Лэйр Вальенте
Chimaera
Интересную фэшн-коллекцию, под интригующем названием CHIMAERA (Химера), представила к весенне-летнему сезону 2013 года дизайнер и модельер из Испании Лэйр Вальенте (Leyre Valiente). Серия ее платьев символизирует метафору жизненного пути, который начинается с состояния плода, простого и чистого в своей основе. Живой организм постепенно наращивает внешние оболочки, чтобы защитить себя от внешних воздействий и травм, и фигура модели обрастает сложными защитными элементами, напоминающую декоративную броню. В результате мы видим выразительные силуэты и формы, в которых анатомия человека органично переплелась с эстетикой эпохи модерна и эволюционными парадоксами животного мира.

EGO

FILE 2024 | Installations
International Electronic Language Festival

The mirror stage in psychology explains how the Ego forms through objectification, where one’s visual appearance comes into conflict with emotional experience, a concept called ‘alienation’ by psychoanalyst Jacques Lacan. The interactive installation EGO reenacts and reverses this process by distorting the mirror image based on the user’s movements, highlighting the tension between the real and the symbolic, the Ego and the It, subject and object.

Bio

Klaus Obermaier is an interdisciplinary artist, director and composer who creates innovative works in the performing arts, music and installations using new media. Stefano D’Alessio researches social issues induced by the internet and explores how the web and its derivatives influence human behavior and the body. Martina Menegon creates intricate assemblages of physical and virtual elements, exploring the contemporary self and its hybrid corporeality.

Blob Alien Mouth

FILE 2024 | Interator – Sound Synthetics
International Electronic Language Festival
Luigi Novellino (aka PintoCreation) – Blob Alien Mouth – Italy

The journey begins with Deforum, using the Automatic1111 interface to create basic images with the StableDiffusion XL, EndjourneyXL, and Lora XLFullArt templates. The video undergoes a transformation using the Absolute Reality model and Lora Aurora style, guided by the IPAdapter node and refined by QrCode Controlnet.

Bio

Fascinated by the limitless domain of AI, Luigi Novellino adopts the title syntographer, a term that resonates deeply within the community. The artist often asks himself: “am I an artist?” Art, in his view, defies rigid definitions or limits; it represents a fluid expression of creativity that transcends labels. The artist’s ultimate goal is to awaken something in the viewer, provoking thoughts and evoking emotions.

Credits

Music: Oleh Boretskyi

Russian Roulette

FILE 2024 | Interator – Sound Synthetics
International Electronic Language Festival
Dennis Schöneberg – Russian Roulette – Germany

An incessant bass drum drives the journey through an eccentric world populated by fruity alien creatures in a cheerful and colorful environment.

Bio

Dennis Schöneberg, German AI artist, data science student and developer of open source AI models, integrates his passion for electronic music into his creative endeavors. Merging art with technology, he explores the synergy between creativity and artificial intelligence.

Credits

Music: Believe by Russian Roulette

Biomimikry
Für den Film “Biomimicry“ untersuchen Iris van Herpen und Dutch National Ballet die symbiotische Beziehung zwischen der metamorphen Kraft, in der sich Mode und Tanz verflechten. Der Film unter der Regie von Ryan McDaniels zeigt die hypnotisierende Tänzerin JingJing Mao, die sich in flüssige Formen verwandelt und in anmutige Figuren übergeht, die ihre unzähligen Bewegungen widerspiegeln. Das Konzept der Kreation basiert auf dem Begriff der Biomimikry – dem Entwurf und der Herstellung von Materialien und Systemen, die biologischen Prozessen nachempfunden sind. In Übereinstimmung mit Iris van Herpens kontinuierlichem Bestreben, die unsichtbaren Kräfte, die die Welt strukturieren, zu materialisieren, konzentriert sich der Film auf die Verbindung zwischen Mensch und Natur.

Skia

file festival
As natural as the daily sunshine, one’s shadow, formerly a constant companion, now often escapes from attention. A silhouette of our physical form, one’s shadow is no more than a flat, disembodied reduction of the contours of one’s self.The installation skia examines the interplay of our shadows and our conscious awareness of our physical displacement of space. In this closed-circuit installation, visitor´s images are manipulated and projected as artificial shadows.What does it mean if one’s shadow suddenly frees itself and develops an alien autonomy? And what has such an estrangement in common with the multiple identities of the post modern ego?

