Servitudes
映画 Servitudes (2015) は 1 つのロケ地で撮影されていますが、複雑なテーマがあります。アイデンティティ、女性らしさ、官能性、エロティシズムの間の緊張、そして私たちの社会に蔓延している若さと美しさの妄想を探っています。映画の舞台であるワン ワールド トレード センターは、歴史的な文書であり、意味のあるものであり、それ自体が演技者となり、不在による喪失を示し、最高の回復力を証明しています。

高谷史郎
史郎の高谷
La chambre claire
La Chambre Claire (or Camera Lucida) is a show built up from precise, symmetrical movements, inviting spectators to embark on a thought-provoking journey into their most intimate and personal territory. In this, his first solo work as creative artist and director, Shiro Takatani pays homage to the French writer Roland Barthes and his essay on photography, La chambre claire (1980). The result is a performance that blends theatre, the art of movement and installation to compose a great fresco full of subtle, elegant minimalist images that advance towards an aesthetic climax. Reflecting on photography and memory, the production invites us to embark upon an intimate, solitary journey to look inside ourselves and formulate a personal interpretation of what we see.
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La Chambre Claire (oder Camera Lucida) ist eine Show, die aus präzisen, symmetrischen Bewegungen aufgebaut ist und die Zuschauer zu einer zum Nachdenken anregenden Reise in ihr intimstes und persönlichstes Gebiet einlädt. In seiner ersten Soloarbeit als kreativer Künstler und Regisseur huldigt Shiro Takatani dem französischen Schriftsteller Roland Barthes und seinem Aufsatz über Fotografie, La chambre claire (1980). Das Ergebnis ist eine Performance, die Theater, Bewegungskunst und Installation miteinander verbindet, um ein großartiges Fresko voller subtiler, eleganter minimalistischer Bilder zu komponieren, die sich einem ästhetischen Höhepunkt nähern. Die Produktion reflektiert Fotografie und Erinnerung und lädt uns ein, eine intime, einsame Reise zu unternehmen, um in uns selbst zu schauen und eine persönliche Interpretation dessen zu formulieren, was wir sehen.
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La Chambre Claire（またはCamera Lucida）は、正確で対称的な動きから構築されたショーであり、観客を招待して、最も親密で個人的な領域への示唆に富む旅に出ます。この中で、クリエイティブアーティスト兼ディレクターとしての彼の最初のソロ作品である高谷史郎は、フランスの作家ロラン・バルトと彼の写真に関するエッセイ、ラ・シャンブル・クレア（1980）に敬意を表しています。その結果、劇場、動きの芸術、インスタレーションを融合させて、美的クライマックスに向けて前進する繊細でエレガントなミニマリストのイメージに満ちた素晴らしいフレスコ画を構成するパフォーマンスが生まれました。写真と記憶を反映して、この作品は私たちを親密で孤独な旅に乗り出し、自分自身の内部を見て、私たちが見ているものの個人的な解釈を定式化するように誘います。

フロラリアI
Donna J. Haraway、Ursula K. Le Guin、Greg Eganの著作に触発されたこの作品は、私たちを投機的な未来へと導きます。そこでは、当時絶滅した植物種のサンプルが保存され、仮想アーカイブルームに展示されます。編集と視覚的戦略を通じて、このアーカイブルームは、リストされた植物から発せられる記憶によって引き起こされる干渉の影響下で散発的に変化し、その場所に出没し続ける過去の痕跡を明らかにします。フローラリアは、テクノロジーと有機物の融合から生まれた生態系のシミュレーションであり、過去と未来が現在の永続的な緊張の中で共存しています。

世界はひっくり返る
作品のタイトルであるインヴェルソは、イタリア語の「逆、反対」と旧イタリア語の「詩」の両方であり、ムンディはラテン語の「世界」であり、現実の再解釈、詩的なビジョンを示唆しています。私たちの解釈では、中世のカーニバルの不条理なシーンは、マルチチャンネルのビデオインスタレーションで現代の生活のエピソードとして表示されます。キャラクターは、不条理な社会的ユートピアや交換マスクのシーンを演じ、物乞いから金持ちへ、警官から泥棒へと姿を変えます。メトロセクシャルのストリートクリーナーが街にゴミを浴びせています。女性の異端審問官は、IKEAスタイルの構造で男性を拷問します。子供と高齢者はキックボクシングの試合で戦っています。インヴェルソワールドはキメラがペットであり、黙示録が娯楽である世界です。

