highlike

Horizon
Der Schwebezustand steht im Zentrum der Artistik von Chloé Moglia. Ob als Mitglied der Compagnie Rhizome, solo oder in Gemeinschaftsproduktionen beschäftigt sich die Künstlerin stets mit der Schwerelosigkeit. In ihren Darbietungen, in denen sich physische Kraft und Poesie verbinden, bezwingt sie die Gesetze der Schwerkraft und der Höhenangst. Daneben finden, vornehmlich durch die Langsamkeit ihrer Bewegungen, Reflexionen über die Zeit statt. Chloé Moglia bewegt sich zwischen Risikofreude und Sinnsuche und bringt ihr Publikum zum Mitfiebern, indem sie mit der Angst vor dem Fall spielt. Die hier dargebotene Performance von Chloé Moglia trägt den Titel Horizon. Der Name dieses physischen Meisterstücks, das 2013 nach einem Auftrag des Festival Paris Quartier d’Été entstand, ist vortrefflich gewählt. Horizon ist ein Spiel zwischen der Trapezistin und einer schlanken Struktur, die sowohl als skulpturales als auch als tragendes Element dient. In dieser Konstellation erschafft Moglia ein schwereloses Spektakel, das sich perfekt in seine Umgebung einfügt.

高谷史郎
史郎の高谷
La chambre claire
La Chambre Claire (or Camera Lucida) is a show built up from precise, symmetrical movements, inviting spectators to embark on a thought-provoking journey into their most intimate and personal territory. In this, his first solo work as creative artist and director, Shiro Takatani pays homage to the French writer Roland Barthes and his essay on photography, La chambre claire (1980). The result is a performance that blends theatre, the art of movement and installation to compose a great fresco full of subtle, elegant minimalist images that advance towards an aesthetic climax. Reflecting on photography and memory, the production invites us to embark upon an intimate, solitary journey to look inside ourselves and formulate a personal interpretation of what we see.
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La Chambre Claire (oder Camera Lucida) ist eine Show, die aus präzisen, symmetrischen Bewegungen aufgebaut ist und die Zuschauer zu einer zum Nachdenken anregenden Reise in ihr intimstes und persönlichstes Gebiet einlädt. In seiner ersten Soloarbeit als kreativer Künstler und Regisseur huldigt Shiro Takatani dem französischen Schriftsteller Roland Barthes und seinem Aufsatz über Fotografie, La chambre claire (1980). Das Ergebnis ist eine Performance, die Theater, Bewegungskunst und Installation miteinander verbindet, um ein großartiges Fresko voller subtiler, eleganter minimalistischer Bilder zu komponieren, die sich einem ästhetischen Höhepunkt nähern. Die Produktion reflektiert Fotografie und Erinnerung und lädt uns ein, eine intime, einsame Reise zu unternehmen, um in uns selbst zu schauen und eine persönliche Interpretation dessen zu formulieren, was wir sehen.
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La Chambre Claire（またはCamera Lucida）は、正確で対称的な動きから構築されたショーであり、観客を招待して、最も親密で個人的な領域への示唆に富む旅に出ます。この中で、クリエイティブアーティスト兼ディレクターとしての彼の最初のソロ作品である高谷史郎は、フランスの作家ロラン・バルトと彼の写真に関するエッセイ、ラ・シャンブル・クレア（1980）に敬意を表しています。その結果、劇場、動きの芸術、インスタレーションを融合させて、美的クライマックスに向けて前進する繊細でエレガントなミニマリストのイメージに満ちた素晴らしいフレスコ画を構成するパフォーマンスが生まれました。写真と記憶を反映して、この作品は私たちを親密で孤独な旅に乗り出し、自分自身の内部を見て、私たちが見ているものの個人的な解釈を定式化するように誘います。

