Shell of

FILE 2024 | Installations
International Electronic Language Festival
Marc Vilanova – Cascade – Spain

Waterfalls are a continuous source of infrasonic frequency found in nature. Although inaudible to humans, they play a crucial role in ecosystems, especially for migratory birds who use them as a compass. However, many waterfalls have lost their frequencies due to climate change. The work creates an immersive experience in which the audience interacts with the visualization of sound waves, experiencing the vibration of sound through illuminated strings.

Bio

Marc Vilanova is a sound and visual artist who works at the intersection of art, science and nature. Vilanova’s artistic production has always been led by a spirit of innovation fueled by an interest in new media. His practice combines sound/light installations, performance, and sculpture.

Credits

This work was partially carried out within the scope of the EMAP program at gnration, with the support of the Creative Europe Culture Programme, the Avatar Center in Quebec City and the Ramon Llull Institute.

Photo:
Eloise Coomber

The Robotic Chair
The Robotic Chair is a generic-looking wooden chair with the capacity to fall apart and put itself back together. With shuddering force, the chair collapses to the floor. With persistence and determination, it proceeds to seek out its parts and upright itself. Powered by MICROMO coreless dc motors, The Robotic Chair is distinguished in the world of objects for its capacity to elicit empathy, compassion and hope.

Toki Ori Ori Nasu – Falling Records

FILE FESTIVAL

In this work, open reel tape recorders are placed on top of high pedestals and, as they play back, the magnetic tape unspools down into plastic receptacle below. The tape that accumulates in the container piles up as time passes, weaving an unusual pattern in the space. When the tape stops accumulating it is wound back up at high speed to a symphonic soundtrack. The pattern that had existed until then is extinguished and a new pattern is then woven.

Fallen Water
Fallen Water explores questions about why humans are drawn to waterfalls and flowing water as a source for renewal. Waterfalls imbue subconscious associations with pristine and healthy drinking water, but what happens when the fountain can no longer renew itself? Is the water no longer pure? Cooley’s choice of subject matter strikes a deep chord with current social consciousness and anxieties about contemporary water usage and the drought crisis faced by the American West. Cooley references Blake’s famous quote from The Marriage of Heaven and Hell as context for the diametric opposites of the current water conundrum: our deep sense of entitlement to and dire dependence on this precious commodity, coupled with a pervasive obliviousness concerning the sources which supply it. As a way to connect with his personal water use, Cooley hiked into the mountains to see firsthand the snowpack (or lack thereof), streams, and aquifers which feed the water sources supplying his Los Angeles home. This multi-channel installation is an amalgamation of videos made over numerous trips to remote locations in the San Gabriel Mountains, the Sierra Nevada Mountains, and locales as far away as the San Juan Mountains in Southwestern Colorado. These disconnected video vignettes coalesce, constructing a large water landscape canvasing the gallery walls and floors – reflecting the disparate and widespread origin of Los Angeles’s drinking water. The colorspace within the videos is inverted, turning the water pink, orange and yellow—channeling an altered vision of water—in which something is definitely amiss: a stark reminder of the current water crisis in the state of California.
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Formalidade Cerimonial
O trabalho de Frederik Heyman é um ato de equilíbrio que incorpora várias mídias – incluindo vídeo, instalações e fotografia – muitas vezes em um ambiente digitalmente alterado. Em seu trabalho, Heyman explora a memória e a duração, usando fotogrametria e digitalização 3D para retratar e representar a passagem do tempo. As marcas registradas do trabalho de Heyman são mecânicas e tecnológicas: fios, rodas, letreiros LED de rolagem, armações de metal, pinças, lâmpadas industriais, telas e câmeras. Corpos – ao contrário dos humanos – estão sujeitos a uma dinâmica incomum com essas armadilhas tecnológicas. Em Cerimonial Formality (2020), uma contorcionista está presa em uma gaiola de metal enquanto um espectador, preso a fios, observa.

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Zeremonielle Formalität Frederik Heymans Arbeit ist ein Balanceakt, der mehrere Medien einbezieht – darunter Video, Installationen und Fotografie – oft in einer digital veränderten Umgebung. In seiner Arbeit erforscht Heyman Gedächtnis und Dauer, indem er Photogrammetrie und 3D-Digitalisierung verwendet, um den Lauf der Zeit darzustellen und darzustellen. Die Markenzeichen von Heymans Arbeit sind mechanisch und technologisch: Drähte, Räder, scrollende LED-Schilder, Metallrahmen, Pinzetten, Industrielampen, Bildschirme und Kameras. Körper unterliegen bei diesen technologischen Fallstricken – anders als der Mensch – einer ungewöhnlichen Dynamik. In Ceremonial Formality (2020) ist ein Schlangenmensch in einem Metallkäfig gefangen, während ein kabelgebundener Zuschauer zuschaut.