機械の幻覚
Refik Anadolの最新の共感覚現実実験は、これらの何世紀も前の質問に深く関わり、視覚的な物語、アーカイブの本能、集合意識の間の新しいつながりを明らかにしようと試みています。このプロジェクトは、人工知能によって再想像される都市の記憶の表現から派生した潜在的な映画の経験に焦点を当てています。 Artechouseのニューヨークの場所について、Anadolは、ソーシャルネットワークで公開されているニューヨーク市の1億を超える写真の記憶に機械学習アルゴリズムを導入することで作成した、ニューヨーク市のデータユニバースを1025の潜在的な次元で提示します。したがって、機械幻覚は、カメラの従来の限界と既存の映画技法を超えた広大な視覚的アーカイブの多層操作を通じて、新しい形の共感覚的なストーリーテリングを生成します。結果として得られるアートワークは、16K解像度で表示される、30分間の実験的な映画であり、ニューヨークの深く隠された意識を構成する都市の集合的記憶を通してニューヨークの物語を視覚化します。

Airship Orchestra
飛行船オーケストラは、夜の星から放たれた異世界のキャラクターの神秘的な部族であり、銀河の縞模様の肌と星屑のような声です。訪問者はフォーメーション内で手招きされ、ボリュームのある音とリズミカルな光の脈動を浴びます。
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La Airship Orchestra es una tribu mística de personajes de otro mundo que brotan de las estrellas nocturnas, la piel está teñida de galaxias y voces como polvo de estrellas. Se invita a los visitantes dentro de la formación a bañarse en el sonido volumétrico y la pulsación rítmica de la luz.
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Het Airship Orchestra is een mystieke stam van buitenaardse karakters die stralen van de nachtsterren, een huid vol melkwegstelsels en stemmen als sterrenstof. Bezoekers worden binnen in de formatie gewenkt om te baden in volumetrisch geluid en ritmische lichtpulsaties.

ストラタクローム
仮死状態のように提示される発光インスタレーションは、表現された身体と大衆、その色の共鳴が軍事、芸術、社会、技術の領域に属する現代の力の指示対象の合成された知覚を提供します。 Spriggsのアプローチの目的は、現実を固定するために現実を驚かせることであり、権力を支配する人物を特定する方がよいでしょう。この点で、彼の戦略はアナモルフィックプロセスと同じです。視聴者の目の消失点を作成するのではなく、遠近法の慣習を逆にして、視聴者が消失点になるようにします。

瞬く間に
インスタレーション、パフォーマンス、ビデオアーティストのXu Zhenは、ユーモアと皮肉を作品に組み合わせ、政治的および芸術世界の人間搾取システムに対する批評を提供しています。 Xuの作品は、個別に、および（2009年以降）彼の集団的実践であるMadeIn Companyを通じて作成されたものであり、暴力的またはエロティックなテーマのために頻繁に検閲されています。

ビッグエアパッケージ
ビッグエアパッケージは、世界最大の屋内彫刻です。高さ90メートル、直径50メートルです。訪問者はエアロックを介して気球の内部空間に入ることができます。内部では、ビッグエアパッケージは拡散光で満たされた大聖堂を思い起こさせます。ビッグエアパッケージは、クリストの亡き妻であり芸術パートナーであるジャンヌクロードなしで実現された最初のプロジェクトです。

捕虜
「キャプティブは、デジタルおよび物理的な彫刻の継続的なシリーズであり、ミケランジェロの未完成のシリーズ「プリジオーニ」（1513-1534）と彼の「非フィニト」の技法を現代的に解釈したものです。
この作品は、形と物質、完璧な人工物、複雑で混沌とした自然の形の間の緊張と平衡を探求しています。ルネサンスの彫刻を参照しながら、このシリーズの焦点は、純粋な比喩的な表現から物質自体の明瞭な表現に移ります。オリジナルの「プリジオーニ」のように、古典的な人物は未完成のままであり、彼らの創造と変容の歴史そのものを記録しています。

ЭНТОНИ ГОРМЛИ
أنتوني غورملي
葛姆雷
アントニー·ゴームリー
Feeling Material

Gormleyは、Allotment（1995）、Domain Field（2003）、Another Place（1997）、Inside Australia（2003）などの大規模なインスタレーションで、個人とコミュニティの関係を調査してきました。彼の最も有名な作品の1つであるエンジェルオブザノース（1998）は、現代の英国彫刻のランドマークです。フィールド（1991）は、地元の人々によって彫刻された数百または数千の小さな粘土像のインスタレーションであり、4大陸の地域コミュニティを含む世界中のさまざまな場所で制定されました。 「彫刻は、その継続性において、人生への信仰の行為です」とゴームリーはコメントします。 「私たちは皆、このようなことをします。私たちは、人生の継続性を保証する石をポケットに入れています。それは、物事がうまくいき、人生が大丈夫になることを期待することと関係があります。」最近では、Clay and the Collective Body（2009）のギャラリースペースや、ロンドンのトラファルガー広場にある高く評価されているOne＆Other（2009）委員会を超えて、市民の積極的な参加への関与が続いています。

