SASHA WALTZ

Heilig
Sacre ist Waltz’ kraftvolle Version von The Rite of Spring. Die Bühne ist verraucht und ein Kegel aus Steinen und Asche liegt im Mittelpunkt wie die Überreste eines Feuers. Paare dringen auf die Bühne ein und bilden zerlumpte Gruppen, die zerbrechen und sich neu formieren: entlang der Geschlechtergrenzen zerbrechen oder in unterschiedliche Teile zersplittern. Obwohl sie das Stück am Ende mit zu vielen Unterszenen überfrachtet – wirklich zu vielen Riten – ist Waltz großartig darin, die wilden Energien ihrer Tänzer gleichzeitig zu ordnen und zu entfesseln und die Bühne mit Bildern von Geburt, Sex und Tod, von wilder Konformität zu spießen und nackte Revolte.

RAFAEL LOZANO-HEMMER

Sphere Packing: Bach
“Sphere Packing: Bach” ist eine Kugel mit 3 m Durchmesser aus Aluminium und Holz, die eine Anordnung von 1.128 Lautsprechern trägt, von denen jeder eine andere Komposition von Johann Sebastian Bach spielt. Das Stück soll Bachs gesamtes musikalisches Schaffen in einer dichten Mehrkanalstruktur bündeln, die Besucher betreten können. Zu jedem gegebenen Zeitpunkt werden alle Kompositionen gleichzeitig abgespielt und erzeugen eine polyvokale und komplexe Klangumgebung, die sich auf das Zentrum der Kugel konzentriert; von Zeit zu Zeit werden die Lautsprecher nach und nach in Wellen stummgeschaltet, um einen Lautsprecher hervorzuheben, der eine einzelne Komposition spielt.

Mattias Härenstam

Ich arbeite mit mehreren verschiedenen Medien, normalerweise mehr oder weniger gleichzeitig. Skulptur, Installation, Video- / Filmarbeiten und Holzschnitte. Der Ausgangspunkt für meine Arbeit ist immer die persönliche Erfahrung und das tatsächliche physische Material, mit dem ich arbeite. Ein wiederkehrendes Thema ist der Wunsch nach Kontrolle und das Interesse an den Situationen, in denen es zusammenbricht. Das „Aufrechterhalten des Aussehens um jeden Preis“, die tatsächlichen Kosten dafür und die Momente oder Situationen, in denen die Kontrolle verloren geht und das Chaos unter den Oberflächen. Dahinter liegt die Angst vor dem Scheitern und der anschließende Fall in einen undefinierten Abgrund. Für mich ist das nicht nur ein psychologischer oder existenzieller Zustand, sondern ebenso ein politischer Zustand. Die Skulpturen beziehen sich auf ähnliche Ideen rund um Kontrolle / Chaos, Oberfläche / was darunter liegt, lebendig / tot usw. Aber es geht auch darum, etwas wiederzugewinnen. Für mich sind sie Versuche, das Leben aus dem Reich der Toten zurückzubringen, wie animistische Anrufungen und ein Weg, eine zunehmend entmystifizierte Welt wieder zu verzaubern. data-text=”Ich arbeite mit mehreren verschiedenen Medien, normalerweise mehr oder weniger gleichzeitig. Skulptur, Installation, Video- / Filmarbeiten und Holzschnitte. Der Ausgangspunkt für meine Arbeit ist immer die persönliche Erfahrung und das tatsächliche physische Material, mit dem ich arbeite. Ein wiederkehrendes Thema ist der Wunsch nach Kontrolle und das Interesse an den Situationen, in denen es zusammenbricht. Das „Aufrechterhalten des Aussehens um jeden Preis“, die tatsächlichen Kosten dafür und die Momente oder Situationen, in denen die Kontrolle verloren geht und das Chaos unter den Oberflächen. Dahinter liegt die Angst vor dem Scheitern und der anschließende Fall in einen undefinierten Abgrund. Für mich ist das nicht nur ein psychologischer oder existenzieller Zustand, sondern ebenso ein politischer Zustand. Die Skulpturen beziehen sich auf ähnliche Ideen rund um Kontrolle / Chaos, Oberfläche / was darunter liegt, lebendig / tot usw. Aber es geht auch darum, etwas wiederzugewinnen. Für mich sind sie Versuche, das Leben aus dem Reich der Toten zurückzubringen, wie animistische Anrufungen und ein Weg, eine zunehmend entmystifizierte Welt wieder zu verzaubern.” Ich arbeite mit mehreren verschiedenen Medien, normalerweise mehr oder weniger gleichzeitig. Skulptur, Installation, Video- / Filmarbeiten und Holzschnitte. Der Ausgangspunkt für meine Arbeit ist immer die persönliche Erfahrung und das tatsächliche physische Material, mit dem ich arbeite. Ein wiederkehrendes Thema ist der Wunsch nach Kontrolle und das Interesse an den Situationen, in denen es zusammenbricht. Das „Aufrechterhalten des Aussehens um jeden Preis“, die tatsächlichen Kosten dafür und die Momente oder Situationen, in denen die Kontrolle verloren geht und das Chaos unter den Oberflächen. Dahinter liegt die Angst vor dem Scheitern und der anschließende Fall in einen undefinierten Abgrund. Für mich ist das nicht nur ein psychologischer oder existenzieller Zustand, sondern ebenso ein politischer Zustand. Die Skulpturen beziehen sich auf ähnliche Ideen rund um Kontrolle / Chaos, Oberfläche / was darunter liegt, lebendig / tot usw. Aber es geht auch darum, etwas wiederzugewinnen. Für mich sind sie Versuche, das Leben aus dem Reich der Toten zurückzubringen, wie animistische Anrufungen und ein Weg, eine zunehmend entmystifizierte Welt wieder zu verzaubern.”