فيليب الزجاج
菲利普·格拉斯
פיליפ גלאס
フィリップ·グラス
필립 글래스
Филип Гласс
Einstein On The Beach
ROBERT WILSON
Portrait Trilogy:Einstein; Akhnaten; Gandhi

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Einstein on the Beach is an opera in four acts (framed and connected by five “knee plays” or intermezzos), scored by Philip Glass and directed by theatrical producer Robert Wilson. The opera eschews traditional narrative in favor of a formalist approach based on structured spaces laid out by Wilson in a series of storyboards. The music was written “in the spring, summer and fall of 1975.”Glass recounts the collaborative process: “I put [Wilson’s notebook of sketches] on the piano and composed each section like a portrait of the drawing before me. The score was begun in the spring of 1975 and completed by the following November, and those drawings were before me all the time.”
full opera

einsames Überlebensfloß
Solitary Survival Raft ist eine Maschine, die einen einzelnen Körper beim Abdriften ins Unbekannte tröstet. Dieses Kunstwerk untersucht, wie wir den menschlichen Drang, neue Grenzen zu erkunden, mit der Tendenz zur Angst in Einklang bringen können. Das Floß ist eher eine Erkundung unseres Standorts als eine Demonstration des Überlebens – fallen Sie vom Rand ab, wenn Sie den Horizont erreichen, oder verschmelzen Sie näher mit der Wahrheit, wenn Sie der Angst die kalte Schulter zeigen?

Falling Chandelier
L’installation audiovisuelle Fallen Chandelier est basée sur une sonification d’un système de contrôle provoquant le scintillement de quarante ampoules à l’intérieur d’un lustre tombé. Vingt starters interconnectés, similaires à ceux que l’on trouve couramment dans les tubes fluorescents, génèrent un rythme lumineux irrégulier. Cela se produit au moyen de bilames qui sont chauffés dans un tube et entrent ainsi en contact les uns avec les autres en séquence rapide. Ce processus est audible. Chaque démarreur génère son propre rythme, qui a un son différent selon la marque, la composition et le degré d’usure des démarreurs. « J’écoute d’abord beaucoup de starters avant de les utiliser pour une installation dans le sens de la composition. »

From, the Future
The art is about waiting, something the entire world population knows since the onslaught of Covid-19. The title was also inspired by a dream where I told a scientist I was from the future and he believed me. My interpretation of the dream relates to my interest in the luminous thoughts of the 13th-century Persian poet Rumi, he clearly describes what our souls really are, beautiful, sacred, beyond time. I am fascinated by the existential impermanence of beauty. Beauty offers us a deep connection to the experience of life. The animation consists of cut flowers continuously falling from the sky, it can be seen by looking up to the ceiling. The title infers the signature on the note of a gift.

Blooming
“Blooming” is an interactive audiovisual installation that highlights the importance of human connection. It takes the form of a life-size 3D Cherry blossom tree, which is a common symbol of social ties and transience of life in East Asian culture. As a response to participants’ skin-to-skin contacts, heart rate, and gestures, “Blooming” blossoms according to their intimacy. As audience members hold hands or embrace, the digital Cherry tree flowers bloom and scatter. When they let go off their physical contacts, the flower return to its pre-bloom state. The color of the flowers turns white or red based on participants’ heart rate as they interact with each other. (the faster the heart rate, the redder the tonality; the slower the heart rate, the whiter the tonality). In addition to the visual responses, sounds are also modulated according to the tree’s different stages: pre-bloom, blooming, petals falling.

She Falls For Ages
MACHINIMA
This sci-fi retelling of the Haudenosaunee (Iroquois) creation story reimagines Sky World as a futuristic, utopic space and Sky Woman as a brave astronaut and world-builder. It begins on an ancient, alien world whose culture centres on the care and reverence for the beautiful, energy-producing Celestial Tree. The central figure of the tale is Otsitsakaion, a telepath. more…

Perplexiplex
Formados por nuestra experiencia técnica y creativa, trabajamos en estrecha colaboración con Meow Wolf para desarrollar Perplexiplex, un arboreto surrealista en el que los visitantes pueden influir y explorar en el transcurso de cuatro escenas. Las proyecciones mapeadas en el piso y las paredes circundantes transforman un mural de bosque en blanco y negro creado por el artista de Nuevo México Nate Gutiérrez en un ecosistema interactivo floreciente. Cuando los invitados se acercan por primera vez, es como si un hongo germinara y liberara esporas con las que pueden interactuar, seguido de un bosque digital reactivo hecho de píxeles y fallas. Neon atrae a los invitados a la siguiente escena como personajes en un arboreto surrealista. A medida que el bosque se llena gradualmente de franjas de color, el acto final atrae a los visitantes a salpicar pinceladas digitales por la habitación, casi como una pintura de tamaño natural por números.

When The Night Falls
일본 예술가 모토미치 나카무라(Motomichi Nakamura)의 애니메이션 영화 “The Night Falls”는 거주자가 인간형 토끼와 기타 신비한 생물로 변한 도시가 도시를 점령한 먼 미래 시카고를 배경으로 합니다. 밤이 되면 거대한 도시 수호자들이 깨어나서 거리를 걷기 시작하고 하늘을 나는 바다뱀이 호수에서 나와 시카고의 하늘을 배회합니다.

