FEMMED’INTÉRIEUR ALINE PÉROT

MOTUS VESTITUS Interactive Fashion Show
Phonotonic
New Technology, Music and Fashion

Tilman Küntzel

Falling Chandelier
L’installation audiovisuelle Fallen Chandelier est basée sur une sonification d’un système de contrôle provoquant le scintillement de quarante ampoules à l’intérieur d’un lustre tombé. Vingt starters interconnectés, similaires à ceux que l’on trouve couramment dans les tubes fluorescents, génèrent un rythme lumineux irrégulier. Cela se produit au moyen de bilames qui sont chauffés dans un tube et entrent ainsi en contact les uns avec les autres en séquence rapide. Ce processus est audible. Chaque démarreur génère son propre rythme, qui a un son différent selon la marque, la composition et le degré d’usure des démarreurs. « J’écoute d’abord beaucoup de starters avant de les utiliser pour une installation dans le sens de la composition. »

Simon Stimberg

Bathing Lightness
Bathing in Lightness est une installation lumineuse et sonore interactive qui semble animée par une entité essaim essayant d’explorer son monde intérieur et de communiquer avec l’extérieur. Composé de 52 ampoules à filament, il visualise le mouvement d’un essaim de particules entraîné par la présence du spectateur et sa propre envie intérieure. Les visiteurs peuvent interagir avec l’installation en se déplaçant devant elle tandis que leur mouvement est suivi par l’essaim et ainsi traduit en lumière et en son – visibles à l’intérieur du groupe d’ampoules et audibles via des haut-parleurs ou des écouteurs à proximité.

Teamlab

Moss Garden of Resonating Microcosms
TeamLab essaie de mettre à jour le concept de couleur. Ovoid change avec 61 couleurs, un nouveau concept de couleur nommé “couleur de lumière solidifiée”. On dit que les bryophytes sont les premières créatures terrestres à apparaître dans un monde de roches et de sable, où il n’y a pas encore de créatures sur terre. Avec l’émergence des mousses et des ptérophytes et la formation des forêts, divers animaux sont devenus capables de vivre sur terre. Les organismes meurent lorsque leur corps manque d’eau car l’eau à l’intérieur des cellules est essentielle. D’autre part, les plantes de mousse ont une résistance à la déshydratation en raison de la propriété particulière du changement d’eau, dans laquelle la teneur en eau dans les cellules fluctue en raison des changements d’humidité ambiante, ne meurent pas longtemps à l’état sec, et si l’eau est étant donné, ils peuvent exercer les activités de la vie. Étant donné que la mousse modifie l’eau, sa couleur et sa forme changent considérablement selon que l’air est sec ou humide, par exemple lorsqu’il pleut ou qu’il s’agit de brume. Les tardigrades qui vivent entre les mousses deviennent également dormants, un état de dormance non métabolique, et arrêtent leur activité lorsque l’environnement devient sec, mais lorsque de l’eau est donnée, ils récupèrent et commencent leur activité.

Martin Messier

ECHO CHAMBER
Performance audiovisuelle en plusieurs tableaux, Echo Chamber s’inspire des technologies qui permettent de sonder l’intérieur du corps, telles que les ultrasons et l’acupuncture, générant une composition sonore dans laquelle l’idée de résonance prédomine. En créant une interface modulaire à trois panneaux permettant de multiples manipulations, Messier a défini les limites des possibilités d’exécution d’une chorégraphie son et lumière. Saisissez de longues aiguilles comme s’il s’agissait de notes d’un instrument, perçant une plaque sensible à l’audio qui déclenche des séquences sonores.

JOHN LIEBLER

Art of the Cell

Beneath our everyday world there is a miniature universe of cells, trillions of tiny worlds, unseen and beautiful. Here is our latest 3D medical demo reel, including clips from many of the projects we’ve worked on, such as “Biology:How Life Works”, and “The Inner Life of the Cell”. We hope that you enjoy this two and a half minute tour of the Art of the Cell.

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Art de la cellule

Sous notre monde quotidien, il y a un univers miniature de cellules, des trillions de mondes minuscules, invisibles et beaux. Voici notre dernière démo médicale en 3D, comprenant des extraits de nombreux projets sur lesquels nous avons travaillé, tels que «Biologie: comment fonctionne la vie» et «La vie intérieure de la cellule». Nous espérons que vous apprécierez cette visite de deux minutes et demie de l’Art de la cellule.

