RICHARD QUINN

Moncler Genie Herbst 2020
Seit seiner Gründung hat das Moncler-Genie-Projekt Designer aus verschiedenen Kulturen gebeten, Kapselkollektionen zu kreieren, die von der legendären Moncler-Pufferjacke inspiriert sind. Der in London lebende Designer Richard Quinn besuchte für seine Kollektion den Retro-Futurismus der sechziger Jahre. Mit klaren Einflüssen wie Stanley Kubricks 2001: A Space Odyssey und Twiggy verbindet die Kollektion perfekt Maximalismus, kräftige Farben und Couture-Formen. Natürlich wurden Quinns Blumendrucke – Teil seiner Design-DNA – nicht zurückgelassen.

shiro takatani

高谷史郎
史郎の高谷
ST\LL

Die Wassermatrix (Matrice liquide 3D, auf Französisch) ist eine Robotermaschine, die in Echtzeit Wasserskulpturen erstellt und eine kontinuierliche Entwicklung von Formen und Bildern zum Leben erweckt. Diese Installation schafft vergängliche Skulpturen, die der Betrachter in ständiger Beobachtung und Überraschung festhält, fast eine Metapher des berühmten Flusses Heraklit, in dem „alles fließt, alles sich ändert, nichts übrig bleibt. Tore. Die Idee der 3D-Flüssigmatrix wurde 2001 bei einem Besuch in Lille, der Kulturhauptstadt Europas, geboren, wo Shiro Takatani einen Roboterbrunnenschreiber projizierte, der seine Botschaften übermitteln sollte, indem er eine Reihe flüssiger Buchstaben auf den Teich fallen ließ. Leider existierte die Technologie noch nicht und er musste warten, um einen zuverlässigen technischen Partner mit umfassender Erfahrung im Bau digitaler Wasservorhänge als Lumiartecnia Internacional zu finden. Zwei renommierte Digitalkünstler haben während der Roboterkunstausstellung die Kunstwerke für die Wassermatrix entwickelt: Shiro Takatani und Christian Partos. Shiro Takatanis Kunstwerk schafft eine räumliche Erfahrung, die mehrere Schichten paralleler Tröpfchen erzeugt, die auf magische Weise in der Luft zu schweben scheinen, und für Momente, in denen sie sich aus dem Teich erheben und wieder fallen, in sich unmöglich entwickelnden Kreationen, die der Schwerkraft zu trotzen scheinen. Christian Partos Kunstwerk schafft Sequenzen von Wasserskulpturen, die die Fähigkeit der Wassermatrix zeigen, sofort vergängliche Wasserformen zu erzeugen, die im Teich unten verschwinden, um eine neue zu gebären, und auf diese Weise ein konstant fließendes Video von 3D-Skulpturen zu erstellen, als ob sie es wären waren Fotogramme aus einem Film.

HC GILJE

En transit
Deux faisceaux de lumière rapides traversent une pièce, créant des ombres infinies sur une série de cadres blancs flottants. Il s’agit d’In Transit X, une installation sombre et basée sur une pièce qui fait allusion à un vide sans fin. Les effets vertigineux d’In Transit X placent le spectateur dans un espace artificiel monochromatique. L’installation lumineuse animée de 15 mètres de large de l’artiste Hc Gilje a été réalisée à l’origine pour les Wood Street Galleries de Pittsburgh en 2012 et a récemment été exposée le mois dernier au Kulturkirken Jakob à Oslo. En utilisant des cadres en forme de blocs et de la lumière comme supports, Gilje crée des dimensions visuelles dynamiques qui se prêtent à une expérience noirâtre fascinante.

JONATHAN MONAGHAN

Höhle der Wölfe
Den of Wolves ist eine Videoinstallation, die auf einer Reihe von Referenzen basiert, um eine neue vielschichtige Mythologie zu weben. Die Arbeit folgt drei bizarren Wölfen durch eine Reihe von zunehmend surrealen Einzelhandelsgeschäften, die nach den Insignien eines Monarchen suchen. Die Arbeit besteht aus einer kontinuierlichen Kameraaufnahme und ist eine eindringliche, traumhafte Reise, die Verbindungen zwischen Populärkultur, institutioneller Autorität und technologischer Überabhängigkeit herstellt.

