安托万·卡塔拉
Distant Feel
Antoine Catala répond à la très haute technicité des médias numériques actuels en s’aidant du lo-fi et de l’analogique. Parsemées d’humour et de jeux de mots qui dissimulent souvent une certaine gravité, ses œuvres s’enchaînent dans une continuité à la fois matérielle et conceptuelle et s’appuient aussi bien sur l’esthetique du projet de sciences que sur la sémiotique.

Monolithe
Monolith est un travail expérimental non commandé, jouant avec des motifs de pixels irréguliers. Que se passe-t-il lorsqu’un écran présente une disposition non uniforme des pixels? Comment cela influence-t-il notre perception des images et de quelle quantité d’informations visuelles avons-nous même besoin pour franchir la frontière de l’abstrait au figuratif? Pour répondre à ces questions, nous avons créé une sculpture vidéo, qui fait fondre esthétiquement l’écran et le contenu. Dans un jeu entre beauté naturelle et bouleversement technique, les images de bustes classiques se transforment cycliquement en dégradés abstraits et redeviennent des images perceptibles.

Esthétique du système
Les travaux de cette série font partie d’un vaste projet de recherche de FIELD, explorant les algorithmes d’apprentissage automatique les plus pertinents dans des illustrations à base de code […] Nous avons commencé une exploration plus approfondie des informations moins accessibles qui existent, telles que les articles scientifiques et des publications de code open source, pour développer une compréhension du fonctionnement interne de ces algorithmes, et le traduire en métaphores visuelles qui peuvent contribuer à un débat public.

Blossom
l’artiste explore une réalité numérique secondaire, rendue dans ce qu’il appelle une «esthétique de tutoriel Photoshop» ou une «esthétique d’économiseur d’écran de bureau». Ses environnements méticuleusement produits et filmés sont bricolés à partir de sources à la fois échantillonnées et modélisées à la main. Les œuvres sont appropriatives, tant dans leur objet que dans leur esthétique, en utilisant des éléments achetés puis édités pour ses besoins.

让汤格利
ז’אן טינגלי
ジャン·ティンゲリー
장 팅겔리
Жан Тингели
Le Cyclop
jean tinguely and niki de saint phalle
Aux premiers abords, cette masse perdue dans la forêt de Fontainebleau m’a laissé assez sceptique. Je ne la trouvais pas forcément esthétique et elle n’a pas retenu mon attention. Et pourtant… Plus la vidéo avançait, plus cette installation permanente m’intriguait. Il faut préciser que c’est une oeuvre bruyante (grincements, roulements répétés de boules, mécanismes…) et qui interpelle le spectateur/visiteur par tous ses sens, il observe, touche, entend, sent, il est présent et peut participer. Le spectateur est donc acteur et c’est une caractéristique essentielle dans l’oeuvre.
C’est l’oeuvre de Jean Tinguely mais qui existe telle qu’elle est grâce à la contribution de plusieurs artistes comme Klein, Arman, César, Soto, Weber… Le Cyclop se parcourt à l’extérieur mais aussi par l’intérieur où plusieurs salles sont dédiées aux oeuvres des divers artistes souvent sculpteurs. Le visiteur est au coeur de la structure, constate et se questionne. La créature, qui est recouverte de milliers d’éclats de miroirs, contraste totalement avec l’environnement qui l’entoure. On a une construction plutôt moderne placé dans un paysage réel et vivant, ce qui fait ressortir l’oeuvre et lui donne toute son originalité. Cela m’intéresserait de me balader dans le bois-des-Pauvres et d’y trouver une création aussi riche et complète. J’ai l’espoir et l’envie de la voir et de pouvoir la parcourir par moi-même, un jour, peut être…

‘Polar’
Issu d’une nouvelle approche de la mode contemporaine, Bori Gyorok continuera de se concentrer sur l’expérimentation dans les limites de l’innovation et de l’esthétique.

Entropia
Entropia est une performance audio-visuel initiée par le travail de Fraction sur la spatialisation sonore 3D et rejoint par les artistes LP St Arnault, Nature Graphique et la création ex nihilo afin d’explorer une représentation esthétique d’un système entropique, en rendant hommage au travail de l’architecte Richard Buckminster Fuller. L’oeuvre basée sur une sphère geodesique  audioréactive interragit en permancen avec les projection de visuels immersifs et le son.

HIGH BREED

Dans High Breed, Jacopo Godani présente une création élémentaire dont la chorégraphie – abstraite et esthétique pure – sert de principal moyen d’expression artistique. Avec une intensité physique riche en action et en exactitude, virtuellement mathématique dans sa précision, Godani introduit la quintessence de l’identité de l’entreprise.

