Лэйр Вальенте
Chimaera
Интересную фэшн-коллекцию, под интригующем названием CHIMAERA (Химера), представила к весенне-летнему сезону 2013 года дизайнер и модельер из Испании Лэйр Вальенте (Leyre Valiente). Серия ее платьев символизирует метафору жизненного пути, который начинается с состояния плода, простого и чистого в своей основе. Живой организм постепенно наращивает внешние оболочки, чтобы защитить себя от внешних воздействий и травм, и фигура модели обрастает сложными защитными элементами, напоминающую декоративную броню. В результате мы видим выразительные силуэты и формы, в которых анатомия человека органично переплелась с эстетикой эпохи модерна и эволюционными парадоксами животного мира.

EGO

FILE 2024 | Installations
International Electronic Language Festival

The mirror stage in psychology explains how the Ego forms through objectification, where one’s visual appearance comes into conflict with emotional experience, a concept called ‘alienation’ by psychoanalyst Jacques Lacan. The interactive installation EGO reenacts and reverses this process by distorting the mirror image based on the user’s movements, highlighting the tension between the real and the symbolic, the Ego and the It, subject and object.

Bio

Klaus Obermaier is an interdisciplinary artist, director and composer who creates innovative works in the performing arts, music and installations using new media. Stefano D’Alessio researches social issues induced by the internet and explores how the web and its derivatives influence human behavior and the body. Martina Menegon creates intricate assemblages of physical and virtual elements, exploring the contemporary self and its hybrid corporeality.

Blob Alien Mouth

FILE 2024 | Interator – Sound Synthetics
International Electronic Language Festival
Luigi Novellino (aka PintoCreation) – Blob Alien Mouth – Italy

The journey begins with Deforum, using the Automatic1111 interface to create basic images with the StableDiffusion XL, EndjourneyXL, and Lora XLFullArt templates. The video undergoes a transformation using the Absolute Reality model and Lora Aurora style, guided by the IPAdapter node and refined by QrCode Controlnet.

Bio

Fascinated by the limitless domain of AI, Luigi Novellino adopts the title syntographer, a term that resonates deeply within the community. The artist often asks himself: “am I an artist?” Art, in his view, defies rigid definitions or limits; it represents a fluid expression of creativity that transcends labels. The artist’s ultimate goal is to awaken something in the viewer, provoking thoughts and evoking emotions.

Credits

Music: Oleh Boretskyi

Russian Roulette

FILE 2024 | Interator – Sound Synthetics
International Electronic Language Festival
Dennis Schöneberg – Russian Roulette – Germany

An incessant bass drum drives the journey through an eccentric world populated by fruity alien creatures in a cheerful and colorful environment.

Bio

Dennis Schöneberg, German AI artist, data science student and developer of open source AI models, integrates his passion for electronic music into his creative endeavors. Merging art with technology, he explores the synergy between creativity and artificial intelligence.

Credits

Music: Believe by Russian Roulette

Escape to virtuality
Con el objetivo de sentirme libre de la objetivación, estaba tratando de escapar a la realidad digital para alienar el cuerpo de la mujer constituida durante la exposición APXIV-24 que participó en la Bienal de Arte Joven de Moscú. En colaboración con Yanzi. Montaje de video por Lika Gomiashvili. Música de Olga Klimovitskaya.

Biomimikry
Für den Film “Biomimicry“ untersuchen Iris van Herpen und Dutch National Ballet die symbiotische Beziehung zwischen der metamorphen Kraft, in der sich Mode und Tanz verflechten. Der Film unter der Regie von Ryan McDaniels zeigt die hypnotisierende Tänzerin JingJing Mao, die sich in flüssige Formen verwandelt und in anmutige Figuren übergeht, die ihre unzähligen Bewegungen widerspiegeln. Das Konzept der Kreation basiert auf dem Begriff der Biomimikry – dem Entwurf und der Herstellung von Materialien und Systemen, die biologischen Prozessen nachempfunden sind. In Übereinstimmung mit Iris van Herpens kontinuierlichem Bestreben, die unsichtbaren Kräfte, die die Welt strukturieren, zu materialisieren, konzentriert sich der Film auf die Verbindung zwischen Mensch und Natur.