Waterfall-NYC
기존의 끝이 없는 광고 환경에서 탈피하여, 타임스퀘어 방문객들은 주변 시청자에게 디지털 아트를 제공하기 위한 두 한국 회사의 파트너십의 일환으로 초현실적인 파도와 100미터가 넘는 계단식 폭포가 있는 디지털 바다로 옮겨졌습니다. 세계. 삼성의 세계 최고의 디스플레이 기술과 디스트릭트의 혁신적인 공간 기반 사용자 경험을 결합한 Waterfall-NYC(2021)는 삼성이 디지털 아트 세계에 대한 관심을 높임에 따라 더 큰 협업의 일부입니다. 두 회사는 고객과 시청자에게 중요한 정보를 제공하는 동시에 더 많은 디지털 아트워크를 선보일 삼성 스마트 LED 사이니지를 위한 다양한 콘텐츠를 개발하기 위해 지속적으로 협력하고 있습니다.

Stream of MA
“Stream of MA non è solo un’installazione LED, ma la sistemazione della sala espositiva in una convention di Ma giapponese che utilizza l’oscurità come spazio negativo. Per me, non si tratta solo dell’importanza del vuoto, ma anche dell’uso di uno spazio vuoto nello spazio pieno e della creazione di un periodo di vuoto in un tutto. Nella mia animazione a LED, ho usato un concetto di Ma per concentrarmi su una pausa ma anche per creare una suspense nel rivelare la costruzione. Combinando lo sfarfallio improvviso e il delicato movimento della luce all’interno dei tubi, volevo attirare l’attenzione degli spettatori sul contrasto tra i momenti di luce e l’oscurità. Inoltre volevo costruire la tensione introducendo un uso sempre più intenso della luce e del suo movimento. L’accumulo è enfatizzato da una crescita costante del suono. La fine della mia proiezione è un momento per respirare e ammirare l’oscurità, lo spazio negativo come momento di sollievo e calma.” Ludwika Białkowska

Horizon
Der Schwebezustand steht im Zentrum der Artistik von Chloé Moglia. Ob als Mitglied der Compagnie Rhizome, solo oder in Gemeinschaftsproduktionen beschäftigt sich die Künstlerin stets mit der Schwerelosigkeit. In ihren Darbietungen, in denen sich physische Kraft und Poesie verbinden, bezwingt sie die Gesetze der Schwerkraft und der Höhenangst. Daneben finden, vornehmlich durch die Langsamkeit ihrer Bewegungen, Reflexionen über die Zeit statt. Chloé Moglia bewegt sich zwischen Risikofreude und Sinnsuche und bringt ihr Publikum zum Mitfiebern, indem sie mit der Angst vor dem Fall spielt. Die hier dargebotene Performance von Chloé Moglia trägt den Titel Horizon. Der Name dieses physischen Meisterstücks, das 2013 nach einem Auftrag des Festival Paris Quartier d’Été entstand, ist vortrefflich gewählt. Horizon ist ein Spiel zwischen der Trapezistin und einer schlanken Struktur, die sowohl als skulpturales als auch als tragendes Element dient. In dieser Konstellation erschafft Moglia ein schwereloses Spektakel, das sich perfekt in seine Umgebung einfügt.

Das Gehirn

Um ihre auffallend chaotischen und spontanen Formen einzufangen, werden die Neuronen in Self Reflected mit einer Technik gemalt, bei der Tinte mit Luftstrahlen auf einer Leinwand herumgeblasen wird. Die resultierenden Tintenspritzer bilden auf natürliche Weise fraktale wie neuronale Muster, und obwohl der Künstler lernt, die allgemeinen Grenzen der Technik zu kontrollieren, bleibt er in seinem Herzen ein chaotischer, abstrakter expressionistischer Prozess.

Wearable Architecture
SCI-Arc Fall 2020 Vertical Studio Wearable Architecture Final Presentation

HYPER FRACTAL

When I was a child I had some vivid dreams. They felt like I was falling and flying into an infinite multi-dimensional environment. They were satisfying and terrifying at the same time but I couldn’t find any explanation for them. 6 years ago I read about Benoit Mandelbrot’s theory, the fractals, and it changed my perspective. I realized that my dreams were fractals. So I tried to remake my dreams as a visual VR experience. According to Benoit Mandelbrot’s theory, Fractals are the mathematical\visual explanation of the nature’s structural geometry. Geometry for irregularity.

SOL
SOL is a minimalistic environment, leading visitors into the reaches of their perception. The installation builds on loss of control, shifts in awareness and a feeling of dislocation and timelessness. SOL is the third work in an ongoing series of phenomenological environments, after the live performance FEED, 2005 and the installation ZEE, 2008. The all encompassing darkness of SOL is lifted, in intervals and for parts of seconds only, by animated bursts of intensely bright light. Falling back into darkness, visitors experience abundant retinal after-images, that gradually drift away until eventually the next eruption of light is triggered. In the surround sound-scape of SOL, electronic drones mix with swarming field recordings, amidst a sea of infra-bass.