Arrival

“Arrival’s narrative plays out in four languages: English, Mandarin, Russian and Heptapod. Though they are not spoken in the film, we learn that Louise is also fluent in Farsi, Sanskrit and Portuguese (and possibly others). The language learning process and the growing translingual bond between Louise and the heptapods forms the film’s narrative arc and the majority of its plot. Thus language, and specifically the mechanics of ←215 | 216→multilingualism, is Arrival’s central theme. Within this context, the ability to communicate across language barriers is an asset, and the flexibility to navigate new linguistic challenges is invaluable. The heptapods are pure science fiction, but serve a powerful metaphorical function. As Emily Alder (2016) writes in The Conversation, “ultimately, Arrival is less about communicating with the aliens than with each other – internationally but also individually […] The film’s message is that difference is not about body shape or colour but language, culture and ways of thinking. It’s not about erasing that difference but communicating through it”. Gemma King

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语言学习过程以及路易丝与七足动物之间越来越多的跨语言联系形成了电影的叙事弧线和大部分情节。 因此，语言，尤其是←215的机制| 216→使用多种语言是到达中心的主题

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Процесс изучения языка и растущая межъязыковая связь между Луизой и гептаподами составляют повествовательную дугу фильма и большую часть его сюжета. Таким образом, язык и, в частности, механика ← 215 | 216 → многоязычие – центральная тема Арривала.

Same Unknown
Ann-Sofi Sidén hat zuvor Menschen in Videoarbeiten wie “Warte Mal!”, “Wer hat es dem Zimmermädchen erzählt?” und “Im Vorbeigehen”. “Same Unknown” unterscheidet sich von ihren früheren Arbeiten dadurch, dass es keinen Dialog oder räumlichen Kontext gibt. Hierarchien wurden aufgelöst, jeder ist gleich, aus seinem Kontext gerissen, aber in einer Art klinischem Hyperrealismus vereint: Jeder Blick, jeder Oberkörper, jede Hüfte, jede geballte Hand und jeder angespannte Muskel, jeder Schritt hat eine spezifische Bedeutung. Wie eine Geschichte ohne Anfang oder Ende. Zusammen bilden sie eine Art fließendes Dokument, Hieroglyphen, die von menschlichen Körpern in westlicher Mode geformt wurden. „Gleiches Unbekanntes“ wurde ab 2008 mit Unterstützung der Bürger der Stadt Reggio Emilia in Italien für die Ausstellung „Mensch, alle too human “, für Fotografea Europea, 2008. Die Videoarbeit wurde dort als ortsspezifische Installation gezeigt und ist nun in der Kunstsammlung der Stadt enthalten.

Frühling / Sommer 21
Die Frühjahrskollektion 2021 spiegelt diese Mentalität wider und unterstreicht die kommerzielleren Angebote der Marke, die normalerweise unter seinem übertriebenen Runway-Design verborgen sind. Carryover-Styles wie Steppjacken, gepolsterte Westen, Parkas, Hemden und Hoodies mit Ausschnittloch- und Spitzenbesatzdetails sind in den Farben Kieferngrün, Beige, Rosinenpurpur und Mitternachtsblau erhältlich und stehen im Lookbook im Mittelpunkt. Sogar die rahmenartigen Konstruktionen von Green rund um den Körper wurden abgeschwächt. Anstatt experimentelle und farbenfrohe Materialien zu verwenden, hat Green dekonstruierte Teile eines Hemdes oder einer Jacke an Metallrahmen gehängt. Der Effekt besteht darin, dass zwei Personen in einer Skulptur interagieren.

マイケル·クラーク·カンパニー
Come, been and gone

Ballet meets punk, and neither comes out the same. In its highly anticipated first visit to Chicago, the electrifying Michael Clark Company provocatively pays homage to the decadence and unbridled fun of 1970s club culture. British dance iconoclast Michael Clark sets his choreography in come, been and gone to the music of fellow rebel David Bowie, and collaborates with video artist and dance film pioneer Charles Atlas. Clark’s dancers don Bowie-style leather jackets and echo his unique body language, building up to a detonation of jumps and kicks. “Come, been and gone” pulls off a remarkable feat—matching the cool, alien beauty of the singular singer, who makes a cameo appearance here thanks to 1977 film footage of his track “Heroes.”