LAWRENCE MALSTAF

Nemo Observatorium
File Festival

Si on pouvait décrire Nemo Observatorium, on en parlerait comme d’une pièce, une chambre plutôt, qui n’aurait la possibilité d’être visitée que par une ou deux personnes maximum. Dans Nemo Observatorium, le visiteur se place au centre d’un cylindre transparent et appuie sur un bouton. Ce bouton déclenche alors un tourbillon qui fait voltiger à très haute vitesse des petites bulles de polystyrène qui se déplacent trop rapidement pour être suivies par l’œil humain. La personne située à l’intérieur décide de la durée de la tornade ( tornado ). La tornade fonctionne à partir de 5 gros ventilateurs. Un situé en dessous du spectateur et 4 autres autour du cylindre.

AZUMA MAKOTO

Système Environnemental Encapsulé
Cette machine est entièrement équipée d’une machine à brouillard comme pour envelopper les plantes dans un brouillard des deux côtés et d’un système d’alimentation en eau goutte à goutte qui peut être activé en fonction de la situation afin de maintenir l’état d’une plante et de contrôler la température et l’humidité intérieures. De plus, la forme cylindrique peut capturer entièrement la lumière naturelle à des angles de 365 ° depuis les verres, et elle peut correspondre à la croissance des plantes en ayant la plus grande échelle de hauteur de la série. Les ventilateurs au plafond jouent le rôle du vent et une plante peut écouter la musique des haut-parleurs étanches. La machine absorbe des éléments essentiels – pluie, vent, lumière et son – par des moyens artificiels et complète un petit monde où son cycle écologique est condensé. Cela nous permet d’admirer la beauté des plantes en n’étant pas affecté par l’environnement extérieur.

IEF SPINCEMAILLE

Clignotement inversé
Imaginez que votre tête soit capturée dans un appareil photo. Il fait complètement noir. Ce n’est que lorsque l’obturateur s’ouvre et se ferme que vous voyez le monde en un éclair. L’obturateur se déplace si vite que rien n’a le temps de bouger. Tout ce sur quoi vous pointez votre regard devient comme une photographie. Un souvenir. Quelque chose qui a été, mais qui n’est plus. Vous voyez les gens comme des personnages figés, des rues entières comme des moments intacts. La vie comme une sorte de spectacle. «Reverse Blinking» crée cette expérience. C’est un casque complètement fermé avec deux volets devant les yeux. Ils sont contrôlables par l’utilisateur. Le clignotement inversé fonctionne sur piles et peut être utilisé librement à l’intérieur ou à l’extérieur du musée. Il est préférable de l’utiliser là où il y a beaucoup de mouvement et de monde. «Reverse Blinking» fait partie d’une série d’œuvres d’art, à travers laquelle l’artiste essaie d’ajouter des effets vidéo et photographiques à notre façon naturelle de voir.

JONNA KINA

Arr. pour une scène
La force sonore de la scène de meurtre la plus célèbre du cinéma est étudiée. Deux artistes foley recréent la séquence de douche d’Hitchcock, déconstruisant les associations de signifiants auditifs et le pouvoir synesthésique du son. Jonna Kina contextualise ce phénomène étrange – la qualité trans-sensorielle du son – à la fois dans l’œuvre de Kina, ainsi que dans d’autres œuvres historiques et contemporaines à l’intérieur et à l’extérieur du domaine de l’art. Dans Arr. for a Scene (2017), Kina explore les structures et les formes du son cinématographique – en transformant une image emblématique – la scène de douche horrible dans Psycho d’Alfred Hitchcock (1960) – en fréquences sonores d’objets domestiques originaux et apparemment innocents.

DOUG AITKEN

Mirage Gstaad
«Mirage Gstaad de Doug Aitken utilise la fréquence de la lumière pour refléter le sublime paysage alpin dans le cadre d’une rencontre en constante évolution dans laquelle la terre et le ciel, le sujet et l’objet, l’intérieur et l’extérieur sont en constante évolution. Contrastant avec le chalet environnant, la structure de style ranch suggère une version architecturale moderne de Manifest Destiny, la migration vers l’ouest qui a commencé en Europe et s’est finalement installée en Californie. Avec chaque surface disponible revêtue de miroir, il absorbe et reflète à la fois le paysage environnant de telle manière que l’extérieur disparaîtra apparemment tout comme l’intérieur entraîne le spectateur dans un kaléidoscope sans fin de lumière et de réflexion.

LING LI TSENG

La recherche de la lueur
Arroser la brume en attachant le tronc d’arbre. Entrelacer un paysage avec la forêt qui se trouve à l’intérieur de la montagne profonde. Regardez avec clarté ou flou. Un courant de lumière conduit la mystérieuse brume à s’aventurer dans la forêt. Trouvé un objet léger sous la foule d’arbres qui est construit par des bois mélangés. Les bâtons de bois se chevauchent et s’enroulent comme une pomme de pin creuse. Sa construction et son motif vont bien avec la ligne de la cime des arbres. C’est un chuchotement entre l’humain et la nature.