Le Régulateur
Philippe Grammaticopoulos est un artiste inspiré, il s’exprime au travers d’un univers graphique et thématique facilement identifiable. Esthétiquement d’une part, il privilégie les contrastes opposés des noirs et des blancs, on peut y voir une réminiscence puisée non seulement dans les palettes graphiques et didactiques et dans les univers des formes du Bauhaus dont l’influence est pérenne, mais aussi au travers des dessins des graphistes de la bande dessinée des années 50

Sunset Blvd
Leah Schrager est une artiste numérique et une interprète en ligne. Elle est le modèle, la photographe, l’artiste et le distributeur de ses images. Ses œuvres visuelles appliquent une esthétique picturale aux formes corporelles et tirent souvent leurs matériaux de sa pratique conceptuelle en ligne. Ses performances en ligne sont @OnaArtist (Instagram 3m) et Sarah White (The Naked Therapist). Avec ces performances, Schrager explore les thèmes de la sexualité, de la représentation et de la distribution. Sa pratique est située dans un foyer contemporain d’injustice, de réveil, de célébrité, de célébrité et de commercialisme féminin qui cherche à explorer la biographie et le travail des femmes dans la société mondiale d’aujourd’hui.

Voici un travail de l’anatomie humaine revisitée par le sculpteur suédois Anders Krisar. Ses interventions artistiques sur des corps hyper-réalistes, semblent les manipuler comme s’il n’était qu’un matériau classique que l’on pouvait simplement sculpter. Le résultat en est aussi esthétique que déroutant.

FLORA
L’animation dans FLORA est générée par des ondes sinusoïdales superposées qui traversent une chaîne de lignes. Ce principe d’onde apparaît souvent dans la nature lorsque l’énergie est transmise à travers un milieu comme l’eau, l’air ou simplement une corde. Elle peut également être observée dans la locomotion des animaux et des êtres humains, dans laquelle l’énergie cinétique est transmise successivement par les articulations.
L’algorithme FLORA de est basé sur la découverte qu’un simple système de lignes rotatives peut créer des variations infinies de formes abstraites – allant des lignes courbes harmonieuses aux motifs énervés et chaotiques. L’esthétique qui en résulte associe une précision de calcul à un aspect ludique organique et a tendance à déclencher diverses associations dans l’esprit du spectateur.

FILE FESTIVAL

gif

Répertoire#1
A la manière d’un chef d’orchestre, Mourad Merzouki a adapté Têtes d’Affiche pour le mêler à l’intensité de Douar, la force intérieure de In The Middle et l’énergie de Urban Ballet. Dans cette pièce à la frontière des styles, les signatures sont exaltées, chaque esthétique se trouve sublimée. En tricotant les passages les plus forts des pièces de ses confrères avec les siennes, le directeur du Centre chorégraphique national de Créteil contribue à créer la mémoire vive du hip-hop.

PLOKHOV
Nicholas et Dustin ont tous deux eu diverses expériences dans la photographie et le design en général. Ils se sont rencontrés lors d’une commande d’un client en 2007. Depuis, ils se retrouvent pour expérimenter et mélanger leurs talents pour donner naissance à des projets très engagés esthétiquement[…]

Vedas
Nicholas et Dustin ont tous deux eu diverses expériences dans la photographie et le design en général. Ils se sont rencontrés lors d’une commande d’un client en 2007. Depuis, ils se retrouvent pour expérimenter et mélanger leurs talents pour donner naissance à des projets très engagés esthétiquement (comprendre : pas forcément du goût de tout le monde).

Asian Portrait
Jesse Auersalo est un illustrateur finlandais très talentueux. Le travail de Jesse est foncé, intimidant, des nuances surréaliste qui fonctionnent parfaitement avec son esthétique unique. Il décrit son travail comme “poli et propre, ainsi que collant et sale”. L’attention au contraste et au rendu des détails minutieux est vraiment impressionnant.

Low pieces
Une performance mouvante, labile, qui résulte d’une série de propositions en cascade, élaborées avec différents groupes, en diverses institutions, studios de danse et centres d’art. Les relations entre groupes, les danseurs, nus, entre eux, comme entre ces dernier et le public, y tiennent une place motrice. Cela joue, mais pas dans les registres esthétique, émotionnel, ni purement performatif.

Lamp and Statue
Jesse Auersalo est un illustrateur finlandais très talentueux. Le travail de Jesse est foncé, intimidant, des nuances surréaliste qui fonctionnent parfaitement avec son esthétique unique. Il décrit son travail comme “poli et propre, ainsi que collant et sale”. L’attention au contraste et au rendu des détails minutieux est vraiment impressionnant.