Credo

A radio telescope scans the skys in search of signs of extraterrestrial life.
The received raw signals serve as input data for a neural network, which was trained on human theories and ideas of aliens. Now it tries desperately to apply this knowledge and to discover possible messages of other civilizations in the noise of the universe. Mysterious noises resound as the artificial intelligence penetrates deeper and deeper into the alien data, where it finally finds the ultimate proof.The sound installation revolves around one of the oldest questions of mankind – one that can never be disproved: Are we alone in the universe?

In 1979, projects began to include work with most major studios, on such feature films as Star Trek: The Motion Picture, followed by, Bladerunner, TRON, 2010, Short Circuit, Aliens, Time Cop, Johnny Mnemonic, Mission Impossible-3, and most recently Elysium starring Jodi Foster and Matt Damon, Directed by Neill Blomkamp. Beginning in 1983, Syd began to develop close working relationships with a number of major Japanese corporate clients, including; Sony, Minolta, Dentsu, Dyflex, Tiger, Seibu, Mitsukoshi, Bandai, NHK and Honda as well as contributing to two Japanese film projects, The New Yamato and Crises 2050. In the 1990s’, Syd supplied designs for two Japanese toy icons, “The New Yamato” and all eight robot characters in the new Turn-A Gundam mobile suite series which were also seen as characters in Television shows.

Het Wezen van de Stad
For a couple of years now I’ve been developing a series of works that engage, each in different ways, with what I propose to call filmic architecture. In these works, I explore the relationships between scale models, sets, architecture, and the moving image. Starting point is was the question: would it be possible to do a remake of a film, let’s say Ridley Scott Alien, with a set that would allow one to do so in one single shot? How to translate the combination of spaces, montage and shifts in size and angle as we see them in the film into the actual spatiality of a set that would allow one to shoot the film in a single continuity without the cut and paste of montage? This brought me to the idea of the Morphed Set as both a potential plan for a work and an intellectual exercise or figure of thought. Sometimes my works are extremely large “walkthrough INSTALLATIONS” – at other times, they are infinite small scale models and prototypes.
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Selgascano Pavilion
architectural photographer: Henry Woide
“Der 2015 Serpentine Gallery Pavilion wurde heute in London offiziell eröffnet und zeigt zum ersten Mal eine farbenfrohe und verspielte Struktur, die vom spanischen Büro SelgasCano entworfen wurde. Mit einer minimalen Metallstruktur, die von farbigen ETFE-Platten und Bändern umgeben ist, besteht das Projekt aus” geheime Korridore “, die den Zugang zum Hauptinnenraum ermöglichen, der vom chaotischen Londoner U-Bahn-Netzwerk inspiriert ist.
Bekannt für seine Arbeit mit synthetischen Materialien, verleiht die Wahl von SelgasCano durch das farbige ETFE der Struktur “Bewegung und Leichtigkeit”, da sich der Kunststoff ein wenig verdrehen kann, um den metallischen Elementen zu entsprechen. Der gemeinsam mit Ingenieuren von Aecom und David Glover entwickelte ETFE-Kunststoff wurde in 19 Farben gedruckt, um die Vielfalt der von Architekten gewünschten Farbtöne zu gewährleisten.
Die Architekten José Selgas und Lucía Cano, die im Jahr 2000 mit einer Struktur von Zaha Hadid anlässlich des 15. Jahrestages des Serpentinenpavillons eingeweiht wurden, erklärten, dass der neue Pavillon, obwohl das Projekt nicht wie etwas aussieht, das zuvor vor Ort durchgeführt wurde, dennoch “eine Hommage an” ist alle anderen und eine Hommage an alle Geschichten, die von diesen Projekten erzählt wurden”.” Rory Stott

吉冈德仁
吉岡徳仁
tornado
Tokujin Yoshioka wurde 2007 auf der Design Miami zum ‘Designer des Jahres’ ernannt. Dafür kreierte er eine Installation über die wir kürzlich gestolpert sind. Er füllte einen kompletten Raum mit 2 Millionen Trinkhalmen. In den Zwischenräumen des Plastiktornados finden sich verschiedene seiner Werke. Geboren in Japan ist der Designer bekannt für seine Arbeiten, die alltägliche Materialien wie Glas, Plastik, Stoff oder Papier und sogar Taschentücher zu magischen Objekten und raumfüllenden Installationen vereinen.

