Henryk Górecki
Concerto for Harpsichord and String Orchestra Op. 40
Harpsichord: elisabeth chojnacka
Less than nine minutes long, the bipartite Concerto for Harpsichord (or Piano) and String Orchestra, which the composer sometimes called a “prank”, is a veritable volcano that carries the listener away from the very first bars with its immense energy. Its repetitive, motoric nature and rhythmic vigour suit the specific, slightly clattery sound of the harpsichord which is usually somewhat amplified, complemented by the chordal texture of the strings. In both parts, the mood of the piece clearly draws on the highlander music of the southern Podhale region, of which Górecki was a great admirer. In the context of his monumental sacred music from the same period, this Concerto is like the artist’s brief “respite”. It reflects the whirl and “profane” energy of a folk dance.
Elżbieta Chojnacka, to whom the piece was dedicated, has always stressed that every performance of the Concerto, which she has played throughout the world, ends with an encore. The piece meets with such acclaim from the audience, and is one of the most striking – and most joyful – compositions in the composer’s output. “A spectacular plaything”, as Teresa Malecka has described the piece.

蔡国强
Цай Го-Цян
Endless

In dieser Installation namens Endless schafft der in New York lebende Künstler Cai Guo Qiang eine ruhige Atmosphäre, in der klassische Holzschiffe auf grünen, nebligen Wasserwellen schweben. Die Schiffe scheinen mitten im Meer verloren zu treiben, während eine Wellenmaschine ruhige Wellen erzeugt und eine Nebelmaschine den Raum mit einem verschwommenen Dunst füllt. Während die Schiffe langsam und endlos im Wasser schaukeln, befinden sich die Betrachter in einer ruhigen, reflektierenden Atmosphäre. Der Künstler bezieht zwei Arten von Schiffen als Aussage über die Interaktion zweier Welten ein. Zwei Houri-Boote, die normalerweise in der Golfregion zu sehen sind, sind jeweils etwa 244 Zoll lang, während ein chinesisches Fischerboot, das seit Jahrhunderten in Qanzhou eingesetzt wird, 800 Zoll lang ist. Die beruhigende Umgebung, die von Cai Guo Qiang geschaffen wurde, löst meditative Gedanken über alte Kulturen und Traditionen aus, die an einem Ort zusammenkommen, während die physische Repräsentation zweier Welten, Ost und Naher Osten, in einem endlosen Meer friedlicher Bewegung nebeneinander schwebt.

Mindar
Революция машин уже пришла в религию – по крайней мере, в Японии. Буддийский храм в городе Киото решил изменить свои практики, чтобы стать ближе к людям, и установил там робота. Твоя роль? Объявляйте проповеди верующим. Робот Миндар ростом почти шесть футов имеет женский голос и был создан в честь буддийского божества милосердия Каннон. Руки, лицо и плечи корпуса робота покрыты силиконом (имитирующим человеческую кожу). Это все. Все остальное состоит из открытых металлических шестерен.

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Mindar

A revolução da máquina já entrou na religião – pelo menos no Japão. Um templo budista na cidade de Kyoto decidiu mudar suas práticas para se aproximar das pessoas e instalou ali um robô. Qual é o seu papel? Anuncie sermões aos crentes. Com quase um metro e oitenta de altura, o robô Mindar tem uma voz feminina e foi criado em homenagem à divindade budista da misericórdia Kannon. Os braços, rosto e ombros do corpo do robô são cobertos com silicone (imitando a pele humana). É tudo. Todo o resto consiste em engrenagens de metal expostas.

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Mindar

The machine revolution has already entered religion – at least in Japan. A Buddhist temple in the city of Kyoto decided to change its practices in order to become closer to people, and installed a robot there. What is your role? Announce sermons to believers. Almost six feet tall, the robot Mindar has a female voice and was created in honor of the Buddhist deity of mercy Kannon. The arms, face and shoulders of the robot body are covered with silicone (imitating human skin). It’s all. Everything else consists of exposed metal gears.

parabolic soap

Créée par Felix Worseck à l’Université des Arts de Berlin (Digitale Klasse), l’installation «savon parabolique» est une fusion de comportement artificiel / mécanique et naturel. Le but de l’installation est de produire une surface paraboloïde qui peut être déplacée pendant environ 60 secondes. Cette surface minimale n’est créée qu’après la connexion de la membrane et la rupture de la piscine de savon. Les mouvements des moteurs pas à pas sont arbitraires. Ils sont contrôlés par un programme Arduino qui attribue des valeurs aléatoires à chaque passage à la hauteur des quatre axes de contrôle. Une fois la membrane de savon séparée de la base, la machine revient à l’état initial et la séquence recommence.

