SUPERCREATIVITY

FILE SAO PAULO 2022- SUPERCREATIVITY

FILE Electronic Language International Festival

July – August 

Wednesday to Sunday, 10 A. M. – 8 P.M.

Centro Cultural FIESP

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Creativity is not limited to the arts. It also takes place in all disciplines of Culture. Thus, in the aesthetic sense, it ceases to be creativity and becomes Supercreativity: the sum of all creative engines that permeate and connect to our culture.
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A criatividade não se limita às artes. Também ocorre em todas as disciplinas da Cultura. Assim, no sentido estético, deixa de ser criatividade e passa a ser Supercriatividade: a soma de todos os motores criativos que permeiam e se conectam à nossa cultura.
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Kreativität ist nicht auf die Kunst beschränkt. Sie findet auch in allen Disziplinen der Kultur statt. Somit hört es im ästhetischen Sinne auf, Kreativität zu sein, und wird zur Superkreativität: die Summe aller kreativen Motoren, die unsere Kultur durchdringen und mit ihr verbinden.
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創意不僅限於藝術。 它也發生在所有文化學科中。 因此，在美學意義上，它不再是創造力，而是成為超級創造力：滲透並連接到我們文化的所有創造性引擎的總和。
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創造性は芸術に限定されません。 また、文化のすべての分野で行われます。 したがって、美的意味では、それは創造性ではなくなり、超創造性になります。これは、私たちの文化に浸透し、つながるすべての創造的なエンジンの合計です。

フロラリアI
Donna J. Haraway、Ursula K. Le Guin、Greg Eganの著作に触発されたこの作品は、私たちを投機的な未来へと導きます。そこでは、当時絶滅した植物種のサンプルが保存され、仮想アーカイブルームに展示されます。編集と視覚的戦略を通じて、このアーカイブルームは、リストされた植物から発せられる記憶によって引き起こされる干渉の影響下で散発的に変化し、その場所に出没し続ける過去の痕跡を明らかにします。フローラリアは、テクノロジーと有機物の融合から生まれた生態系のシミュレーションであり、過去と未来が現在の永続的な緊張の中で共存しています。

世界はひっくり返る
作品のタイトルであるインヴェルソは、イタリア語の「逆、反対」と旧イタリア語の「詩」の両方であり、ムンディはラテン語の「世界」であり、現実の再解釈、詩的なビジョンを示唆しています。私たちの解釈では、中世のカーニバルの不条理なシーンは、マルチチャンネルのビデオインスタレーションで現代の生活のエピソードとして表示されます。キャラクターは、不条理な社会的ユートピアや交換マスクのシーンを演じ、物乞いから金持ちへ、警官から泥棒へと姿を変えます。メトロセクシャルのストリートクリーナーが街にゴミを浴びせています。女性の異端審問官は、IKEAスタイルの構造で男性を拷問します。子供と高齢者はキックボクシングの試合で戦っています。インヴェルソワールドはキメラがペットであり、黙示録が娯楽である世界です。

S=U=P=E=R=S=T=R=U=C=T=U=R=E
静かに壮観なS = U = P = E = R = S = T = R = U = C = T = U = R = Eを通る膨大な量の電気コース– 123,000ワット–浅く、冷たく、根底にある動機の溢れ…」）（2010）、Kunsthallの高い天井を支えているように見える7本の光の柱で作られたインスタレーション。フィラメントストリップランプで構成されたこれらの柱は、変化する光で部屋を埋めるだけでなく、まばゆいばかりの白にクランクアップされてから暗くなり、レモンから残り火までのスペクトルを通過し、光が徐々に消えますが、暖かさを備えています。熱の壁は各柱から発せられます。

沈黙の道
キステフォス彫刻公園の素晴らしい地形に触発され、産業博物館の横にある階段状の斜面とテラスでは、水の力とエネルギーが直接見え、サイトに特別な品質を与え、自由な形が形に適応していますこの風景の、したがって場所とオブジェクトの間の対話を作成します。彫刻は、3つの沈黙の空間を囲む広大な鏡の迷路によって定義されます。高い鏡の階段の囲いが空を見上げることを促進する瞑想的な空間、彫刻の中の木が内部と内部をつなぐ自然な空間。外と水の壁が現れたり消えたりするアクティブな空間。こうして周囲の絶え間なく変化する視点を提供します。

Uncanny Mirror
このリアルタイムインストールは、画面、カメラ、コンピューターで構成されています。カメラ画像は、観客の顔を自分自身の不思議な表現に変換する一連の生成的敵対的ネットワークによって処理されます。これらの表現は、AIが以前に見た後、学習した顔に基づいています。鏡を見ている間、マシンは視聴者の顔をトレーニングセットに組み込み、生成する顔の外観を徐々に変更し、最初のバイアスから訪問者の分布の統計的平均に向かって逸脱します。

