. Körper unterliegen bei diesen technologischen Fallstricken – anders als der Mensch – einer ungewöhnlichen Dynamik. In Ceremonial Formality (2020) ist ein Schlangenmensch in einem Metallkäfig gefangen, während ein kabelgebundener Zuschauer zuschaut.

Kraft einer #Oberfläche / Testmuster
Die Installation für dieses Stück besteht aus einem Laser, einem Spiegel und einem Motor. Zwei identische Installationen sind vertikal symmetrisch aufgebaut. Die Arbeit nutzt die Natur des Spiegels zwischen den beiden Installationen (wobei die rechte und die linke Seite sich gegenseitig reflektieren). Jede Installation operiert auf der gleichen Zeitachse und verhält sich gleich und erinnert an eine substanzlose Spiegelfläche. Das in Richtung des feststehenden Spiegels emittierte Bild unterstreicht die verworrene Qualität des substanzlosen Raums, in dem Spiegel einen Kreislauf von Multiplikation und Verschwinden erzeugen und sich sein Verhalten je nach Position des Betrachters ändert.

キース·ソニア
Keith Sonnier ist besonders durch seine Lichtinstallationen international bekannt geworden. Bereits in den 1960er Jahren entdeckte er künstliches Licht als bildnerisches Material und experimentierte mit verschiedenen Lichtquellen wie Schwarzlicht und farbigem Neon, einem Material mit vielfältigen Assoziationen zur Werbe- und Alltagsästhetik. Sonnier, der in New York lebt und arbeitet, versteht sich nicht als Lichtkünstler sondern als Bildhauer. Sein Beitrag zur Überwindung des traditionellen Skulpturenbegriffs durch das Medium Licht war prägend für die Kunst der Zeit nach 1960 bis heute. Er wurde zum Wegbereiter einer ‘neuen Skulptur’.

레오 비야 레알
ЛЕВ ВИЛЬЯРРЕАЛ
Zylinder
In dieser funkelnden Installation mit dem Titel Volume nahm der Künstler Leo Villareal eine Handvoll funkelnder Sterne und brachte sie auf die Erde. Das zylinderförmige Teil hing an der Decke und enthielt mehr als 20.000 LED-Leuchten aus reflektierendem, hochglanzpoliertem Edelstahl, die einen dreidimensionalen Raum schufen, in dem Licht lebendig werden konnte. Die Beleuchtungsmuster, gesteuert durch Villareals Software-Code-Design, Bewegen Sie sich in verschiedenen Geschwindigkeiten, Ein- und Ausschaltzyklen und Wellen von Helligkeit und Dunkelheit. Einem Rezensenten zufolge ist „das Stück ein schillerndes Tongedicht, das den Betrachter in einen tiefen, abstrakten Raum zieht, während es die zeitliche und visuelle Wahrnehmung verzerrt.“ Villareal ist kein Anfänger, wenn es um erstaunliche Lichtskulpturen geht. Schauen Sie sich diesen 200 Fuß langen Lichtshow-Tunnel an, den er auf dem Concourse-Gehweg der Ost- und Westgebäude in der National Gallery of Art installiert hat. Der Raum zwischen Villareals Installationen und seinem Publikum ist ein wichtiger Faktor, da die Zuschauer mit den Lichtern verflochten sind, die ringsum pulsieren.

Die Freiheit der Farbe
Der französisch-venezolanische Carlos Cruz-Diez (1923 – 2019), eine Figur von einzigartiger Flugbahn in der zeitgenössischen Kunst, widmete sein Leben dem Studium der Farbe in der zeitgenössischen Kunst. Als produktiver Künstler, Autor von Gemälden, Fotografien und Installationen entfernte er seine Kreationen nach und nach aus Formen, Anekdoten, Symbolen und sogar Zeichen, indem er radikal in die Farbe selbst eintauchte – es befreit so viel von dem dekorativen oder sekundären Aspekt in der künstlerischen Darstellung. Seine umfangreiche Arbeit wird jetzt in der Ausstellung Cruz-Diez gefeiert: Die Freiheit der Farben, Ausstellung im Espaço Cultural Porto Seguro, kuratiert von Rodrigo Villela.