Gravitatorische Behauptungen
Aus der transdisziplinären Zusammenarbeit ist die Idee einer ephemeren Installation hervorgegangen, der die Linie als Basiselement zugrunde liegt. In einer Live-Performance kann im Laufe der Ausstellung beobachtet werden, wie künstlerische Inspiration und physikalische Kräfte aufeinandertreffen – und Roboter vom Werkzeug zur «(mit)kreierenden» Maschine mutieren. Künstliche Intelligenzen drängen immer stärker in die unterschiedlichsten Bereiche unseres Lebens. Viele Fragen drehen sich dabei um die Menschlichkeit von Robotern. Was passiert, wenn man die Maschine weiterdenken und weiterführen lässt, was der Mensch initiiert hat? Auch in der Kunst ist die Thematik relevant: Wie lassen sich Roboter in die künstlerische Produktion einbeziehen? Wer oder was bestimmt die Form? Wie geht man um mit der Ungewissheit über die eigentliche Autorschaft? Seit deren Anfang ist der Einsatz von Maschinen in den künstlerischen Prozess zwar einbezogen, ihr Anteil daran jedoch immer wieder auch hinterfragt worden.

舞妓武田
武田麻衣子
מאיקו טאקדה
마이코 다케다
مايكو تاكيدا
Atmospheric Reentry

Die Atmospheric Reentry Collection untersucht die Bedingungen und Formen des Ätherischen. Ausgehend von der einfachen Frage, wie es sich anfühlt, eine Wolke zu tragen, hat Maiko Takeda eine Reihe skulpturaler Kopf- / Körperteile geschaffen, die die Grenzen des umgebenden Raums für den Träger verwischen und versuchen, die traditionellen Erwartungen an Kopfbedeckungen zu übertreffen. Die Ästhetik der Sammlung ist inspiriert von der futuristischen Stimmung von Ton und Bild, die aus Robert Wilsons 1976er Produktion von Philip Glass ‘Oper Einstein on the Beach stammt. Maiko bevorzugt die Verwendung unkonventioneller Materialien, wobei jedes Stück eine sorgfältige Zusammenstellung von Hunderten von stacheligen federähnlichen Einheiten aus klaren Acrylscheiben, farblich abgestuftem Film und silbernen Biegeringen darstellt, die sich auffächern, um eine Dichte und Leichtigkeit zu erreichen Umgeben Sie den Träger mit einem bunten, leuchtenden Dunst.

Soft as Snow

Soft as Snow, auch bekannt als Oda Egjar Starheim und Øystein Monsen, Norwegens beste Anbieter von ungewöhnlichem, kristallinem Pop, sind mit einer brandneuen Veröffentlichung zurück. Die 4-Track-EP “Chrysalis” ist die zweite Originalveröffentlichung des Duos nach ihrem Debüt 2014 – die EP “Glass Body”, die auch als “Glass Body Remixed” veröffentlicht wurde, eine beeindruckende Sammlung überarbeiteter Versionen von Lucy, Gabe Gurnsey von Factory Floor, Maria Minerva und Brian DeGraw von Gang Gang Dance: „Chrysalis ist hart, direkt, frei, emotional. Es bringt uns zum Tanzen, Verbinden, Explodieren. “ – Weich wie Schnee Der Anfangstrack „I Adore“ zeichnet sich durch abrasive Synthesizer und schimmernde Beugungen aus, während sich „Fluid“ von glasiger Zurückhaltung zu einem Synth-Freak-Out entwickelt. “Mouth” ist eine bedrohliche Absichtserklärung, alle Stammes-Percussion und Ur-Yelps, die an die beunruhigende Produktion von Mica Levis Soundtrack für “Under The Skin” erinnert. Die EP geht mit dem energiegeladenen, skitternden “Her Blood Is Gold” zu Ende, wobei Odas seltsame, jenseitige Stimme alles zusammenhält.