Solaris
Solaris 2020は、クラゲの花が咲き乱れる壮大な明るい生態系を遮る壁画サイズのLEDカーテンです。ビデオゲームプラットフォームで一般的に使用されているコンピュータプログラムを使用して作成されたこのスクリーニングでは、インドネシアのカリマンタン沖にある11、000年以上前に形成された内陸の塩と雨水の塊である独特の海洋環境のデジタルシミュレーションが提示されます。これらのクラゲ種は捕食者がなく、暖かい水で繁殖することができます。それらは異なって進化し、気候変動が海洋システムに及ぼす可能性のある潜在的な影響を研究するための生きた実験室を科学界に提供しています。

Kagami / Real-Time Face Generator
人間の顔を立体的に生成する「立体鏡」インスタレーション「kagami / Real-Time Face Generator」。体験者の顔をフェイススキャナーでスキャンすると、コンピューター上で3Dモデルデータが生成。そのデータをもとに、約5000本のロッドがモーターにより押し出され、リアルタイムに立体的な「顔」が造り出されます。その「顔」に、「花鳥風月」をテーマにした朝顔、竹、蝶、カワセミ、トキ、夕焼け、桜、金（月）などをモチーフとしたエレクトリック・メイクアップアートがプロジェクションされます。本作は、「OMOTE」にインスピレーションを受けた花王株式会社のプロジェクトチームとWOWがコラボレーションして制作。企画から完成まで約1年を費やして完成し、本年9月に新設されたKao COCOLABミュージアムに設置されました。

Post-Truth and Beauty
Post-Truth and Beautyは、光と音の抽象的な世界を部分的に垣間見ることで、「真実」のつかみどころのない性質に類似した感覚体験を生み出すことを目指しています。訪問者は、スピーカーリングに入ると、一度に1つずつ作品と対話するように招待されます。光と音はどちらも、視聴者の頭の位置に応じて変化します。視聴者が頭を動かして視点を変えると、この世界のさまざまな部分が明らかになります。

Oblique WTC
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著者によると、この建物は単一の巨大構造を形成しており、複雑なネットワークを形成しており、個別のコンポーネントに分解することはできません。 この質感は、ウールニットと比較されます。 中には公共のスペースを含むいくつかのスペースがあります。 通りは曲がった塔に合流しているように見え、その中のエレベーターは坂を上って街の地下鉄に降りる列車になります。

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Здание, по мысли автора, образует единую мегаструктуру, сложную сеть, не раскладывающуюся на отдельные компоненты. Эта структура сравнивается с шерстяной вязкой. Внутри располагаются различные пространства, в том числе и общественные. Улицы как бы вливаются в гнущиеся башни, а лифты внутри них становятся поездами, взбирающимися по наклонным плоскостям и спускающимися в городской метрополитен

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The building, according to the author, forms a single megastructure, a complex network that cannot be decomposed into separate components. This texture is compared to a wool knit. Inside there are various spaces, including public ones. The streets seem to merge into bending towers, and the elevators inside them become trains that climb inclined planes and descend into the city subway.

高電圧パワー
インストールは単にFIELDと呼ばれます。 5年前、FIELDクリエーターのリチャードボックスはブリストル大学の物理学部に住むアーティストでした。同僚が裏庭の電力線の下で蛍光灯を使ってライトセーバーゲームをプレイしていると説明した後、彼は蛍光灯を植えるアイデアを思いつきました。 。そこで彼は地元の農家に賄賂を渡して、この特別なシーンをセットアップさせ、ライトセーバーのゲームを1000回再現しました。

平らなものを1つ再現
1970年代には早くも、ウィリアムフォーサイスは、アカデミックバレエの予想外の進歩でダンスに革命をもたらしました。他の人が古典的なジャンルから離れていたとき、彼は以前は欠陥があると考えられていた形で語彙を豊かにしました。ムーブメントはねじれ、曲がり、解体され、再組み立てされて別の部屋に置かれます。 2000年にフランクフルトバレエで初演された「OneFlatThing、replicated」は、この研究の範囲の終わりにあります。南極点への遠征に関する本に触発されて、フォーサイスはますます密集した振り付けを開発しました。それは、20の完璧に配置されたテーブルの真っ只中にある体の明らかな混乱で最高潮に達します。

世界の均質化と変革
空中に浮かんでいる個々のボールは、ワイヤレス接続を介して相互に通信します。見る人が触れたり、物にぶつかったりすると、ボールの色が変わります。音は色に関連して生成されます。ボールはこの色情報を他のボールに送信し、他のボールはその情報を近くのボールに送信し、情報が拡散してすべてのボールの色が統一されます。インターネットは世界中に広がっています。個人はつながり、情報は自由に行き来します。人々は情報の仲介者としての役割を果たし、情報が広まるとすぐに世界は団結します。すべての個人が自由かつ簡単に情報を送信できます。個人は、情報を世界に送信する仲介者として機能し、情報を瞬時に変換します。