Sunset Blvd
Leah Schragerはデジタルアーティストであり、オンラインパフォーマーです。彼女は彼女の画像のモデル、写真家、アーティスト、マーケティング担当者です。彼女の視覚的な作品は、身体の形に絵画の美学を適用し、多くの場合、彼女の概念的なオンライン実践から素材を引き出します。彼女のオンラインパフォーマンスは@OnaArtist（Instagram 3m）とSarah White（The Naked Therapist）です。これらのパフォーマンスで、シュレーガーはセクシュアリティ、表現、および配布のテーマを探ります。彼女の実践は、現代のグローバル社会で女性の伝記と労働を探求しようとする女性の（適切な）、覚醒、有名人、ファンダム、商業主義の現代的な温床に位置しています。

ダンフラビンはアメリカ人アーティストであり、ミニマリズムのパイオニアでした。 彼の照らされた彫刻は、空間と光の厳密な形式的および概念的な調査を提供し、アーティストは商業用の蛍光灯を異なる幾何学的構成に配置しました。 「アートは仕事よりアートの方がいいと思う」と彼はかつて言った。 「私はいつもこれを維持してきました。 私は手を汚さないことが重要です。 私が本能的に怠惰だからではありません。 それは宣言です。芸術は考えられています。」

人体の表現力は無限大です。 裸の体は、性的な意味合いを超えて、純粋な芸術です。 身体の概念についての概念的な写真は、EvelynBencicovaが彼女のシリーズEcceHomo（ラテン語で「ここに男がいる」を意味し、暴力や戦争の観点から引用されている）で私たちにもたらしたものであり、そこでは多くの身体が見られます 積み重なって奇妙な彫刻の形を形成します。 参加している各俳優の人物を非人格化するのに役立つ顔は、決して見られません。 結果はやや気がかりです。なぜそれらの体がそこにあるのか、彼らが何をしようとしているのかはわかりません。 振り付け、美学、演劇のミックスです。 芸術的な感性が非常に高いこれらの図には、人間の集合体の感覚を呼び起こす何かがあります。 表面への感情。

Clavilux
Clavilux 2000は、生成音楽を視覚化するためのインタラクティブな楽器であり、デジタルピアノで演奏される音楽のライブ視覚化を生成できます。インスタレーションの設定は、88キーとMIDI出力を備えたデジタルピアノ、vvvvパッチを実行するコンピューター、キーボードの上の垂直投影の3つの部分で構成されています。
キーボードで演奏されるすべての音に対して、新しい視覚要素がストライプの形で表示されます。これは、特定のキーがストロークされたときの寸法、位置、および速度に従います。色は、視聴者と聴取者に調和のとれた関係の印象を与えます。各キーには独自の配色があり、「間違った」音は対照的な色で際立っています。
すべてのストライプは相加的に残り、重なり合うため、最終的には一種のパターン（音楽の要約）が残ります。これは、作曲の音符とピアノ奏者の解釈が影響を及ぼしているため、常に一意です。結果。さらに、ピアノ奏者は、演奏中に標準の2Dビューとビジュアライゼーションの追加の3Dビューを切り替えることができます。

キーボード

Sleep Walkers
木村太陽の作品世界は「批判」という言葉に端的に象徴されるのではないでしょうか。誤解されがちですが「批判」とは決して何かを悪く言うとか、否定的であることを前提としてはいません。むしろ、省察や精査を重ねることでより良い可能性を模索しようとする、極めてポジティブな態度です。
その意味で木村太陽の批判の対象となるのは、因習やシステム、自然や人間の生理と政治性の関わりなど、我々自身を取り囲む日常の些細な事象で、愚直なまでに根気の要る作業を積み重ねる制作プロセスは、大いなる回り道を辿るかのようです。そして個々の作品の仕掛けやギミックは、真摯でありながら、とてもユーモラスでシャイにすら感じられます。
それは、木村が威圧的で教条的な視点に立つことや、意味ありげな態度をとることを忌避しているからに他なりません。このことは、コンセプチュアルアートやミニマリズムそのものへの批判でもあり、こうした「批判の入れ子状態」こそが、木村太陽のアーティストとしての在り方を、独自のものにしています。

儚く、空気のような、アーティストRein Vollengaの作品は、彼の「ウェアラブル彫刻」で特に注目に値します。 Vollengaのユニークで内臓的な作品は暗く魅惑的であり、彼の作品は、より深く動物的なセクシュアリティを祝い、個性と断片化されたアイデンティティを崇拝する、より暗く、よりフェティッシュな領域に挑戦し続けるファッションの先見者の多くに受け入れられてきました。 Vollengaはベルリン出身で、彼の作品に浸透しているチュートンの前衛的な性質に反映されています。また、戦前のベルリンの退廃と「官能的なパニック」の時代を思い起こさせる、危険で少し不吉で快楽主義的な感覚もあります。彼の作品は、未来的なボール仮面舞踏会の退廃の魅力をすべて思い起こさせます。彫刻の帽子やアクセサリーで形作られるウェアラブルアートで有名なこのアーティストは、今やファッション業界のエリートたちの注目と後援を得ています。あなたがそうするならば、より厳しくてゴシックな、21世紀のダリ。 ChasseurはRein自身と座り、彼の仕事について話し合った。その起源と性質、そして何が男をマスクの後ろに追いやるのか。

