sanctum
Zach Blas（United States、1981）の作品は、テクノクラート社会の限界と基盤を描くことを目的として、視覚言語の慣習、価値体系、デジタル技術に内在する力のダイナミクスをさまざまな文脈で分析、調査、配置しています。 。 彼の分析とデジタル文化への反映のために、彼は映画、彫刻、執筆、パフォーマンスなど、さまざまな表現形式を使用しています。 ブラスはブラックユーモアと理論的研究に取り組んでおり、彼の最も顕著な影響の中には、神秘主義の伝統、サイエンスフィクションのジャンル、ポップカルチャー、クィアの美学があります。

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sanctum

The work of Zach Blas (United States, 1981) analyzes and explores the dynamics of visual language practices, value systems, and the forces inherent in digital technology in a variety of contexts, with the aim of depicting the limits and foundations of technocratic societies. I have placed it. .. For his analysis and reflection in digital culture, he uses a variety of forms of expression, including film, sculpture, writing and performance. Brass works on black humor and theoretical research, and among his most prominent influences are the mystical tradition, the genre of science fiction, pop culture, and the aesthetics of queer.

先物
フューチャーズは、光、音、鏡の目の錯覚を利用して、観客を良いことが起こった場所に連れて行き、私たちが望む未来が今存在します。フューチャーズは、観客が空間と時間の処理から意識の知覚まで何でも明らかにすることができる幻想を体験する没入型の空間です。さまざまな形をとるモジュラーライトインスタレーションです。ここでは、消失点に向かって内側にトンネルを掘る鏡とライトで作られた通路として示されています。

反射
マイアミのMetroRailシステムの主要な停留所として、このスペースは通勤者のハブとして機能します。デペーニャは、毎日の循環の概念を作品に取り入れ、センサーと光を使用して、ロビーの共同性と循環の質に焦点を当てています。このプロジェクトは、建物の訪問者を引き付け、さまざまな反省、グループの双方向性、ハイテクの遊び心を通じてコミュニティのアイデアを参照します。

Moss Garden of Resonating Microcosms
チームラボは色の概念を更新することを試みている。Ovoidは「固形化された光の色」と名付けられた新しい概念の色、61色で変化していく。コケ植物は、陸上にはまだ生物のいない、岩と砂ばかりの世界に現れた、はじめての陸上生物だと言われている。コケ植物やシダ植物が現れて森ができたことにより、陸上にさまざまな動物も住めるようになっていった。生物は、細胞内部における水が欠かせないため、体の水分が足りなくなると死んでしまう。これに対し、コケ植物は、周囲の湿度の変化により細胞内の含水率が変動する変水性という特殊な性質から脱水耐性を持ち、乾燥状態で長期間死なず、水が与えられれば生命活動を再開する。コケは、変水性であるため、空気が乾燥している時と、雨や靄があるなど濡れている時で、色も姿形も大きく変化する。苔の間に生活しているクマムシも、周囲が乾燥すると、無代謝の休眠状態である乾眠状態になり、活動を停止するが、水が与えられると復活し活動を開始する。生命活動はないが死んだわけでもないクマムシのこの状態は，「生」でも「死」でもない第三の生命状態としてクリプトビオシス（cryptobiosis「隠された生命活動」の意）と呼ばれる。生命とは一体何なのかと考えさせられる。

Post-Truth and Beauty
Post-Truth and Beautyは、光と音の抽象的な世界を部分的に垣間見ることで、「真実」のつかみどころのない性質に類似した感覚体験を生み出すことを目指しています。訪問者は、スピーカーリングに入ると、一度に1つずつ作品と対話するように招待されます。光と音はどちらも、視聴者の頭の位置に応じて変化します。視聴者が頭を動かして視点を変えると、この世界のさまざまな部分が明らかになります。

単色
ユニカラーは、視覚化のコレクションを表示する作品の続編です。ユニカラーの既存の祖先は、作品univrs / uniscopeバージョン（2010）とunidisplay（2012）です。インスタレーションユニディスプレイは記号論と知覚の法則の検査を提供します。作品は、側面に2つの鏡の壁がある長い投影壁に対して展開されるため、宇宙のように視覚的に拡大し、さまざまな視覚効果のモジュールをいくつか操作して、視聴者の知覚を妨げます。