Einführung in die kontextbezogene Praxis
Der österreichische Künstler Klaus Pinter erkundet mit seinen fantastischen schwimmenden Installationen das Potenzial des Raumes um uns herum. Normalerweise in der Luft schwebend, sind seine riesigen Kunstwerke gleichzeitig leicht, flüssig, weich und mechanisch. Sie sind auch unglaublich bizarr und bestehen aus einer Kombination verschiedener Texturen und aufblasbaren Materialien wie Kunststoff und Nylon. Viele, die seine Werke sehen, beschreiben sie als merkwürdige Flugmaschinen und engelhafte Kokons und sprechen von der Fähigkeit des Künstlers, unsere Wahrnehmung zu verändern, selbst von der Art und Weise, wie wir berühmte Wahrzeichen vom Pantheon in Rom bis zur Seine-Wasserstraße in Paris sehen. Für seine 2002 im Pantheon ausgestellte Installation mit dem Titel „Rebounds“ rollte der Künstler zwei riesige Kugeln in das extravagante antike römische Gebäude, in dem seine Arbeiten Kunst mit Geschichte und Kultur kollidierten. Eine Kugel wurde auf den Boden gelegt und eine andere so montiert, dass sie im Chor zu schweben schien, wo die Reflexion des Gebäudes so verzerrt wie ein M.C. Escher Zeichnung. Diese Platzierung war eine Entscheidung des Künstlers in Bezug auf die Ideologie des Philosophen Platon, der über die Natur der physischen Welt und der Menschen spekulierte. In seiner Biografie teilt Pinter mit, dass der Erfinder in ihm vom Beginn seiner ersten „pneumatischen“ Strukturen an vom Dichter inspiriert, wenn nicht sogar assimiliert wurde. Und während seiner gesamten Karriere hat er in diesem Sinne mit Beständigkeit und Genauigkeit in Formen weitergearbeitet, die ständig erneuert werden.

Autopoiesis

Autopoiesis ist eine Roboter-Skulptur-Installation, die vom Kiasma-Museum in Helsinki, Finnland, im Rahmen von Outoaly, der von Erkki Huhtamo 2000 kuratierten Alien Intelligence Exhibition, in Auftrag gegeben wurde. Sie besteht aus fünfzehn Roboter-Klangskulpturen, die mit der Öffentlichkeit interagieren und ihr Verhalten im Laufe der Zeit ändern . Diese Verhaltensweisen ändern sich aufgrund des Feedbacks von Infrarotsensoren, der Anwesenheit des Teilnehmers / Zuschauers in der Ausstellung und der Kommunikation zwischen den einzelnen Skulpturen. Diese Serie von Roboterskulpturen spricht über ein Computernetzwerk und hörbare Telefontöne miteinander, die eine musikalische Sprache für die Gruppe sind. Die Autopoese ist „selbstgemacht“, ein Merkmal aller lebenden Systeme, das von Francisco Varella und Humberto Maturana definiert und verfeinert wurde. Die Interaktivität bindet den Betrachter / Teilnehmer ein, der wiederum die Entwicklung und Entstehung des Systems beeinflusst. Dies schafft eine Systementwicklung sowie eine Gesamtgruppe skulpturaler Ästhetik. Autopoiesis bricht von Standardschnittstellen (Maus) und Wiedergabemethoden (CRT) ab und bietet eine interaktive Umgebung, die umfassend, detailliert und in Echtzeit entwickelt werden kann, indem Feedback und Interaktion von Zuschauern / Teilnehmern genutzt werden.

River Under Me
„Eines Tages ging ich über eine Brücke und dachte, ich wünschte, ich könnte nach unten greifen und ein Stück der Wasseroberfläche aufheben und es für immer behalten. Collier arbeitet in ihrem Studio in Sausalito und schnitzt Wasseroberflächen aus Acrylblöcken. Dabei werden Phantasie, Software und Werkzeugmaschinen kombiniert, um Windkreuzungswasser und das daraus resultierende Licht zu erfassen. Ich habe in diesen Jahren nicht sofort damit begonnen, daran zu arbeiten hatte einen Job bei einem Investmentfonds. Aber aus dieser Arbeit wusste ich, dass es möglich ist, Software zu entwickeln, um riesige, turbulente, nichtlineare Datensätze wie Geld zu modellieren… und vielleicht auch Wasser in Bewegung.
Anfang 2008 war ich bereit und kehrte mit voller Wucht zu dieser Idee zurück. Ich verschenkte einen Schrank voller Business-Anzüge und Damenschuhe und begann, mein Studio und meine Fähigkeiten aufzubauen. Ich reiste nach Detroit und fand müßige Maschinisten, die mir das Präzisionsfräsen beibrachten. Ich habe Animation und 3D-Modellierung gelernt. Ich habe mit Materialien experimentiert und eine Farbpalette aus Acrylblock entwickelt. Anstatt Verarbeiter einzustellen, entwickelte ich Methoden und Geräte, um jedes Stück selbst in meinem eigenen Studio herzustellen. Wenn ich jetzt meine fertige Arbeit betrachte, sehe ich Frieden. Starke Emotionen und Turbulenzen haben einen Ruheplatz gefunden. Die Oberfläche ist eine Linse für reines Licht.