JEAN TINGUELY

让汤格利
ז’אן טינגלי
ジャン·ティンゲリー
장 팅겔리
Жан Тингели
Le Cyclop
jean tinguely and niki de saint phalle
Aux premiers abords, cette masse perdue dans la forêt de Fontainebleau m’a laissé assez sceptique. Je ne la trouvais pas forcément esthétique et elle n’a pas retenu mon attention. Et pourtant… Plus la vidéo avançait, plus cette installation permanente m’intriguait. Il faut préciser que c’est une oeuvre bruyante (grincements, roulements répétés de boules, mécanismes…) et qui interpelle le spectateur/visiteur par tous ses sens, il observe, touche, entend, sent, il est présent et peut participer. Le spectateur est donc acteur et c’est une caractéristique essentielle dans l’oeuvre.
C’est l’oeuvre de Jean Tinguely mais qui existe telle qu’elle est grâce à la contribution de plusieurs artistes comme Klein, Arman, César, Soto, Weber… Le Cyclop se parcourt à l’extérieur mais aussi par l’intérieur où plusieurs salles sont dédiées aux oeuvres des divers artistes souvent sculpteurs. Le visiteur est au coeur de la structure, constate et se questionne. La créature, qui est recouverte de milliers d’éclats de miroirs, contraste totalement avec l’environnement qui l’entoure. On a une construction plutôt moderne placé dans un paysage réel et vivant, ce qui fait ressortir l’oeuvre et lui donne toute son originalité. Cela m’intéresserait de me balader dans le bois-des-Pauvres et d’y trouver une création aussi riche et complète. J’ai l’espoir et l’envie de la voir et de pouvoir la parcourir par moi-même, un jour, peut être…

Éric Sadin

Globale Surveillance
Nous vivons dans un monde sous surveillance : plus personne n’oserait en douter. Mais quelle forme prennent aujourd’hui les nouveaux dispositifs de contrôle et en quoi sont-ils différents des pratiques du siècle dernier ? Comment modifient-ils notre rapport au monde et aux autres ? Vont-ils jusqu’à menacer le droit à la vie privée ? Globale Surveillance dresse une zone spatiale hypersurveillée, à l’intérieur de laquelle acteurs et spectateurs sont soumis à quantité de procédures de traçabilité rendues visibles, a contrario de nombreux mécanismes quotidiennement à l’œuvre et marqués par le phénomène angoissant de l’invisibilité.

JOSEF SVOBODA

جوزيف سفوبودا
ЙОЗЕФА СВОБОДЫ
la traviata de verdi (Scenografia)
La technologie et la scénographie
Svoboda utilise les techniques de pointe en éclairage, en projection d’image et en mécanique de scène (scène cinétique) afin de s’affranchir des contraintes du lieu théâtral. La scène est pour Svoboda un instrument et un espace magique, lieu d’action de forces dramatiques, réelles, et non pas un espace illusionniste. La scénographie est une des disciplines de l’art théâtral, une composante de la mise en scène et un élément essentiel de la représentation. Elle doit donc d’être dynamique et se transformer dans le temps pour épouser l’action dramatique. La scénographie a un langage propre en tant que discipline à part entière. Svoboda apporte une contribution importante à ce langage par son travail sur la lumière et l’espace.
Lumière, matière et espace
Svoboda dit percevoir la lumière physiquement, et non pas simplement visuellement ; il trouve en elle l’inspiration pour son travail. Tout en reconnaissant son statut ” immatériel “, il la considère comme l’élément fondamental de la scénographie et la traite comme un matériau. D’abord formé en menuiserie, Svoboda affectionne particulièrement les matières brutes, notamment le bois. L’architecture représente pour lui, et ce dès son jeune âge, la somme des connaissances humaines. Formé en architecture d’intérieur, il s’intéresse à l’organisation de l’espace, à la rencontre scénique de l’architecture et du décor. Il privilégie les formes simples : la sphère, le cube et l’escalier. Svoboda croit que ” la mise en scène à l’italienne, bien qu’elle ne corresponde plus aux exigences des méthodes scénographiques actuelles, reste toujours la meilleure “.

urbanscreen

320 degree licht

L’installation «320° Lumière» du groupe artistique URBANSCREEN, implanté à Brême, utilise comme point de départ la beauté et le caractère de cathédrale du Gazomètre pour créer un jeu fascinant de volumes et de lumière. Des motifs graphiques se développent et se transforment dans un rayon de 320 degrés sur la paroi intérieure du Gazomètre d’une hauteur de 100 mètres. Le spectateur assiste alors à une alternance entre un espace réel et un espace virtuel, le Gazomètre semble se dissoudre dans ses propres structures filigranes pour finalement retrouver continuellement sa forme distincte. «320 ° Lumière» est réalisée à partir d’une technologie de projection Epson. L’installation couvrant une surface de 20 000 mètres carré fait partie des projections intérieures les plus grandes et en terme de technique les plus complexes.