كريستوفر دانيال
克里斯托弗·丹尼尔
כריסטופר דניאל
Кристофер Дэниел
California Roll House
その極端な環境に自己適応する構造、韓国の練習暴力的なボリュームによってプレハブの「カリフォルニアロールハウス」は最新のものを使用します
周囲の砂漠で快適な雰囲気を維持するための持続可能な技術と機械化されたシステムで。 カーボンファイバートラスフレーム
システムは不規則なラッピングフォームをサポートし、軽量で強力なスケルトンを提供し、その上に頑丈な外部シェルが取り付けられて、
強烈な太陽。 透明なガラスパネルは、太陽の角度に応じて不透明度を自動的に変更し、夜間の涼しさを吸収し、日中を拒否します
ソーラーゲイン。 次に、屋根要素が中庭に変わり、水圧で入ることができる平らな人工地表面を提供します。
家の内外で唯一のドアであり、すべてのスペースにサービスを提供する電動ドア。 インテリアカーテンは、天窓でプライバシーのために部屋を細分化します
余分な光のために。

オラファー·エリアソン
اولافور الياسون
奥拉维尔·埃利亚松
אולאפור אליאסון
ОЛАФУР ЭЛИАССОН
Thereness corner
彼の作品は、同時に風変わりで幾何学的なものであり、色とりどりのウォッシュ、焦点を絞った光の投影、鏡、水、石、苔などの要素を使用して、視聴者の場所と自己の認識を変えています。 ギャラリーを自然と文化のハイブリッド空間に変えることで、エリアソンは世界との集中的な関わりを促し、日常生活の新鮮な考察を提供します。

ЙОХАННЕС ФОГЛ
Column of steam
「ヨハネス・ヴォーグルにとって、芸術は、感覚が研ぎ澄まされ、知覚が活性化される、高められた強度の絶え間ない例外的な状態で周囲の現実に対処するための奇跡的な手段であるようです。日常の注意深い観察者として、Voglは、火山の（創造的な）エネルギーと警戒を伴う永続的な警戒状態にあり、各ステップと反応で爆発します。ここで、芸術分野は、無限の解決策が適用され、新しい予期しない構造が刺激的な現実と魅惑的なフィクションの交差点で上演されている、真の可能性と可能性のオープンで無制限の領域です。 Voglは、そのようなコンストラクターであり、全能の想像力の領域内で、理由を超えて、機能性と超現実的なアプリケーションのようなおとぎ話の端にあるオブジェクトの情熱的な発明者です。 「波を見る」、2005年は、特定の自然現象を体験するために必要なすべての条件を備えた、すべて満足のいく快適な微小環境を作成しようとするVoglの試みの典型です。アーティストは自給自足の構造の作者であり、物事の通常の目的と機能を混乱させるほとんど寄生的なメカニズムとして現れ、»Kleiner Mond«、2006年の場合のように、特定の競争力ももたらします。模倣と模倣のほとんど叙情的な例。 Vogl’sは、日常のジェスチャーの非常に敏感な詩学であり、気取らない、本物の現実の補足であり、適度な量の皮肉とユーモアのセンスが今日の（不完全な）世界の不安定さと不十分さのバランスをとる遊び場に一瞬変わりました。」
アダムブダク

BODY PAINT
SERIES
私たちスマートフォンに夢中になっている同時代の人々にとって、いつでもどこでもインターネットに接続することは、私たちの人を完成させることです。この作品は、ボディペインティングを使用して、ネットワーク化された情報デバイスの世界で、私たちの物理的な定義、私たちの身体性を調べます。
このポートレートシリーズの各作品は、画面上の人間の被写体を除いて完全に同じ色で塗装されたLCDに表示された、ヌード、剃毛、および完全に単一の色合いで塗装された人物を特徴としています。これらの境界線が消され、背景と前景が人体と電子ディスプレイ体であり、それぞれが同じ色の絵の具で覆われているため、主題は曖昧さと混乱の感覚になり、かどうかの定義の疑問になっていると言えます。描かれている個人は人間または表現です。
これらの形式的な側面とは別に、この作品はメディア内の「存在」の問題も扱っています。人体にはかなりよく理解されている長寿の地平線がありますが、データ、ペイント、アートの長寿の地平線はまだ議論の余地があります。ボディアート、フィギュラティヴペインティング、メディアアートの複数の時間スケールは、作品が現在と存在自体に関する共通の基盤を模索しているときに互いに関与します。