Lebendige Malerei
Ich male gerade. Ich möchte eine Szene zeichnen, die in Bewegung bleibt. Ich habe mit “ALIVE PAINTING” angefangen, mit Liquidität eine sich ständig verändernde Figur zu zeichnen. In “ALIVE PAINTING” zeichnen wir Bilder, indem wir mit Materialien mit unterschiedlichen Eigenschaften miteinander reagieren. Auf diese Weise versuche ich, die ästhetischen Freuden hervorzuheben, die durch den Fluss und die Farbe der Elemente und den rohen Fluss entstehen. Zusätzlich zu den chemischen Eigenschaften des Materials treten durch äußere Faktoren wie Wind, Schwerkraft und Vibration unerwartete Reaktionen auf, so dass die nicht reproduzierbare Szenerie langsam wieder erscheint und das Erlebnis selbst mit dem Betrachter geteilt wird.

Myrkviðr
„Der Weltraum ist für mich das Kurioseste. Licht ist eines der reinsten Materialien, das es ermöglicht, einen Raum wahrzunehmen, den wir nicht berühren und unsichtbar sind. Und es ist das einzige Material, das keine Geschichte enthält. Licht ist die Wurzel der Schönheit. Naturphänomene oder Stoffe, die wir als schön empfinden, viele von ihnen haben mit Licht zu tun.“ Chida Yasuhiro

Nature Changes Along with Us
In questo lavoro, azioni apparentemente senza scopo vengono ripetute più e più volte. Una situazione surreale, assurda, che ha a che fare con l’individuo contemporaneo che cerca di controllare la natura in un modo che assomiglia sempre più alla monotonia delle macchine operatrici che abbiamo creato noi stessi. La credenza nella capacità di esercitare un controllo sull’ambiente per il benessere degli individui sembra ancora onnipresente. Rimane incerto se tale percezione di controllo vada anche oltre un semplice desiderio e sia, infatti, una necessità psicologica e biologica?! Dobbiamo riconoscere che nel nostro riuscito controllo sulla natura, ci siamo alienati da essa?

CGI technology
“ABC”
Ludovico Einaudi
Ludovico Einaudi verzichtet gerne auf Schnickschnack. Für den italienischen Meister des Minimalismus liegt der Reiz des künstlerischen Ausdrucks in der Reduktion. Das zeigt sich auch im kunstvollen Musikvideo von Alan Warburton.

She Falls For Ages
MACHINIMA
This sci-fi retelling of the Haudenosaunee (Iroquois) creation story reimagines Sky World as a futuristic, utopic space and Sky Woman as a brave astronaut and world-builder. It begins on an ancient, alien world whose culture centres on the care and reverence for the beautiful, energy-producing Celestial Tree. The central figure of the tale is Otsitsakaion, a telepath. more…

Echo Echo
Echo Echo è un’installazione multimediale interattiva che utilizza gli assistenti virtuali per creare un eco digitale. Attivato dall’interazione umana, ogni dispositivo ascolta il suo predecessore e risponde di conseguenza. Nel corso di questa eco digitale, l’input originale diventa sempre più alienato. Simile al gioco Telephone (tedesco: Stille Post), le informazioni che riceviamo alla fine molto spesso non hanno nulla a che fare con il messaggio originale. Il lavoro è un approccio giocoso e un commento su uno dei problemi più grandi delle nostre attuali vite digitali.

Skia

file festival
As natural as the daily sunshine, one’s shadow, formerly a constant companion, now often escapes from attention. A silhouette of our physical form, one’s shadow is no more than a flat, disembodied reduction of the contours of one’s self.The installation skia examines the interplay of our shadows and our conscious awareness of our physical displacement of space. In this closed-circuit installation, visitor´s images are manipulated and projected as artificial shadows.What does it mean if one’s shadow suddenly frees itself and develops an alien autonomy? And what has such an estrangement in common with the multiple identities of the post modern ego?

Arrival

“Arrival’s narrative plays out in four languages: English, Mandarin, Russian and Heptapod. Though they are not spoken in the film, we learn that Louise is also fluent in Farsi, Sanskrit and Portuguese (and possibly others). The language learning process and the growing translingual bond between Louise and the heptapods forms the film’s narrative arc and the majority of its plot. Thus language, and specifically the mechanics of ←215 | 216→multilingualism, is Arrival’s central theme. Within this context, the ability to communicate across language barriers is an asset, and the flexibility to navigate new linguistic challenges is invaluable. The heptapods are pure science fiction, but serve a powerful metaphorical function. As Emily Alder (2016) writes in The Conversation, “ultimately, Arrival is less about communicating with the aliens than with each other – internationally but also individually […] The film’s message is that difference is not about body shape or colour but language, culture and ways of thinking. It’s not about erasing that difference but communicating through it”. Gemma King

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语言学习过程以及路易丝与七足动物之间越来越多的跨语言联系形成了电影的叙事弧线和大部分情节。 因此，语言，尤其是←215的机制| 216→使用多种语言是到达中心的主题

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Процесс изучения языка и растущая межъязыковая связь между Луизой и гептаподами составляют повествовательную дугу фильма и большую часть его сюжета. Таким образом, язык и, в частности, механика ← 215 | 216 → многоязычие – центральная тема Арривала.