時間の正八胞体
建築とダンスはどちらも時間の空間と光への情熱を共有していますが、時間に関してはスペクトルの反対側にあります。建築は最も長い期間の芸術の1つですが、ダンスピースの実現は迅速なプロセスであり、パフォーマンスが展開するにつれて作品は消えます。ここで2つがマージされます。四季に対応しますが、20分以内に振付師のジェシカ・ラングと建築家のスティーブン・ホールのコラボレーションが時間と空間の圧縮でダンスと建築を融合させます。

線分スペース
スレッドのアーキテクチャのウェブは、ヌルスペースの範囲内にあります。それは抽象的な未定義の、間の暗いネガティブスペースをセグメント化する薄いポジティブ要素のセットをぶら下げます。ダイナミックな想像上の形は、この糸の素材と光の半素材によって物理的なボリュームに明確に表現されます。間のスペースを占めるフィラメントの視覚的重力。 2Dキャンバスは、サーフェスピースからラインセグメントに縮小されますが、別の次元であるボリュームに構築されます。光は線上にコントラストと秩序を生み出し、デジタル物質を明確に表現します。デジタルフォームは、相互接続された空間の境界に生息し、視覚的な塊として具現化されます。

Epizoo
Epizooのパフォーマンスにより、観客はメカトロニクスシステムを使用してMarcel.líの体を制御できます。このシステムは、パフォーマーが着用する外骨格であるボディロボット、コンピューター、機械的なボディ制御デバイス、垂直投影スクリーン、2つの垂直照明装置、および音響機器で構成されています。
整形外科用ロボットのメカニズムは、空気圧メカニズムが取り付けられたベルトとヘルメットの2つの金型によって身体に固定されています。これらのメカニズムにより、アーティストがパフォーマンス中に回転する円形のプラットフォームに直立したまま、Marcel.lÌの鼻、臀部、胸筋、口、耳を動かすことができます。空気圧装置は、コンピューター制御の電気バルブとリレーのシステムに接続されています。ビデオゲームに似たインターフェースを備えた専用アプリケーションがコンピューターによって実行されます。その11のインタラクティブなシーンには、アーティストの姿を再現し、メカニズムの位置と動きを示す、コンピューターで生成されたアニメーションシーケンスがいくつか含まれています。このようにして、ユーザーはマウスを使用して、照明、画像、音声、およびアーティストの体を制御できます。
アートの世界では、Epizooはコンピューター技術を人体に応用した初期の例です。このパフォーマンスは、おそらく、観客がアーティストの体を含むステージ上の要素を制御できるようにするリモートコントロールデバイスを備えた最初のパフォーマンスです。 Epizooはオープン以来大きな関心を呼んでおり、現在までにヨーロッパ、アメリカ、アジアの50を超える都市で上演されています。

Planos-pipas n17
「マルセロ・ヤコームのプラノスピパス（アーティストの母国ポルトガル語で「凧の飛行機」）は、ダイナミックで直感的なドローイングの品質を維持しながら、紙を彫刻素材として扱います。竹のフレームに張られた鮮やかな色のティッシュペーパーのシートが綿の糸でつながれているこの作品は、さまざまなコンポーネントが半混沌とした一体感で動いていることを示唆しています。立ち直る：角が出会って建築の形を模倣するか、半屋根のほぼ避難所になります。立体的な形とのそのちらりと見える関係は、三次元性へのヤコムの遊び心のあるアプローチの一部です。この作品は、凧自体と同じように、文字通り説明を回避しているように見えます。凧の本質は広告でのみ明らかにされます。 istance、スレッドの終わりに。ヤコムの作品は物事の端で踊り、まばゆいばかりの色と線の閃光で私たちの手から滑り落ちます。」Ben Street

人体の表現力は無限大です。 裸の体は、性的な意味合いを超えて、純粋な芸術です。 身体の概念についての概念的な写真は、EvelynBencicovaが彼女のシリーズEcceHomo（ラテン語で「ここに男がいる」を意味し、暴力や戦争の観点から引用されている）で私たちにもたらしたものであり、そこでは多くの身体が見られます 積み重なって奇妙な彫刻の形を形成します。 参加している各俳優の人物を非人格化するのに役立つ顔は、決して見られません。 結果はやや気がかりです。なぜそれらの体がそこにあるのか、彼らが何をしようとしているのかはわかりません。 振り付け、美学、演劇のミックスです。 芸術的な感性が非常に高いこれらの図には、人間の集合体の感覚を呼び起こす何かがあります。 表面への感情。

Clavilux
Clavilux 2000は、生成音楽を視覚化するためのインタラクティブな楽器であり、デジタルピアノで演奏される音楽のライブ視覚化を生成できます。インスタレーションの設定は、88キーとMIDI出力を備えたデジタルピアノ、vvvvパッチを実行するコンピューター、キーボードの上の垂直投影の3つの部分で構成されています。
キーボードで演奏されるすべての音に対して、新しい視覚要素がストライプの形で表示されます。これは、特定のキーがストロークされたときの寸法、位置、および速度に従います。色は、視聴者と聴取者に調和のとれた関係の印象を与えます。各キーには独自の配色があり、「間違った」音は対照的な色で際立っています。
すべてのストライプは相加的に残り、重なり合うため、最終的には一種のパターン（音楽の要約）が残ります。これは、作曲の音符とピアノ奏者の解釈が影響を及ぼしているため、常に一意です。結果。さらに、ピアノ奏者は、演奏中に標準の2Dビューとビジュアライゼーションの追加の3Dビューを切り替えることができます。