Excellences and Perfections

“Sie ist eine multidisziplinäre Künstlerin, die von frühen Webarbeiten und Online-Performances bis hin zu neuen Stücken, die skulpturale Formen annehmen und Installationen, Fotografien und Performance-Acts beinhalten, je nach Projekt, Ausstellung oder Werk unterschiedliche Techniken anwendet. Er versucht, ein Gespräch und eine kritische Spannung zwischen Konzept und Gerät zu erzeugen. Eines seiner Netzkunstprojekte ist Excellences and Perfections. In den sechs Monaten des Jahres 2014 hat Ulman eine Geschichte über Instagram-Posts erstellt, die nicht seine eigene war, obwohl er sie mit seinem Namen signiert hat. Es erzählte von den Erfahrungen eines Zwanzigjährigen, der in der Stadt Los Angeles Erfolg haben wollte. Sie löste sich von ihrem Freund, injizierte Botox, nahm Drogen, unterzog sich einer Schönheitsoperation, erlitt einen Nervenzusammenbruch und tauchte wieder auf, nachdem sie den Tiefpunkt erreicht hatte. Sie erstellte einen vollständigen Bericht mit Hashtags und dem Image und der Ähnlichkeit der Profile vieler Mädchen ihres Alters, die sie im sozialen Netzwerk gefunden hatte. Während sie Tausende von Anhängern mit ihrer Fiktion begeisterte, hatte sie das Projekt bereits mehreren künstlerischen Institutionen in vorgeschlagen Nueva York und stellte es schließlich in der Tate Modern und WhiteChapel Gallery in London aus. So führte er in der Kunstwelt eine Debatte darüber, ob Instagram in Museen eintreten sollte.” Carlos Trilnick

Leistungspixel
Die Power Pixels-Ausstellung besteht aus zwei generativen und interaktiven Virtual-Reality-Installationen: Complex Meshes 2020 und Oscillations 2020, eine Arbeit, die erstmals der Öffentlichkeit präsentiert wird. Oscillations 2020 ermöglicht eine grafische 3D-Visualisierung der Musik von Michel Redolfi. Eine Wellenform wird in Echtzeit entsprechend den Frequenzen und Amplituden der Musik erzeugt. Diese Klangspektren der verschiedenen Musikklänge erzeugen endlose imaginäre Landschaften. Bild und Musik reagieren in einer Verschmelzung emotionaler Natur aufeinander, die zu einer echten Synästhesie beiträgt.

Nomade
Inspiriert vom Konzept der digitalen Nomaden des 21. Jahrhunderts und basierend auf verschiedenen Stücken und Algorithmen aus TUNDRAs früheren hochgelobten audiovisuellen Installationen, die weltweit von den USA bis nach China uraufgeführt wurden, bringt NOMAD die polare Atmosphäre verschiedener ortsspezifischer TUNDRA-Installationen in eine zufällig wechselnde Abfolge von visuellen Themen und Mustern, ausgelöst durch live gespielten Sound.

Die Gezeiten in uns
Die Gezeiten in uns untersucht die Reise von Sauerstoff von der Lunge zu Herz und Körper in einer Reihe von Installationen, die mithilfe der medizinischen Bildgebungstechnologie die Ökosysteme in der Natur widerspiegeln.

Bei Lloyds Verfahren werden zunächst einige einzelne Fotos ihres ausgewählten Motivs aufgenommen. Später fasst sie die Bilder zu einer Serie zusammen und zeigt sie nacheinander per Video- oder Folieninstallation an. Für Lloyd ist die Präsentation dieser sequentiellen Werke von größter Bedeutung. Lloyd’s Installationen achten genau auf die Ästhetik der Hardware (Monitore, Projektoren, Kabel und dergleichen) und orientieren sich an der minimalistischen Kunst. Die Ausrüstung informiert oder behindert die Erfahrung des Betrachters und diktiert häufig seine Bewegungen innerhalb des Installationsraums.

Svikt, rum 2
Installationen Svikt – Rum 2 utgörs av två lösa väggdelar som hålls samman med gummiband som löper genom de synliga takbjälkarna. Den ena väggen hålls stående med hjälp av den liggande delen. På så sätt uppstår en beroendeställning mellan dem. Skulle den liggande väggen tas bort skulle verket förlora sin balans och kanske falla samman.

Cliff Jumper
Unter dem Pseudonym Moto Waganari entwirft Lutz Wagner transparente Gitternetz-Skulpturen, die sich als schwerelose Körperhüllen vor dem Auge des Betrachters abzeichnen. Inszeniert als Lichtinstallationen werden die dreidimensionalen Figuren um ein zweidimensionales Schattenbild erweitert und erhalten ein immaterielles Alter Ego. Seine Wesen visualisieren eine surreale Parallelwelt, die voller Rätsel und Überraschungen steckt. Moto Waganaris raffinierte Kunstwerke bestechen durch formale Schönheit und filigrane Leichtigkeit.