リトアニアの芸術家ジルビナスケンピナスの作品は、動的であるだけでなく、ミニマルでもあります。現在ニューヨークに住んでいるケンピナスは、最もシンプルな手段を使用して、複雑で雰囲気のある素晴らしい美しさの部屋の状況を作り出しています。彼のインスタレーションは空気と軽さで遊びます–レリーフは時間とチャンスに基づいています。 Zilvinas Kempinasの芸術は、「月の明るい側」で繰り広げられます。重力は廃止されたように見え、光のパレットは彼のインスタレーションの素材に浸透して活性化します。 彼のアートワークが私たちを連れて行く旅は、私たちをここと今、知覚の装置、エネルギーの集合体、スケッチ、そして宇宙への介入へと導きます。彼の芸術は、光学的に物理的であると同時に、酔わせるような美的イベントで構成されています。彼が採用している手段は、シンプルで日常的でありながら、型にはまらないものです。ビデオテープ、ファン、FLチューブ、空間、リズム、空気、光との共生です。このようにして達成される効果は非常に複雑で、すべての感覚を含み、場所の感覚と自分の時間と動きの知覚を変えます。それは常に、彼自身が演劇の、しばしばミニマルな環境でプレーヤーになる見る人を対象としています。

2012年5月に初演されるGuiGarrido * Hermann Heisig * Nuno Lucas * Pieter AmpeとCAMPOの最初のコラボレーション作業では、4人だけの旅行で研究プロジェクトを開始しました。 私たちはいくつかの場所や風景、気分のむら、さまざまな星座を通り抜け、写真やビデオを撮り、歌ったり書いたり、静かで陶酔したりしました…
これは最初の会議であり、謙虚な出会いであり、私たちがどれだけ長く一緒に計画に固執できるか、同じ場所にいるときにどのような簡単な行動が起こり得るか、私たちが引き受けることができる役割は何か、そして 物語はどんな意味をなすことができます、そして、まあ、まだ来ていないことはもっとたくさんあります。

Liquid Vehicle Transmitter
アーティストのブレンナマーフィーは、彼女の迷路のような仮想空間を物理的な現実に重ね合わせる現実のフラクタル環境を作成します。
ポートランドを拠点とするアーティスト、ブレンナマーフィーは、彫刻、ゲームデザイン、インスタレーション、パフォーマンス、サウンド、インターネットに携わっており、人間の意識を結び付け、拡大するデジタルテクノロジーの能力に関心を持っています。マーフィーにとって、デジタルツールは、人間の経験の外にある異星人としてではなく、意識と認識を深める電子補綴物として機能します。迷路はマーフィーの実践における継続的なテーマです。彼女のインスタレーション、ウェブサイト、仮想環境は、放浪、移動、発見を促進する一連の連動スペースとして設定されています。彼女の作品で参照されている自然に発生する幾何学的形態のように、それらは展開構造の密な配列として互いに有機的に分岐しています。 YBCAでの彼女の展示会のタイトルであるLiquidVehicle Transmissionerは、マーフィーの作品の多くに見られる流動性をほのめかしています。
彼女の新しいインスタレーション、創発的な実体の聖歌の配列のために、マーフィーはさまざまなスケールで自己相似パターンを含む一種のフラクタルを設計しました。 3D印刷された彫刻、LEDライト、ライトボックス、木製のカットフォームの正確に構成された集合体から構築されたインスタレーションは、彼女の複雑で目がくらむようなインターネットベースの作品の実際のバージョンに似ています。マーフィーの仮想ビデオゲーム環境のように、創発的なエンティティのチャントアレイは、訪問者の空間と次元の両方の認識に基づいて再生され、意識の高い状態の探索を促します。
マーフィーは、彼女のアプローチにおいて深くポストヒューマニストであり、彼女の創造的なプロセスを、作品を制作するために使用されるツールとの直感的で調和のとれた関係を模索する瞑想の一形態と見なしています。彼女の複雑な形の配置は、彼女自身のエネルギーと視聴者のエネルギーに焦点を合わせ、それらを引き込みます。観客との調和のとれたつながりのこの感覚は、彼女がメンバーであるアートコレクティブ、MSHRおよびオレゴン絵画協会のアクティブな要素でもあります。