ALAN WARBURTON

Psychometrie
Die spätkapitalistische Netzwerkkultur ist besessen davon, die Leistung zu verbessern. TED-Sprecher sind Kultidole und teilen ihre Gebote für Erfolg und Produktivität. In sozialen Netzwerken werden unsere Freunde zu Marken, und Marken werden zu unseren Freunden. Selbsthilfebücher sind mit Geschäftsphilosophien austauschbar. Im Konferenzraum – und in den Wochenendbeilagen – lernen wir, uns selbst zu formen, konsequent zu sein und zu arbeiten. Entropie reduzieren. Maximieren Sie die Konsistenz. Werden Sie eine Branche von einem. Du bist ein Motor. Eines Tages wirst du wegfliegen.

Kaws

Erweiterter Urlaub
Erweiterter Urlaub demonstrierte das enorme Potenzial der AR-Technologie, die virtuelle Perspektiven auf reale Umgebungen bietet und den schelmischen Humor von KAWS durch das Nebeneinander von physischer und virtueller Welt vermittelt. Diese virtuellen Skulpturen waren über die Acute Art App zugänglich und konnten in Verbindung mit der exklusiven Ausstellung KAWS: Kameradschaft im Zeitalter der Einsamkeit des NGV, einer umfassenden Übersicht über 25 Jahre KAWS-Werk und seiner bislang größten Einzelumfrage, erlebt werden. Voller Humor, Hoffnung und Menschlichkeit zeigte die Ausstellung mehr als 100 Werke, darunter ikonische Gemälde, die Popkulturfiguren neuere großformatige, geschichtete Werke und eine beeindruckende Sammlung der berühmten Skulpturenfiguren von KAWS wiedergeben.

FUJIKO NAKAYA

中谷芙二子

fog sculptures
ok-offenens kulturhaus linz

In 1970 Nakaya created her first fog sculpture when commissioned by the group Experiments in Art and Technology (E.A.T) to make a work for the Pepsi Pavillion of the Osaka World Exposition. In creating a work of white mist enclosing the building, Nakaya became the first artist to have used fog as a sculptural medium. E.A.T is an organisation devoted to facilitating working relationships between artists and engineers. Nakaya worked with American engineer Thomas Mee to create the fog for her Osaka commission, the technique for which she has continued to use, with minor moderations, for her subsequent fog sculptures since.Whilst Nakaya has also worked in film and video, it is her use of fog for which she is best known. Nakaya has used pure-water fog to create installations, performances, stage-sets and environmental park designs, often collaborating with other artists or with performers, choreographers and composers. Nakaya’s interest in fog has developed from its relation to our visual sense. In a thick fog we become disorientated, frustrated at our inability to see. In this way, Nakaya’s sculptures activate our other senses, to compensate for our loss of sight.

THE MOST INCREDIBLE THING

NYC Ballet

Was auf den ersten Blick verspielt und poetisch erscheint, hat einen ernsten Hintergrund: Inspiriert vom Deutsch-Französischen Krieg von 1870 schildert Andersen in dem Märchen den Kampf zwischen Kultur und Aggressoren so eindringlich, dass dieses den Dänen im Zweiten Weltkrieg als Widerstandslektüre diente. Und auch heute noch ist diese Parabel aktuell: „Die ganze Geschichte handelt davon, wie die Kunst über Tyrannei oder Zerstörung triumphiert“, so Marcel Dzama. „Ich kannte sie vorher nicht und las sie genau in den Tagen, als Palmyra von der ISIS zerstört wurde. Dabei dachte ich ständig: „Oh, das passt genau in die Zeit.“

FRITZ KAHN

der mensch als industriepalast
Dr. Fritz Kahn war ein Berliner Arzt und Wissenschaftsautor, der Bau und Funktionsweise des Menschen mit spektakulär modernen Mensch-Maschine-Analogien veranschaulichte. Sein Hauptwerk, die fünfbändige Reihe „Das Leben des Menschen“ (1922–1931), galt in den zwanziger Jahren als ­deutsche Leistung von Weltrang. In den dreißiger Jahren wurde es verbrannt und verboten, erschien jedoch im selben Verlag als Plagiat mit antisemitischem Zusatzkapitel.Fritz Kahn, Jude und Humanist, wurde ausgewiesen und ließ sich in Palästina nieder, später zog er nach Frankreich. Mit Hilfe seines Freundes Albert Einstein entkam er seinen Verfolgern in die USA, wo er seine Karriere als Bestsellerautor erfolgreich fortsetzte. Nach Europa zurückgekehrt, starb Kahn 1968 nach einem außergewöhnlichen Leben und Werk fast 80-jährig in der Schweiz.In Deutschland geriet Fritz Kahn weitgehend in Vergessenheit, doch inzwischen zeigen tausende Links im Internet ein neu erwachtes Interesse an ihm, vor allem unter jungen Historikern und Gestaltern. Bis heute inspirieren die Bilder, die Kahn in der frühen Moderne für seine Bücher anfertigen ließ, Kreative in aller Welt zu eigenen zeitgemäßen Interpretationen.Fritz Kahn wieder sichtbar und sein einzigartiges Werk als lebendigen Teil der deutschen Kulturgeschichte begreifbar zu machen, ist das Ziel dieser Website und des monografischen Bildbandes „Fritz Kahn – Man Machine“.