吉冈德仁
吉岡徳仁
tornado
Tokujin Yoshioka wurde 2007 auf der Design Miami zum ‘Designer des Jahres’ ernannt. Dafür kreierte er eine Installation über die wir kürzlich gestolpert sind. Er füllte einen kompletten Raum mit 2 Millionen Trinkhalmen. In den Zwischenräumen des Plastiktornados finden sich verschiedene seiner Werke. Geboren in Japan ist der Designer bekannt für seine Arbeiten, die alltägliche Materialien wie Glas, Plastik, Stoff oder Papier und sogar Taschentücher zu magischen Objekten und raumfüllenden Installationen vereinen.

Michael Sailstorfers künstlerische Position ist es, ständig zu hinterfragen und erweitern den klassischen Begriff der Skulptur. Mit seinen oft aufwendig produzierten Arbeiten setzt er die Prozesse des täglichen Lebens in ungewöhnliche Beziehungen zueinander. Er verfügt über Licht, Ton und Geruch in seine Installationen wodurch Bilder von poetischer Kraft.

사라 오펜하이머
S-281913
Die Arbeit der in NYC lebenden Künstlerin Sarah Oppenheimer verwischt die Grenze zwischen Skulptur und Architektur. Ihre erstaunlichen Installationen beinhalten normalerweise bewegliche Wände, schräge Böden und die Schaffung von Öffnungen – manchmal symmetrisch, manchmal asymmetrisch und oft mit Spiegeln -, die die widerstandsfähigsten Gäste der Galerie / des Museums hypnotisieren (und verwirren) würden.

Clean Chains
Das Werk von Steegmann Mangrané besteht aus subtilen, poetischen und dennoch rohen Experimenten, die die Beziehung zwischen Sprache und Welt in Frage stellen. Obwohl seine Installationen hauptsächlich konzeptionell sind, beschäftigen sie sich mit der Vorstellungskraft des Betrachters und zeigen ein starkes Interesse an der Existenz und den Eigenschaften der Werke. Aktivierung der abstrakten Sprache als Prinzip, das Gedanken erzeugt, eine instabile Bedeutung artikuliert. Die Arbeit entwickelt so ein Gefühl von Raum und Zeit und baut eine Struktur auf, wenn die Konstellation von Elementen in Aktion tritt.

Einführung in die kontextbezogene Praxis
Der österreichische Künstler Klaus Pinter erkundet mit seinen fantastischen schwimmenden Installationen das Potenzial des Raumes um uns herum. Normalerweise in der Luft schwebend, sind seine riesigen Kunstwerke gleichzeitig leicht, flüssig, weich und mechanisch. Sie sind auch unglaublich bizarr und bestehen aus einer Kombination verschiedener Texturen und aufblasbaren Materialien wie Kunststoff und Nylon. Viele, die seine Werke sehen, beschreiben sie als merkwürdige Flugmaschinen und engelhafte Kokons und sprechen von der Fähigkeit des Künstlers, unsere Wahrnehmung zu verändern, selbst von der Art und Weise, wie wir berühmte Wahrzeichen vom Pantheon in Rom bis zur Seine-Wasserstraße in Paris sehen. Für seine 2002 im Pantheon ausgestellte Installation mit dem Titel „Rebounds“ rollte der Künstler zwei riesige Kugeln in das extravagante antike römische Gebäude, in dem seine Arbeiten Kunst mit Geschichte und Kultur kollidierten. Eine Kugel wurde auf den Boden gelegt und eine andere so montiert, dass sie im Chor zu schweben schien, wo die Reflexion des Gebäudes so verzerrt wie ein M.C. Escher Zeichnung. Diese Platzierung war eine Entscheidung des Künstlers in Bezug auf die Ideologie des Philosophen Platon, der über die Natur der physischen Welt und der Menschen spekulierte. In seiner Biografie teilt Pinter mit, dass der Erfinder in ihm vom Beginn seiner ersten „pneumatischen“ Strukturen an vom Dichter inspiriert, wenn nicht sogar assimiliert wurde. Und während seiner gesamten Karriere hat er in diesem Sinne mit Beständigkeit und Genauigkeit in Formen weitergearbeitet, die ständig erneuert werden.