Ральф Беккер
The Conversation
Pataphysical Processing Environment
À travers des installations et des machines, Baecker explore les mécanismes d’action fondamentaux et les effets des nouveaux médias et technologies. Dans ses représentations et spatialisations de processus microscopiques, il cherche à perturber complètement notre perception. Au cœur de ses objets se trouve l’intrication du virtuel avec le réel, ou plutôt avec le monde. Avec une perspective médiatique et archéologique, Ralf Baecker fouille dans des dispositifs obsolètes des traces et des fonctions encore détectables dans les technologies d’aujourd’hui. Son travail cherche à former un hybride entre l’esthétique numérique actuelle et une compréhension historique des matériaux. En conséquence, il appréhende la technologie non pas comme un outil mais plutôt comme un instrument épistémologique, afin de poser des questions élémentaires sur un monde perçu à travers les impressions technologiques.

Reflexions sur une esthetique programmee

Influencé par son expérience de musicien de jazz et par les théories du philosophe allemand Max Bense sur l’esthétique rationnelle, Manfred Mohr a été un innovateur dans le domaine de l’art généré par ordinateur. Pour manipuler, par exemple, la myriade de variations de l’hypercube à 11 dimensions, Mohr a créé des algorithmes en langage de programmation FORTRAN et les a imprimés sur des traceurs à plat avant l’avènement des imprimantes laser. La série «Klangfarben» de Mohr (2008) présente des peintures et des animations numériques de lignes diagonales aux couleurs vives et de plans qui se croisent sur un fond noir mat. .

Stairs
J’ai un diplôme en arpentage et j’ai étudié l’esthétique et la philosophie à l’Université. Franco Vaccari est mon mentor intellectuel et sa théorie de l’inconscience technologique mon credo. Je recherche ce que je suis inconsciemment incapable de voir dans la réalité, tout comme chez moi. Je parle avec mon appareil photo car il exprime un langage plus complexe. Chaque photographie révèle quelque chose que je ne savais pas. Chaque image est une révélation et révèle une nouvelle perspective. Je suis intrigué par ces épiphanies et je les recherche en jouant avec les déformations photographiques. Je dialogue avec de nouvelles réalités, de nouveaux sujets, et change constamment de position d’interlocuteur. La dialectique est rafraîchie chaque fois que quelqu’un regarde mes créations. L’épiphanie se reproduit et je vois quelque chose dans l’image dont je n’étais pas au courant. Mon travail est herméneutique, ambigu, ouvert. Je ne crois pas à l’immédiateté photographique. Il n’y a rien de stable dans la réalité et mon appareil photo a l’intention de capturer cette condition. Mes distorsions anamorphiques reflètent mon besoin existentiel de révélations. Ils m’offrent un moyen de regarder le royaume différemment. La photographie révèle de nouvelles perspectives, de nouveaux lieux, ouvrant des circonstances inattendues et révélant des personnalités inconnues. Les perspectives ouvrent des dialogues. Les dialogues posent des questions. Et j’explore leur complexité intrigante.

Маги Марин
マギー・マラン
May B
May B, chorégraphié par Maguy Marin en 1981, n’en finit pas d’être. Plus de cinq cents représentations à ce jour. La pièce, étrange ballet-théâtre d’humains aux masques plâtreux fait le tour du monde depuis près de trente ans. Sans doute un fond de commerce pour la compagnie. Mais au-delà, cette pièce inspirée par l’oeuvre de Samuel Beckett est devenue un morceau culte d’anthologie de la danse contemporaine. May B est à nouveau en tournée à l’occasion du centenaire de la naissance de l’écrivain.“Ce travail sur l’œuvre de Samuel Beckett, dont la gestuelle et l’atmosphère théâtrale sont en contradiction avec la performance physique et esthétique du danseur, a été pour nous la base d’un déchiffrage secret de nos gestes les plus intimes, les plus cachés, les plus ignorés. Arriver à déceler ces gestes minuscules ou grandioses, de multitudes de vies à peine perceptibles, banales, où l’attente et l’immobilité “pas tout à fait” immobile laissent un vide, un rien immense, une plage de silences pleins d’hésitations. Quand les personnages de Beckett n’aspirent qu’à l’immobilité, ils ne peuvent s’empêcher de bouger, peu ou beaucoup, mais ils bougent. Dans ce travail, à priori théâtral, l’intérêt pour nous a été de développer non pas le mot ou la parole, mais le geste dans sa forme éclatée, cherchant ainsi le point de rencontre entre, d’une part la gestuelle rétrécie théâtrale et, d’autre part, la danse et le langage chorégraphique” explique Maguy Marin.