레이 놀드 레이놀즈
Рейнольд Рейнольдс
secret life

シークレットライフはシークレットトリロジーの最初のものです。人生を構成する知覚できない状態を探求し、その後にシークレットマシン（2009）とシックスイージーピース（2010）が続くサイクル シークレットライフは、アパートに閉じ込められた女性が自分の人生を送っている様子を描いています。人間の欲望の物語の地平を超えて、映画は私たちに共有された神聖な現実を垣間見ることができます。新しい技術と勇敢な哲学的ビジョンを組み合わせることにより、一時性の究極の形而上学的タブーに逆らう作品。そして、芸術的な媒体で描かれることはめったにないものをあえて提示します。 ありえないことは、レイノルズの特徴的な美学、ありふれたものへの畏敬の念で満たすことができるレンズによって可能になります。 あなたは今までに何時を見、経験するのか疑問に思いましたか？時間についての致命的な仮定がなければ、アパートの居住者はもはやユニークな場所に限定されませんが、ここでは、時間の目を通して見ると、空間自体が生き生きとしています。空間と時間の文脈がなければ、女性の心は崩壊し、彼女の経験の組織化を無視し、感覚だけを残します。視聴者は尋ねるかもしれません：それは彼女の心ですか、それとも制御不能で制御不可能な環境を作り出すのは時間そのものですか？この作品は、すべての生物が意識を持っていることを示唆しています。つまり、すべての生物が意識を持っているということです。空間がその活動で増加する間、女性は彼女の世界でこれまで以上に受動的な要素になります。彼女は機械的な速度で動き、彼女の心は時計のようであり、その手は彼女の人生の出来事を時間のタペストリーに固定します。その間、真実はカメラの機械的な目に超越的に反映されます。彼女の考えは彼女を逃れ、生き返り、彼女の周りの空間に生息する植物のように成長します：生きる、探す、感じる、呼吸する、そして死ぬ。

Tra-La-La

もちろん、これらの彫刻はどこかにいくつかの前例があったに違いありません。 Tra-La-Laに祖先がある場合、それはブランクーシ鳥でなければなりません。 しかし、フィリップのこの作品の起源は、粘土の塊を両手で円錐形に絞り、その点から膨らんだビーズを引き出し、それが柱になり、右のハンドルで回転し、 下降する柱とその周りをねじります。 あるいは、粘土が空中で始まり、これらの変化を経て地面に到達し、そこで円錐に広がったのかもしれません。 しかし、彫刻自体には一連の出来事はありません。 すべてが同時に提示され、あなたの反対側の空間に浮かんでいます。存在であり、人物でも物体でもなく、夢のようです。 ウィリアム・タッカーはアメリカに住み、働いているアーティストです。

ギュンター·ユッカー
String Chair
今日の私たちのプロジェクトは、明日の現実です。 私たちの想像力に存在するものは何でも私たち自身の不可欠な部分です。 経験は、官能的な領域に引き継がれる想像力です。
ギュンター・ユッカーは、ドイツの彫刻家、作曲家、インスタレーションアーティストであり、20世紀後半のヨーロッパの前衛芸術家の主要なプレーヤーです。

DNA portrait
それらは実在の人々の顔であり、ほとんど粉状の物質からエッチングされた肖像画のような彫刻です。 アーティストのヘザーデューイハグボルグは、彼女の被写体に会ったり見たりしたことがありませんが、目の色ははっきりしていて、顔の輪郭はシャープです。
写真やアートモデルを作品に使用する代わりに、デューイハグボルグ氏はニューヨーク市の通りから砕屑物（たばこの吸い殻、毛包、ガムラッパー）をすくい取り、人々が残した遺伝物質を分析します。 デューイ・ハグボルグ博士 エレクトロニックアーツの学生は、DNAにある手がかりを研究した後、顔を作ります。 「私は気味が悪いとは思いませんが、このプロジェクトが気味が悪いと誰かがどう思うかはわかりました」と、ブルックリンとレンセラー工科大学に通う北部に時間を割く30歳のデューイハグボルグさんは言いました。 工科大学。 「たぶん私はちょっと変だ」

spherical glass solar energy generator concept
Rawlemonの太陽エネルギー設計者は、太陽光（および月光）を最大10,000回集中させることができる球形の太陽追跡ガラスグローブを作成しました。同社は、そのß.toricsシステムは従来の2軸太陽光発電設計よりも35％効率的であり、完全に回転する耐候性の球体は月明かりから電気を集めることさえできると主張しています。
ß.toricsシステムは、バルセロナを拠点とするドイツの建築家AndréBroesselによって発明されました。彼は、建物の壁に埋め込んで、窓とエネルギー発生器の両方として機能できるソーラーシステムを作成しようとしました。しかし、このプロジェクトは、太陽光効率の機能だけでなく、月のエネルギーを生成するように設計されています。
球体は、拡散した月光を安定したエネルギー源に集中させることができます。未来的なß.toricsシステムは、そのすっきりとした美しいデザインで大きな注目を集めています。 （太陽光発電の大きな可能性にもかかわらず、私たちはあまり多くの美しい太陽光発電技術を見たことがありません）。建築家がこれらのエネルギー生成オーブを代替エネルギーアジェンダや将来の建物の設計にどのように組み込むかを楽しみにしています。