Machine2

„Objekte werden erfunden, um bestimmte Bedürfnisse, insbesondere menschliche Bedürfnisse, zu befriedigen. Mit meiner Skulptur untersuche ich das Bedürfniskonzept, wenn der Mensch aus dieser Gleichung entfernt wird. Ich mache das, indem ich den Menschen durch das Objekt selbst ersetze. Meine Skulpturen sind nur erfunden, um sich selbst zu erhalten und als selbstlösende Probleme zu fungieren. Das Ergebnis ist ein Objekt, das nur erfunden wurde, um die Komplikationen zu kompensieren, die durch seine eigene Existenz entstehen. Das Stück allein repräsentiert die Notwendigkeit und die Auflösung. Viele meiner Stücke sind kleine, federbelastete, mechanische Objekte. Sie sind aufwendig entworfen und hergestellt, um eine der einfachsten und doch wichtigsten Aufgaben zu erfüllen, die ein autonomes Objekt erfüllen kann. Diese Aufgabe, dieses Bedürfnis ist es, sich zu halten. In den meisten Fällen erreichen meine Arbeiten dies, indem sie sich aktiv an bestimmte architektonische Merkmale und einzelne Objekte binden.

Frühling / Sommer 21
Die Frühjahrskollektion 2021 spiegelt diese Mentalität wider und unterstreicht die kommerzielleren Angebote der Marke, die normalerweise unter seinem übertriebenen Runway-Design verborgen sind. Carryover-Styles wie Steppjacken, gepolsterte Westen, Parkas, Hemden und Hoodies mit Ausschnittloch- und Spitzenbesatzdetails sind in den Farben Kieferngrün, Beige, Rosinenpurpur und Mitternachtsblau erhältlich und stehen im Lookbook im Mittelpunkt. Sogar die rahmenartigen Konstruktionen von Green rund um den Körper wurden abgeschwächt. Anstatt experimentelle und farbenfrohe Materialien zu verwenden, hat Green dekonstruierte Teile eines Hemdes oder einer Jacke an Metallrahmen gehängt. Der Effekt besteht darin, dass zwei Personen in einer Skulptur interagieren.

Apfel
»Apfel« ist ein Spiel ohne Regeln. Es beginnt mit einer Wand, die überall mit einer signalroten Klebefolie bedeckt ist. Die Folie besteht aus Tausenden von kreisförmigen Aufklebern, die in einem schmalen Raster vorgeschnitten sind und darauf warten, von den Besuchern abgezogen und in eine neue Reihenfolge gebracht zu werden. Die Aufkleber und ihr weißes Negativ an der Wand bilden sich ähnlich wie binär codierte Pixel, Ornamente, Nachrichten und Bilder – an der ursprünglichen Wand und weit darüber hinaus: Sie bewegen sich in angrenzende Räume, auf Gesichter und verlassen sogar die Stadt.

Homo Economicus
Homo Economicus explores how men working in the City of London financial district both modify and commodify their own bodies. The work intentionally conflates the corporate and the corporeal, questioning male self-worth and its apparent apotheosis in the hyper-competitive financial services industry. Grounded in audio interviews with real city men, Homo Economicus proposes an alternative economy of the male body: not as an unquestioned instrument of power, but a site of vulnerability and power-play.

山海塾

butoh

TOBARI

“Over the 90 minute performance, I feel no less than transported. There are eight male performers, including Ushio Amagatsu himself. The dancers often move slowly, with incredible muscular control, fluidity and elegance. And suddenly the spell will be broken and they’ll run across the stage, their painted bodies leaving clouds of white powder hanging in the air like a shadow or ghost. Slow sustained movements are countered with tiny, minute gestures of the fingers. Hands are often gnarled, the joints contorted with incredible tension. It is mysterious, hypnotic and strange. The countenance of the performers is most arresting – behind the white paint, their faces reveal the fragility, humility, vulnerability and truth of their humanity.”Day Helesic

‘Sisters with Transistors’, a documentary about the pioneers of electronic music

This November, a new documentary dedicated to the pioneers of electronic music will see the light under the name ‘Sisters with Transistors’. The feature centers around the work of figures such as Suzanne Ciani, Delia Derbyshire, Laurie Spiegel, and Clara Rockmore.
The feature aims to reveal a unique struggle for emancipation and restore the central role of women in the history of music and society in general.
‘We, women, were especially attracted to electronic music when the possibility of a woman composing was itself controversial. Electronics allow us to make music that others can listen to without having to be taken seriously by the male-dominated establishment’, says the director of the piece.