Philippe Parreno

ФИЛИПП ПАРРЕНО
فيليب بارينو
菲利普·帕雷诺
56 FLICKERING LIGHTS

Philippe Parreno, geboren 1964 in Oran, Algerien, lebt und arbeitet in Paris. Nach Abschluss seines Studiums der Mathematik hat Parreno an der Kunstakademie Grenoble studiert, er hat seit etwa 1990 seine Konzepte, Projekte und Filme im Kunstkontext ausgestellt. Parreno’s Werk beschäftigt sich mit der Frage nach dem Status des Bildes und den Formen der Ausstellung. Es verbindet Aspekte aus Kunst, Film, Theater, Design und entwirft transitorische Orte für temporäre, kulturell-ästhetisch definierte Gemeinschaften. Seine komplexen Szenarien aus Bild, Objekt, Sound, Projektion und Licht haben die Wahrnehmung und Erfahrbarkeit des Formats ‚Ausstellung’ neu definiert.

DENISE GRUNSTEIN

Денис Грунштейн
Denise Grünsteins surrealistiska, iscensatta fotografier leker med konsthistorien och låter klassiska bildvärldar möta samtiden. Romantikens grönskande landskap, Skagenmålarnas strandkultur och surrealismens lek med kroppar förs in i in i vår samtid och möter en förändrad syn på makt, kön och identitet.

KLAUS PINTER

Einführung in die kontextbezogene Praxis
Der österreichische Künstler Klaus Pinter erkundet mit seinen fantastischen schwimmenden Installationen das Potenzial des Raumes um uns herum. Normalerweise in der Luft schwebend, sind seine riesigen Kunstwerke gleichzeitig leicht, flüssig, weich und mechanisch. Sie sind auch unglaublich bizarr und bestehen aus einer Kombination verschiedener Texturen und aufblasbaren Materialien wie Kunststoff und Nylon. Viele, die seine Werke sehen, beschreiben sie als merkwürdige Flugmaschinen und engelhafte Kokons und sprechen von der Fähigkeit des Künstlers, unsere Wahrnehmung zu verändern, selbst von der Art und Weise, wie wir berühmte Wahrzeichen vom Pantheon in Rom bis zur Seine-Wasserstraße in Paris sehen. Für seine 2002 im Pantheon ausgestellte Installation mit dem Titel „Rebounds“ rollte der Künstler zwei riesige Kugeln in das extravagante antike römische Gebäude, in dem seine Arbeiten Kunst mit Geschichte und Kultur kollidierten. Eine Kugel wurde auf den Boden gelegt und eine andere so montiert, dass sie im Chor zu schweben schien, wo die Reflexion des Gebäudes so verzerrt wie ein M.C. Escher Zeichnung. Diese Platzierung war eine Entscheidung des Künstlers in Bezug auf die Ideologie des Philosophen Platon, der über die Natur der physischen Welt und der Menschen spekulierte. In seiner Biografie teilt Pinter mit, dass der Erfinder in ihm vom Beginn seiner ersten „pneumatischen“ Strukturen an vom Dichter inspiriert, wenn nicht sogar assimiliert wurde. Und während seiner gesamten Karriere hat er in diesem Sinne mit Beständigkeit und Genauigkeit in Formen weitergearbeitet, die ständig erneuert werden.