РЕЙНАЛЬД ДРУХИН
LANDSCAPE MONOLITH

MONOLITH is the title of French multimedia artist Reynald Drouhin’s latest art project which consists of a series of digitally manipulated images of stunning natural landscapes. In the middle of picturesque sunsets and serene Arctic landscapes, Drouhin pastes a mysterious prismatic shape and then flips it, thus creating a mind-boggling visual effect of an otherworldly transparent object hovering in desolate locations. The entire project is an ingenious appropriation of the famous monolith from Stanley Kubrick’s film ”2001: A Space Odyssey” where mysterious dark rectangular objects (dubbed as monoliths) were scattered across the solar system by an unknown alien civilisation which seemed to guide humans along a risky interplanetary journey. Reynald Drouhin’s MONOLITH series captures exactly the double nature of Kubrick’s monoliths: the inverted shapes in the photographs seem to be a window to another dimension, a physical anomaly which distorts the nature around it, and is both menacing and inviting.

aeronef

“Um die Arbeit von Clément Bagot vollständig zu erfassen, muss man von seiner Zeichenpraxis ausgehen. Eine Praxis, bei der das Streben nach epidermaler Beschreibung konvergiert, indem sie die Bemühungen um die Konstitution eines” Textur “-Begriffs verbirgt, der auch den Titel von ausmacht eine der Serien des Künstlers – und eine demiurgische Versuchung durch die Konstruktion von Universen, deren Darstellung durch eine imaginäre Kartographie verläuft. Indem die Zeichnungen “die Haut des Ortes” in der Art eines mentalen Ausmaßes zeigen, das man untersuchen möchte von Clément Bagot ermöglichen es, seine Werke in Form von Bänden in Bezug auf Porosität besser zu denken. Während er an eine Science-Fiction-Architektur erinnert, erscheinen seine Assemblagen, die aus Materialien wie Holz, Linealen, Pappe, Harz oder Neon bestehen, als das Objekt singulärer Wahrnehmungserfahrungen. An ihren Grenzen, wo der Blick über seine Strukturen kreuzt oder stolpert, können wir von außen wie von innen sehen oder auf der Ma stehen bleiben Illusion durch die Kombination der beiden offenbart. Die Ausstellung in Thonon-les-Bains vereint den grafischen Teil seiner Arbeit und seine „Modelle“ sowie eine vor Ort produzierte Arbeit im selben Raum und ermöglicht es dem Besucher, seine atopischen Räume mental zu bewohnen. “ Tom Laurent

Felinanthropy

Die ökologischen Anliegen von art oriente objet führten zu Kunst, die offenbar eng mit einer Handwerkstradition verbunden ist, in der Recycling und Wiederverwendung wichtig sind. Ihre Verwendung von recycelten Materialien verleiht ihrer Kunst einen Aspekt des meisterhaften Bastelns. Tatsächlich erstrecken sich ihre Vorstellungen von Recycling auch auf bereits etablierte Ideen, die sie von Beginn ihrer Zusammenarbeit an als bereitwillig definiert haben. Ihre Arbeit in Bezug auf Biotechnologie hat ihnen einen Platz in der BioArt-Bewegung eingebracht (Jens Hauser, Le Lieu Unique, 2004) und sie werden oft zu den Künstlern an der Grenze zwischen Kunst und Wissenschaft gezählt. Darüber hinaus können sie als Künstler des sozialen Beobachters oder als Künstler des Anthropologen betrachtet werden, die das Experimentieren mit Systemen fördern, die sie formal analysieren. Darüber hinaus ist Marion Laval-Jeantet als professionelle Praktikerin für Ethnologie und Psychologie mit diesen Problemen konfrontiert. Ihre Vorgehensweise besteht darin, Lebenserfahrungen aus einem direkten Eintauchen in ein Erfahrungsfeld zu gewinnen, auf dem sie die Schaffung einer übertragbaren Vision und eines aktiven Objekts aufbauen.