Ikon of Eros

The tempo of the music changes frequently, illustrating love that at times may be almost austere and at other times ecstatic. In the second movement an ethereal female chorus is suddenly punctuated by deep percussion instruments and gives way to an almost erotic middle eastern beat, contrasting a pure spiritual love with a more physical, sensual form.

Monument collection
Pardi a présenté sa collection de monuments lors du défilé de UEL dimanche, dans le cadre de la Graduate Fashion Week organisée dans la brasserie Old Truman à Londres. Ses vêtements de laine gris sont destinés à étendre des parties du corps pour créer des formes angulaires minimales. Les volumes rigides qui dépassent à l’arrière de chaque tenue sont créés par des feuilles de mousse glissées dans des poches situées sous le vêtement.

COMO UM JABUTI MATOU UMA ONÇA E FEZ UMA GAITA DE UM DE SEUS OSSOS
The performance presents the audience with the image of a male body subjugated by an object: an orange high-heeled shoe whose heel is a 30-cm stake. Unable to stand and occupy an erect, masculine and dominating position, this body moves slowly across the horizontal plane through a choreography that condenses images referring to a woman’s objectification. Based on the transformation of the shoe and its placement on a male body, the work raises questions regarding gender identity and the role of objects in this process.

PUNK’S NOT HEAD
The “Pilot” is a mask made from glass, porcelain, metal and leather. This experimental piece exists in a male and female version. It has been created exclusively for the TUSH issue 4/2012..

جون دي اندريا
존 드 안드레아
ジョン·デアンドレア
ДЖОН ДЕ АНДРЕА
John De Andrea, (born November 24, 1941, Denver, Colorado, U.S.), American Super-realist sculptor known for his detailed life-size female nudes depicted in naturalistic poses. He is associated with the Photo-realist and Verist art movements.

ألدو روسي
알도 로시]
אלדו רוסי
アルド·ロッシ
Альдо Росси
Teatro del Mondo
Il teatro del mondo è stato progettato dall’architetto italiano Aldo Rossi, inaugurato l’11 novembre 1979, nell’ambito della Biennale di Architettura e Teatro di Venezia. Tutto questo sarebbe volgare, se questo fosse davvero un teatro comune, dove vedrai un bello spettacolo delle arti di Thalma. Ma non lo è, e così ho deciso di portarlo a estir@dor. Il “teatro del mondo” si ispirava a una tradizione settecentesca, e intanto scomparve, dal teatro galleggiante che all’epoca ancorò nella città di Venezia di carnevale. L’edificio è stato realizzato in una struttura metallica e rivestito in legno, sia all’interno che all’esterno e sostenuto da una piattaforma galleggiante: una zattera. Formato da un ciottolo centrale con base quadrata di 9,5 m di larghezza e 11 m di altezza e tetto ottagonale in zinco, contiene un palco situato in una zona centrale. Il teatro ha accolto 400 spettatori, di cui 250 seduti, la sua semplicità formale ei colori utilizzati nelle finiture hanno dato un’immagine onirica a questa apparecchiatura che aveva come sfondo Venezia ei suoi canali. Gli utenti che entravano in quel teatro per assistere alla performance artistica degli attori, sono diventati subito se stessi, personaggi di un evento che interagiva con Venezia, osservatori e osservati, da Punta della Dogana, vedendo la Plaza de S. Marcos delle vostre finestre. Una vera Arca di Noè dell’intera Biennale.

사라 오펜하이머
S-281913
Die Arbeit der in NYC lebenden Künstlerin Sarah Oppenheimer verwischt die Grenze zwischen Skulptur und Architektur. Ihre erstaunlichen Installationen beinhalten normalerweise bewegliche Wände, schräge Böden und die Schaffung von Öffnungen – manchmal symmetrisch, manchmal asymmetrisch und oft mit Spiegeln -, die die widerstandsfähigsten Gäste der Galerie / des Museums hypnotisieren (und verwirren) würden.