SUSANA SOARES

Insects au Gratin

Das Projekt sucht nach neuen Wegen, Insekten zu konsumieren, und diskutiert die Nährstoff- und Umweltaspekte von Insekten als menschliche Nahrung. Durch die Kombination von Entomophagie mit neuen 3D-Technologien für den Lebensmitteldruck ermutigt Insects au gratin die Menschen, über nachhaltigere Ernährungsweisen nachzudenken. “Warum nicht Insekten essen?” Dies war die Frage, die Vincent Holt 1885 stellte, als er im St. Paul Daily Globe vorschlug, dass Insekten als primäre Nahrungsquelle für den Menschen dienen könnten. Während die Idee von den Viktorianern abgelehnt wurde, haben Insekten an vielen Orten auf der Welt eine lange Geschichte als Nahrung. Wie Holt betonte, sind Insekten alle Gemüsefresser, sauber, schmackhaft, gesund und in ihrer Fütterung entschieden spezifischer als wir ‘. Sie sind auch enorm effizient bei der Umwandlung von Vegetation in essbares Protein. 100 kg Futter produzieren 40 kg Grillen, aber nur 10 kg Rindfleisch. Insekten Au Gratin sucht nach neuen Wegen, Insekten zu verzehren, und diskutiert die Nährstoff- und Umweltaspekte von Insekten als menschliche Nahrung. Einer der Aspekte, der Menschen davon abhält, Insekten zu essen, hat nicht nur mit dem kulturellen Hintergrund zu tun, sondern auch mit der Ästhetik der Gerichte selbst.

Oliver Laric

Versions
Versions ist ein laufendes Projekt von Oliver Laric, das sich mit historischen und zeitgenössischen Ideen in Bezug auf Bildhierarchien befasst. Es wird vorgeschlagen, dass gegenwärtige Methoden der kreativen Produktion die Hierarchie eines authentischen oder auratischen „Originalbildes“ in Frage stellen. Anstatt ein primäres Objekt zu privilegieren, schlägt Versions eine Neuausrichtung für die Bilderzeugung vor, bei der Bootlegs, Kopien und Remixe im Zeitalter der digitalen Produktion zunehmend „Originale“ an sich reißen.
Versionen nehmen verschiedene Formen und Iterationen an, darunter eine Reihe von Monologen im Dokumentarfilmstil über montierten Bildern und Videoclips, Polyurethanabgüsse, die auf reformationsgeschädigten religiösen Figuren basieren, eine neu herausgegebene Bootleg-Veröffentlichung von Margaret Biebers Ancient Copies (ein akademischer Text, der sich mit dem Thema befasst) Protraktion der griechischen Ästhetik in die römische Kunst) sowie andere Skulpturen und angeeignete Gegenstände, die die zeitgenössische Bildzirkulation und ihren Austausch durch gegenwärtige und historische Bedingungen erklären.
Das Projekt dient als konzeptioneller Bezugspunkt für den Rest von Larics Praxis, in der eine abgeflachte Bildwirtschaft für die kreative Produktion abgebaut wird und dabei die Konsequenzen für die Hybridität in der zeitgenössischen Kultur untersucht werden. Aktuelle Soloprojekte umfassen: Versionen bei MIT List Visual Arts Center, CAS Annual Award im Lincoln Museum, Art Statements Einzelpräsentation auf der Art | 43 | Basel, Getränkekritik in der Skulpturhalle Basel, Frieze Projects auf der Frieze Art Fair 2011.

CAI GUO-QIANG

蔡国强
Цай Го-Цян
Endless

In dieser Installation namens Endless schafft der in New York lebende Künstler Cai Guo Qiang eine ruhige Atmosphäre, in der klassische Holzschiffe auf grünen, nebligen Wasserwellen schweben. Die Schiffe scheinen mitten im Meer verloren zu treiben, während eine Wellenmaschine ruhige Wellen erzeugt und eine Nebelmaschine den Raum mit einem verschwommenen Dunst füllt. Während die Schiffe langsam und endlos im Wasser schaukeln, befinden sich die Betrachter in einer ruhigen, reflektierenden Atmosphäre. Der Künstler bezieht zwei Arten von Schiffen als Aussage über die Interaktion zweier Welten ein. Zwei Houri-Boote, die normalerweise in der Golfregion zu sehen sind, sind jeweils etwa 244 Zoll lang, während ein chinesisches Fischerboot, das seit Jahrhunderten in Qanzhou eingesetzt wird, 800 Zoll lang ist. Die beruhigende Umgebung, die von Cai Guo Qiang geschaffen wurde, löst meditative Gedanken über alte Kulturen und Traditionen aus, die an einem Ort zusammenkommen, während die physische Repräsentation zweier Welten, Ost und Naher Osten, in einem endlosen Meer friedlicher Bewegung nebeneinander schwebt.