Cupboard
Davids hat mit den Beziehungen zwischen Körper und inerter Materie experimentiert – meist vertrauten Objekten wie Stühlen, Tischen und Matratzen -, indem er eine gegenseitige Abhängigkeit zwischen beiden geschaffen hat. All dies hat zu dieser seltsam überzeugenden Installation der Werke geführt, die sie seit 1994 entwickelt hat. Sie lädt die Teilnehmer ein, in, unter oder durch die Alltagsgegenstände zu kriechen, was zu etwas komischen Bedingungen führt, wenn sich die Teilnehmer anstrengen, um in Position zu kommen. Denn wo die Objekte von entwaffnender Einfachheit sind, scheint sie von den Teilnehmern an ihren Installationen eine Geschicklichkeit und Flexibilität zu fordern, die für die meisten unerreichbar ist.

ciclotrama 10

Das in Brasilien lebende Künstlerduo Janaina Mello und Daniel Landini von Mello + Landini schaffen baumartige Installationen mit ungedrehten Seilen, die an den Wänden der Galerien befestigt sind. Die Kunstwerke mit dem Titel Ciclotramas haben seit 2010 17 verschiedene Iterationen durchlaufen, von denen jede eine Form von Seilen enthält, die sich durch die Luft zu verzweigen scheinen und sich auf Oberflächen wie Fraktalen oder einem Netzwerk von Neuronen ausbreiten. Die Künstler sagen, dass sie daran interessiert sind, Metaphern zu schaffen, die organische Strukturen umgeben, die sowohl aus miteinander verbundenen als auch unabhängigen Teilen bestehen, sowie den Lauf der Zeit und die „Choreografie von ineinander verschlungenen Linien“.

ジム·ランビー

ג’ים למבי

Die arbeitsintensiven Installationen dauern bis zu mehreren Wochen. Wenn Lambie über seine Arbeit spricht, sagt er: „Erweitert sich der Raum oder zieht er sich zusammen? Das Abdecken eines Objekts verdunstet irgendwie die harte Kante des Dings und zieht Sie eher in eine Traumlandschaft. “Als ehemaliger Musiker stützt sich der Künstler auf musikalische Referenzen als Inspiration. Oft beziehen sich die Titel seiner Stücke auf legendäre Bands oder Songs, darunter The Doors, Morrison Hotel (2005) und Careless Whisper (2009). Die Stücke hängen von der Architektur des Raumes ab und sind somit einzigartige und flüchtige Installationen, die nirgendwo anders exakt reproduziert werden können.

オラファー·エリアソン
اولافور الياسون
奥拉维尔·埃利亚松
אולאפור אליאסון
ОЛАФУР ЭЛИАССОН
shadow lamp
Eine an einem Motor hängende Edelstahlspirale dreht sich um eine Halogenlampe. Das Licht wirft einen sich bewegenden Schatten teilweise auf eine Projektionswand, teilweise auf die umgebenden Wände.
Olafur Eliassons Kunst wird von seinen Interessen an Wahrnehmung, Bewegung, verkörperter Erfahrung und Selbstgefühlen angetrieben. Eliasson bemüht sich, die Anliegen der Kunst für die Gesellschaft insgesamt relevant zu machen. Kunst ist für ihn ein entscheidendes Mittel, um Denken in Handeln in der Welt zu verwandeln.
Eliassons vielfältige Werke – in den Bereichen Skulptur, Malerei, Fotografie, Film und Installationen – wurden weltweit ausgestellt. Seine Praxis beschränkt sich nicht nur auf die Grenzen des Museums und der Galerie, sondern greift durch Architekturprojekte und Eingriffe in den bürgerlichen Raum in die breite Öffentlichkeit ein.

Blush

Kuldeeps Wandinstallationen überschreiten die Grenzen zwischen Keramikkunst und Architektur. Die Inspiration stammt aus einer Mischung von Einflüssen von der erotischen Skulptur in alten indischen Tempeln bis zur modernistischen Architektur. Einige Stücke verwenden Softround-Formen oder Tentakel in sich wiederholenden Mustern, die mit experimentellen Glasuren versehen sind, um eine taktile und zutiefst sinnliche Umgebung zu schaffen, in der andere Würfel verwenden, um eine geometrische Schnittstelle zum Raumraum zu schaffen. Alle haben ein Gefühl von Bewegung und Wachstum, aber nicht nur von der Anordnung der einzelnen Komponenten, sondern aus der sanften Farbabstufung. Die Arbeit stellt eine Begegnung östlicher und westlicher Kulturen dar – die erotische Taktilität der orientalischen Kunst kombiniert mit dem mechanisierten Glanz des Westens. Die dynamischen Installationen entsprechen den vertikalen Ebenen in architektonischen Räumen und bilden eine Schnittstelle zwischen den Wänden und dem Innenraum des Raums. Bei der Arbeit geht es auch um Taktilität und Berührung. Optisch und kompositorisch kann es als Bild oder Komposition wie ein dreidimensionales Gemälde betrachtet werden, eine Kreuzung zwischen Malerei und Skulptur.