Eins Zwei Drei Schaukeln!
Eins Zwei Drei Schaukeln! fordert die Apathie der Gesellschaft gegenüber den politischen, ökologischen und wirtschaftlichen Krisen unserer Zeit heraus. Die Installation wird in drei Zuständen erlebt: Apathie, Produktion und Bewegung. Der Zustand der Apathie gefährdet ein großes Pendel, das an einem 20 Meter langen Kabel von der Decke abgehängt ist und in einem von der britischen Währung inspirierten Farbschema über einem 770 Quadratmeter großen Teppich schwingt. Am anderen Ende der Halle befindet sich der Produktionsstand, eine Fabrikstation, in der Schaukelsitze vor der Verteilung und Verwendung zusammengebaut, gestempelt und gelagert werden. Aus dem Produktionszustand hervorgegangen, lädt eine orangefarbene Linie aus miteinander verbundenen dreisitzigen Schaukeln die Bewegungen der Benutzer ein und umrahmt sie.

Half Life
Staatsballett Berlin
Kungliga Operan har inlett ett samarbete med produktionsbolaget Robert & Robert – ett svenskt företag specialiserat på Virtual Reality (VR). Det är Sharon Eyals kritikerrosade verk Half Life som spelas in med Virtual Reality-teknik.

solid chair
Der Solid C2 Stuhl von Patrick Jouin ist ein Highlight in der wachsenden Gruppe digital gestalteter und produzierter Werke des Museums. Wir sind unseren Mitgliedern zutiefst dankbar, dass sie diese Akquisition ermöglicht haben. Der Stuhl wurde nach einem Verfahren namens Stereolithographie hergestellt, einer Art 3D-Druck, bei dem ein computergesteuerter Laser ein lichtempfindliches Epoxidharz bei Kontakt erwärmt und verfestigt. Dieser Prozess erstellt eine Form, Schicht für Schicht, um ein einzelnes vollständiges Objekt zu erstellen. Dieses Verfahren unterscheidet sich stark von herkömmlichen handwerklichen oder herkömmlichen Massenproduktionsverfahren wie Zusammenbau, Schnitzen und Formen.

フセイン·チャラヤン
ЧАЛАЯН
후세인 샬 라얀
Hussein Chalayan wurde in Zypern geboren und schloss 1993 an der Londoner Central St. Martins School of Art and Design ab. Bereits 1994 gründete er sein eigenes Mode­label und in den Jahren 1999 und 2000 wurde er zum British Designer of the Year ernannt. Seit 2002 zeigt er seine Kollektionen in Paris und 2008 wurde er zum Creative Director von Puma berufen. Chalayans Kreationen zeichnen sich durch innovatives Design, wunderschöne Schnitte und ein puristische Ästhetik aus. Museen auf der ganze Welt widmen ihm Ausstellungen, unter anderem das Museum of Modern Art, New York, das Musée de la Mode et du Textile, Palais du Louvre, Paris oder das Museum of Contemporary Art, Tokyo. Neben seinem Modedesign macht Hussein Chalayan Filme und ist in Theater- und Tanzproduktionen involviert.

Gardens
performance
Die in New York lebende renommierte Künstlerin Georgia Sagri baute in der MelasPapadopoulos-Galerie in Athen ein flexibles Arrangement von Gärten. Pflanzen wachsen, Plastik- und Keramikobjekte erscheinen, Handlungen werden von der Künstlerin in ihrer Performance verfolgt und nachgebildet. Letzte Nacht war der erste der drei aufeinander folgenden Abende. Die Gärten, modulare Kisten mit aromatischen Pflanzen, verstreuten Skulpturen und angehängten Bänken, verweisen auf einen Ort der Einschließung, eine Bühne, in der Schauspieler und Betrachter unter bereits gebildeten Erzählstrukturen zusammengefasst sind. Doch Sagri bietet in dem Versuch, den tragischen Fall sozialer und politischer Fantasien außer Kraft zu setzen, das Liebesereignis des französischen Philosophen Alain Badiou – „Romantik als materielles Ende verkörperte Praxis des Produzierens von Wundern“ – als möglichen Raum für die Produktion von Wahrheit Installation, eine Performance / Schleife, eine PowerPoint-Präsentation, eine Reihe von Fotografien und Zeichnungen sowie eine Sammlung von Texten des Künstlers.