液体図
展示スペースには12台の設置ユニットが並んでいました。各ユニットは、垂直ガラス管が取り付けられた、ステンレス鋼スタンド内の丸底フラスコで構成されていました。各フラスコは蒸留水で約4分の1が満たされていました。抵抗コイルがフラスコ内の空気を加熱すると膨張し、水をガラス管に押し上げました。空気が加熱されているときに水位が上昇し、冷却されるにつれてゆっくりと水位が下がり始めました。

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Flüssigkeitsdiagramm

Zwölf Installationseinheiten standen im Ausstellungsraum. Jede Einheit bestand aus einem Rundkolben in einem Edelstahlständer, der mit einem vertikalen Glasrohr ausgestattet war. Jeder Kolben wurde etwa ein Viertel mit destilliertem Wasser gefüllt. Wenn die Widerstandsspule die Luft im Kolben erhitzte, dehnte sie sich aus und drückte das Wasser in das Glasrohr. Der Wasserstand stieg an, als die Luft erwärmt wurde, und begann langsam zu fallen, als sie abkühlte.

Farfalle

Da bruco a farfalla, segui la deliziosa trasformazione con Compagnia TPO, una delle principali compagnie italiane di teatro per bambini. Osserva il movimento di una farfalla. Il battito delle sue ali sembra come se un pennello delicato stesse dipingendo l’aria, ma sembra anche una danza. Utilizzando la tecnologia di motion capture, Compagnia TPO ti invita a vivere un’esperienza festosa, giocosa e teatrale. Costellato di momenti di partecipazione, i bambini sono invitati a guardare e unirsi ai ballerini della compagnia. Dipingi con le braccia, componi ninne nanne con i piedi e insegui i bruchi a quattro zampe. Dotato di uno straordinario spazio per le esibizioni sensibile al tocco, Butterflies crea un ambiente immaginario sia per gli artisti che per gli spettatori curiosi.

Fall 2018
“L’installazione di Pierpaolo Piccioli è stata la prima che hai incontrato entrando nello spazio cavernoso. Era come entrare in una cappella, con le tele del monaco artista Sidival Fila appese alle pareti; e sui manichini, mantelle, mantelle e gonne a trapezio disegnate, diceva Piccioli, per evocare la Madonna. Quasi divini nella loro semplicità, non saranno estranei ai suoi seguaci di Valentino.” Nicole Phelp

a leaf (falling)
Die Installation von Hei Ng besteht aus Hämmern, aus deren Griffen Häuser geschnitzt sind. In Bezug auf das Nagelhaus in Sichuan spielt der Künstler mit dem Oxymoron zwischen Bewahrung und Zerstörung, dem Antagonismus zwischen Staatsmacht und der Integrität eines gewöhnlichen Menschen. Roy Ngs kinetische Installation ist von Yang Xinguangs Blatt 2 inspiriert, in dem ein in einem scharfen Ast perforiertes Blatt die Grenze zwischen absichtlich und zufällig verdeckt. Vor dem Fall des Blattes ahmt es ein Blatt nach, das durch die Strömung segelt.

Machine2

„Objekte werden erfunden, um bestimmte Bedürfnisse, insbesondere menschliche Bedürfnisse, zu befriedigen. Mit meiner Skulptur untersuche ich das Bedürfniskonzept, wenn der Mensch aus dieser Gleichung entfernt wird. Ich mache das, indem ich den Menschen durch das Objekt selbst ersetze. Meine Skulpturen sind nur erfunden, um sich selbst zu erhalten und als selbstlösende Probleme zu fungieren. Das Ergebnis ist ein Objekt, das nur erfunden wurde, um die Komplikationen zu kompensieren, die durch seine eigene Existenz entstehen. Das Stück allein repräsentiert die Notwendigkeit und die Auflösung. Viele meiner Stücke sind kleine, federbelastete, mechanische Objekte. Sie sind aufwendig entworfen und hergestellt, um eine der einfachsten und doch wichtigsten Aufgaben zu erfüllen, die ein autonomes Objekt erfüllen kann. Diese Aufgabe, dieses Bedürfnis ist es, sich zu halten. In den meisten Fällen erreichen meine Arbeiten dies, indem sie sich aktiv an bestimmte architektonische Merkmale und einzelne Objekte binden.