THE CAMPANA BROTHERS

وكامبانا الاخوة
坎帕纳兄弟
האחים קמפנה
カンパーナ兄弟
БРАТЬЕВ КАМПАНА
Campanas/Woods

Die Brüder FERNANDO UND HUMBERTO CAMPANA lassen sich vom brasilianischen Straßenleben und der Karnevalskultur inspirieren und kombinieren gefundene Objekte – wie Holzreste und Stoffreste – mit fortschrittlichen Technologien, um einen lebendigen, energischen und definitiv brasilianischen Designansatz zu schaffen.

ANDREAS ANGELIDAKIS

アンドレアス・アンジェリダキス

Ein Kunstwerk zu verstehen ist keine einfache Aufgabe. Wir wissen nicht immer, was im Kopf des Autors vor sich geht, seine Motivationen und seine Ideen. Wenn wir also die Bedeutung einer Arbeit wie dem Hand House kennen, einem konzeptionellen Projekt des griechischen Architekten Andreas Angelidakis, erkennen wir, wie großartig der Prozess des künstlerischen Schaffens ist. Angelicakis kritisierte den Lebensstil der amerikanischen Großstadt Los Angeles mit surrealistischer Ästhetik . Das Handhaus ist eine Residenz, aber nicht wie jede andere: Seine Formen repräsentieren eine Stadt in einem Zustand der Paranoia, entweder aufgrund der Kultur der Verehrung der dort lebenden Prominenten oder der Angst vor Naturkatastrophen (weil es sich oben befindet Los Angeles ist ein geologischer Fehler und leidet unter häufigen Erdbeben. Die Räume des Hauses (Esszimmer, Wohnzimmer, Küche, Schlafzimmer) sind in zwei großen hohlen Betonblöcken installiert, die an einem Berg hängen – die Absicht ist, sie zu verwandeln in Orte der Dunkelheit und völligen Isolation. Als wir diese „Höhlen“ verließen, fanden wir ein Wasserreservoir, fast einen künstlichen Strand, ein klarer Hinweis auf William Mulholland, Ingenieur, der in den 1920er Jahren für die Arbeiten des Wasserverteilungssystems in Los Angeles verantwortlich war, ein grundlegender Faktor für das Wachstum der Stadt Betonarm kommt aus dem Wasser. Auf der ausgestreckten Seite befindet sich der Raum, der für den Empfang der Gäste reserviert ist: eine Glasbox ohne Privatsphäre, die die gesamte Exposition des Privatlebens von Prominenten gegenüber der Gesellschaft darstellt.

 

MUS ARCHITECTS

뮤스 건축가
Museum Jerez

Bewegungen und Gesten von Tänzern sind voller Ausdruck und Spannung. Tänzer bringen den faszinierten Betrachter durch die schwingende Bewegung ihrer Hüften, die dekorative Anordnung ihrer Finger und die sanfte Vibration der Zierrüschen in eine innere Welt der Erfahrung und Emotionen. Rhythmische und dynamische Musik versetzt den Zuschauer in eine Welt unglaublicher ästhetischer Gefühle, die alle Sinne erwecken und die Fantasie anregen… So sollte Architektur aussehen, die der Kultur des lebhaften Flamenco gewidmet ist. Standortmanagement und Gebäudeform spiegeln den Flamenco-Geist wider. Innen- und Außenräume des ISMOF-Gebäudes wurden durch die skulpturale Interpretation des Themas geschaffen. Das Bauen von Festkörpern reagiert auf unterschiedliche Höhen des Geländes – es steigt und fällt wie ein sinusförmiges Diagramm dynamischer Schallwellen. Im Erdgeschoss, das von Segelgewölben überdacht ist, befindet sich ein weitläufiger Platz – ein Vordergrund für das interne Bauprogramm. Raumflächen werden nur durch Glasscheiben unterteilt. Infolgedessen dringen innere und äußere Räume in Gewölbe ausdrucksstarker Vordächer ein.