空気のインストールは3つの泡で構成されています。 Esa Vesmanenと共同で設計されたバブルには、HildaKozáriの個人的な記憶と3つの都市の経験が嗅覚と視覚の形式で含まれています。 このインスタレーションでは、ビデオの画像は空気のように透明で、彼女の記憶の写真のように曖昧であり、観客が独自の解釈をするためのスペースを残しています。 都市景観の正確な定義は、さまざまな記憶を思い起こさせる匂いの感覚によって与えられます。 都市の匂いは、海、風、公園、建物、ゴミだけでなく、人々、生活環境、そして記憶に関連する感情的、文化的、産業的な生活にも関係しています。 個人的な香水のように、街の匂いは匂いのバランスに強く依存します。

Incarcerated Bodies

オルガの作品は単なる装飾品ではなく、頑丈な力学と繊細な解剖学の融合を祝う芸術作品です。 常に挑戦し、双方向性の関係を探求しているオルガは、「見る」と「見られる」の関係を示しています。 良いか悪いかにかかわらず、彼女の仕事に無関心にならないように人々に願って、オルガは彼らが驚きにつながるかもしれないという疑いを歓迎します。 彼女の作品は、型にはまらない魅力、絶妙な、そして境界を押し広げる一貫した組み合わせであり、他のジュエリーデザイナーの間で彼女の個性を区別することを不可能にする組み合わせです。

見

K-Museum Tokion
渡辺誠が設計した共同溝展示館です。 これは、このような美しい建物を設計するための驚くべき作業の複雑さの完璧な例です。 多くの家はシンプルでミニマルなデザインに関連していますが、多くの美術館、大学、アートギャラリーなどは、K-Museumと同じくらい複雑です。 日本の建築家は、このような畏敬の念を起こさせるが安全なデザインを作るために無限の時間を費やしています。 このような建物は、現代の日本建築の実行に注入された進歩と技術的卓越性のレベルへの賛辞であり、未来の方向にうなずくことができます-イノベーションがこの指数関数的な改善の道をたどり続けるならば、 創意工夫と機能のレベルは時間とともにエスカレートします。

米卡·塔吉玛
ميكا تاجيما
here or there
ミカ・タジマ（ロサンゼルス、カリフォルニア1975）Here or There、2007は、さまざまな素材で構成された建築インスタレーションであり、観客に作品とその周辺の空間との交流の機会を提供します。 2番目のインスタレーションであるseriesFurnitureArtは、ニスを塗ったプレキシグラスパネルで構成され、グリッドのような順序で壁に配置されています。 アーティストは、抽象的なイメージを地理的な場所に関連付けるのが理想的です。 但馬美香の作品は、2011年にオースティンのビジュアルアートセンターやフィラデルフィアの芸術大学などの重要な会場で展示されました。

The Tree

Маги Марин
マギー・マラン
Cendrillon
「1985年に作成されたマギー・マランによるこのシンデレラは、振付師の現在の創造物（過激で献身的）を見ると驚くべきものです。これは確かに必ずしも妖精ではありませんが、光景と不思議の側面を想定した物語です。シンデレラは幼稚な世界で巨大な人形に変身したキャラクターを作成します（プリンスチャーミングはロッキングホースで彼の美しさを求めます）。ダンサーは全員、顔をハードマスクで覆っているため、表現ができません。ただし、ステージ上の各キャラクターは不穏な方法で生きているこれらのパフォーマーは、それぞれの動きが強い意図を持っている栄養のある身体言語を通して彼らを生き返らせます。この作品がその期間に完全に刻まれているのは彼らと彼らを通してであり、パフォーマーがそれを呼吸している限り生命を見つけます彼らの人形のキャラクターに。
したがって、このシンデレラから発せられる香りは常にとても気がかりです。私たちは幼稚な世界にいますが、悪夢は決して遠くにはありません。二人の姉妹は、人形のファンタジーが生き返るホラー映画からほとんど出てくるでしょう。オーレリー・ガイヤールによって繊細に踊られたシンデレラは、最初の行為に甘さと空想をもたらすことによってバランスを取ります。その瞬間、幼稚な世界が点線で描かれています。私たちは巨大なプレイルームのようですが、2つの世界の間にある幻想的で夢のようなものです。しかし、このフェアバランスはロングボールシーンには現れなくなりました。ここでは、音楽が止まり、幼稚なせせらぎの余地ができます。すべてのキャラクターが遊び場のように演奏します。そして、さまざまな読書グリッドが消える2度目は、子供向けのシンプルな眼鏡の前にいるだけの印象を残します。ここでは、大人はもう自分自身を見つけることができません。」AmélieBertrand

世

primitive

「この新しい作品は、原始的な生物、微生物、ウイルスを象徴しており、彼らにとっては意味がないように見える彼らの生活のダイナミクスを表現しています。」 「エンラのパフォーマーは非常に才能のある武道家、ジャグラー、ダンサーであり、それぞれが私たちの作品で独自の専門性を示しています。」 「最終的なビデオは、プロジェクターを介してスクリーンにビデオを投影することで簡単に実現できます。 グループは、グラフィックと同期して体の位置を維持し、繰り返し練習することでこれを完成させます。」 花房信行