ソニックウォーター
ソニックウォーターはサイマティックスのインスタレーションです。
サイマティクスは、砂や水などの物質を通して音や振動を視覚化するプロセスです。最初は音がしました cymaticsがそのような強い魅力を発揮する理由は、私たちが「音を見る」ように条件付けられていないからです。 Cymaticsは、聞こえるものの本質を明らかにする魔法の道具のようなものですが、通常は見えません。それを使えば、さまざまな形の自然の原型を再現することができます。ですから、音には形があり、サイマティックスはそれが物質に影響を与えるだけでなく、形を引き起こすことを理解することを可能にします。実際、私たちは音が宇宙自体の形成に根本的な影響を及ぼしたと考えています。しかし、それは別の話です。主に、私たちはこの主題の単純さに魅了されています。必要なのは、音と、水などの非常に基本的な媒体を作成することだけです…まあ、最もクールなサウンドビジュアライザーになる可能性があります（そして私たちの見解では）。

私の最近の調査では、さまざまな3次元ネットワークを介した平面ジオメトリの投影に焦点を当てて、空間を通過する光のソリッドジオメトリの動的マッピングを生成しました。このインスタレーションでは、投影された白色光の円が、周囲の工場に動力を供給した激しい蒸気を思わせる狂乱の中で、スマックメロンの海綿状の空間を拡大および崩壊します。

回転ミラーオブジェクトII
壁に取り付けられたミラーリングされたオブジェクトは、中心軸を中心にゆっくりと回転し、周囲の壁にさまざまな光の状態を反射します。それぞれの動きで、ミラーリングされた表面は天井、床、壁のセクションを反映します。その結果、オブジェクトは、反射された断片の絶え間なく変化する組み合わせによって部屋が永続的に再構築されたかのように、空間のばらばらな知覚を作成します。線、色、形の抽象的な構成は、万華鏡を通しての眺めを彷彿とさせます。

ЭНТОНИ ГОРМЛИ
أنتوني غورملي
葛姆雷
アントニー·ゴームリー
Feeling Material

Gormleyは、Allotment（1995）、Domain Field（2003）、Another Place（1997）、Inside Australia（2003）などの大規模なインスタレーションで、個人とコミュニティの関係を調査してきました。彼の最も有名な作品の1つであるエンジェルオブザノース（1998）は、現代の英国彫刻のランドマークです。フィールド（1991）は、地元の人々によって彫刻された数百または数千の小さな粘土像のインスタレーションであり、4大陸の地域コミュニティを含む世界中のさまざまな場所で制定されました。 「彫刻は、その継続性において、人生への信仰の行為です」とゴームリーはコメントします。 「私たちは皆、このようなことをします。私たちは、人生の継続性を保証する石をポケットに入れています。それは、物事がうまくいき、人生が大丈夫になることを期待することと関係があります。」最近では、Clay and the Collective Body（2009）のギャラリースペースや、ロンドンのトラファルガー広場にある高く評価されているOne＆Other（2009）委員会を超えて、市民の積極的な参加への関与が続いています。

Planos-pipas n17
「マルセロ・ヤコームのプラノスピパス（アーティストの母国ポルトガル語で「凧の飛行機」）は、ダイナミックで直感的なドローイングの品質を維持しながら、紙を彫刻素材として扱います。竹のフレームに張られた鮮やかな色のティッシュペーパーのシートが綿の糸でつながれているこの作品は、さまざまなコンポーネントが半混沌とした一体感で動いていることを示唆しています。立ち直る：角が出会って建築の形を模倣するか、半屋根のほぼ避難所になります。立体的な形とのそのちらりと見える関係は、三次元性へのヤコムの遊び心のあるアプローチの一部です。この作品は、凧自体と同じように、文字通り説明を回避しているように見えます。凧の本質は広告でのみ明らかにされます。 istance、スレッドの終わりに。ヤコムの作品は物事の端で踊り、まばゆいばかりの色と線の閃光で私たちの手から滑り落ちます。」Ben Street

Лукас Самарас
卢卡斯·萨马拉斯
لوكاس ساماراس
ルーカスサマラス
루카스 사마라스
Chair
Since the 1960s, Lucas Samaras has devoted his art to the evocation of an intensely private, obsessional, sometimes hallucinatory realm. Among the many motifs that occur in his work, the chair is especially prominent. The “Chair Transformation” series has included provocative sculptures executed in a variety of materials including wood, wire mesh, and mirrored glass. Throughout the series, Samaras transforms the ordinary object into a fantastical one, evoking a dreamlike metamorphosis. Here the artist suggests an animated flight of stacked chairs. A deceptively simple form, the sculpture appears from different viewpoints to be upright, leaning back, or springing forward.