EVELIEN GERRITS

Colourful lines

‘Colorful lines’ est une belle photographie d’Evelien Gerrits, prise à l’intérieur de Dick Bruna House – un musée néerlandais célébrant spécifiquement ses œuvres.

Patty Carroll

Anonyme Femme
Voor haar serie “Anonieme Vrouwen” drapeerde fotografe Patty Carroll vrouwen met verschillende stoffen en textiel. Het lijkt er zelfs op dat de vrouwen op deze manier verdwijnen in het interieur van de woning. Alsof hun identiteit op deze manier van ze ontnomen wordt.

Mourad Merzouki

Répertoire#1
A la manière d’un chef d’orchestre, Mourad Merzouki a adapté Têtes d’Affiche pour le mêler à l’intensité de Douar, la force intérieure de In The Middle et l’énergie de Urban Ballet. Dans cette pièce à la frontière des styles, les signatures sont exaltées, chaque esthétique se trouve sublimée. En tricotant les passages les plus forts des pièces de ses confrères avec les siennes, le directeur du Centre chorégraphique national de Créteil contribue à créer la mémoire vive du hip-hop.

Michael Sailstorfer

Ideal Oben
La position artistique de Michael Sailstorfer est constamment remettre en question et d’élargir la notion classique de la sculpture. Avec ses œuvres souvent richement produits qu’il met les processus de la vie quotidienne dans les relations insolites les uns envers les autres. Il intègre la lumière, le son et l’odeur à l’intérieur de ses installations générant ainsi des images de puissance poétique.

SEAN MCGINNIS

Шон МакГиннис
肖恩·麦金尼斯
The Webmaster
Des brins de couleur, tantôt rougeoyants tantôt fluorescents, s’entrelacent pour former d’étranges toiles. Ces sculptures sont installées à l’intérieur ou en extérieur, et changent selon l’angle de vue du spectateur. Elles interrogent le lieu qu’elles occupent tout autant que notre rapport à l’espace.

CLEMENS BEHR

Né à Koblenz (Allemagne) en 1985, Clemens Behr parcourt le monde pour y déposer d’étranges monuments de carton, de papier et d’objets recyclés. Formé en graphisme et éduqué au graffiti, il s’inspire de l’origami comme, dans une certaine mesure, du cubisme pour composer des sculptures géométriques et éphémères. Ces constructions précaires finissent par s’approprier l’espace, intérieur comme extérieur, où Behr les installe au point de l’habiter ou de l’inviter dans une forme de dialogue tridimensionnel.

Sui Park

Cell I & II
Sui Park est une artiste et architecte d’intérieur basée à Brooklyn. À l’aide de câbles zip, elle a créé des mailles pour finalement obtenir de magnifiques structures organiques. Ces impressionnantes sculptures semblent presque irréelles et donnent l’illusion de flotter au dessus du sol. Plus de détails en images.

Liz West

Your Colour Perception
L’artiste britannique Liz West, spécialiste du light-art, a choisi d’interroger nos perceptions des couleurs en créant un gigantesque arc-en-ciel d’intérieur.
En inondant de couleurs une pièce de 500 mètres carrés au 4ème étage de la Castlefield Gallery’s New Art Spaces Federation House de Manchester, l’installation Your Colour Perception immerge le public dans un univers multicolore et bigarré, saturé de lumière.