高谷史郎
史郎の高谷
ST\LL

Die Wassermatrix (Matrice liquide 3D, auf Französisch) ist eine Robotermaschine, die in Echtzeit Wasserskulpturen erstellt und eine kontinuierliche Entwicklung von Formen und Bildern zum Leben erweckt. Diese Installation schafft vergängliche Skulpturen, die der Betrachter in ständiger Beobachtung und Überraschung festhält, fast eine Metapher des berühmten Flusses Heraklit, in dem „alles fließt, alles sich ändert, nichts übrig bleibt. Tore. Die Idee der 3D-Flüssigmatrix wurde 2001 bei einem Besuch in Lille, der Kulturhauptstadt Europas, geboren, wo Shiro Takatani einen Roboterbrunnenschreiber projizierte, der seine Botschaften übermitteln sollte, indem er eine Reihe flüssiger Buchstaben auf den Teich fallen ließ. Leider existierte die Technologie noch nicht und er musste warten, um einen zuverlässigen technischen Partner mit umfassender Erfahrung im Bau digitaler Wasservorhänge als Lumiartecnia Internacional zu finden. Zwei renommierte Digitalkünstler haben während der Roboterkunstausstellung die Kunstwerke für die Wassermatrix entwickelt: Shiro Takatani und Christian Partos. Shiro Takatanis Kunstwerk schafft eine räumliche Erfahrung, die mehrere Schichten paralleler Tröpfchen erzeugt, die auf magische Weise in der Luft zu schweben scheinen, und für Momente, in denen sie sich aus dem Teich erheben und wieder fallen, in sich unmöglich entwickelnden Kreationen, die der Schwerkraft zu trotzen scheinen. Christian Partos Kunstwerk schafft Sequenzen von Wasserskulpturen, die die Fähigkeit der Wassermatrix zeigen, sofort vergängliche Wasserformen zu erzeugen, die im Teich unten verschwinden, um eine neue zu gebären, und auf diese Weise ein konstant fließendes Video von 3D-Skulpturen zu erstellen, als ob sie es wären waren Fotogramme aus einem Film.

珍妮•霍尔泽
ג’ני הולצר
ジェニー·ホルツァー
제니 홀저
Дженни Хольцер
all fall
Jジェニー・ホルツァーは1950年米国・オハイオ州生まれ。現在NY州在住。 70年代後半より自作のテキストを使用した、様々なメディアの作品を発表しています。その中でもLEDを使用した表現が代表的です。 使用されるテキストは、格言的で、として暴力的で過激にも感じられ、多様な現代社会の状況を反映しているといえます。本展ではホルツァーの代表的な表現方法であるLEDを使用したインスタレーションと、モノクロームの写真作品を展示します。 インスタレーションは、84個もの小型のLEDサインがミニマルに配置され、それぞれ同じ内容のテキストが反復していきます。文字が空間に反響するかのように、暗闇の中を増幅していくイメージを醸しだし、言葉の表現だけでなく視覚的にも非常に迫力のあるプレゼンテーションとなります。

時間の地理
アーティストのフィオナ・タンは、現在の傑出したアーティストの1人です。調査「GeographyofTime」は、彼女の映画作品の主要な作品、たとえばダブルプロジェクション「Rise and Fall」に焦点を当てています。また、インストール環境の形をとる彼女の作品の最新の開発にも焦点を当てています。

The Roe’s Room
opera movie
In this “absolutely singular autobiographical film opera” (Time Out London), multi-talented composer, writer, director and artist Lech Majewski presents a stunning, intimate, and ultimately magical work of unbridled creativity. A ravishing ode to the imagination, THE ROE’S ROOM is a place where the energy of youth and the eternal power of the natural world triumph over the banalities and deprivations of the commonplace.Within their apartment, a father, mother and son bear the dulling yoke of an ordinary urban life. His mind and heart borne aloft by the cycle of the seasons and the images and music within him, the son transforms his cloistered existence into a richly poetic emotional utopia. As autumn arrives, cracking flakes of plaster become falling leaves. With spring, a cold hard floor comes alive with meadow grass and love beckons in the form of a beautiful young girl’s outstretched hand.

توماس هيرشهورن
托马斯·赫塞豪恩
תומס הירשהורן
トーマス·ヒルシュホルン
abschlag

Thomas Hirschhorn’s “Abschlag” installation, which occupies the first room on the main floor, offers a lesson in how not to engage with the Russian milieu: the Swiss artist constructed part of a typical Petersburg apartment block out of cardboard inside the full-height space, ripped off its façade, and deposited the refuse at its base, revealing shabby interiors lined with original avant-garde masterpieces (on loan from the nearby Russian Museum) by the likes of Malevich and El Lissitky. The references allude to a politically radical Russian past; the construction debris acts as a metaphor for history. Though Hirschhorn suggests a recovery of the revolutionary communist spirit of the 1920s, he falls prey to a historically revisionist fetish: citing the Russian avant-garde as a generative point for vanguard culture in the West, and offering it as a source for renewed progressivism in Russia. Hirschhorn seems woefully unaware of the Putin government’s branding campaign, one that aims to sell the Russian avant-guard as a nationalist movement in line with the regime’s own values (perhaps he didn’t watch the Sochi opening ceremony). Hirschhorn ultimately proves Zhilayev right — with its political pretenses, “Abschlag” aspires to make a grand gesture against conservatism, but fails because its critique has already been co-opted..
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Danse Serpentine