JAMES AUGER AND JIMMY LOIZEAU

Das isophon
Das Isophon ist im Wesentlichen ein Telekommunikationsgerät, das einen Dienst bereitstellt, der einfach als ein Treffen des Telefons und des Schwebetanks beschrieben werden kann.
Der Benutzer trägt einen Helm, der jegliche periphere sensorische Ablenkung ausschließt und gleichzeitig den Kopf über der Wasseroberfläche hält. Das Wasser wird auf Körpertemperatur erwärmt, wodurch die physischen Grenzen des Körpers des Benutzers verwischt werden. Das Schweben auf diese Weise befreit bis zu 90% der Arbeitsbelastung des Gehirns, die normalerweise mit der Berechnung der Schwerkraft verbunden ist. In Kombination wird ein Raum geschaffen, um eine reine, ablenkungsfreie Umgebung für das Telefonieren bereitzustellen. Noch vor ein paar Jahrzehnten war die Telefonzelle unser primäres Telekommunikationsmittel. Dies bietet im Wesentlichen einen kontextneutralen Raum für Ferngespräche. Das Betreten einer Telefonzelle bedeutet effektiv, dass alle anderen Aktivitäten eingestellt werden, sodass sich der Einzelne ausschließlich auf das Gespräch konzentrieren kann. Hier berücksichtigt der Designer nicht nur die Kommunikationstechnologie, sondern auch den Raum, in dem sie genutzt wird. Die zunehmende Nutzung von Mobiltelefonen hat jedoch dazu geführt, dass die Telekommunikation eher effizient als qualitativ praktiziert wird. Das Mobiltelefon dekontextualisiert die Konversation. Es extrahiert Gespräche aus einem bestimmten sozialen Kontext und bietet dem Benutzer die Freiheit, unabhängig von der Eignung aus praktisch jeder sozialen Situation zu kommunizieren. Es liegt in der Sensibilität und Diskretion des Benutzers, zu entscheiden, ob seine Umstände für die Kommunikation geeignet sind. Das Isophone versucht, dieses Ungleichgewicht zu beseitigen, indem es einen Raum bereitstellt, der ausschließlich der Telekommunikation gewidmet ist. Das Iso-Phone widerspricht dem Mainstream-Design und tauscht zeitgemäße Beschäftigung mit effizienten, allgegenwärtigen und multifunktionalen Produkten gegen Qualität und Tiefe eines einzigartigen Erlebnisses aus, das ein vollständiges Eintauchen in die Telekommunikationsmedien erfordert.