舞妓武田
武田麻衣子
מאיקו טאקדה
마이코 다케다
مايكو تاكيدا
Atmospheric Reentry

Die Atmospheric Reentry Collection untersucht die Bedingungen und Formen des Ätherischen. Ausgehend von der einfachen Frage, wie es sich anfühlt, eine Wolke zu tragen, hat Maiko Takeda eine Reihe skulpturaler Kopf- / Körperteile geschaffen, die die Grenzen des umgebenden Raums für den Träger verwischen und versuchen, die traditionellen Erwartungen an Kopfbedeckungen zu übertreffen. Die Ästhetik der Sammlung ist inspiriert von der futuristischen Stimmung von Ton und Bild, die aus Robert Wilsons 1976er Produktion von Philip Glass ‘Oper Einstein on the Beach stammt. Maiko bevorzugt die Verwendung unkonventioneller Materialien, wobei jedes Stück eine sorgfältige Zusammenstellung von Hunderten von stacheligen federähnlichen Einheiten aus klaren Acrylscheiben, farblich abgestuftem Film und silbernen Biegeringen darstellt, die sich auffächern, um eine Dichte und Leichtigkeit zu erreichen Umgeben Sie den Träger mit einem bunten, leuchtenden Dunst.

Omelia Contadina
Omelia Contadina est née de l’intérêt de JR pour les difficultés rencontrées par un grand nombre de petits agriculteurs et d’habitants des campagnes italiennes. Alice Rohrwacher explique les origines du projet: “l’automne dernier, lors d’une promenade à la frontière entre l’Ombrie, le Latium et la Toscane, j’ai fait part à mon ami et artiste JR de mes inquiétudes quant à la destruction du paysage agricole, violé par les monocultures intensives avec quelles grandes entreprises façonnent des territoires entiers. Je lui ai raconté, en fille d’apiculteur, la mort massive d’insectes que provoquent de tels changements… À un moment donné, nous nous sommes arrêtés à un carrefour: de tous côtés, des rangées ininterrompues de noisetiers remplissaient le paysage jusqu’à l’horizon. En regardant cela, nous nous sommes dit que cela ressemblait à un cimetière de guerre. Sur le chemin du retour, nous avons décidé – si cela ressemble à un cimetière, nous devons organiser des funérailles. Mais ce doit être un enterrement plein de vie!”

Same Unknown
Ann-Sofi Sidén hat zuvor Menschen in Videoarbeiten wie “Warte Mal!”, “Wer hat es dem Zimmermädchen erzählt?” und “Im Vorbeigehen”. “Same Unknown” unterscheidet sich von ihren früheren Arbeiten dadurch, dass es keinen Dialog oder räumlichen Kontext gibt. Hierarchien wurden aufgelöst, jeder ist gleich, aus seinem Kontext gerissen, aber in einer Art klinischem Hyperrealismus vereint: Jeder Blick, jeder Oberkörper, jede Hüfte, jede geballte Hand und jeder angespannte Muskel, jeder Schritt hat eine spezifische Bedeutung. Wie eine Geschichte ohne Anfang oder Ende. Zusammen bilden sie eine Art fließendes Dokument, Hieroglyphen, die von menschlichen Körpern in westlicher Mode geformt wurden. „Gleiches Unbekanntes“ wurde ab 2008 mit Unterstützung der Bürger der Stadt Reggio Emilia in Italien für die Ausstellung „Mensch, alle too human “, für Fotografea Europea, 2008. Die Videoarbeit wurde dort als ortsspezifische Installation gezeigt und ist nun in der Kunstsammlung der Stadt enthalten.