Box of Birds
Box of Birds derives from an archive of 38 pictures of female patients who were photographed in a Sydney psychiatric hospital in 1948. Ferran discovered this archive by accident more than a decade ago in a public library (it should not have been there and has since been removed).

Desiring Machine: and/or the female reincarnation of Sisyphus
Née en Argentine, Paula Gaetano Adi est artiste et chercheure dans les domaines de la sculpture, de la performance, et des installations interactives et robotiques. Elle utilise le corps humain et non humain comme point de départ de ses recherches, et s’intéresse aux effets discursifs et aux impacts affectifs des technosciences sur la subjectivité humaine et dans l’art. Ses œuvres ont été présentées sur la scène internationale à Beijing, Berlin, Madrid, Moscou, Stockholm, São Paulo, New York, Poznan et Buenos Aires, entre autres. Elle a reçu de nombreux prix et bourses, tels que le premier prix à la compétition VIDA 9.0 sur l’art et la vie artificielle, organisée par la Fundación Telefónica, et le premier prix LIMbØ du Musée d’art moderne de Buenos Aires, la bourse Fergus Memorial en 2009 et 2010 de même que la bourse accordée à un artiste ibéro-américain dans le cadre de la compétition VIDA 14.0. À l’heure actuelle, Paula Gaetano Adi est professeure adjointe dans le programme de Studio Art du College of Visual Arts and Design de l’Université de North Texas, où elle coordonne le secteur réservé aux nouveaux médias. À cette université, elle s’est également jointe au groupe Initiative for Advanced Research in Technology and the Arts (iARTA).

Butterfly
E.V. Day ist ein in New York ansässiger Installationskünstler und Bildhauer, dessen Arbeit Themen wie Sexualität und Humor unter Verwendung schwerkraftwidriger Aufhängungstechniken untersucht. Sie hat ihre Arbeit als “futuristische abstrakte Malerei in drei Dimensionen” beschrieben. Day erhielt ihren MFA in Skulptur von der Yale University School of Art. Die erste Arbeit in ihrer Exploding Couture-Reihe, Bombshell, wurde in die Biennale 2000 des Whitney Museum of American Art aufgenommen und befindet sich jetzt in der ständigen Sammlung des Museums. Sie hatte zahlreiche Einzelausstellungen, darunter die Installation G-Force von 2001 im Whitney Museum in Altria, in der sie Hunderte von Riemen in Kampfjetformationen von der Decke hängte, und eine zehnjährige Übersichtsausstellung im Jahr 2004 im Herbert F. Johnson Museum of Art an der Cornell University. Bride Fight, eine Hochspannungsreihe aus zwei sich duellierenden Brautkleidern, wurde 2006 im Lever House als Teil ihrer Sammlung ausgestellt.

Ребекка Стивенсон
ريبيكا ستيفنسون
丽贝卡·史蒂文森
sweet shell

Le sculture figurative di Rebecca Stevenson sono allo stesso tempo inquietanti e belle. Usando principalmente poliresina e cera, il suo concetto di solito inizia con una figura umana o animale proiettata in un tenue colore monocromatico che poi sembra sbocciare o decadere con varietà di composti organici multicolori. Questi fiori consumano quasi le figure, dando vita a sculture provocatorie e surreali. Il suo lavoro incarna il processo di creazione e distruzione, rivelando la bellezza che emerge da questo ciclo organico. Alcuni mi ricordano di camminare per i pascoli della fattoria quando ero più giovane e di scoprire vari teschi di animali attraverso i quali l’erba aveva cominciato a arrampicarsi. Se il suo lavoro disturba, è solo perché non cerca di mascherare la macabra bellezza del processo di crescita / decadimento. “Il mio lavoro riguarda il viscerale e il sensuale. Si basa sul disegno anatomico e sull’illustrazione botanica, ma occupa un territorio liminale tra l’indagine scientifica e il corpo immaginario e soggettivo. “

Bekannt für seine architektonische Skulptur, umfasste die Ausstellung „In Here, For This“ Möbel wie Skulpturen und eine grafische Innenausstattung. Die Arbeit ist als manipulierte Form von funktionalen Möbelstücken konzipiert, die fünf architektonische Elemente wie einen Tisch, eine Bank oder ein Bücherregal umfassen. Diese Einheiten sind zu stapeln, auf jeder Seite zu drehen und zu trennen oder miteinander zu verbinden. Es wird darauf geachtet, Farben zu formen und zu blockieren, damit die Schönheit der Form sprechen kann, während die formalen Qualitäten von Kunst und Architektur berücksichtigt werden. Negativer Raum und positive Form werden so interessant und dominant wie einander.