STAN DOUGLAS

Doppelgänger
Wenn ein Raumschiff seine Reise antritt, wird gleichzeitig ein anderes in einer parallelen Realität gestartet. Alice, eine einsame Astronautin, wird auf einen fernen Planeten teleportiert, ebenso wie ihr Doppelgänger. Als Alice und ihr Schiff zurückkehren, geht sie davon aus, dass ihre Mission gescheitert ist und sie irgendwie nach Hause zurückgekehrt ist. Aber sie ist tatsächlich in einer Welt angekommen, in der alles das Gegenteil von dem ist, was sie einst wusste. Doppelgänger präsentiert ein nuanciertes und vielschichtiges Gleichnis, das den schlüpfrigen Begriff der objektiven Wahrheit und die Position des “Anderen” in der heutigen Gesellschaft kraftvoll anspricht.

EMILIJA ŠKARNULYTĖ

Spiegelsache
In dem in Mirror Matter gerenderten Neutrino-Observatorium vermittelt eine langsame Schwenkbewegung ein Gefühl für die Unermesslichkeit der fast 13.000 Fotovervielfacher, die in diesem seltsamen Schiff leben – ihre “Augen“ sind so konstruiert, dass sie Licht beobachten. Ein anderer Rahmen zeigt den Hadron Collider am CERN; Die Architektur wurde durch Lidar-Scans ins Auge gefasst und erzeugt einen dynamischen, transparenten Abdruck in drei Dimensionen. Als eine Vision beschrieben, die durch den Körper fließt, wird sie von Škarnulytė als “fremde archäologische Vision” mit der Fähigkeit zum Durchschauen und als die Erfahrung des Sehens vorgestellt, die am weitesten vom menschlichen Bereich entfernt ist. Durch gleichzeitige Perspektiven, die ständige Vermessungsbewegung, die einen kontinuierlichen Faden durch jede Videoerzählung zieht, und das Eintauchen durch die reflektierende schwarze Decke wird dem Betrachter diese panoptische Wahrnehmungsart vermittelt.

HELEN SOBIRALSKI

Хелен Собиральски
Jedes Jahr zeichnet der BFF Bund Freischaffender Foto-Designer die besten Abschlussarbeiten an deutschen Hochschulen in der Fotografie aus. Die hochdotierte Auszeichnung stellt einen der wichtigsten Förderpreise für junge Hochschulabsolventen dar. Der 24. BFF-Förderpreis ging in diesem Jahr an Helen Sobiralski und Ihre Arbeit Cockaignesque. Ihre Inszenierung erzählt von einer paradiesischen Welt, die von Opulenz, Überfluss und gleichzeitig Vergänglichkeit geprägt ist. Sie wurde zusätzlich als „Best of the Best“ mit dem Reinhart-Wolf-Preis ausgezeichnet. Die gesamte Serie entstand im Studio der FH Dortmund unter Verwendung von broncolor Licht. Helen Sobiralski gab uns in einem Interview einen kleinen Einblick in Ihre Arbeit Cockaignesque und Ihre Erfahrungen mit broncolor Lichtequipment.

ANAISA FRANCO

Wave of Rainbow

Wave of Rainbow ist ein interaktives öffentliches Kunstwerk für die vierte internationale Ausstellung für einladende Westlake-Skulpturen in Hangzhou, China. Wenn jemand den Korridor betritt, aktivieren Sensoren die Luftpumpen und alle Röhren beginnen zu sprudeln. Es besteht aus 28 mit Wasser gefüllten Acrylrohren, 2 Luftpumpen, Sensoren und 7 LED-Farben. Das Konzept in den vorgeschlagenen Projekten besteht darin, der Reise beim Besuch des Parks Fantasie hinzuzufügen und ihn zu einer phantasievollen Erfahrung zu machen. Um dies zu erreichen, verwenden die Kunstwerke Technologie, um auf fröhliche und metaphorische Weise Gefühle der Akzeptanz, Zugehörigkeit und Selbststammung hervorzurufen. Eine farbenfrohe Ovation für einen Besucher, der über einen Pfad geht, ein Korridor voller Wasserblasen und Lichter, der das Gefühl erzeugt, sich in einer Regenbogenwelle zu befinden. Dies ist nur ein Mittel, um sehr tiefe Emotionen auszulösen und den Besuch des Parks zu einem reichhaltigen Erlebnis zu machen. Die Kunstwerke sollten auch die Möglichkeit der Harmonie zwischen Technologie und Natur fördern. Um dies zu erreichen, konkurrieren Konstruktion und Gesamtdesign nicht mit der Umwelt, im Gegenteil, sie sind eher Orte, die entdeckt werden müssen. Das Besuchererlebnis soll unverwechselbar sein und gleichzeitig die visuelle Atmosphäre und die Parkatmosphäre bewahren.