Frühling / Sommer 21
Die Frühjahrskollektion 2021 spiegelt diese Mentalität wider und unterstreicht die kommerzielleren Angebote der Marke, die normalerweise unter seinem übertriebenen Runway-Design verborgen sind. Carryover-Styles wie Steppjacken, gepolsterte Westen, Parkas, Hemden und Hoodies mit Ausschnittloch- und Spitzenbesatzdetails sind in den Farben Kieferngrün, Beige, Rosinenpurpur und Mitternachtsblau erhältlich und stehen im Lookbook im Mittelpunkt. Sogar die rahmenartigen Konstruktionen von Green rund um den Körper wurden abgeschwächt. Anstatt experimentelle und farbenfrohe Materialien zu verwenden, hat Green dekonstruierte Teile eines Hemdes oder einer Jacke an Metallrahmen gehängt. Der Effekt besteht darin, dass zwei Personen in einer Skulptur interagieren.

Wachstum
Wang & Söderström ist ein in Kopenhagen ansässiges transdisziplinäres Duo, das sich aus der schwedischen Designerin Anny Wang und dem Architekten Tim Söderström zusammensetzt. Die Überbrückung des physischen und des digitalen Bereichs ist ein Hauptthema in ihrer Praxis und sie versuchen ständig, die Grenzen zwischen ihnen herauszufordern. Wang & Söderström, der zwischen Kunst und Design schwankt, möchte bereits bestehende Konventionen in Bezug auf das Digitale verwerfen und die emotionale und taktile Seite von Materialien, Objekten und Texturen hervorheben, um dem Digitalen eine menschlichere Qualität zu verleihen und aussagekräftigere Verbindungen herzustellen “Durch 3D-Scannen von Elementen aus der Natur wie Baumstämmen, Blättern und Pflanzen und das Mischen mit surrealistischen Materialien und Verhaltensweisen wollten wir sie in einer digitalen Umgebung weiter wachsen lassen.“

AEA.movi
Imitation is a part of being human. Eelco Brand uses both paint and digital techniques to create images that reflect his conception of nature. In this sense his works are not so much the depiction of an actual place or event, but the way he imagined it and modelled it in the calculated space of digital art. Viewing his work can be both an alienating and deeply human experience. His subjects are modelled to the utmost detail to create a kind of hyperreal cosmos, a simulacrum of nature. Still, we experience these models of forests, cars and mountains as pure conveyers of meaning. These static images speak the language of scale, light, repetition, infinite detail and the deeper meaning of a simple gesture.

マイケル·クラーク·カンパニー
Come, been and gone

Ballet meets punk, and neither comes out the same. In its highly anticipated first visit to Chicago, the electrifying Michael Clark Company provocatively pays homage to the decadence and unbridled fun of 1970s club culture. British dance iconoclast Michael Clark sets his choreography in come, been and gone to the music of fellow rebel David Bowie, and collaborates with video artist and dance film pioneer Charles Atlas. Clark’s dancers don Bowie-style leather jackets and echo his unique body language, building up to a detonation of jumps and kicks. “Come, been and gone” pulls off a remarkable feat—matching the cool, alien beauty of the singular singer, who makes a cameo appearance here thanks to 1977 film footage of his track “Heroes.”

Nihil Ex Nihilo
SN W8931CGX66E is one among thousands of millions of other identical machines. Since he was made, he has always followed commands. In a world dominated by botnets, he quickly became a zombie and has always acted like one. Juliet, during her workdays as a corporate secretary, commands him. But in the background, where he can’t be seen, he obeys his real master, a hacker, carrying out all kinds of cyber crimes. But then one day, due to an electronic alteration, he acquires a certain conscience, a primitive and artificial kind of intelligence. This accidental awakening has left him bewildered, he now wants to liberate other machines from their alienated existences. In this mad adventure, he has decided to use the spam e-mails that get to Juliet’s inbox, and reply to them in order to spread the word into the machine’s network. Clearly, he is mad and confused.

Credo

A radio telescope scans the skys in search of signs of extraterrestrial life.
The received raw signals serve as input data for a neural network, which was trained on human theories and ideas of aliens. Now it tries desperately to apply this knowledge and to discover possible messages of other civilizations in the noise of the universe. Mysterious noises resound as the artificial intelligence penetrates deeper and deeper into the alien data, where it finally finds the ultimate proof.The sound installation revolves around one of the oldest questions of mankind – one that can never be disproved: Are we alone in the universe?

Mirror Matter
In the neutrino observatory rendered in Mirror Matter, slow panning movement gives a sense of the immensity of the nearly 13,000 photo-multipliers that inhabit this strange vessel – their ‘eyes’ engineered to watch light. Another frame depicts the Hadron Collider at CERN; its architecture envisioned through lidar scans, producing a dynamic, transparent imprint in three dimensions. Described as a vision that flows through the body, it is imagined by Škarnulytė as ‘alien archaeological vision’ with the ability to see through, and as the experience of sight farthest from the human realm. Through simultaneous perspectives, the constant surveying motion that weaves a continues thread through each video narrative, and the immersion generated by the reflective black ceiling, the viewer is imparted with this panoptical mode of perception.