キーボード

skorpions
概念
さそり座は、ゆっくりとした有機的な動きで体を動かしたり変化したりする一連の動的電子衣服です。彼らは呼吸し、脈動し、独自の内部プログラミングによって制御されます。それらのプログラミングが単純なセンサーデータに応答しない限り、それらは「インタラクティブな」アーティファクトではありません。彼らには志向性があります。彼らは生きるために、存在し、生きるためにプログラムされています。それらは、制御、予測、予測不可能性などの特性を利用する生きた行動の動的彫刻です。彼らは彼ら自身の個性、彼ら自身の恐れと欲望を持っています。

処理する
Skoprionsは、カナダのモントリオールにあるXSLabsのDiMainstoneとJoannaBerzowskaのコラボレーションの結果です。 DiはXSLabsチームと緊密に協力して、アート、ファッション、テクノロジー、パフォーマンスを組み合わせたこれらのキネティックコスチュームを作成しました。 Skorpionsは、電子ファブリック、形状記憶合金Nitinol、磁石などの機械式アクチュエータ、ソフト電子回路、および従来の繊維構造技術を統合しています。パターンのカット、縫い目、およびその他の構造の詳細は、エンジニアリング設計の重要な要素になりました。

Sleep Walkers
木村太陽の作品世界は「批判」という言葉に端的に象徴されるのではないでしょうか。誤解されがちですが「批判」とは決して何かを悪く言うとか、否定的であることを前提としてはいません。むしろ、省察や精査を重ねることでより良い可能性を模索しようとする、極めてポジティブな態度です。
その意味で木村太陽の批判の対象となるのは、因習やシステム、自然や人間の生理と政治性の関わりなど、我々自身を取り囲む日常の些細な事象で、愚直なまでに根気の要る作業を積み重ねる制作プロセスは、大いなる回り道を辿るかのようです。そして個々の作品の仕掛けやギミックは、真摯でありながら、とてもユーモラスでシャイにすら感じられます。
それは、木村が威圧的で教条的な視点に立つことや、意味ありげな態度をとることを忌避しているからに他なりません。このことは、コンセプチュアルアートやミニマリズムそのものへの批判でもあり、こうした「批判の入れ子状態」こそが、木村太陽のアーティストとしての在り方を、独自のものにしています。

彫刻は、空間を移動する単一の閉じた連続した偏心線を明確に表現します。
線の動き、速度、軌道は、アーティストが振り子を使用してスタジオで作成したドローイングによって通知されます。 これらの図面は、CADベースのソフトウェアを使用して、彫刻の作成に使用されるショップ図面に転記されます。
グラッターのアルミニウム彫刻は、視点に応じて優雅にうねり、根本的に反ります。 彫刻は、音楽理論に基づいて自動描画を行うためのビクトリア朝時代の装置である、アーティストのハーモノグラフの描画を参照しています。 ビクトリア朝のポップテクノロジーと洗練された超近代的な素材の融合は、概念的に厳密な一連の作業をもたらします。

山本耀司
יוז’י ימאמוטו
ヨウジヤマモト

彼は自分の哲学と前衛的な精神を服で表現し、現在のトレンドからかけ離れたデザインを頻繁に作成しています。基本的に、彼は特大のシルエットが特徴のラインを作ります。通常、光沢のあるテクスチャのドレープ（ゆるいギャザーとボロボロ）が特徴で、フィギュアの輪郭や動きに応じて自然に変化します。多くの場合、単一の色（特に黒）と単一の色合いが使用されます。山本洋二は服を通して自分を表現しようとしていると言えます。その想いや精神に共感するお客さまを魅了し、熱烈なファンに。川久保玲のコムデギャロンや三宅一生の三宅一生などと並んで、1980年代に国内外で高い評価を得たカリスマ的なデザイナーブランドが「DCブランドブーム」を形成した。 （DCはDesigners＆Charactersの略です。現在はDesigners’Brandsと呼ばれています。）彼は現在、Brother、Dolls、Zatoichiなどの北野武の衣装デザイナーを務めています。彼はまた、Soulmates Never Die（Live in Paris 2003）ツアーショーの最中に、アディダスラインでプラセボのプロバイダーとして認められています。