Versions
Versions ist ein laufendes Projekt von Oliver Laric, das sich mit historischen und zeitgenössischen Ideen in Bezug auf Bildhierarchien befasst. Es wird vorgeschlagen, dass gegenwärtige Methoden der kreativen Produktion die Hierarchie eines authentischen oder auratischen „Originalbildes“ in Frage stellen. Anstatt ein primäres Objekt zu privilegieren, schlägt Versions eine Neuausrichtung für die Bilderzeugung vor, bei der Bootlegs, Kopien und Remixe im Zeitalter der digitalen Produktion zunehmend „Originale“ an sich reißen.
Versionen nehmen verschiedene Formen und Iterationen an, darunter eine Reihe von Monologen im Dokumentarfilmstil über montierten Bildern und Videoclips, Polyurethanabgüsse, die auf reformationsgeschädigten religiösen Figuren basieren, eine neu herausgegebene Bootleg-Veröffentlichung von Margaret Biebers Ancient Copies (ein akademischer Text, der sich mit dem Thema befasst) Protraktion der griechischen Ästhetik in die römische Kunst) sowie andere Skulpturen und angeeignete Gegenstände, die die zeitgenössische Bildzirkulation und ihren Austausch durch gegenwärtige und historische Bedingungen erklären.
Das Projekt dient als konzeptioneller Bezugspunkt für den Rest von Larics Praxis, in der eine abgeflachte Bildwirtschaft für die kreative Produktion abgebaut wird und dabei die Konsequenzen für die Hybridität in der zeitgenössischen Kultur untersucht werden. Aktuelle Soloprojekte umfassen: Versionen bei MIT List Visual Arts Center, CAS Annual Award im Lincoln Museum, Art Statements Einzelpräsentation auf der Art | 43 | Basel, Getränkekritik in der Skulpturhalle Basel, Frieze Projects auf der Frieze Art Fair 2011.

insideout
Mit „insideout“ verwirklicht die deutsche Choreografin Sasha Waltz ihren lang gehegten Traum (ein Großprojekt), eine Produktion zu machen, die den Zuschauern uneingeschränkte Bewegungsfreiheit bietet. Unzählige Aktionen in Tanz, Musik und Bild finden gleichzeitig und auf verschiedenen Ebenen statt. Es liegt an den einzelnen Zuschauern, ihren eigenen Kurs zu bestimmen. Ein sehr unterhaltsames und aufregendes Abenteuer vor Ort! Jede Szene erzählt eine bewegende Geschichte, manchmal lustig und grotesk, manchmal autobiografisch. Der Choreograf ging wie immer von einer intensiven Sozialforschung aus. Dieses Mal führte sie Interviews mit ihren eigenen Tänzern und fragte sie nach ihren verborgenen Geschichten, nach ihren Familien und Hintergründen. Die Produktion bietet ein Kaleidoskop von Lebensgeschichten, Emotionen und Erinnerungen. Die Originalkomposition von Rebecca Saunders wird live von musikFabrik, dem renommierten deutschen Ensemble für zeitgenössische Musik, aufgeführt.

al dar headquarters
Das Gebäude der arabischen Investmentgesellschaft befindet sich in der Wüste, aber strategisch nahe am internationalen Flughafen Abu Dhabi sowie im zentralen Geschäftsviertel von Al Raha Beach, das das brandneue World Trade Center Abu Dhabi erhalten wird Das Gebäude wurde zum besten futuristischen Projekt der letzten in Spanien durchgeführten Gebäudebörse gewählt, einer Referenz für moderne Architektur. Die kugelförmige Struktur, die auf klassischen Prinzipien wie dem Goldenen Schnitt basiert, besteht aus zwei verspiegelten und sandgestrahlten Glasschalen, die zur Nutzung von Sonnenlicht und Energieeinsparungen beitragen, zusammen mit vorgefertigten Stahlteilen, wodurch eine größere Abfallproduktion vermieden wird Das Projekt stammt vom Architekturbüro MZ Architects.