La Serpentine è un’evoluzione della gonna dance, una forma di danza burlesque arrivata da poco negli Stati Uniti dall’Inghilterra. La danza della gonna era di per sé una reazione contro le forme “accademiche” di balletto, incorporando versioni addomesticate di danze popolari e popolari come il can-can. La nuova danza è stata originata da Loïe Fuller, che ha fornito diversi resoconti di come l’ha sviluppata. Secondo il suo racconto, che è ampiamente riportato, non avendo mai ballato professionalmente prima, ha scoperto accidentalmente gli effetti della luce del palcoscenico proiettata da diverse angolazioni sul tessuto di garza di un costume che aveva frettolosamente assemblato per la sua performance nella commedia Quack MD, e spontaneamente ha sviluppato la nuova forma in risposta alla reazione entusiasta del pubblico nel vedere il modo in cui la sua gonna appariva alle luci. Durante il ballo ha tenuto la sua lunga gonna tra le mani e l’ha agitata, rivelando la sua forma all’interno. Nelle parole dello storico della danza Jack Anderson, “Il costume per la sua Serpentine Dance consisteva in centinaia di metri di seta cinese che lei lasciava fluttuare intorno a lei mentre gli effetti di luce suggerivano che stesse prendendo fuoco e assumendo forme che ricordavano fiori, nuvole, uccelli ., e farfalle. “

The Raft
The Raft depicts at life-sized scale a group of ordinary people casually standing together. Suddenly, they are struck by strong blasts of water that rush in, overtake them, and then, just as unexpectedly, recede. In the aftermath of the deluge, the victims huddle together, seek protection, and help those who have fallen. The viewer experiences this event in an immersive setting, standing in a darkened room and surrounded by the roaring sounds of the water. Meticulously captured in slow-motion, The Raft arouses a visceral experience of human calamity and shared humanity, provoking a consideration of the range of responses to crisis.

Ich arbeite mit mehreren verschiedenen Medien, normalerweise mehr oder weniger gleichzeitig. Skulptur, Installation, Video- / Filmarbeiten und Holzschnitte. Der Ausgangspunkt für meine Arbeit ist immer die persönliche Erfahrung und das tatsächliche physische Material, mit dem ich arbeite. Ein wiederkehrendes Thema ist der Wunsch nach Kontrolle und das Interesse an den Situationen, in denen es zusammenbricht. Das „Aufrechterhalten des Aussehens um jeden Preis“, die tatsächlichen Kosten dafür und die Momente oder Situationen, in denen die Kontrolle verloren geht und das Chaos unter den Oberflächen. Dahinter liegt die Angst vor dem Scheitern und der anschließende Fall in einen undefinierten Abgrund. Für mich ist das nicht nur ein psychologischer oder existenzieller Zustand, sondern ebenso ein politischer Zustand. Die Skulpturen beziehen sich auf ähnliche Ideen rund um Kontrolle / Chaos, Oberfläche / was darunter liegt, lebendig / tot usw. Aber es geht auch darum, etwas wiederzugewinnen. Für mich sind sie Versuche, das Leben aus dem Reich der Toten zurückzubringen, wie animistische Anrufungen und ein Weg, eine zunehmend entmystifizierte Welt wieder zu verzaubern. data-text=”Ich arbeite mit mehreren verschiedenen Medien, normalerweise mehr oder weniger gleichzeitig. Skulptur, Installation, Video- / Filmarbeiten und Holzschnitte. Der Ausgangspunkt für meine Arbeit ist immer die persönliche Erfahrung und das tatsächliche physische Material, mit dem ich arbeite. Ein wiederkehrendes Thema ist der Wunsch nach Kontrolle und das Interesse an den Situationen, in denen es zusammenbricht. Das „Aufrechterhalten des Aussehens um jeden Preis“, die tatsächlichen Kosten dafür und die Momente oder Situationen, in denen die Kontrolle verloren geht und das Chaos unter den Oberflächen. Dahinter liegt die Angst vor dem Scheitern und der anschließende Fall in einen undefinierten Abgrund. Für mich ist das nicht nur ein psychologischer oder existenzieller Zustand, sondern ebenso ein politischer Zustand. Die Skulpturen beziehen sich auf ähnliche Ideen rund um Kontrolle / Chaos, Oberfläche / was darunter liegt, lebendig / tot usw. Aber es geht auch darum, etwas wiederzugewinnen. Für mich sind sie Versuche, das Leben aus dem Reich der Toten zurückzubringen, wie animistische Anrufungen und ein Weg, eine zunehmend entmystifizierte Welt wieder zu verzaubern.” Ich arbeite mit mehreren verschiedenen Medien, normalerweise mehr oder weniger gleichzeitig. Skulptur, Installation, Video- / Filmarbeiten und Holzschnitte. Der Ausgangspunkt für meine Arbeit ist immer die persönliche Erfahrung und das tatsächliche physische Material, mit dem ich arbeite. Ein wiederkehrendes Thema ist der Wunsch nach Kontrolle und das Interesse an den Situationen, in denen es zusammenbricht. Das „Aufrechterhalten des Aussehens um jeden Preis“, die tatsächlichen Kosten dafür und die Momente oder Situationen, in denen die Kontrolle verloren geht und das Chaos unter den Oberflächen. Dahinter liegt die Angst vor dem Scheitern und der anschließende Fall in einen undefinierten Abgrund. Für mich ist das nicht nur ein psychologischer oder existenzieller Zustand, sondern ebenso ein politischer Zustand. Die Skulpturen beziehen sich auf ähnliche Ideen rund um Kontrolle / Chaos, Oberfläche / was darunter liegt, lebendig / tot usw. Aber es geht auch darum, etwas wiederzugewinnen. Für mich sind sie Versuche, das Leben aus dem Reich der Toten zurückzubringen, wie animistische Anrufungen und ein Weg, eine zunehmend entmystifizierte Welt wieder zu verzaubern.”