ДЭНИЕЛ ФИРМАН
丹尼尔·菲尔曼

ダニエル・ファーマンの身体の物理学とエネルギー、動きとその空間との関係への関心は、その中心にある彫刻作品に反映されています。
毎回「キャラクター」と見なされ、振り付けと物語の推進力で捉えられた人物は、観客が距離を保つのと同じくらい自分自身を作品に投影するように促す現実的なモードで扱われますが、顔はまだ隠されています時間内に中断されたこれらのキャラクターに追加の謎をもたらします。
これらの等身大のキャラクターは、日常の物を積み込み、衣服に邪魔され、単に空間で停止またはバランスを取り、場所の認識を変えることができる、時には混乱し、過度の身体的および道徳的状況を翻訳します。
チャンスとデザイン、身体と精神、時間と動きのサスペンドを組み合わせた彼の作品は、パフォーマンス、成形、写真、電子画像、建設、さらにはリサイクルなど、さまざまな技術とプロセスを使用して設計されています…دانيال فيرمان

抽象化と表現を交互に繰り返すShahbaziの鮮やかな色の写真は、デジタルツールを使用せずに、鮮明なスタイルの商業スタジオ写真で作成されます。彼女の抽象的な構図を作るために、彼女は塗装された台座やその他の幾何学的なボリュームを写真に撮ります。時々彼女は同じオブジェクトの複数の画像を作成し、露出の間にボリュームを回して、表面と深さの間に動的な相互作用を作成し、幾何学的な色とパターンの豪華なフィールドを作成します。 Shahbaziは彼女の写真を驚くべき組み合わせで配置します。ここで彼女は、ギザギザの山々の硬いエッジと飛行中のダイバーの正確な形と抽象的な幾何学を並置します。 Shahbaziのアレンジメントは、さまざまなジャンルの写真の類似点を強調し、外側と内側、有機的なものと製造されたもの、自然と構築された風景の間の構造的な類似点を示しています。彼女の写真は、さまざまな媒体に翻訳され、表示されるたびにさまざまなグループに配置され、新しい反復ごとに視聴者の認識とは異なって再生されます。 Sharina Shahbaziは、1974年にテヘランで生まれました。彼女はドイツのFachhochschuleドルトムントとチューリッヒのHochschulefürGestaltungundKunstで写真を学びました。 Shahbaziはチューリッヒに住み、働いています。

伝統がインスピレーションの源として再び確認され、（W）ホールドレッサーのラインで、ルイ15世スタイルの繊細さと調和を認識することができます。 しかし、自然の形に触発された曲がりくねった曲線、豊かなカール、金色の装飾の構成は、夢のようなものにアクセスするための扉となる可能性のある、穴の開いた円錐形のフクシア漆塗りの木材によって再生されます。世界と先見の明。 詩的な物語、楽しいゲーム、幻想で構成されたユニークでいつものようにオリジナルのコレクションを期待するインパクトのある家具は、細部が偶然に残されることのない洗練された魂を隠します。

Stilts
その感覚の多くは不明瞭ですが、パトナムの作品が生み出すより衝撃的な感覚と並んで、そしておそらくそれを超えて残っています。 この意味で、衝撃は劇場のセットやイメージに直接具体化されますが、より静かに不安定化することは述べられておらず、場所を特定することもできません。 彼の作品のこれら2つの一見相反する側面の関係は、おそらくここで最も強力なものです。 パトナムが言う不安なことの中には、郷愁と子供時代の世界はセクシュアリティと欲望の世界から切り離せないというものがあります。 地下室の内外を問わず、2つの世界は、時には美しいが、しばしば厄介な方法で衝突し続けます。

Cardboard Cloud

素晴らしいノルウェーの建築家は、ノルウェーのオスロにあるデザインと建築のセンター（DogA）での展示会のために、「段ボールの雲」のインスタレーションを作成しました。 ショーはノルウェーの学生による作品を特集します。 展示会は真新しいデザインオブジェクトを提示するように設定されているので、彼らは開梱のスリルに基づいて建築コンセプトを決定することにしました。 インスタレーションは、大きなピクセル化された雲に似た3000を超える吊り段ボール箱で構成され、さまざまなオブジェクトの上に浮かんでいます。 350m2の展示ホール内には、洞窟のような空間からリフトやオープンエリアまで、多種多様な空間が生まれます。 オブジェクトとデザインコンセプトは、ボックスの内側と外側の両方に表示されます。

Inflatable suit
コミュニケーションに関する公的および私的な談話の中で、カンバセーションバブルの作品は、「合意」の異なる、時には不条理な考えと、それが個人、家族（グループ）であるかどうかにかかわらず、「同一性」に対する私たちの欲求が違いを受け入れることに不寛容を生み出す可能性があることを指摘しています または社会的に政治的なレベル。 私の作品は、人間性の一部であるこの対立について言及しています。 2006年にニューヨーク州のOMIインターナショナルアーティストレジデンシーで最初に演奏され、2008年にノルウェーで演奏された会話バブルは、5人用のインフレータブル構造を備えています。 いつでも、5人の参加者が同じ空気を吸いながら、膨張可能な泡の共通の空間を共有しています。 彼らの頭は自由に動くので、彼らの体の残りはビニールの2つの層の間に挟まれます。 誰も自分の意志で離れることはできず、公演の期間は、それを終了するための5人の合意に依存します。