KLAUS PINTER

Einführung in die kontextbezogene Praxis
Der österreichische Künstler Klaus Pinter erkundet mit seinen fantastischen schwimmenden Installationen das Potenzial des Raumes um uns herum. Normalerweise in der Luft schwebend, sind seine riesigen Kunstwerke gleichzeitig leicht, flüssig, weich und mechanisch. Sie sind auch unglaublich bizarr und bestehen aus einer Kombination verschiedener Texturen und aufblasbaren Materialien wie Kunststoff und Nylon. Viele, die seine Werke sehen, beschreiben sie als merkwürdige Flugmaschinen und engelhafte Kokons und sprechen von der Fähigkeit des Künstlers, unsere Wahrnehmung zu verändern, selbst von der Art und Weise, wie wir berühmte Wahrzeichen vom Pantheon in Rom bis zur Seine-Wasserstraße in Paris sehen. Für seine 2002 im Pantheon ausgestellte Installation mit dem Titel „Rebounds“ rollte der Künstler zwei riesige Kugeln in das extravagante antike römische Gebäude, in dem seine Arbeiten Kunst mit Geschichte und Kultur kollidierten. Eine Kugel wurde auf den Boden gelegt und eine andere so montiert, dass sie im Chor zu schweben schien, wo die Reflexion des Gebäudes so verzerrt wie ein M.C. Escher Zeichnung. Diese Platzierung war eine Entscheidung des Künstlers in Bezug auf die Ideologie des Philosophen Platon, der über die Natur der physischen Welt und der Menschen spekulierte. In seiner Biografie teilt Pinter mit, dass der Erfinder in ihm vom Beginn seiner ersten „pneumatischen“ Strukturen an vom Dichter inspiriert, wenn nicht sogar assimiliert wurde. Und während seiner gesamten Karriere hat er in diesem Sinne mit Beständigkeit und Genauigkeit in Formen weitergearbeitet, die ständig erneuert werden.

HDA PARIS

Lock

„Diese Einheiten wurden dann auf dem Gelände angeordnet und in Wohnräume sowie Verkehrs- und öffentliche Räume im Erdgeschoss unterteilt. Die Art und Weise, wie die ursprünglichen räumlichen Einheiten ineinander greifen, schafft Außenräume, die sich in die Masse des Gebäudes einwickeln und die Zirkulation von Licht und Luft tief in Innenräume ermöglichen. Kleinere, wirtschaftlichere Apartments und Luxusapartments existieren gleichzeitig im Gebäude und teilen sich viele öffentliche Annehmlichkeiten wie die Balkonbereiche. Aufgrund seiner Lage neben der High Line und der oben genannten öffentlichen Balkonbereiche befasst sich das Projekt auch mit Aspekten des Exhibitionismus und Methoden zur Schaffung von Privatsphäre. “