Clemens Behr wurde 1985 in Koblenz, Deutschland, geboren. Er studierte zuerst Grafik-Design an der Universität in Dortmund und vertiefte sein Wissen später an der Facultat Belles Artes in Barcelona. Behr schafft faszinierende Installationen. Seine skulptural inspirierten Objekte zieren sowohl öffentliche wie auch private Räume und haben ihren schöpferischen Hintergrund im Origami, dekonstruktivistischer Architektur und Graffiti. Seine abstrakten Installationen, erstellt aus Karton, Holz, Farbe, und Klebeband, schaffen beim Betrachter eine gezielte Verwirrung zwischen zweidimensionalen Bildern und dreidimensionalen Objekten.

The Color Project

MPC New York und ich wurden eingeladen, ein generatives Kunstwerk für den hochkarätigen Start des Media Centers beizusteuern. ‘The Color Project’ ist Teil eines fortlaufenden F & E-Konzepts, das von mir und MPC Digital entwickelt wurde. Das Startstück bleibt als eine von fünf permanenten Installationen im Zentrum zu sehen. Das Made in NY Media Center von IFP bringt Innovatoren aus verschiedenen Kreativbranchen und aus allen Regionen zusammen widmet sich der Definition und Förderung der Zukunft des digitalen Geschichtenerzählens. Der Raum befähigt Künstler, indem er sie mit Ressourcen und Publikum verbindet, um ihre Kunst weiterzuentwickeln. Das Farbprojekt konzentriert sich auf die Erforschung von Erzählungen anhand von Farben, Linien und Formen, die in geografischen Satellitenbildern zu finden sind. Diese Implementierung des Projekts hebt die Schauplätze vieler Filme hervor, die von IFP verfochten wurden. Die formalen Motive jedes Filmortes werden in Form eines Rasters von 162 Globen untersucht. In wunderschöner Synchronizität taucht jede Ansicht zuerst aus dem Weltraum auf und bleibt bei einer einzelnen Farbe in der Landschaft stehen, wodurch ein ortsspezifisches Mosaik entsteht. Das Stück springt von einem Ort zum nächsten und zeigt den Charakter von Bogotá, Kolumbien (Maria voller Anmut), Cleveland, New York City, Florida (Fremder als das Paradies), Vietnam und Virginia (Der gefährlichste Mann in Amerika: Daniel Ellsberg) und die Pentagon Papers), während sie gleichzeitig auf den Kontrast zwischen den Standorten aufmerksam machen. Das Stück verwendet Google Earth und eine benutzerdefinierte Software zeichnet programmgesteuert die geografischen Merkmale jedes Standorts auf, die auf einer beeindruckenden Wand aus 27 HD-Bildschirmen dargestellt werden.

container Projekt

“Die Auseinandersetzung mit Utopien und dem Identitätsgehalt von Architektur, Raum und Alltagsgegenständen, sowie die Untersuchung von Wahrnehmungsprozessen, sozialer Interaktion, Kommunikation und die Transformation urbaner Raumsituationen sowie die Form, kulturelle Prägung und Konstitution von Raum und Lebenswelt sind zentrale Themen, die Annett Zinsmeister in ihren künstlerischen Arbeiten neu verhandelt: in Raum – Installationen, konzeptuellen und gebauten Räumen, in Fotografien, Zeichnungen, Collagen, im Film sowie in theoretischen Abhandlungen. Kultur- und medientheoretische Ansätze sind Teil ihrer konzeptuell geprägten künstlerischen Praxis, die ohne erklärende Erläuterungen eine große Wirkungsmacht entfaltet. Zinsmeisters Werke wurden mit Preisen ausgezeichnet und sind in internationalen Gruppen- und Einzelausstellungen zu sehen. Sie sind in öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten und international in Magazinen, Fachzeitschriften, Katalogen, Fachbüchern publiziert. Ihre Installationen fordern unsere Wahrnehmung heraus, entlarven alltägliche Gewohnheiten und legen den Antagonismus utopischer Ansätze und unserer sozialen und gebauten Umwelt offen. Annett Zinsmeisters Arbeit eröffnet neue Perspektiven und ungeahnte Potentiale hinsichtlich unwirtlicher, verlassener Orte und initiieren Prozesse urbaner Interventionen und Transformationen. Mit ihrer Überzeugung und ihrem Glauben an interdisziplinaere Kommunikation und Interaktion, führt sie in zahlreichen Veranstaltungskonzeptionen Vertreter unterschiedlichster Disziplinen in einen lebendigen und zukunftsweisenden Dialog.”