Liszt
20世紀初頭で、3人の子供が家族写真のポーズをとっています。子供たちはエルサレムのキリスト教移民の植民地の若い開拓者です。写真家のその後の介入は、彼らの当惑した顔にその時代の写真の偽色を追加しました。色合いとクッキーやホットミルクの匂い、磁器人形、長い海の旅、ほこりっぽい古い本、そして人工的な「無垢」の組み合わせ。これは、私の顔の下部が子供たちの顔の下部に置き換わるデジタルトランスフォーメーションの出発点であり、時間と意味の逆転で、別の種類の物語が来るにつれて、非時間と非意味で結晶化されます写真が撮られた独特の状況にそれ自体を重ね合わせて、その比喩的な重要性を探す光。このようにして、3人の子供は家族写真の永遠の枕に閉じ込められた3人の人間の原型になります。それは強制的な聖体拝領であり、相互の焦りと言葉の暴力の増加につながり、言葉に重なり、あらゆる種類の相互作用を防ぎます。コミュニケーション不能の感覚は、インターネット上で見つかったフレーズの断片をマッシュアップで並置することによって得られます。マッシュアップは、聞いていない単語が、意識的かどうかにかかわらず、純粋な状態での暴力であるかを明らかにする現代の無意味な対話に解き放たれます。したがって、この写真に隠された宇宙、これらの古代の開拓者による失われた無実の探求の家族アルバムの人間の夢と幻想の叙事詩は、歴史を通して極端な結果をもたらした暴力の形に変換されます。自分の言葉しかないときは、口が武器になります。それにもかかわらず、私がこれらの3人の知らない祖先を通して世界に委託するという希望の一種のメッセージで、聞くための招待は最終的に回復します。

平田晃久
아키 히사 히라 타
Акиша Хирата
この投稿は、有望な若手建築家平田晃久の建築に対する考え方を紹介するものです。それは彼の仕事を調べている今日の2つの投稿のうちの1つであり、もう1つは構築されたプロジェクトです：ブルームバーグパビリオン。
今のところ、ArchitectureFarmは投機的なままです。それはコーヒーカップから花の成長を作成することから始まります。この静止画像は、単純なオブジェクトを複雑で美しい形に発展させる方法を示しています。ビデオループに示されている2番目の演習では、トーラスの形でプロセスを繰り返し、進化したフォームのいくつかにテキストを追加して、アーキテクチャの可能性を提案します。
粗雑にレンダリングされたアパートの建物は、花の形からさらに発展し、今では建築が出現しているのがわかります。別の段階では、現在確立されている同じルールセットから複数のアパートの建物がどのように成長するかを調べます。やがて、私たちは住宅の自己複製成長を遂げます。十分な開発資金で水をまくと、週末にフルスケールで3Dプリントできるバラ色の不思議の国に耕作される可能性があります。 。

Джанет Эчельман
アメリカ人アーティスト、ジャネット・エチェルマンの空中彫刻を紹介します。ジャネットは、伝統的なネット織り技術を使用して信じられないほどのインスタレーションを作成し、単純な糸のスプールを見事なピースに変換します。
彼女の美しい彫刻は通常、建物と柱の間に設置されます。これにより、アーティストは常夜灯の遊びでオーロラに似せようとします。明るい彫刻は世界中にあり、空に色を加えています。その部品は、100％発泡PTFEから製造されたハイテクスレッドであるテナラで作られているため、従来のテフロンスレッドの2〜3倍の強度があり、屋外で使用するために設計された繊維であり、腐敗やカビに強い紫外線の影響を受けません。結ばれた後、亜鉛メッキされたスチールリングに結び付けられ、ロープで宇宙空間に吊り下げられます。
単一の結び目を結ぶ前に、設計ソフトウェアを使用して、重力の影響、その構造の対称性、およびその重量を測定します。

Аллора и Кальсадилья
Algorithm
彫刻、写真、パフォーマンス、サウンド、ビデオを通じて、AlloraとCalzadillaの作品は、概念的、比喩的、空間的な方法で、マークの作成、トレース、生存の問題から情報を得ています。 カップルとしての素材と比喩についての彼らの理解は非常に重要です。 彼らにとって、資料はその意味において単純に自明ではなく、問題の資料に一度に既約であり、不可分である歴史、文化、および政治で常にマークされています。 彼らの仕事におけるもう一つの繰り返しの比喩は、動物性の比喩と、人間の領域との不安定な関係です。 最近では、今日の世界的な戦争状態の中で軍国主義と音の相互作用を探求する一連の作品を作成しました。