LEONID TISHKOV

ليونيد تيشكوف
private moon
Der in Moskau geborene Arzt wurde zum Avantgarde-Künstler. Leonid Tishkov ist mit seiner mobilen Kunstinstallation „Private Moon“ um die Welt gereist und erzählt die Geschichte eines Mannes, der den Mond getroffen hat und für immer bei ihr geblieben ist, sagt Tishkov. Das Projekt erfasst eine Reihe stilisierter und sentimentaler Fotografien von sich selbst mit einem großen künstlich beleuchteten Halbmond, die an verschiedenen Orten in China, Neuseeland, Taiwan, der Arktis und Frankreich aufgenommen wurden. „Der Mond ist ein leuchtender Punkt, der Menschen aus verschiedenen Ländern, verschiedenen Nationalitäten und Kulturen zusammenbringt – und jeder, der sich in seiner Umlaufbahn befindet, vergisst ihn nie. es gibt Märchen und Gedichte in unserer prosy und kaufmännischen Welt. “

hc gilje

in transit
Two swift beams of light travel through a room creating infinite shadows on a series of floating white frames. This is In Transit X, a darkened, room-based installation that alludes to an endless void.The dizzying effects of In Transit X place the viewer into a monochromatic man-made space. The fifty-foot-wide animated light installation by artist Hc Gilje was originally made for the Wood Street Galleries in Pittsburgh in 2012, and recently went on display last month at Kulturkirken Jakob in Oslo. Using block-like frames and light as the mediums, Gilje creates dynamic visual dimensions that lend themselves to a mesmerizing noirish experience.

LITTLE WARSAW

installation in grafenegg schlosspark

Balance Capsule

Für den Schlosspark von Grafenegg wurde eine Skulptur realisiert, die den Begriff des Parks kritisch untersucht: als gestaltete Landschaft, als Raum des Außergewöhnlichen, der Entdeckungen und Überraschungen, der inszenierten Blicke – gleichzeitig Themenpark und Museum. Die Telefonzelle stammt aus Westberlin, und der Titel der Arbei, “Balance Capsule”, gibt einen Hinweis auf die komplexen Zusammenhänge von internationaler Diplomatie, Modernismus, Raumfahrt und Telekommunikation. Die gelbe Zelle mit den abgerundeten Kanten, ein Modell aus den Siebzigerjahren und den österreichischen Telefonzellen jener Zeit sehr ähnlich, ist ein vertrautes Element des modernen öffentlichen Raumes, doch auf der hohen weißen Pyramide unerreichbar. Ein Grabmal oder Monument, ägyptische Kultur, durch westliche Kunst- und Kulturgeschichte gefiltert: Hier kommen Minimal Art, Romantizismus, Musealisierung, politische Skulptur, Messebau und Appropriation zusammen und sorgen für produktive Missverständnisse.

Kuldeep Malhi

Blush

Kuldeeps Wandinstallationen überschreiten die Grenzen zwischen Keramikkunst und Architektur. Die Inspiration stammt aus einer Mischung von Einflüssen von der erotischen Skulptur in alten indischen Tempeln bis zur modernistischen Architektur. Einige Stücke verwenden Softround-Formen oder Tentakel in sich wiederholenden Mustern, die mit experimentellen Glasuren versehen sind, um eine taktile und zutiefst sinnliche Umgebung zu schaffen, in der andere Würfel verwenden, um eine geometrische Schnittstelle zum Raumraum zu schaffen. Alle haben ein Gefühl von Bewegung und Wachstum, aber nicht nur von der Anordnung der einzelnen Komponenten, sondern aus der sanften Farbabstufung. Die Arbeit stellt eine Begegnung östlicher und westlicher Kulturen dar – die erotische Taktilität der orientalischen Kunst kombiniert mit dem mechanisierten Glanz des Westens. Die dynamischen Installationen entsprechen den vertikalen Ebenen in architektonischen Räumen und bilden eine Schnittstelle zwischen den Wänden und dem Innenraum des Raums. Bei der Arbeit geht es auch um Taktilität und Berührung. Optisch und kompositorisch kann es als Bild oder Komposition wie ein dreidimensionales Gemälde betrachtet werden, eine Kreuzung zwischen Malerei und Skulptur.

Gillian Wearing

Self-Portrait at Three Years Old

In den letzten zwei Jahrzehnten haben Gillian Wearings Filme, Fotografien und Skulpturen öffentliche Persönlichkeiten und das Privatleben untersucht. Seit Beginn ihrer Karriere hat die Künstlerin Theatertechniken, Reality-Fernsehen und Fly-on-the-Wall-Dokumentarfilme verwendet, um Erzählungen zu konstruieren, die persönliche Fantasien und Geständnisse, individuelle Traumata, Kulturgeschichten und die Rolle der Medien. Die Anonymität durch aufwändige Masken, Kostüme und Rollenspiele ist nach wie vor ein kritischer Bestandteil von Wearings Praxis und einflussreicher Untersuchung der Art und Weise, wie sich Individuen anderen präsentieren, wenn das Selbst vorübergehend verborgen ist.