ALAN RATH

آلان راث
Watcher VIII
Alan Rath erkundet die Schnittstelle von Kunst und Technologie und macht Elektronik mit seinen elektrischen, kinetischen und Roboterskulpturen zu einer Kunstform. Wall Throbber (1998) zum Beispiel ist ein Gerät aus Aluminium, Elektronik, einem Lautsprecher und Leuchten, bei dem eine rote Kugel sanft abprallt. Neuere Arbeiten enthalten digitale Medien wie bewegte Bilder auf eine Weise, die die Technologie humanisiert. In Watcher VII (2011) zeigen zwei Bildschirme Nahaufnahmen ausdrucksstarker menschlicher Augen, die aus beiden Seiten einer anthropomorphen Weißmetallstruktur herausragen. Er verleiht diesen Skulpturen lebensechte Qualitäten und geht davon aus, dass Menschen menschliche Qualitäten auf Aufforderung auf Maschinen projizieren und sie sogar als Persönlichkeiten wahrnehmen. Die Arbeit zelebriert das Potenzial der Technologie für das Gute und spielt gleichzeitig auf die Gefahren an, die unter der Oberfläche lauern.

Alex Da Corte and Sean Fitzgerald

“Körper ohne Organe”
“Körper ohne Organe” ist eine Installation, die die materialbasierten Gemälde von Sean Robert Fitzgerald neben der spielerischen unkonventionellen Skulptur von Alex Da Corte zeigt. Zusammen ist die Arbeit spielerisch, aber die kombinierten Farben und Materialien schaffen eine unheimliche traumhafte Umgebung. Wir konnten mit Sean sprechen und einen Einblick in die Zusammenarbeit bei der Show bekommen, während wir gleichzeitig einen Galerieraum betrieben und Shows kuratierten. Nach unserem Interview wunderten wir uns oben in den Atelierräumen, in denen sich Seans eigenes Studio befindet.

Sasha Waltz

insideout
Mit „insideout“ verwirklicht die deutsche Choreografin Sasha Waltz ihren lang gehegten Traum (ein Großprojekt), eine Produktion zu machen, die den Zuschauern uneingeschränkte Bewegungsfreiheit bietet. Unzählige Aktionen in Tanz, Musik und Bild finden gleichzeitig und auf verschiedenen Ebenen statt. Es liegt an den einzelnen Zuschauern, ihren eigenen Kurs zu bestimmen. Ein sehr unterhaltsames und aufregendes Abenteuer vor Ort! Jede Szene erzählt eine bewegende Geschichte, manchmal lustig und grotesk, manchmal autobiografisch. Der Choreograf ging wie immer von einer intensiven Sozialforschung aus. Dieses Mal führte sie Interviews mit ihren eigenen Tänzern und fragte sie nach ihren verborgenen Geschichten, nach ihren Familien und Hintergründen. Die Produktion bietet ein Kaleidoskop von Lebensgeschichten, Emotionen und Erinnerungen. Die Originalkomposition von Rebecca Saunders wird live von musikFabrik, dem renommierten deutschen Ensemble für zeitgenössische Musik, aufgeführt.

MOON HOON

문훈발전소
conan house
Der südkoreanische Architekt Moon Hoon hat dieses wirklich verspielte Haus namens Conan Residence geschaffen. Jedes Detail, das in einer konventionellen Struktur eines Hauses besteht, wurde von koreanischen Architekten komplett überarbeitet, damit dieses Haus Spaß macht. Die Fassade und alle Details dieses Hauses sind verspielt. Die Vorderseite könnte an die Form einer stilisierten Schnecke erinnern, während der rote dreieckige Eingang Sie gleichzeitig in ein entspannendes Zuhause und ein Spielzimmer einlädt.

LITTLE WARSAW

installation in grafenegg schlosspark

Balance Capsule

Für den Schlosspark von Grafenegg wurde eine Skulptur realisiert, die den Begriff des Parks kritisch untersucht: als gestaltete Landschaft, als Raum des Außergewöhnlichen, der Entdeckungen und Überraschungen, der inszenierten Blicke – gleichzeitig Themenpark und Museum. Die Telefonzelle stammt aus Westberlin, und der Titel der Arbei, “Balance Capsule”, gibt einen Hinweis auf die komplexen Zusammenhänge von internationaler Diplomatie, Modernismus, Raumfahrt und Telekommunikation. Die gelbe Zelle mit den abgerundeten Kanten, ein Modell aus den Siebzigerjahren und den österreichischen Telefonzellen jener Zeit sehr ähnlich, ist ein vertrautes Element des modernen öffentlichen Raumes, doch auf der hohen weißen Pyramide unerreichbar. Ein Grabmal oder Monument, ägyptische Kultur, durch westliche Kunst- und Kulturgeschichte gefiltert: Hier kommen Minimal Art, Romantizismus, Musealisierung, politische Skulptur, Messebau und Appropriation zusammen und sorgen für produktive Missverständnisse.