リトアニアの芸術家ジルビナスケンピナスの作品は、動的であるだけでなく、ミニマルでもあります。現在ニューヨークに住んでいるケンピナスは、最もシンプルな手段を使用して、複雑で雰囲気のある素晴らしい美しさの部屋の状況を作り出しています。彼のインスタレーションは空気と軽さで遊びます–レリーフは時間とチャンスに基づいています。 Zilvinas Kempinasの芸術は、「月の明るい側」で繰り広げられます。重力は廃止されたように見え、光のパレットは彼のインスタレーションの素材に浸透して活性化します。 彼のアートワークが私たちを連れて行く旅は、私たちをここと今、知覚の装置、エネルギーの集合体、スケッチ、そして宇宙への介入へと導きます。彼の芸術は、光学的に物理的であると同時に、酔わせるような美的イベントで構成されています。彼が採用している手段は、シンプルで日常的でありながら、型にはまらないものです。ビデオテープ、ファン、FLチューブ、空間、リズム、空気、光との共生です。このようにして達成される効果は非常に複雑で、すべての感覚を含み、場所の感覚と自分の時間と動きの知覚を変えます。それは常に、彼自身が演劇の、しばしばミニマルな環境でプレーヤーになる見る人を対象としています。

레이 놀드 레이놀즈
Рейнольд Рейнольдс
secret life

シークレットライフはシークレットトリロジーの最初のものです。人生を構成する知覚できない状態を探求し、その後にシークレットマシン（2009）とシックスイージーピース（2010）が続くサイクル シークレットライフは、アパートに閉じ込められた女性が自分の人生を送っている様子を描いています。人間の欲望の物語の地平を超えて、映画は私たちに共有された神聖な現実を垣間見ることができます。新しい技術と勇敢な哲学的ビジョンを組み合わせることにより、一時性の究極の形而上学的タブーに逆らう作品。そして、芸術的な媒体で描かれることはめったにないものをあえて提示します。 ありえないことは、レイノルズの特徴的な美学、ありふれたものへの畏敬の念で満たすことができるレンズによって可能になります。 あなたは今までに何時を見、経験するのか疑問に思いましたか？時間についての致命的な仮定がなければ、アパートの居住者はもはやユニークな場所に限定されませんが、ここでは、時間の目を通して見ると、空間自体が生き生きとしています。空間と時間の文脈がなければ、女性の心は崩壊し、彼女の経験の組織化を無視し、感覚だけを残します。視聴者は尋ねるかもしれません：それは彼女の心ですか、それとも制御不能で制御不可能な環境を作り出すのは時間そのものですか？この作品は、すべての生物が意識を持っていることを示唆しています。つまり、すべての生物が意識を持っているということです。空間がその活動で増加する間、女性は彼女の世界でこれまで以上に受動的な要素になります。彼女は機械的な速度で動き、彼女の心は時計のようであり、その手は彼女の人生の出来事を時間のタペストリーに固定します。その間、真実はカメラの機械的な目に超越的に反映されます。彼女の考えは彼女を逃れ、生き返り、彼女の周りの空間に生息する植物のように成長します：生きる、探す、感じる、呼吸する、そして死ぬ。

Evolution Of Silence

作品「EvolutionOfSilence」は、人工生物が住む仮想世界を描いています。各クリーチャーは、そのDNAによって定義されたトーンを作成し、ホログラフィック投影内の光線によって視覚的に表されます。これらの生き物の個体数は、進化的アルゴリズムで着実に進化しています。
仮想世界は、環境条件として聞こえないキーを提供します。クリーチャーのトーンがキーにフィットするほど、トーンの音が大きくなり、光線が強く広くなり、他のクリーチャーにとって魅力的で長生きします。したがって、他の生き物と交配することで多くの子孫を生み出すことができます。ただし、逸脱したトーンは静かで、光線が非常に薄く、比較的早く消滅します。
このようにして、世界の人口は、不調和で混沌としたサウンドスケープから調和のとれた構造へと進化し、環境によって提供される鍵にますます適合します。
2〜3分後、環境キーがランダムに変化し、サウンドスケープはすぐに再び混沌とします。人口は数世代にわたってこの新しい環境に適応します。

マナの彫刻
彫刻MANNAMACHINEは、藻類（Chlorella vulgaris）が成長するフォトバイオリアクターです。 チューブとホースは空間に描画を形成し、植物の葉と同様に光合成に使用されます。 得られたバイオマスはろ過され、乾燥され、顔料に加工されます。

異世界への憧れと、クリエイティブな個性そのものを指針とすることがロマンティックアートの特徴です。 ロマン派の芸術家は、彼の合理主義と達成への焦点でブルジョア社会から離れます。 対照的に、彼は彼自身のインスピレーションだけに従う創造的な個人の自由を提案します。 この個人主義が伴う社会的孤独の中で、ロマン派は連帯と調和を切望しています。 彼は自然に夢中になりたいと思っており、宗教的な安全を求め、伝統的な伝統と結びついています。
彼の時代の唯物論に反して、Gerrit vanBakelは理想主義者として自分自身を提示しました。 強力で効率的な技術とは対照的に、彼だけが無駄なマシンを思いついた。そのパフォーマンスは賞賛に加えて、笑顔を生み出した。 ロマンチックなユートピアのように、彼は世界に直面しました。