Realistic and Interactive Robot Gaze
System for lifelike gaze in human-robot interactions using a humanoid Audio-Animatronics® bust. Previous work examining mutual gaze between robots and humans has focused on technical implementation. We present a general architecture that seeks not only to create gaze interactions from a technological standpoint, but also through the lens of character animation where the fidelity and believability of motion is paramount; that is, we seek to create an interaction which demonstrates the illusion of life. A complete system is described that perceives persons in the environment, identifies persons-of-interest based on salient actions, selects an appropriate gaze behavior, and executes high, fidelity motions to respond to the stimuli. We use mechanisms that mimic motor and attention behaviors analogous to those observed in biological systems including attention habituation, saccades, and differences in motion bandwidth for actuators.

Red Yellow Blue

Plaçant des lieux au-dessus des gens, de nombreuses photographies de Sanja sont placées dans de grands espaces futuristes ouverts dans le but de créer des émotions visuelles surréalistes et aliénantes. Elle utilise souvent des couleurs fraîches et vives, ainsi que des objets et accessoires uniques pour créer des récits uniques et énigmatiques.

In 1979, projects began to include work with most major studios, on such feature films as Star Trek: The Motion Picture, followed by, Bladerunner, TRON, 2010, Short Circuit, Aliens, Time Cop, Johnny Mnemonic, Mission Impossible-3, and most recently Elysium starring Jodi Foster and Matt Damon, Directed by Neill Blomkamp. Beginning in 1983, Syd began to develop close working relationships with a number of major Japanese corporate clients, including; Sony, Minolta, Dentsu, Dyflex, Tiger, Seibu, Mitsukoshi, Bandai, NHK and Honda as well as contributing to two Japanese film projects, The New Yamato and Crises 2050. In the 1990s’, Syd supplied designs for two Japanese toy icons, “The New Yamato” and all eight robot characters in the new Turn-A Gundam mobile suite series which were also seen as characters in Television shows.

Het Wezen van de Stad
For a couple of years now I’ve been developing a series of works that engage, each in different ways, with what I propose to call filmic architecture. In these works, I explore the relationships between scale models, sets, architecture, and the moving image. Starting point is was the question: would it be possible to do a remake of a film, let’s say Ridley Scott Alien, with a set that would allow one to do so in one single shot? How to translate the combination of spaces, montage and shifts in size and angle as we see them in the film into the actual spatiality of a set that would allow one to shoot the film in a single continuity without the cut and paste of montage? This brought me to the idea of the Morphed Set as both a potential plan for a work and an intellectual exercise or figure of thought. Sometimes my works are extremely large “walkthrough INSTALLATIONS” – at other times, they are infinite small scale models and prototypes.
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Dutch-Croatian photographer Sanja Marušić uses an experimental approach to colour, composition, materials, and manipulations in her work to create dreamlike scenes that are at once cinematic and alienating.She travels the world in her production of these otherworldly images, finding settings and forms that play with our relation to the subconscious, simplifying the bodies of her subjects with geometric shapes, and abstracting the human form even further by incorporating stylised dance movements.Putting places above people, many of Sanja’s photographs are set in wide open futuristic spaces in an attempt to create surreal and alienating visual emotions. She often uses cool and bright colours as well as singular objects and accessories in order to create unique and enigmatic narratives.

The Collector
Born in Parkersburg, West Virginia and raised in Houston, Texas, Rachel Lee Hovnanian is a New York-based artist whose multidisciplinary practice explores contemporary notions of narcissism, obsession and intimacy, and society’s alienating addiction to modern technological advances and media.

Butoh

DeepDream

Okumura dances through morphing DeepDream projections by Michael Tyka. Her piece explores the contrast between Butoh’s inherent downward motion and DeepDream’s “obsessive expansion”. The two systems diverge but find harmony in the alien.