THOMPSON HARRELL

The Color Project

MPC New York und ich wurden eingeladen, ein generatives Kunstwerk für den hochkarätigen Start des Media Centers beizusteuern. ‘The Color Project’ ist Teil eines fortlaufenden F & E-Konzepts, das von mir und MPC Digital entwickelt wurde. Das Startstück bleibt als eine von fünf permanenten Installationen im Zentrum zu sehen. Das Made in NY Media Center von IFP bringt Innovatoren aus verschiedenen Kreativbranchen und aus allen Regionen zusammen widmet sich der Definition und Förderung der Zukunft des digitalen Geschichtenerzählens. Der Raum befähigt Künstler, indem er sie mit Ressourcen und Publikum verbindet, um ihre Kunst weiterzuentwickeln. Das Farbprojekt konzentriert sich auf die Erforschung von Erzählungen anhand von Farben, Linien und Formen, die in geografischen Satellitenbildern zu finden sind. Diese Implementierung des Projekts hebt die Schauplätze vieler Filme hervor, die von IFP verfochten wurden. Die formalen Motive jedes Filmortes werden in Form eines Rasters von 162 Globen untersucht. In wunderschöner Synchronizität taucht jede Ansicht zuerst aus dem Weltraum auf und bleibt bei einer einzelnen Farbe in der Landschaft stehen, wodurch ein ortsspezifisches Mosaik entsteht. Das Stück springt von einem Ort zum nächsten und zeigt den Charakter von Bogotá, Kolumbien (Maria voller Anmut), Cleveland, New York City, Florida (Fremder als das Paradies), Vietnam und Virginia (Der gefährlichste Mann in Amerika: Daniel Ellsberg) und die Pentagon Papers), während sie gleichzeitig auf den Kontrast zwischen den Standorten aufmerksam machen. Das Stück verwendet Google Earth und eine benutzerdefinierte Software zeichnet programmgesteuert die geografischen Merkmale jedes Standorts auf, die auf einer beeindruckenden Wand aus 27 HD-Bildschirmen dargestellt werden.

LEBBEUS WOODS

ЛЕББЕУС ВУДС
レベウス・ウッズ

Kiki Smith

Firmament

Lichtkunst und Kunstbeleuchtung sind vollständig in eine Galerieinstallation mit dem Architekten Lebbeus Woods und der Künstlerin Kiki Smith integriert. Im Mittelpunkt der Show steht ein Schwad strahlender Overhead-Bilder, der die einzige Beleuchtung des Raums bietet. Die integrierte Beleuchtung des Stücks erzeugt ein subtiles leuchtend dunkelblaues Objekt, das im Raum zu schweben scheint, und bietet gleichzeitig genügend Licht, um die Navigation des Betrachters zu unterstützen. Die angrenzenden Räume haben das gleiche niedrige blaue Leuchten und Kunstwerke, die mit „Mondlicht“ hervorgehoben werden.