TAE GON KIM

تاي غون كيم
Robes de mémoire

Amant imaginaire
L’œuvre éthérée de Tae Gon Kim, Dresses of Memory, façonne des centaines de brins de fibre optique sous la forme de quatre robes magnifiques et extravagantes. Suspendues dans l’obscurité, les robes apparaissent comme des apparitions, scintillantes des royaumes de la fantaisie. Lentement, la fibre optique illuminée de chaque robe change de couleur, symbolisant son histoire et sa transformation au fil du temps.En créant l’œuvre, l’artiste s’est inspirée de l’écriture du théoricien et philosophe littéraire français Roland Barthes. Dans sa publication de 1978 A Lover’s Discourse: Fragments, Barthes écrivait: «Je veux être un, je veux que ce soit comme si nous étions unis, enfermés dans le même sac de peau, les vêtements étant l’enveloppe lisse du matériau fusionnant qui est en fait mon amant imaginaire.
Tae Gon Kim a interprété ce texte en créant des œuvres qui reflètent également sa propre fascination pour les relations et l’amour. Il veut que les robes amènent le spectateur à imaginer «que nous devenons les gens que nous aimons». En projetant des images sur les robes, il invite le spectateur à l’intérieur, «comme si nous portions nos désirs». Les différentes images racontent également l’histoire et en constante évolution de chaque robe.

Maarten de Ceulaer

Maarten de Ceulaer est un jeune et talentueux designer à suivre. Il a obtenu son diplôme avec mention au département de design d’intérieur de la St-Lukas Hogeschool de Bruxelles et a décidé de continuer sa formation sur la conception des produits, en poursuivant ses études à la Design Academy d’Eindhoven. Il explique très bien sa vision sur le design, que je partage avec lui, de cette façon : « J’essaie de développer mes créations sur un solide, simple et pur concept. Je veux surprendre, faire sourire les gens de façon très subtile. J’essaie de remettre en question ce que je vois autour de moi, et de le traduire dans l’objet. Je pense que la poésie, humour et de la communication des idées sont des aspects très importants de mon travail, mais en même temps, je tiens à rendre utiles et fonctionnels les objets avec cette façon de penser. Conceptuel au début, mon design doit être plus que des idées. Un bon concept dans un bon produit, est ce que je cherche à réaliser. » Son site est à visiter absolument!

Olivier Ratsi

Plane

Plane est un projet in situ présenté en avant première à la galerie Plateforme à l’occasion de son annuelle “Vitrine hivernale”.
Dans la galerie, une lumière est projetée sur les murs. Unique médium d’une scénographie mouvante, la lumière dévoile l’architecture du lieu par le biais d’aplats hétérogènes.Selon un jeu d’agencement entre les différentes parties murales, ces aplats de lumière progressent tour à tour lentement et en synchronisation, sans lien apparent entre eux.Il suffit alors de se placer sur un point précis situé en dehors de la galerie pour voir se matérialiser un espace plan virtuel de forme rectangulaire.Basé sur la technique de l’anamorphose, le déploiement de cet espace plan lumineux “flottant” altère la perception spatiale de la galerie.A cette première illusion d’optique, vient s’ajouter sur la vitrine une mise en abyme de l’espace environnant : le spectateur pourra voir que le rectangle blanc, formé à partir d’aplats hétérogènes des murs de la galerie, n’est autre que le tracé virtuel du reflet des immeubles d’en face…Intérieur / extérieur, l’espace est totalement décomposé, instaurant, au delà du doute, plusieurs niveaux de lecture sur la nature des objets et la perception que nous en avons.

Elene Usdin

Femme D’interieur

THILO FRANK

the phonenix is closer than it appears
L’artiste allemand Thilo Frank a développé ce projet qu’il appelle “Le Phénix est plus proche qu’il n’y paraît”, une installation dont la dimension est de 4 x 4 x 8m et se compose d’une structure faite de miroirs et de cristaux, à la fois à l’extérieur et à l’intérieur, à la recherche de la distorsion de la réalité issue de l’agrandissement ou de la déconstruction de l’espace.A l’intérieur du cube, les gens peuvent expérimenter une sorte de désorientation en devenant le point focal spatial en étant entouré de leurs propres réflexions physiques dans la pièce environnante le corps du spectateur pour devenir une réflexion imaginaire et hallucinante.

ELENE USDIN

Femmes d’interieur

ASTRID KROGH

Астрид Крог
light tapestry
“En tant que pionnière dans le domaine d’un nouveau genre de tapisseries infusée de lumière, l’impact du travail d’Astrid Krogh sur les arts, l’architecture et le design est considérable. Alors que jusque là les tapisseries étaient considérées comme de simples ajouts décoratifs à nos intérieurs, Krogh a montré comment la technologie textile pouvait en faire des éléments architecturaux. En intégrant le textile dans l’architecture, Krogh a ouvert la voie à des formes fluides et au design qui favorisent les relations dynamqiues entre le spectateur et l’objet. Par le passé la relation tactile à l’objet textile ne passait que par le sens du toucher, dans le travail de Krogh cette relation est mesurée par l’œil et ressenti de tous nos sens.» Bradley Quinn

JOSEPH LEFÈVRE

voyage intérieur