空気のインストールは3つの泡で構成されています。 Esa Vesmanenと共同で設計されたバブルには、HildaKozáriの個人的な記憶と3つの都市の経験が嗅覚と視覚の形式で含まれています。 このインスタレーションでは、ビデオの画像は空気のように透明で、彼女の記憶の写真のように曖昧であり、観客が独自の解釈をするためのスペースを残しています。 都市景観の正確な定義は、さまざまな記憶を思い起こさせる匂いの感覚によって与えられます。 都市の匂いは、海、風、公園、建物、ゴミだけでなく、人々、生活環境、そして記憶に関連する感情的、文化的、産業的な生活にも関係しています。 個人的な香水のように、街の匂いは匂いのバランスに強く依存します。

Катарина Фрич
卡塔琳娜弗里奇
קתרינה פריטש
カタリーナフリッチュ

Katharina Fritschは、1993年に米国のDia Center for theArtsで初めて個展を開催しました。 そこで彼女はラッテンケーニッヒ（ラット王）をデビューさせました。彼女の作品は、高さ12フィートの黒い齧歯動物が円を描くように外側を向き、見る人の上にそびえ立ち、尻尾が巨大な結び目で結ばれています。 すべてのフリッチの作品と同様に、ラッテンケーニッヒは同時に魅惑的で不安を感じさせます。 彼女はしばしば、スケールと色の繰り返しと操作を通じて、クォーティディアンオブジェクトや普通に見える人物を新しくて奇妙なものに変えます。 彼女の彫刻は、時間のかかるプロセスの結果です。作品は通常、手で成形され、石膏で鋳造され、再加工されてから、ポリエステルで再び鋳造されます。

Rosas

ロサスは、振付師でダンサーのアンヌテレサデケアスメーカーを中心に構築されたダンスアンサンブルとプロダクションの構造です。彼女は1982年にデビューしたFase、スティーブ・ライヒの音楽への4つの動きで、すぐに国際的なダンスシーンの注目を集めました。過去27年間、彼女はダンスカンパニーとともに、印象的な一連の振り付け作品を作成してきました。ロサスのダンスは、時間と空間の動きを伴う純粋な文章です。その中心にあるのは、動きと音楽の関係です。いくつかの作品では、ダンスとテキストの関係も調べられます。 （続きを読む） ロサスは、ダンサーの恒久的なアンサンブルを持つ数少ない会社の1つです。 Anne Teresa De Keersmaekerは、プロジェクト指向を超越した組織モデルを決定的に選択し、個々のダンサーとの集中的な作業を継続できるようにしました。同社の主要な作品では、アンサンブル全体がステージに登場します。さらに、DeKeersmaeker自身が踊る小規模な作品もあります。ロサスは、新しい作品を制作する一方で、30年の期間をカバーする蓄積されたレパートリーも実行し続けます。このようにして、独自の芸術的過去を新世代のダンサーや観客に引き継ぐことができます。

丹尼尔·罗津
Даниэль Розин
Angles Mirror
「AnglesMirror」は、相対的な明るさと暗さに基づいて絵を描くという考えを拒否します。代わりに、オブジェクトの輪郭の方向を示す線形回転システムを探索します。壁に取り付けられた彫刻である「AnglesMirror」は、回転する黄色のインジケーターアームが点在する、鋭い三角形の鋼のブロックです。アイソメトリックグリッドに基づいて、その構造は正三角形に見られるパターンと角度を優先します。明るさや明るさを変更する機能を持たない腕は、カメラからの入力を使用して、さまざまな角度の領域でビューを再構築します。視聴者を取り巻くネガティブスペースは、画面上の水平線に変換されます。写実的な画像を作成するのではなく、人物の3次元の動きを表現し、彫刻への視聴者の近さが変化するにつれてオプティカルフローを視覚化します。視聴者が前後に移動すると、微妙な輪郭が生じ、空間の構造がどのように認識されるかが変わります。 「ファンミラー」と同様に、「アングルミラー」では、画面を横切る一連の動きは、その観客によって部分的に指示されます。視聴者が作品から離れたり、彫刻を遠くから見ることを選択した場合、一連の事前定義された画像とトランジションがオブジェクトの表面を覆います。