manimals

Der alte chinesische Tierkreis besteht aus einem Zyklus von zwölf Tierzeichen, die mit Geburtsjahren verbunden sind. Sie sind: Ratte, Ochse, Tiger, Kaninchen, Drache, Schlange, Pferd, Schaf, Affe, Hahn, Hund und Eber. Es wird angenommen, dass eine Person Verhaltens- und Persönlichkeitsmerkmale, manchmal sogar körperliche Merkmale, in Bezug auf das Tierjahr aufweist, in dem sie geboren wurde. In den zwölf Porträts der Serie „Manimals“ interpretiert der Künstler Daniel Lee den chinesischen Tierkreis in der Gegenwart Begriffe durch Computermanipulation von fotografischen Bildern. Jedes Porträt repräsentiert das Tierzeichen dieser Person. Die “Manimals” -Serie besteht aus zwölf 24 “x 30” -Farbfotos. Die Originalbilder wurden mit Ektachrome in einer Mittelformatkamera fotografiert, dann digital konvertiert und mit der Adobe Photoshop-Software auf einem Macintosh Quadra 950 neu angeordnet.

transamorem transmortem
Als sie 2004 zusammen mit Lionel Marchetti meine Hilfe bei der Digitalisierung ihrer Archive annahm, entdeckte ich „Transamoren – Transmortem“. Sofort war ich beeindruckt von der majestätischen Anmut dieses sehr langen Frequenzgewirrs, dieser Reihe von scheinbar unveränderlichen Tönen, deren Variationen von feiner Subtilität sind. “Transamoren – Transmorten” ist als eine der radikalsten Kompositionen von Radigue erkennbar, vergleichbar mit dem ersten “Adnos”, dem Werk, das chronologisch auf “Transamoren – Transmortem” folgt. Sehr wenige Transformationen, eine scheinbare formale Trockenheit, die dann durch das physische Spiel der Frequenzen widerlegt wird, wenn die Hörerin ihren Kopf sanft von rechts nach links dreht, oder noch besser, wenn sich die Hörerin langsam durch den Musikraum bewegt. Beim Bewegen durch Zonen mit bestimmten Frequenzen erfährt der Körper des Hörers lokalisierte Zonen mit niedrigen, mittleren und Höhenfrequenzen, die je nach den akustischen Eigenschaften des Raums variieren. Wie Radigue über „Adnos“ schrieb: „Das Verschieben von Steinen im Flussbett beeinflusst nicht den Wasserlauf, sondern verändert die Art und Weise, wie das Wasser fließt.“ Hier finden wir dieselbe meditative Spannung, die eine friedliche Bewegung durch die Räume vorschlägt, die durch die verschiedenen Frequenzen erzeugt werden, aus denen „Transamoren – Transmortem“ besteht.

Blush

Kuldeeps Wandinstallationen überschreiten die Grenzen zwischen Keramikkunst und Architektur. Die Inspiration stammt aus einer Mischung von Einflüssen von der erotischen Skulptur in alten indischen Tempeln bis zur modernistischen Architektur. Einige Stücke verwenden Softround-Formen oder Tentakel in sich wiederholenden Mustern, die mit experimentellen Glasuren versehen sind, um eine taktile und zutiefst sinnliche Umgebung zu schaffen, in der andere Würfel verwenden, um eine geometrische Schnittstelle zum Raumraum zu schaffen. Alle haben ein Gefühl von Bewegung und Wachstum, aber nicht nur von der Anordnung der einzelnen Komponenten, sondern aus der sanften Farbabstufung. Die Arbeit stellt eine Begegnung östlicher und westlicher Kulturen dar – die erotische Taktilität der orientalischen Kunst kombiniert mit dem mechanisierten Glanz des Westens. Die dynamischen Installationen entsprechen den vertikalen Ebenen in architektonischen Räumen und bilden eine Schnittstelle zwischen den Wänden und dem Innenraum des Raums. Bei der Arbeit geht es auch um Taktilität und Berührung. Optisch und kompositorisch kann es als Bild oder Komposition wie ein dreidimensionales Gemälde betrachtet werden, eine Kreuzung zwischen Malerei und Skulptur.