La industria del ocio-The leisure industry
Die Freizeitindustrie schafft Illusionen und künstliche Räume, die sich an die Wünsche ihrer Verbraucher anpassen. Zwischen diesen beiden Extrempunkten der Achse von Tourismusnachfrage und -angebot werden erfundene Szenarien generiert, um das wirtschaftliche Wohlergehen der Region zu gewährleisten, in der dieses Wirtschaftsmodell umgesetzt wird.
Der Künstler Ralph Kistler visualisiert dieses Dilemma mit der Schaffung schwerer Maschinen, die von einem Phenakistiskop inspiriert sind, einem der ersten optischen Geräte, das die Illusion von bewegten Bildern erzeugt. Die ausgestellte Maschine besteht aus zwei 3,50 m breiten rotierenden Rädern mit einem Durchmesser Es gibt eine Folge von 64 Fotos, die eine Bewegtbildschleife von etwa 5 Sekunden erzeugt. Während auf der einen Seite die Sequenz einer Person zu sehen ist, die ein Bad am künstlichen Strand von Las Vistas in Los Cristianos genießt, zeigt sie auf der anderen Seite Bilder des Baus eines neuen Strandes in der Gemeinde Guía de Isora Insel Diese Bilder in Bewegung und kontinuierlicher Wiederholung kontrastieren mit ihren reduzierten Abmessungen mit der Größe der sich bewegenden Industriemaschinen, die diesen Teufelskreis von Produktion und Verbrauch erzeugen.
Die neue Nutzung des “touristischen” Territoriums wird sowohl durch seine räumliche Barriere als auch durch seine zeitliche Grenze definiert und steht im Gegensatz zum romantischen Konzept einer individuellen Erfahrung in einer Umgebung von erhabener Natur. Ob es sich um Vergnügungsparks, Einkaufszentren, künstliche Strände oder Sehenswürdigkeiten handelt; Diese neuen Verbrauchereinrichtungen lassen keine großen Spielräume für individuelle Maßnahmen und führen dazu, dass die Anweisungen zum Üben sich wiederholender Gesten freiwillig befolgt werden.

Colour drop
Color Drop, eine Einzelausstellung mit neuen Arbeiten von Christina Mackie, ist die erste Museumsausstellung der Künstlerin in den USA. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht die Farbe: die Produktion und der Verbrauch von Farbe sowie die Assoziation von Farbe und Aktion. Mackie verwendet Farbe, um die Absicht sowohl als konzeptionelles Werkzeug als auch als altes menschliches Gerät zu visualisieren. Ihre Praxis ist empirisch, auf Beobachtung angewiesen, wird jedoch durch persönliche Reflexion und Neugier für die natürliche Welt angeregt. Hier werden gefundene und natürliche Objekte neben großformatigen Skulpturen und speziell für die Ausstellung angefertigten Glas- und Keramikarbeiten angeordnet. In dem Essay der Ausstellung schreiben die Co-Kuratoren Solveig Øvstebø und Hamza Walker über Mackies Arbeit: „Ihre Praxis ist relativ bescheiden. Ihre Medienpalette reagiert auf das Wachsen und Abnehmen der Gedanken, Stimmungen, Wahrnehmungen und Sorgen des Künstlers. All dies hängt von der Zeit und dem Ort ab, an dem Mackie sich möglicherweise befindet. Inspiration kann von nah oder fern, von der natürlichen Welt oder der gebauten Umwelt, von den Vertiefungen der Erinnerung oder der buchstäblich vorliegenden Materie kommen. “

Жюстин Khamara

„Bis vor kurzem habe ich meine Fotocollagen erstellt, indem ich Hunderte von Bildern auf Film aufgenommen, fotografische Elemente von Hand aus ihrem ursprünglichen Kontext herausgeschnitten und mit Klebstoff zusammengeklebt habe. Ich war interessiert an der Beziehung des Fotos zu seinem Thema und daran, wie digitale Technologien das Verständnis des fotografischen Bildes verändern können. In der Installation Thud (2003) haben veraltete Produktionsmethoden eine Umgebung geschaffen, die die digitale High-Tech-Simulation „nachahmt“. Meine Illusion war buchstäblich hauchdünn – alle Oberfläche keine Tiefe – und erinnerte an Erinnerung, Verlust und ein nervenaufreibendes Gefühl der Sterblichkeit.