山本耀司
יוז’י ימאמוטו
ヨウジヤマモト

彼は自分の哲学と前衛的な精神を服で表現し、現在のトレンドからかけ離れたデザインを頻繁に作成しています。基本的に、彼は特大のシルエットが特徴のラインを作ります。通常、光沢のあるテクスチャのドレープ（ゆるいギャザーとボロボロ）が特徴で、フィギュアの輪郭や動きに応じて自然に変化します。多くの場合、単一の色（特に黒）と単一の色合いが使用されます。山本洋二は服を通して自分を表現しようとしていると言えます。その想いや精神に共感するお客さまを魅了し、熱烈なファンに。川久保玲のコムデギャロンや三宅一生の三宅一生などと並んで、1980年代に国内外で高い評価を得たカリスマ的なデザイナーブランドが「DCブランドブーム」を形成した。 （DCはDesigners＆Charactersの略です。現在はDesigners’Brandsと呼ばれています。）彼は現在、Brother、Dolls、Zatoichiなどの北野武の衣装デザイナーを務めています。彼はまた、Soulmates Never Die（Live in Paris 2003）ツアーショーの最中に、アディダスラインでプラセボのプロバイダーとして認められています。

ザマ ナツミ

文化の変化と経済の崩壊の危機に瀕しているとき、私たちが誰であるか、そして私たちが何を表しているのかを徹底的に再考する必要があります。 新しい意識を形成する。 色あせた境界からの自由を得る。 新しい理解、未知の取引、価値と帰属の代替概念のためのスペースを作成します。 10人のデザイナーがこの交換する現実を調べ、再評価を求めています。 Dutch Invertualsは、職業の限界を広げている個々のデザイナーの集合体です。 さまざまなバックグラウンドを持つデザイナーですが、共通点が1つあります。それは、実験が原則です。

原田 圭
Кеи Харада
o’keeffe sofa
ある日、日本人デザイナーの原田圭は、どのような形の家具が最も多くの人を惹きつけているのかと自問しました。最も魅力的な形状は、軽く、柔らかく、風通しが良く、鋭い境界線がない形状であることがわかっています。この形の家具は動きに寄与するため、身体が快適な姿勢を取り、物体と相互作用するときの体験のための広いフィールドを作成します。
ケイは、「オキーフ」と呼ばれる「マシュマロ」ソファのデザインを作るまで、調査や実地実験、他のデザイナーの経験の研究、さまざまな素材や構造のワークショップでの作業を行っていました。
孤立したフォルムをひとつにまとめた原田は、通称「ソファ」とは呼べない別の家具を思いついた。それは単なる日常の使用の対象ではなく、すでに日常生活に統合できる芸術の対象です。
各ボールクッションはプラスチックフォームでできており、2層のプルウレタンフォームと弾力性のある生地で覆われているため、ボールは無傷です。構造の基部にある木製のフレームは、それを強くて安全にします。ソファの形は簡単に変更できます。チルアウトは子供向けのゲームスペースに簡単に変えることができます。
原田圭は、このソファは子供向けではありませんが、「オキーフ」の基本である動きのアイデアを最初に感じたのは子供たちだったと言います。

ДЭНИЕЛ ФИРМАН
丹尼尔·菲尔曼

ダニエル・ファーマンの身体の物理学とエネルギー、動きとその空間との関係への関心は、その中心にある彫刻作品に反映されています。
毎回「キャラクター」と見なされ、振り付けと物語の推進力で捉えられた人物は、観客が距離を保つのと同じくらい自分自身を作品に投影するように促す現実的なモードで扱われますが、顔はまだ隠されています時間内に中断されたこれらのキャラクターに追加の謎をもたらします。
これらの等身大のキャラクターは、日常の物を積み込み、衣服に邪魔され、単に空間で停止またはバランスを取り、場所の認識を変えることができる、時には混乱し、過度の身体的および道徳的状況を翻訳します。
チャンスとデザイン、身体と精神、時間と動きのサスペンドを組み合わせた彼の作品は、パフォーマンス、成形、写真、電子画像、建設、さらにはリサイクルなど、さまざまな技術とプロセスを使用して設計されています…دانيال فيرمان