Licht in Wasser Installation
“Licht im Wasser“ ist eine ortsspezifische Installation, die ein eindringliches und emotionales Erlebnis bieten soll. Es wurde zuvor auf der Mailänder Designwoche 2011 vorgestellt. Die Installation nutzte den einzigartigen Status des Veranstaltungsortes – einer der ältesten Betonkuppeln in Paris. Die Installation wurde daher an die kreisförmige Form des Raums angepasst und definierte das innere Heiligtum als „Ort zum Sein“ und einen äußeren Bereich als Raum für einen Zuschauer. An der Decke befinden sich 16 Ringe aus Schlitzrohren. Aus jedem Loch fallen jede Minute 60 Tropfen Wasser; Insgesamt zirkulieren 3 Tonnen Wasser im Raum. Die LED-Leuchten vibrieren zwischen Ein und Aus mit Frequenzen im kürzesten Intervall von 7 μs, sodass der Betrachter einen Lichtpunkt im Wasser bis zu 6000 μs materialisieren kann, an dem Licht zur Wasserlinie wird.

Webstuhl
Loom zeigt abstrakte Animationen, die mit Daten von Google Trends in Echtzeit entwickelt wurden. Beliebte Abfragen werden vorübergehend als überlagerter Text angezeigt, bevor sie sich in eine rauchige Abstraktion auflösen. Diese Begriffe werden mit einer zufälligen Lyrik angegangen – jedes Wort erscheint und verschwindet in einer Spur der Sättigung. Die Farben in der Animation werden durch die Häufigkeit eines bestimmten Themas bestimmt. Je viraler die Suche online ist, desto wärmer werden die Töne. Ohne Schlagzeilen, grafische Bilder und Statistiken inspiriert jede Phrase eine kontemplative Erfahrung, eine Gelegenheit für den Betrachter, darüber nachzudenken, was zu einem bestimmten Zeitpunkt durch das kollektive Bewusstsein strömt. Loom verwebt ein soziales Gefüge, das das Transzendentale mit dem Banalen vermischt, um den Geist unserer Zeit in generativer Bewegung darzustellen.

Kreuzfeuer
Der Schwerpunkt der Praxiskommission für Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft lag auf der Untersuchung der immateriellen Eigenschaften des gesprochenen Wortes und der Untersuchung der unsichtbaren Auswirkungen von Schall auf die bewohnte Umgebung. Das Projekt konzentriert sich auf den Kontext eines häuslichen Arguments. In diesem Fall zeigt die Veranstaltung einen Audioauszug aus dem Sam Mendes-Film “American Beauty“ von 1999. Der langsame Dialog zwischen den drei Hauptfiguren des Familienessens gipfelt in einem lauten Aufeinandertreffen von Emotionen. Das Kreuzfeuer des Arguments durchquert den Esstisch, aber wo zuvor die leblosen Alltagsgegenstände wie Teller, Besteck, Teekanne usw. ihren Charakter nicht ausdrücken konnten, verformt die Intensität des Gesprächs ihre einst statische Existenz in Gegenstände unsichtbarer Vertrautheit Die präsentierten Klangartefakte enthalten jeweils eine momentane Emotion des Arguments.

Nomade
Inspiriert vom Konzept der digitalen Nomaden des 21. Jahrhunderts und basierend auf verschiedenen Stücken und Algorithmen aus TUNDRAs früheren hochgelobten audiovisuellen Installationen, die weltweit von den USA bis nach China uraufgeführt wurden, bringt NOMAD die polare Atmosphäre verschiedener ortsspezifischer TUNDRA-Installationen in eine zufällig wechselnde Abfolge von visuellen Themen und Mustern, ausgelöst durch live gespielten Sound.

Abb
A playful balancing act by a robotarm. This enormous machine balancing itself on a stainlesssteel semi sphere. When the arm moves, stretches, the balance point of the entire construction shifts which makes the whole machine lean over until it -almost- tips. The robot seems curious to find its tipping point, searching for the limits of balance without ever really being able to fall over. The machine is playing a children’s game with enormous power and robotic precision.

Waterfall
The sculptural artwork is composed of four metal ribbons lined with LED screens that cascade down the wall. The sinuous shape of Waterfall is reinforced by the constant flow of abstract images that slide down the screen surface. The video is generated in real-time by global trading data. Waterfall attempts to capture the ceaseless ebb and flow of financial data that touches us in more ways that we can imagine.

Spectrum
How intensely can you experience colour? Colour as a phenomenon which you don’t just see, but which totally absorbs… Spectrum is a spatial installation that makes colour tactile and tangible.
Fall backwards into a black hole and reawaken in an infinite spectrum. An immersive experience which will give you a whole new perspective on the coloured cycles of our everyday light. Following Blaas and Curve, Spectrum completes a triptych centred on white space, each piece created with spatial designer Cocky Eek in collabaration with Schweigman&. In Blaas you crawl through an inflatable balloon; in Curve you enter an endlessly spiralling tunnel. Spectrum starts by asking: how can we make the colour physically tangible?