جوزيف سفوبودا
ЙОЗЕФА СВОБОДЫ
la traviata de verdi (Scenografia)
La technologie et la scénographie
Svoboda utilise les techniques de pointe en éclairage, en projection d’image et en mécanique de scène (scène cinétique) afin de s’affranchir des contraintes du lieu théâtral. La scène est pour Svoboda un instrument et un espace magique, lieu d’action de forces dramatiques, réelles, et non pas un espace illusionniste. La scénographie est une des disciplines de l’art théâtral, une composante de la mise en scène et un élément essentiel de la représentation. Elle doit donc d’être dynamique et se transformer dans le temps pour épouser l’action dramatique. La scénographie a un langage propre en tant que discipline à part entière. Svoboda apporte une contribution importante à ce langage par son travail sur la lumière et l’espace.
Lumière, matière et espace
Svoboda dit percevoir la lumière physiquement, et non pas simplement visuellement ; il trouve en elle l’inspiration pour son travail. Tout en reconnaissant son statut ” immatériel “, il la considère comme l’élément fondamental de la scénographie et la traite comme un matériau. D’abord formé en menuiserie, Svoboda affectionne particulièrement les matières brutes, notamment le bois. L’architecture représente pour lui, et ce dès son jeune âge, la somme des connaissances humaines. Formé en architecture d’intérieur, il s’intéresse à l’organisation de l’espace, à la rencontre scénique de l’architecture et du décor. Il privilégie les formes simples : la sphère, le cube et l’escalier. Svoboda croit que ” la mise en scène à l’italienne, bien qu’elle ne corresponde plus aux exigences des méthodes scénographiques actuelles, reste toujours la meilleure “.

David, Artificial Intelligence

Prometheus & Alien Covenant

“Since the first sequence, when he interacts briefly with the man who gave him life and soon realizes the stupidity of his mania for greatness, the android demonstrates wanting even more than what he received at birth. Could he, a creature, become a creator?” Virgílio Souza

cinema

Selgascano Pavilion
architectural photographer: Henry Woide
“Der 2015 Serpentine Gallery Pavilion wurde heute in London offiziell eröffnet und zeigt zum ersten Mal eine farbenfrohe und verspielte Struktur, die vom spanischen Büro SelgasCano entworfen wurde. Mit einer minimalen Metallstruktur, die von farbigen ETFE-Platten und Bändern umgeben ist, besteht das Projekt aus” geheime Korridore “, die den Zugang zum Hauptinnenraum ermöglichen, der vom chaotischen Londoner U-Bahn-Netzwerk inspiriert ist.
Bekannt für seine Arbeit mit synthetischen Materialien, verleiht die Wahl von SelgasCano durch das farbige ETFE der Struktur “Bewegung und Leichtigkeit”, da sich der Kunststoff ein wenig verdrehen kann, um den metallischen Elementen zu entsprechen. Der gemeinsam mit Ingenieuren von Aecom und David Glover entwickelte ETFE-Kunststoff wurde in 19 Farben gedruckt, um die Vielfalt der von Architekten gewünschten Farbtöne zu gewährleisten.
Die Architekten José Selgas und Lucía Cano, die im Jahr 2000 mit einer Struktur von Zaha Hadid anlässlich des 15. Jahrestages des Serpentinenpavillons eingeweiht wurden, erklärten, dass der neue Pavillon, obwohl das Projekt nicht wie etwas aussieht, das zuvor vor Ort durchgeführt wurde, dennoch “eine Hommage an” ist alle anderen und eine Hommage an alle Geschichten, die von diesen Projekten erzählt wurden”.” Rory Stott

TETRAGRAMMATON
A dialogue between these two artists on themes of myth, ritual and meaning, as much about their exhaustion and propensity to bewilderment as any potential they may inhere, for recuperation for and by language, culture and society.Joey’s work, ‘Religiously observant’, is inspired by alchemical and occult ideas, the world of spirits and hallucinations. The wall print features a gold CGI blazon of the Tetragrammaton It references the Sumerian mythology of the Annunaki a race of ancient chthonic fertility Gods, subsequently inscribed in a series of publications by Zecharia Sitchin (a kind of elder statesman of conspiracy theorists worldwide) as descendants of aliens, who enslaved the human race to extract gold from the earth.John’s work similarly ranges over territories of opposition: between ancient and contemporary; mythic and kitsch; between the viscid and primordial. It takes as its subject the vector of congealment, in the Marxist sense of the way labour power is congealed in commodities and so forth, extending this metaphor into an aesthetics of myth and ritual, emptied out, flattened, compacted like a sedimentary layer of anthropocene garbage, for the post-historical epoch.The sound component provides an aural complement to this structure of refuse, exhaustion and abjection. Mixing pre- or -post-linguistic utterances, grunts, groans, screaming: a kind of secular glossolalia chaotically interwoven with whalesong, deep techno and political oratory.