抽象化と表現を交互に繰り返すShahbaziの鮮やかな色の写真は、デジタルツールを使用せずに、鮮明なスタイルの商業スタジオ写真で作成されます。彼女の抽象的な構図を作るために、彼女は塗装された台座やその他の幾何学的なボリュームを写真に撮ります。時々彼女は同じオブジェクトの複数の画像を作成し、露出の間にボリュームを回して、表面と深さの間に動的な相互作用を作成し、幾何学的な色とパターンの豪華なフィールドを作成します。 Shahbaziは彼女の写真を驚くべき組み合わせで配置します。ここで彼女は、ギザギザの山々の硬いエッジと飛行中のダイバーの正確な形と抽象的な幾何学を並置します。 Shahbaziのアレンジメントは、さまざまなジャンルの写真の類似点を強調し、外側と内側、有機的なものと製造されたもの、自然と構築された風景の間の構造的な類似点を示しています。彼女の写真は、さまざまな媒体に翻訳され、表示されるたびにさまざまなグループに配置され、新しい反復ごとに視聴者の認識とは異なって再生されます。 Sharina Shahbaziは、1974年にテヘランで生まれました。彼女はドイツのFachhochschuleドルトムントとチューリッヒのHochschulefürGestaltungundKunstで写真を学びました。 Shahbaziはチューリッヒに住み、働いています。

Cardboard Cloud

素晴らしいノルウェーの建築家は、ノルウェーのオスロにあるデザインと建築のセンター（DogA）での展示会のために、「段ボールの雲」のインスタレーションを作成しました。 ショーはノルウェーの学生による作品を特集します。 展示会は真新しいデザインオブジェクトを提示するように設定されているので、彼らは開梱のスリルに基づいて建築コンセプトを決定することにしました。 インスタレーションは、大きなピクセル化された雲に似た3000を超える吊り段ボール箱で構成され、さまざまなオブジェクトの上に浮かんでいます。 350m2の展示ホール内には、洞窟のような空間からリフトやオープンエリアまで、多種多様な空間が生まれます。 オブジェクトとデザインコンセプトは、ボックスの内側と外側の両方に表示されます。

Sweet sweet galaxy

オーストラリアのアーティストデュオ、ニコール・アンドリエビッチとターニャ・シュルツは、キャンディランドと呼ばれる野心的なプロジェクトを型破りなレイアウトで実施しました。これは、おとぎ話の世界やウィリー・ウォンカを彷彿とさせる一種の巨大なボードゲームのように、ギャラリーの床に設置されました。 砂糖、顔料、ワイヤー、粘土、ビーズ、ビーズ、キラキラ、発泡スチロール、その他のさまざまな素材などの日常のオブジェクトを使用して、このデュオはファンタジーと想像力が支配する遊び心のある宇宙であるキャンディランドに命を吹き込みました。

アリソン・ショッツ
Алисон Шоц
Arnolfini 360 Degrees x 12
Shotzが彼女の実践について説明しているように、「私は、周囲の状況に応じて無限に変化するオブジェクトを作成することに興味があります。 さまざまな時間帯の光、天気…視聴者が着ているもの、これらはすべて、作品に触れるたびに作品を変える変数のほんの一部です。 私にとって理想的な芸術作品とは、最終的には何らかの形で知らないものです。」

the un-built
提案は、エル・リシツキーのさまざまな作品を反映した記念碑を設立することです。目的は、3次元構造で空間と奥行きの概念を知覚できるようにすることです。このシステムは、空虚さ、深さ、投影を明らかにするためのツールになります…
最初に、このシステムは不在、言い換えれば未構築を明らかにすることを提案します。ウォルケンブルーゲルはエルリシツキーの最も有名なプロジェクトの1つですが、残念ながら身体的な症状はありません。このプロジェクトは、wolkenbrugelのサイズに一致する3次元の直交グリッドで構成されています。次に、成形の方法で差し引くことにより、物理的にそれ自体を再構築することなく、エル・リシツキープロジェクトの空間的存在を再構築します。架空のプロジェクトは見えないが知覚できるままです。この刻印から、記念碑の仮想投影を完了するのは訪問者の想像力です。
夜になると、光のネットワークがウォルケンブルーゲルの仮想輪郭を明らかにします。構造全体に分布する輝点は、招待されたアーティストの介入を動的にサポートするものでもあります。
2番目のステップでは、フレームはグラフィックラインのステージングの構造的サポートです。エル・リシツキーが最もよく使う色である赤く塗られたさまざまな構造要素が、それぞれの視点に応じて独自のグラフィック構成を作成します。一緒に空間に配置されたこれらの赤い線は、さまざまなグラフィック構成を形成します。変位によって、訪問者はこれらの構成を構築および分解し、深さを表示します。これらの赤い線はスペースを定義します。