Bit.fall
BIT.FALL uses a unique algorithm connected to the Internet in real time to look for popular buzzwords through different newsfeed channels, which are then displayed as words through hundreds of water droplets in a curtain of water.

Loop 60 Hz: Transmissions from the Drone Orchestra
A flock of autonomous DJI copters are programmed as aerial dancers and are mounted with specially engineered wireless speakers to broadcast the instruments of the band. Other copters are dressed in elaborate costumes to disguise their form and reflect light across the audience below. Against a score of original compositions and selected tracks from Cale’s seminal career this collaboration with Young imagines the possibilities of the drones as emerging cultural objects. If these technologies are no longer unseen objects overhead, or propelled along classified flight paths but brought into close and intimate relations with us then how might we see them differently. When their transmission fades, when the drones lose their signal and without their protocols for terror and surveillance, do they drop from the sky, do they fall in love or do the drones drift endlessly, forever on loop.

guangzhou yue show theatre

“The folds of the surface are emphasised by using darker hues on downward-facing areas that fall into shadow as the sun rises,The south-facing area of cladding is composed of predominantly gold-coloured anodised aluminium panels to help reflect heat away from the building.”

your unerasable text
“your unerasable text” is an interactive installation, dealing with the topics of data storage and elimination of data. The installation can be placed in an exhibition, but ideally it’s exhibited in a public space window, where it can be used by people passing by 24h a day. The participant is asked to send a textmessage to the number written on a sign next to the installation. “send your unerasable textmessage to +43 664 1788374”. The receiver mobile transfers it to a computer, which is layouting the message automatically. Then it is printed on to a DIN A6 paper, which is falling directly on to a papershredder. There the message remains readable for a few moments and gets destroyed then. The shredded paper forms a visible heap on the floor, which reminds of a generative graphic.

At Present
Who has never contemplated drops of water seeking their path down a windowpane? Drops of water fall on a glass stele; they do not seem to be moving randomly, they wander, follow invisible bends and form letters and parts of letters; they provide glimpses of words […]

Fall-winter 2010 moscow – womenswear catwalks
The Russian fashion rebel Yegor Zaitsev presented an avant-garde collection which was surprisingly romantic.
Yegor took classic silhouettes extended them, volumized them, turned them upside down and made them into works of art.

Mist Installation
An installation designed by Clap for Minsk, Belarus, that was built by volunteers from the city itself. For the concept of this installation Clap starts from the history of Minsk, a city that during the Second World War was devastated. The bombs destroyed 80% of the buildings and the city was not rebuilt until the 1950s. That is why the population of this city remembers these times as something unpleasant and many of them prefer not to talk about it. The design studio starts from a geometric volume that represents in a conceptual way the volume of a building. They imagine that the bombs fall on him destroying it, generating new openings and brand new volumes. These new openings result ingeniously in an entrance and a viewpoint on the top. The destruction gives way to the function generates grandstands, stairs and seats. From the inside, life makes its way in the form of a tree, exceeding the height of the installation itself.

Particle Falls

Particle Falls is a large-scale, real-time visualization of air-quality data.On a background of falling blue light, spots of bright, fiery color emerge and crackle, representing the presence of fine particulate matter, as detected by a nearby air monitor. Fewer bright spots over the falls mean fewer particles in the air.Particle Falls draws our attention to the invisible particles that surround us and that may affect our health. While the visible smog that plagued many U.S. urban centers decades ago has been mitigated by technology and regulatory measures, microscopic threats to our air continue to exist and often go unnoticed. Particle Falls is one way we can learn more about the quality of air around us.

Hash2ash
Installation touches on the themes of selfie-culture, and the fear of permanently losing the digital records of our lives due to technical failures, impermanence of data storage, or simply because of the obsolescence of the old digital file formats. Even with such compulsive overproduction of the images of ourselves we might end up with nothing but the blank memories of our past. Even the data on ourselves will eventually fade away… The installation consist of the display that prompts you to take a selfie on your phone, which it renders in digital particles on its large 1×1 meter screen. Then a moment later, your face scatters and falls apart and the real black gravel starts to fall at the bottom of the screen in perfect synchrony with the digital simulation. Gradually a dark mound builds up at the foot of the construction.

オラファー·エリアソン
اولافور الياسون
奥拉维尔·埃利亚松
אולאפור אליאסון
ОЛАФУР ЭЛИАССОН
water fall versailles
Palácio de Versalhes recebe exposição de artista islandês que conta com uma queda d’água que parece surgir do meio do nada. Componente de uma exposição que propõe alterar as silhuetas do Palácio de Versalhes, a queda d’água do Grand Canal é com certeza a mais impactante. A estrutura amarela é escondida pela corrente de água e as nuvens adjacentes, fazendo com que a queda tenha sua origem incerta, parecendo ter aparecido do nada. O artista islandês Olafur Eliasson é conhecido por seus trabalhos grandiosos que conseguem alterar toda atmosfera explorando a luz, profundidade e sensações.