TOKUJIN YOSHIOKA

吉冈德仁
吉岡徳仁
Snow
Snow to część wystawy powstałej w 2010 roku w Mori Art Museum – Sensing Nature. Ów rok mijał pod hasłem: Redefiniując Japonię. Japończycy zawsze mieli ścisłą relację z naturą. Ta wystawa jest swoistą eksploracją wrażliwości oraz zbiorowego przywiązania i przynależności do kultury. Zaprojektowana była z dozą przekory wobec tradycyjnej koncepcji, która głosi, że natura powinna być odczuwana, a nie racjonalizowana. Instalacja Snow nie miała naśladować natury. Jej celem była obserwacja mechanizmów funkcjonowania ludzkich zmysłów podczas procesu doświadczania. Człowiek wiecznie odczuwa potrzebę definiowania pewnych zjawisk. Inaczej ów niepokój wynikający z braku wiedzy przeradza się w uczucie zagrożenia. Natura, ostateczne piękno tego świata, niepowtarzalne zjawisko braku stałości funkcjonuje według porządku, którego nie da się zrozumieć poprzez teorię.

ANNETT ZINSMEISTER

container Projekt

“Die Auseinandersetzung mit Utopien und dem Identitätsgehalt von Architektur, Raum und Alltagsgegenständen, sowie die Untersuchung von Wahrnehmungsprozessen, sozialer Interaktion, Kommunikation und die Transformation urbaner Raumsituationen sowie die Form, kulturelle Prägung und Konstitution von Raum und Lebenswelt sind zentrale Themen, die Annett Zinsmeister in ihren künstlerischen Arbeiten neu verhandelt: in Raum – Installationen, konzeptuellen und gebauten Räumen, in Fotografien, Zeichnungen, Collagen, im Film sowie in theoretischen Abhandlungen. Kultur- und medientheoretische Ansätze sind Teil ihrer konzeptuell geprägten künstlerischen Praxis, die ohne erklärende Erläuterungen eine große Wirkungsmacht entfaltet. Zinsmeisters Werke wurden mit Preisen ausgezeichnet und sind in internationalen Gruppen- und Einzelausstellungen zu sehen. Sie sind in öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten und international in Magazinen, Fachzeitschriften, Katalogen, Fachbüchern publiziert. Ihre Installationen fordern unsere Wahrnehmung heraus, entlarven alltägliche Gewohnheiten und legen den Antagonismus utopischer Ansätze und unserer sozialen und gebauten Umwelt offen. Annett Zinsmeisters Arbeit eröffnet neue Perspektiven und ungeahnte Potentiale hinsichtlich unwirtlicher, verlassener Orte und initiieren Prozesse urbaner Interventionen und Transformationen. Mit ihrer Überzeugung und ihrem Glauben an interdisziplinaere Kommunikation und Interaktion, führt sie in zahlreichen Veranstaltungskonzeptionen Vertreter unterschiedlichster Disziplinen in einen lebendigen und zukunftsweisenden Dialog.”

MAD ARCHITECTS

Taichung Convention Center
“Das Taichung Convention Center ist als ein kontinuierliches Geflecht aus Architektur und Landschaft konzipiert, das die Grenze zwischen Architektur, öffentlichem Raum und Stadtlandschaft verwischt: eine futuristische Stadtvision, die auf der naturalistischen Philosophie der östlichen Welt basiert. Es ersetzt die seit langem vorgeschriebenen Blockformen Projekte dieser Größenordnung. Es existiert in einer natürlichen Ordnung von Luft, Wind und Licht und fördert eine Resonanz zwischen Mensch und Natur. Die Stadt Taichung sucht ein Wahrzeichen der Metropole, das über das Lokale hinausgeht, um ihr städtisches Leben zu erneuern und die Kulturlandschaft von neu zu definieren Die Stadt. Es werden solide architektonische Konzepte erforderlich sein, die die Stadt in eine neue globale Arena einführen. Die heutigen Wahrzeichen sind nicht mehr nur durch Überlegungen zur Höhe gekennzeichnet, sondern konzentrieren sich auf kulturelle Untersuchungen unserer Beziehung zur Natur. Mehr als visuelle Auswirkungen Wahrzeichen Gebäude sollten die öffentliche Erholung fördern und Kommunikation und Fantasie anregen. Der Entwurfsvorschlag beginnt mit dem was schon gegeben ist. Die Lebendigkeit der natürlichen Topographie wird in den kraterförmigen Formen wiedergegeben und weiter vergrößert; Darin liegt der Dialog der gebauten und natürlichen Welt, das gegenseitige Zusammenspiel von Raum und Form. Die Oberfläche der Berge ist ein Hightech-System für umweltfreundliche Falten. Die rauchartige Hülle sorgt für einen Luftstrom zum Gebäude und hält den Energieverbrauch durch Nutzung der Sonnenenergie auf ein Minimum. “Matt Davis