The Color Project

MPC New York und ich wurden eingeladen, ein generatives Kunstwerk für den hochkarätigen Start des Media Centers beizusteuern. ‘The Color Project’ ist Teil eines fortlaufenden F & E-Konzepts, das von mir und MPC Digital entwickelt wurde. Das Startstück bleibt als eine von fünf permanenten Installationen im Zentrum zu sehen. Das Made in NY Media Center von IFP bringt Innovatoren aus verschiedenen Kreativbranchen und aus allen Regionen zusammen widmet sich der Definition und Förderung der Zukunft des digitalen Geschichtenerzählens. Der Raum befähigt Künstler, indem er sie mit Ressourcen und Publikum verbindet, um ihre Kunst weiterzuentwickeln. Das Farbprojekt konzentriert sich auf die Erforschung von Erzählungen anhand von Farben, Linien und Formen, die in geografischen Satellitenbildern zu finden sind. Diese Implementierung des Projekts hebt die Schauplätze vieler Filme hervor, die von IFP verfochten wurden. Die formalen Motive jedes Filmortes werden in Form eines Rasters von 162 Globen untersucht. In wunderschöner Synchronizität taucht jede Ansicht zuerst aus dem Weltraum auf und bleibt bei einer einzelnen Farbe in der Landschaft stehen, wodurch ein ortsspezifisches Mosaik entsteht. Das Stück springt von einem Ort zum nächsten und zeigt den Charakter von Bogotá, Kolumbien (Maria voller Anmut), Cleveland, New York City, Florida (Fremder als das Paradies), Vietnam und Virginia (Der gefährlichste Mann in Amerika: Daniel Ellsberg) und die Pentagon Papers), während sie gleichzeitig auf den Kontrast zwischen den Standorten aufmerksam machen. Das Stück verwendet Google Earth und eine benutzerdefinierte Software zeichnet programmgesteuert die geografischen Merkmale jedes Standorts auf, die auf einer beeindruckenden Wand aus 27 HD-Bildschirmen dargestellt werden.

ГЕРДА ШТАЙНЕР И ЙОРГ ЛЕНЦЛИНГЕР
ゲルダ・シュタイナー&ヨルク・レンツリンガー
Lymphatic System

“Il lavoro di Gerda Steiner e Jörg Lenzlinger tratta di un adattamento della natura attraverso la sintesi. La valuta degli artisti svizzeri è una dialettica hegeliana che subisce un ribaltamento empirico con l’uso di oggetti come animali e insetti tassidermizzati, luccicanti stagni di olio per motori, alberi e piante morti e flussi fluenti di sostanze chimiche. Il loro lavoro tratta francamente dell’unità degli opposti come la vita e la morte, il bene e il male, la speranza e la disperazione. È un giro esistenziale altalenante che conferisce bellezza a quasi tutto.”  Steve Peralta

جنيفر روبل
제니퍼 루벨
ジェニファールベル
Portrait of the Artist

Jennifer Rubell, the American artist and niece of Studio 54 co-founder Steve Rubell, brings a maternal touch to this year’s Frieze Art Fair with her autobiographical piece Portrait of the Artist. The pristine white nude, cast from steel-reinforced fibreglass, reclines like an odalisque at the Stephen Friedman Gallery stand. The sculpture is a replica of Rubell’s own eight-months-pregnant body, except it is eight metres high: the large belly, which is carved out to leave an egg-shaped void, can accommodate a fully grown adult. Spectators are able to clamber into the artwork and curl up inside as if they are the artist’s unborn child.Rubell’s intention was to create a monumental gesture of unconditional motherly love. There is a feminist statement here, too: Rubell has appropriated a style and scale historically reserved for male leaders to show, she says, “an emotion that is intensely personal and un-heroic”. The artist adds that watching members of the Frieze audience enter in the sculpture’s womb is “tremendously satisfying” – in her eyes the enlarged form was “incomplete until the first viewer entered”. Amid the hustle of Frieze’s mini-city there is something undeniably appealing about the opportunity to put your feet up in the foetal position in the name of art. Not to mention the comfort factor.