LEBBEUS WOODS

Леббеус Вудс
レベウス・ウッズ
RADICAL RECONSTRUCTION

Woods’ Entwürfe sind bekannt für ihre destruktiven, verstörenden Momente. Zur Ausführung gelangten die wenigsten – gleichwohl inspirierten seine radikalen Ideen nicht nur andere Architekten, sondern auch Filmemacher: Er war zu großen Teilen für das Design von Alien 3 verantwortlich. Die Produzenten von 12 Monkeys verklagte er erfolgreich, weil sie ohne sein Wissen eine seiner Zeichnungen als Filmset adaptiert hatten. Viele Werke erinnern an Science-Fiction, gleichzeitig thematisieren sie aber auch die Vergangenheit. Die visuelle Spannung, die im Nebeneinander von Konstruktion und Zerfall gründet, erinnert nicht zufällig an die Zeichnungen Piranesis.In Woods’ Visionen sind das Gewaltmoment und das Motiv des Krieges allgegenwärtig: Er zeichnet ein San Francisco, in dem sich nach einem Erdbeben, und ein Sarajevo, in dem sich nach dem Krieg Spuren der Zerstörung und der Wiederauferstehung verbinden; auch sieht man ein Manhattan, dessen Südspitze von riesigen Dämmen gegen die Wasser des Hudson und des East Rivers abgeschirmt wird.„Ein Architekt ist in meinen Augen ein Entwerfer des Lebens“, zitiert die Wiener Tageszeitung Der Standard aus einem Interview mit Woods. „Schmerz und Gewalt sind Teil des Lebens, insofern darf man diesen Aspekt nicht ausblenden.“ Woods starb an dem Tag, als Wirbelsturm Sandy über New York hereinbrach.

CHRISTIAN MARCLAY

guitar drag

Während seiner Residenz begann Marclay auch mit Guitar Drag, einem 14-minütigen Video, das einen Pickup zeigt, der eine verstärkte E-Gitarre, die mit einem Seil über eine Straße in Texas gebunden ist, zu ihrer aggressiven Zerstörung schleppt. Die vielschichtige Videoarbeit verweist auf die Praxis, Gitarren während Rockkonzerten zu zerschlagen, und zeigt Marclays Interesse an der Erfindung neuer Klangarten. Das Stück entstand auch als Reaktion auf den Mord an dem 49-jährigen James Byrd Jr. aus Jasper, Texas, durch drei weiße Supremacisten im Jahr 1998 und die weit verbreiteten Auswirkungen der Tragödie. Um Hassgewalt zu bekämpfen, unterzeichnete Präsident Barack Obama 2009 das in ihren jeweiligen Erinnerungen genannte Gesetz zur Verhütung von Hassverbrechen von Matthew Shepard und James Byrd Jr. Guitar Drag schwingt nicht nur mit unseren akustischen und visuellen Sinnen mit, sondern untersucht gleichzeitig mehrere Ebenen von Geschichte, Rasse, Geographie und aktuellen sozialen Themen.

CARSTEN NICOLAI

卡斯滕·尼古拉
קרסטן ניקולאי
カールステン·ニコライ
Pionier

Der Installationskünstler produziert oft Musik unter dem Namen Alva Noto und leitet mit seinem Freund Olaf Bender das Label Raster-Norton. Die Projekte des Teams experimentieren mit der Verschmelzung von Klang, Kunst und Design. Nicolais Arbeit umfasst die Spannung, die Unfällen innewohnt. In unserem Videoprofil des Schöpfers (oben) erklärt er, dass Störungen seine Daten häufig auf frische und aufregende Weise beschädigen. “Defekte Elemente werden als Grundlage für Musik verwendet”, sagt Nicolai. “Sie haben keine Kontrolle darüber, was passiert. Natürlich läuft etwas schief, aber es ist wirklich aufregend. ” Und bei seinen Erkundungen von Klängen und Bildern arbeitet Nicolai daran, einige unfaire Annahmen zu zerstören, die sein Publikum möglicherweise hat. “Die Vorstellung, dass elektronische Musik kalt ist und keine Emotionen aufweist, hat mit den Gewohnheiten der Menschen in Bezug auf Musik zu tun.” Nicolai ist sich bewusst, dass einige seiner Projekte diese unfaire Konzeption widerlegt haben – nämlich seine Zusammenarbeit mit Ryuichi Sakamoto, in der „starke emotionale Situationen geschaffen wurden“. Die Pionier I-Ausstellung von Carsten Nicolai kommt am kommenden Freitag, dem 23. September, in die Pace Gallery in New York City. Die Installation zeigt die Expansion und Kontraktion eines Fallschirms aus weißer Seide. Nicolai ist fasziniert von Widersprüchen. „Wir Menschen versuchen immer mehr, Maschinen zum Denken zu befähigen, aber gleichzeitig versuchen wir, immer mehr Mechaniker zu werden. In gewisser Weise ist es fantastisch, dass wir uns permanent dieser Polarität und diesem Konflikt aussetzen. “