2012年5月に初演されるGuiGarrido * Hermann Heisig * Nuno Lucas * Pieter AmpeとCAMPOの最初のコラボレーション作業では、4人だけの旅行で研究プロジェクトを開始しました。 私たちはいくつかの場所や風景、気分のむら、さまざまな星座を通り抜け、写真やビデオを撮り、歌ったり書いたり、静かで陶酔したりしました…
これは最初の会議であり、謙虚な出会いであり、私たちがどれだけ長く一緒に計画に固執できるか、同じ場所にいるときにどのような簡単な行動が起こり得るか、私たちが引き受けることができる役割は何か、そして 物語はどんな意味をなすことができます、そして、まあ、まだ来ていないことはもっとたくさんあります。

Ocular revision
1990年代初頭以来、彼のアートワークは、これらの非常にテクノサイエンスを媒体として使用して、さまざまな新しいテクノサイエンスによって提起された複雑な問題に取り組んできました。 彼の作品には、世論調査と分類の影響を調べるデータ収集装置、人種とアイデンティティの科学的構造を弱体化させる遺伝子実験、制度化と企業化をふざけて批判する一時的な組織が含まれています。 これらの「オペレーショナルフィクション」は、現代の電子ランドスケープの同様に超現実的なコンテキストで共鳴することを目的としたハイブリッドエンティティ（同時に現実のものと空想的な表現）です。

Liquid Vehicle Transmitter
アーティストのブレンナマーフィーは、彼女の迷路のような仮想空間を物理的な現実に重ね合わせる現実のフラクタル環境を作成します。
ポートランドを拠点とするアーティスト、ブレンナマーフィーは、彫刻、ゲームデザイン、インスタレーション、パフォーマンス、サウンド、インターネットに携わっており、人間の意識を結び付け、拡大するデジタルテクノロジーの能力に関心を持っています。マーフィーにとって、デジタルツールは、人間の経験の外にある異星人としてではなく、意識と認識を深める電子補綴物として機能します。迷路はマーフィーの実践における継続的なテーマです。彼女のインスタレーション、ウェブサイト、仮想環境は、放浪、移動、発見を促進する一連の連動スペースとして設定されています。彼女の作品で参照されている自然に発生する幾何学的形態のように、それらは展開構造の密な配列として互いに有機的に分岐しています。 YBCAでの彼女の展示会のタイトルであるLiquidVehicle Transmissionerは、マーフィーの作品の多くに見られる流動性をほのめかしています。
彼女の新しいインスタレーション、創発的な実体の聖歌の配列のために、マーフィーはさまざまなスケールで自己相似パターンを含む一種のフラクタルを設計しました。 3D印刷された彫刻、LEDライト、ライトボックス、木製のカットフォームの正確に構成された集合体から構築されたインスタレーションは、彼女の複雑で目がくらむようなインターネットベースの作品の実際のバージョンに似ています。マーフィーの仮想ビデオゲーム環境のように、創発的なエンティティのチャントアレイは、訪問者の空間と次元の両方の認識に基づいて再生され、意識の高い状態の探索を促します。
マーフィーは、彼女のアプローチにおいて深くポストヒューマニストであり、彼女の創造的なプロセスを、作品を制作するために使用されるツールとの直感的で調和のとれた関係を模索する瞑想の一形態と見なしています。彼女の複雑な形の配置は、彼女自身のエネルギーと視聴者のエネルギーに焦点を合わせ、それらを引き込みます。観客との調和のとれたつながりのこの感覚は、彼女がメンバーであるアートコレクティブ、MSHRおよびオレゴン絵画協会のアクティブな要素でもあります。

The Discovery
第1章–発見では、フェリックスルケは、視聴覚、彫刻、情報から物語のモードまで、さまざまな形式的な表現モードで遊んでいます。 技術の進歩をどのように制御できるかなど、本質的な哲学的質問に答えるのではなく、 その目的はどのような倫理的根拠に基づいて選択できますか？ 機械の究極の使命を決定する資格があるのは誰ですか？ 機械は私たちを破壊することができますか？ –それどころか、インスタレーションは、SFの大衆文化や、人工知能に関するテクノユートピアや神話に関連する画像を使用して、これらの現代の哲学的問題を再構築することを目的としています。