THE RUINS OF DETROIT

„Detroit, die Industriehauptstadt des 20. Jahrhunderts, hat die moderne Welt grundlegend geprägt. Die Logik, die die Stadt geschaffen hat, hat sie auch zerstört. Heutzutage sind die Ruinen der Stadt, anders als anderswo, keine isolierten Details in der städtischen Umgebung. Sie sind zu einem natürlichen Bestandteil der Landschaft geworden. Detroit präsentiert alle archetypischen Gebäude einer amerikanischen Stadt in einem Zustand der Mumifizierung. Seine prächtigen verfallenden Denkmäler sind nicht weniger als die Pyramiden von Ägypten, das Kolosseum von Rom oder die Akropolis in Athen Überreste des Untergangs eines großen Reiches. “ Yves Marchand & Romain Meffre

aeronef

“Um die Arbeit von Clément Bagot vollständig zu erfassen, muss man von seiner Zeichenpraxis ausgehen. Eine Praxis, bei der das Streben nach epidermaler Beschreibung konvergiert, indem sie die Bemühungen um die Konstitution eines” Textur “-Begriffs verbirgt, der auch den Titel von ausmacht eine der Serien des Künstlers – und eine demiurgische Versuchung durch die Konstruktion von Universen, deren Darstellung durch eine imaginäre Kartographie verläuft. Indem die Zeichnungen “die Haut des Ortes” in der Art eines mentalen Ausmaßes zeigen, das man untersuchen möchte von Clément Bagot ermöglichen es, seine Werke in Form von Bänden in Bezug auf Porosität besser zu denken. Während er an eine Science-Fiction-Architektur erinnert, erscheinen seine Assemblagen, die aus Materialien wie Holz, Linealen, Pappe, Harz oder Neon bestehen, als das Objekt singulärer Wahrnehmungserfahrungen. An ihren Grenzen, wo der Blick über seine Strukturen kreuzt oder stolpert, können wir von außen wie von innen sehen oder auf der Ma stehen bleiben Illusion durch die Kombination der beiden offenbart. Die Ausstellung in Thonon-les-Bains vereint den grafischen Teil seiner Arbeit und seine „Modelle“ sowie eine vor Ort produzierte Arbeit im selben Raum und ermöglicht es dem Besucher, seine atopischen Räume mental zu bewohnen. “ Tom Laurent

Sans titre

Anita Molinero, tuttavia, impiega spazzatura non mascherata come materia primaria delle sue sculture esponendole pericolosamente al rischio che non vengano riconosciute come opere d’arte perché il loro status di spazzatura rifiutata è difficile da scrollarsi di dosso. La natura ripugnante della spazzatura avrebbe potuto essere così facilmente sfruttata per attingere ad aspetti simbolici ed emotivi; trasformare il normale grasso e la sporcizia ripugnanti in grasso e sporcizia grondante di significato e metafora. Invece no, Anita Molinero ci confronta senza compromessi con oggetti di plastica e polistirolo espanso, contenitori di scarto e sacchi della spazzatura. Sono sculture letteralmente abbandonate, colte in uno stato di debolezza come i personaggi di un’opera teatrale di Beckett, che divorano costantemente la loro desolazione e solitudine, ma profondamente umane nella loro esitazione, espressione inadeguata e consapevolezza del loro abbandono.

Palais Bulles

Bulles was commissioned by a wealthy French businessman, a great admirer of the Hungarian architect. In this first time, the “bubbles house” was used as a beach house, a family holiday in front of the blue of the Mediterranean. The second owner of Palais Bulles was the famous French fashion designer Pierre Cardin. From 1991, Cardin spent his holidays there and organized extraordinary parties.  Palais Bulles represented, for the fashion designer, the female body. Everything, he said, from floor to ceiling, from external to internal space, has spherical shapes. The entire space is invaded by the sensuality of round shapes.

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مارسيل دوشامب
马塞尔·杜尚
מרסל דושאן
マルセル·デュシャン
Марсель Дюшан
Étant donnés
Duchamp worked secretly on the piece from 1946 to 1966 in his Greenwich Village studio.[2] It is composed of an old wooden door, nails, bricks, brass, aluminium sheet, steel binder clips, velvet, leaves, twigs, a female form made of parchment, hair, glass, plastic clothespins, oil paint, linoleum, an assortment of lights, a landscape composed of hand-painted and photographed elements and an electric motor housed in a cookie tin which rotates a perforated disc. The Brazilian sculptor Maria Martins, Duchamp’s girlfriend from 1946 to 1951, served as the model for the female figure in the piece, and his second wife, Alexina (Teeny), served as the model for the figure’s arm. Duchamp prepared a “Manual of Instructions” in a 4-ring binder explaining and illustrating how to assemble and disassemble the piece.