Liszt
20世紀初頭で、3人の子供が家族写真のポーズをとっています。子供たちはエルサレムのキリスト教移民の植民地の若い開拓者です。写真家のその後の介入は、彼らの当惑した顔にその時代の写真の偽色を追加しました。色合いとクッキーやホットミルクの匂い、磁器人形、長い海の旅、ほこりっぽい古い本、そして人工的な「無垢」の組み合わせ。これは、私の顔の下部が子供たちの顔の下部に置き換わるデジタルトランスフォーメーションの出発点であり、時間と意味の逆転で、別の種類の物語が来るにつれて、非時間と非意味で結晶化されます写真が撮られた独特の状況にそれ自体を重ね合わせて、その比喩的な重要性を探す光。このようにして、3人の子供は家族写真の永遠の枕に閉じ込められた3人の人間の原型になります。それは強制的な聖体拝領であり、相互の焦りと言葉の暴力の増加につながり、言葉に重なり、あらゆる種類の相互作用を防ぎます。コミュニケーション不能の感覚は、インターネット上で見つかったフレーズの断片をマッシュアップで並置することによって得られます。マッシュアップは、聞いていない単語が、意識的かどうかにかかわらず、純粋な状態での暴力であるかを明らかにする現代の無意味な対話に解き放たれます。したがって、この写真に隠された宇宙、これらの古代の開拓者による失われた無実の探求の家族アルバムの人間の夢と幻想の叙事詩は、歴史を通して極端な結果をもたらした暴力の形に変換されます。自分の言葉しかないときは、口が武器になります。それにもかかわらず、私がこれらの3人の知らない祖先を通して世界に委託するという希望の一種のメッセージで、聞くための招待は最終的に回復します。

Тобиас Ребергер
‘nothing happens for a reason’

Tobias Rehbergerは、彼のインスタレーションで空間の知覚を巧みに操っています。理由は何も起こりません。 フィンランドのモダン家具メーカーとの2回目のコラボレーションでは、ArtekはLogomoCaféを作品の舞台として使用しています。 今回、レーバーガーはヴェネツィアビエンナーレのコンセプトを再検討し、同じくアルテックと共同で、エスポジツィオーニ宮の常設インスタレーションで最優秀アーティストのゴールデンライオンを獲得しました。 白い背景の黒い線がカフェの表面（床、壁、椅子）を蛇行しています。 カウンターや一部のテーブルでミラーを使用すると、オブジェクトが失われたように見える場所に作成された目の錯覚を反映および強化するスペースが複製されます。

Cold Pin
Eli Keszlerによるコールドピンは、スタンドアロン構造としても、アンサンブルピースの一部としても機能するように設計されたインスタレーションです。
2012年ガウデアムス賞の作品の1つにノミネートされました。インスタレーションは、2012年ガウデアムスムジークウィーク中に見たり聞いたりすることができます。9月2日から9日までオランダのユトレヒトで開催されます。

ニューヨークのアーティストSongK Kwakは、ダクトテープを唯一の表現素材（ほとんどの場合黒）として使用して感情を表現し、その言語は壁の彼女の体のジェスチャーに投影されます。キャリアとして、黒いマスキングテープは2Dと3Dの表面の間を自由に移動します。通常のテープの柔軟性とアクセスしやすさから、彼はストロークを身体の延長として指定します。このプロセスは、さまざまな視覚的および環境的空間を妨げられることなく流れる環境と統合する試みです。黒い線は、独特の建築とその周辺の間に生じる多くのエネルギーのダイナミズムを伝えています。韓国で生まれ、アーティスト、クワクとして教育を受けました。ニューヨークで勉強している間、彼は独自のフリーハンドマスキングテープ技術を開発し、階段、公共の建物のロビー、小さなアートギャラリー、建物のファサードなどの建築空間の表面に直接ペイントしました。彼は暴露します。彼のインスタレーションは、ドローイングと彫刻の中間にある空間と体験を生み出します。

Джанет Эчельман
アメリカ人アーティスト、ジャネット・エチェルマンの空中彫刻を紹介します。ジャネットは、伝統的なネット織り技術を使用して信じられないほどのインスタレーションを作成し、単純な糸のスプールを見事なピースに変換します。
彼女の美しい彫刻は通常、建物と柱の間に設置されます。これにより、アーティストは常夜灯の遊びでオーロラに似せようとします。明るい彫刻は世界中にあり、空に色を加えています。その部品は、100％発泡PTFEから製造されたハイテクスレッドであるテナラで作られているため、従来のテフロンスレッドの2〜3倍の強度があり、屋外で使用するために設計された繊維であり、腐敗やカビに強い紫外線の影響を受けません。結ばれた後、亜鉛メッキされたスチールリングに結び付けられ、ロープで宇宙空間に吊り下げられます。
単一の結び目を結ぶ前に、設計ソフトウェアを使用して、重力の影響、その構造の対称性、およびその重量を測定します。

Рон Фрике
론 프릭
ロン·フリッケ
罗恩·弗里克
samsara
SAMSARAはサンスクリット語で「常に回転する人生の輪」を意味し、映画製作者が私たちの生活を貫くとらえどころのない相互接続の流れを探す出発点です。 ほぼ5年間、25か国で撮影されたSAMSARAは、私たちを神聖な場所、災害地帯、工業用地、そして自然の驚異に連れて行ってくれます。 SAMSARAは、対話や説明文を省くことで、伝統的なドキュメンタリーに対する私たちの期待を覆し、代わりに、古代から現代へと吹き込むイメージや音楽に触発された私たち自身の内面の解釈を奨励しています。