이형구
Хюнгко Ли
Lepus Animatus

Animatus ist der Name dieser Reihe von Installationen, die vom koreanischen Künstler Hyungkoo Lee entworfen wurden. Letzterer mit Sitz in Seoul stellt künstliche Harzskelette her, indem er sich Tiere aus Cartoons oder Cartoons vorstellt.

Иньиго Manglano-Оваллье
Manglano-Ovalles technologisch anspruchsvolle Skulpturen und Videoinstallationen verwenden natürliche Formen wie Wolken, Eisberge und DNA als Metaphern für das Verständnis sozialer Probleme wie Einwanderung, Waffengewalt und menschliches Klonen. In Zusammenarbeit mit Astrophysikern, Meteorologen und medizinischen Ethikern nutzt Manglano-Ovalle außerirdische Funksignale, Wettermuster und biologischen Code und wandelt reine Daten in digitale Videoprojektionen und Skulpturen um, die durch Computer-Rendering realisiert wurden. Seine Strategie, die Natur durch Informationen darzustellen, führt zu einer Untersuchung der zugrunde liegenden Kräfte, die den Planeten formen, sowie der Punkte menschlicher Interaktion und Eingriffe in die Umwelt. Manglano-Ovalle beschäftigt sich mit Schnittpunkten zwischen lokalen und globalen Gemeinschaften und betont die Komplexität von Ökosystemen.

Dan Flavin war ein amerikanischer Künstler und Pionier des Minimalismus, der vor allem für seine wegweisenden Installationen von Leuchten bekannt war. Seine beleuchteten Skulpturen bieten eine strenge formale und konzeptionelle Untersuchung von Raum und Licht, wobei der Künstler kommerzielle Leuchtstofflampen in unterschiedlichen geometrischen Kompositionen arrangierte. “Ich mag Kunst als Gedanken besser als Kunst als Arbeit”, sagte er einmal. “Ich habe das immer beibehalten. Es ist mir wichtig, dass ich mir nicht die Hände schmutzig mache. Es liegt nicht daran, dass ich instinktiv faul bin. Es ist eine Erklärung: Kunst ist Denken. “

SolarSonic

Inspiriert vom alten chinesischen „Bi“, den neolithischen Jadescheiben mit einer zentralen Öffnung, die verwendet wurden, um über das Überschreiten der Erde zum Himmel zu meditieren, besteht “Solarsonic” aus 14 Linsen, die in der äußeren Glasdachstruktur des Terminals aufgehängt sind. Die Linsen – Eine einseitig mit holographischem lichtablenkendem Glas ummantelte Zugringstruktur – ist graduiert und durch 20 horizontale Kabel verbunden, die in einem Torroidmuster gewebt, gespannt und an beiden Enden an Verankerungen befestigt sind. Das gesamte 100 Meter lange Ensemble besteht aus King erinnert an einen segmentierten chinesischen Drachendrachen, der vom Rumpf des SST skaliert wurde. Bei der Entwicklung von Solarsonic wurde King an den Science-Fiction-Autor Sir Arthur Clarks Kurzgeschichte “Wind from the Sun” über ein Raumschiff erinnert, das von der Kraft von angetrieben wurde Sonnenlicht. Diese Methode der Raumfahrt wird Realität. Solarsonic gehört zu einer Reihe chromatischer Skulpturen von King, die für die Interaktion mit der Sonne entwickelt wurden. Die konkave holographische Linse der Skulptur Sie sind so positioniert, dass sie dem südlichen Meridian der Sonne zugewandt sind und nachts beleuchtet werden. Ray King ist ein Künstler, der die natürlichen Phänomene von Licht und Optik als Kunstmedium nutzt. Seit 1976 stellt er seine Arbeiten international aus. Große Installationen wurden in den USA, Europa und Asien in Auftrag gegeben – alle sind ortsspezifisch und vom umgebenden Raum und der Landschaft inspiriert.