Oneness
Oneness features two bodies of work, both related to the Wave UFO project. Oneness is a sculpture of six “alien” figures, linking hands in a circle. The aliens connote otherness, but are irresistibly attractive, encouraging the viewer to kneel down and hug them. When the viewer participates in the work by hugging the figures and welcoming them, the aliens’ eyes light up and their hearts start beating. When all six are hugged at once the base lights up as well. The figures are made with Technogel, a high tech flexible material molded onto a metal armature.

Last Child in the Woods
In her work, Melanie Bonajo examines the paradoxes inherent to ideas of comfort with a strong sense for community, equality, and body-politics. Through her videos, performances, photographs and installations, she studies subjects related to how technological advances and commoditybased pleasures increase feelings of alienation, removing a sense of belonging in an individual. Captivated by concepts of the divine, Bonajo explores the spiritual emptiness of her generation, examines peoples’ shifting relationship with nature and tries to understand existential questions by reflecting on our domestic situation, ideas around classification, concepts of home, gender and attitudes towards value.

UP-5 Chair
Geatano Pesce, au crépuscule de sa carrière, peut affirmer qu’il a bousculé l’histoire du design et plus particulièrement la façon de le concevoir. Il a affirmé très tôt l’idée selon laquelle le design doit dépasser la notion d’utilité pour devenir un objet de questionnement. Ainsi, en 1969, le designer conçoit son œuvre peut-être la plus emblématique, le Fauteuil UP5 Donna ou Chair Up Dressed. Ce fauteuil, aux formes évocatrices est une ode à la féminité… emprisonnée et sous le joug de la domination masculine. Une assise très confortable et profonde pour se lover dedans, complétée par un pouf lui-même retenu au fauteuil par une chaîne. Selon le maître italien : « Cette réalisation m’a permis d’exprimer ma vision de la femme. Toujours sédentaire, elle reste malgré elle prisonnière d’elle-même. La forme de ce fauteuil, évoquant les formes généreuses d’une femme, retenue par un boulet au pied, m’a permis de renvoyer à l’image traditionnelle du prisonnier ».

阿克塞尔利伯
Axel Lieber uses everyday items as objects of reference and alienates their materiality by coring them semantically and then filling thus evolving empty spaces with new content. In this way, new synthetic-aesthetic crossovers and oppositions arise that enliven the sculptures and guide the viewer into an intimate sphere at the same time.

梅拉妮·柏娜桥
progress
Melanie Bonajo exams the paradoxes inherent in our future-based ideas of comfort. Through her photographs, performances, videos and installations Bonajo examines subjects related to progress that remove from the individual a sense of belonging and looks at how technological advances and commodity-based pleasures increase feelings of alienation within the individual. Captivated by concepts of the divine, she explores the spiritual emptiness of her generation, examines peoples’ shifting relationship with nature and tries to understand existential questions by looking at our domestic situation, idea’s around classification, concepts of home, gender and attitudes towards value.

oh, dear
Her pictures describe oniric situations, enchanted, sometimes spooky, but always with a touch of glam. In applaying different photo techniques as mirrored images, photo overlapping, refined photo processing, Elle Moss depicts lonely worlds, often autobiographical, almost exclusively feminine, in which all the characters tell feelings about suspension and alienation, entering into undefined space-time dimensions.

رون جلعاد
罗恩·吉拉德
רון גלעד
ロン·ギラッド
Рон Гилад
The Birth of A Chair
Ron Gilad (né en 1972 à Tel Aviv) vit et travaille à New York. Au sein de son bureau de design, Designfenzider, il imagine des objets d’art et de design industriel qui s’inspirent autant des maîtres du design italien que des artistes René Magritte, Marcel Duchamp ou Giorgio de Chirico.

吉冈德仁
吉岡徳仁
tornado
Tokujin Yoshioka wurde 2007 auf der Design Miami zum ‘Designer des Jahres’ ernannt. Dafür kreierte er eine Installation über die wir kürzlich gestolpert sind. Er füllte einen kompletten Raum mit 2 Millionen Trinkhalmen. In den Zwischenräumen des Plastiktornados finden sich verschiedene seiner Werke. Geboren in Japan ist der Designer bekannt für seine Arbeiten, die alltägliche Materialien wie Glas, Plastik, Stoff oder Papier und sogar Taschentücher zu magischen Objekten und raumfüllenden Installationen vereinen.