IRIS VAN HERPEN

Айрис Ван Эрпен
イリス ヴァン ヘルペン
„Mode ist für mich ein Ausdruck von Kunst, der sehr eng mit mir und meinem Körper verbunden ist.
Ich sehe es als Ausdruck meiner Identität, kombiniert mit Verlangen, Stimmungen und kulturellem Umfeld.
In all meinen Arbeiten versuche ich klar zu machen, dass Mode ein künstlerischer Ausdruck ist, Kunst zeigt und trägt und nicht nur ein funktionales und ohne Inhalt oder kommerzielles Werkzeug. Mit meiner Arbeit möchte ich zeigen, dass Mode sicherlich einen Mehrwert für die Welt haben kann, dass sie zeitlos sein kann und dass ihr Konsum weniger wichtig sein kann als ihr Anfang. Das Tragen von Kleidung schafft eine aufregende und zwingende Form des Selbstausdrucks. “Form folgt Funktion” ist kein Slogan, dem ich zustimme. Im Gegenteil, ich finde, dass Formen den Körper und damit die Emotionen ergänzen und verändern. Bewegung, die für und im Körper so wichtig ist, ist in meiner Arbeit genauso wichtig. Indem ich Form, Struktur und Materialien auf neue Weise zusammenbringe, versuche ich, optimale Spannung und Bewegung vorzuschlagen und zu realisieren. “

SHAHIRA HAMMAD

Шахира Хаммад
Asemic Forest – Westbahnhof Train Station

Dieses Projekt stellt meine Diplomarbeit für das Postgraduiertenprogramm „Übermäßig“ an der Fachhochschule Wien 2012 dar. Wir wurden gebeten, uns einen neuen Bahnhof für Wien vorzustellen, der den bestehenden Westbahnhof entweder modifizieren oder ersetzen würde. Ich entschied mich dafür, das bestehende Gebäude beizubehalten, es aber mit Strukturen zu kontaminieren, die eine Komplexität ausdrücken würden, die jetzt fehlt. Meine Intervention war sowohl von der Natur als auch von der Kultur inspiriert und beabsichtigt, über ihre polemischen Eigenschaften hinaus das zurückzubringen, was in der Wissenschaft als spontane Ordnung bezeichnet wird. Dies ist keine Störung im gesunden Menschenverstand, obwohl sie dieses Aussehen haben könnte. Es ist offensichtlich eine Reaktion gegen übermäßigen Rationalismus und Rationalisierungen. Ja, es ist übertrieben, aber im Wesentlichen versucht es nichts anderes, als die in der Natur vorhandenen Komplexitäten in das städtische Gefüge zu bringen. In gewisser Weise ist mein „Projekt“ nicht wirklich ein „Projekt“, da ich das, was ich mir vorgestellt hatte, fast von selbst „natürlich“ entstehen ließ und nicht nur äußere, sondern auch innere Realitäten zum Ausdruck brachte. Wir könnten sagen, dass dies vielleicht ein epimethisches Werk ist, im Gegensatz zu Promethean, dh ein Werk, in dem das Denken danach kommt. Das Verhältnis zwischen Ursache und Wirkung ist also kreisförmig und nicht linear. Alles in allem ist dies eine architektonische Meditation über Auch die Zeit, da die Strukturen, die ich mir vorgestellt habe, Metamorphose, Zeitablauf, Veränderung, Vergänglichkeit und sogar Verfall widerspiegeln… Themen, die wiederum von herkömmlichen Architekturen vernachlässigt werden. Wenn das Chaos seiner negativen Konnotationen beraubt wird, haben wir vielleicht wieder die Chance, die positiven Aspekte der sogenannten „spontanen Ordnung“ zu erreichen.