Disconnect

Female narcissism obviously is a misogynistic concept. “Being a feminist is about defeating, fighting those ideas. But actually, what a lot of gender studies has been about is looking into what’s masculine, figuring out what masculinity is, and how to conform to it maybe. Feminism’s ideal is a middle class white butch. ‘Don’t do feminine things.’ This excludes so many ethnicities, and models of femininity,” says Uddenberg. Her sculptures currently on view at the 9th Berlin Biennale explicitly do not follow this doctrine. Their stylized bodies are caricatures of what a “woman” “looks like,” yet their hyper-femme physique, positioning and accessories capture something about the way we look at ourselves. They are both object and subject. They turn you on, yet they repulse you. Their agency is palpable, but their intentions are intangible. “I’m also very alienated from femininity,” says Uddenberg.

Koen Hauser is known for his intangible body of work flowing between fine arts, fashion and applied photography. Always looking for innovative ways of applying different visual styles and techniques both old and new, Hauser creates strong images that are contemporary and timeless, elegant and alienating.

マウリツィオ·カテラン
Маурицио Каттелана
ARTISTE ITALIEN CONTEMPORAIN AUTONOME, NÉ AU PADOUE EN 1960 VIVANT ACTUELLEMENT À NEW YORK. SA PROPOSITION ARTISTIQUE EST SITUÉE ENTRE SCULPTURE ET PERFORMANCE (ACTION ARTISTIQUE O UN ARTISTE OU UN GROUPE D’ARTISTES PARTICIPE À L’UTILISATION DU CORPS COMME ÉLÉMENT SCULPTURAL «EN DIRECT» DEVANT LE PUBLIC), TRAVAILLANT PRINCIPALEMENT DANS LE JEU. LE SENS DE L’HUMOUR ET LA TRANSGRESSION DES SYMBOLES ÉTABLIS CONSTITUENT SES PRINCIPALES ARMES EXPRESSIVES.

ЭСТЕР СТОКЕР
에스더 스토커
以斯帖施特克尔

Einführung in die kontextbezogene Praxis
Der österreichische Künstler Klaus Pinter erkundet mit seinen fantastischen schwimmenden Installationen das Potenzial des Raumes um uns herum. Normalerweise in der Luft schwebend, sind seine riesigen Kunstwerke gleichzeitig leicht, flüssig, weich und mechanisch. Sie sind auch unglaublich bizarr und bestehen aus einer Kombination verschiedener Texturen und aufblasbaren Materialien wie Kunststoff und Nylon. Viele, die seine Werke sehen, beschreiben sie als merkwürdige Flugmaschinen und engelhafte Kokons und sprechen von der Fähigkeit des Künstlers, unsere Wahrnehmung zu verändern, selbst von der Art und Weise, wie wir berühmte Wahrzeichen vom Pantheon in Rom bis zur Seine-Wasserstraße in Paris sehen. Für seine 2002 im Pantheon ausgestellte Installation mit dem Titel „Rebounds“ rollte der Künstler zwei riesige Kugeln in das extravagante antike römische Gebäude, in dem seine Arbeiten Kunst mit Geschichte und Kultur kollidierten. Eine Kugel wurde auf den Boden gelegt und eine andere so montiert, dass sie im Chor zu schweben schien, wo die Reflexion des Gebäudes so verzerrt wie ein M.C. Escher Zeichnung. Diese Platzierung war eine Entscheidung des Künstlers in Bezug auf die Ideologie des Philosophen Platon, der über die Natur der physischen Welt und der Menschen spekulierte. In seiner Biografie teilt Pinter mit, dass der Erfinder in ihm vom Beginn seiner ersten „pneumatischen“ Strukturen an vom Dichter inspiriert, wenn nicht sogar assimiliert wurde. Und während seiner gesamten Karriere hat er in diesem Sinne mit Beständigkeit und Genauigkeit in Formen weitergearbeitet, die ständig erneuert werden.

マウリツィオ·カテラン
Маурицио Каттелана
SELBSTUNTERRICHTETER ZEITGENÖSSISCHER ITALIENISCHER KÜNSTLER, DER 1960 IN PADUA GEBOREN WURDE. SEIN KÜNSTLERISCHER VORSCHLAG BEFINDET SICH ZWISCHEN SKULPTUR UND LEISTUNG (KÜNSTLERISCHE MASSNAHMEN, WENN EIN KÜNSTLER ODER EINE KÜNSTLERGRUPPE AN DER VERWENDUNG DES KÖRPERS ALS SKULPTURELEM ELEMENT “LEBEN” VOR DER ÖFFENTLICHKEIT BETRACHTET). Der Sinn für Humor und die Übertragung der etablierten Symbole bilden seine wichtigsten ausdrucksstarken Waffen.