空気のインストールは3つの泡で構成されています。 Esa Vesmanenと共同で設計されたバブルには、HildaKozáriの個人的な記憶と3つの都市の経験が嗅覚と視覚の形式で含まれています。 このインスタレーションでは、ビデオの画像は空気のように透明で、彼女の記憶の写真のように曖昧であり、観客が独自の解釈をするためのスペースを残しています。 都市景観の正確な定義は、さまざまな記憶を思い起こさせる匂いの感覚によって与えられます。 都市の匂いは、海、風、公園、建物、ゴミだけでなく、人々、生活環境、そして記憶に関連する感情的、文化的、産業的な生活にも関係しています。 個人的な香水のように、街の匂いは匂いのバランスに強く依存します。

Даниэль Видрик
Little Black Spine

芸術デザイナーのダニエル・ウィドリグは、このウェアラブルアートシリーズの背後にいます。 これらの3D印刷された作品は、彼のKinesisコレクションの一部です。 これらの彫刻の付属品のいくつかは骨のように見えますが、他は非常に抽象的なものです。 これらの印象的なデザインはすべて黒で行われているようで、非常に想像力に富んでいます。 このウェアラブルアートコレクションの背後にあるアイデアは、それらを身に着けている人の体に合わせたカスタムアクセサリーを作ることです。 ピースが外骨格に似ている場合、これは特にクールです。 これらのぴったりとしたアートワークは、平均的なアクセサリーよりも興味深いものです。 彼らは体のさまざまな領域に重点を置くことを意図しており、まさにそれを行います。 Widrigのクリエイティブな印刷コレクションは、大胆で非常に詳細です。 これらの作品はあなたの体を生き生きとした呼吸する芸術作品に変えます。

كلوديا روج
克劳迪娅·罗格
クラウディア·ロゲ
클라우디아 로게
КЛАУДИА РОГГЕ
lost in paradise paradise lost III

ドイツの芸術家で写真家のクローディア・ロッジは、群衆の肖像画、魅了され、邪魔をする真の均質な人間の集団に感銘を与えます。 彼の名前は、モザイクやパターンと非常によく似た、繰り返しを探求するシナリオでパフォーマンスと写真を組み込むことにより、現代アートシーンで最大の指数の1つとして浮上しています。 彼の最近の作品、ロスト・イン・パラダイスでは、ロッジは彼の以前の作品と同様に、ルネサンスとバロックの構成を参照する古典的なシーンを通して表される、不死、死、美と衰退、欲望と罪などのテーマを求めています。ミケランジェロによるフレスコ画。 また、ワックス、液体ガラス、ゼラチンなどのさまざまな素材を使用し、新しい光の中での静物を強調し、風景の形や質感が恒久的に変化しているような感覚を与えます。

典的な

Johan Selbingはスウェーデンのリンシェーピングで生まれ、チャルマース大学、ストックホルム王立芸術アカデミー、オーフス建築大学で建築を学びました。 JohanSelbingとAnoukVogelは、庭園、公園、芸術作品、橋、家具、インテリア、小さな建物など、さまざまな国でさまざまなプロジェクトに協力してきました。 彼らの介入はしばしば本質的に詩的であると説明され、特定の場所の意味と経験を強めます。 さらに、彼らの実現した作品は、素材と職人技への強い関心を証明しています。

米卡·塔吉玛
ميكا تاجيما
here or there
ミカ・タジマ（ロサンゼルス、カリフォルニア1975）Here or There、2007は、さまざまな素材で構成された建築インスタレーションであり、観客に作品とその周辺の空間との交流の機会を提供します。 2番目のインスタレーションであるseriesFurnitureArtは、ニスを塗ったプレキシグラスパネルで構成され、グリッドのような順序で壁に配置されています。 アーティストは、抽象的なイメージを地理的な場所に関連付けるのが理想的です。 但馬美香の作品は、2011年にオースティンのビジュアルアートセンターやフィラデルフィアの芸術大学などの重要な会場で展示されました。

The Tree

דניאל מלורס
Натаниэля Меллорса
hippy dialectics

英国生まれのアムステルダムを拠点とするアーティスト、ナサニエルメラーズは、2011年のヴェネツィアアートビエンナーレでバイスクリガーによってキュレーションされた国際展示会「イルミネーション」に「ヒッピー弁証法（私たちの家）」を展示します。双頭のアニマトロニック彫刻、作品は短い統合失調症をもたらしますユーモラスで邪魔な対話。 タイトルの括弧内の「ourhouse」は、「パパ」と「オブジェクト」の2つの中心人物をフィーチャーした、風変わりな家族についてのシュールレアリストのホームコメディであるメラーによるビデオ作品を指します。「ヒッピー弁証法」は、「パパ」キャラクターの2つのバージョンをフィーチャーしています。 – 1つは青、もう1つは黄色–髪のリボンで接続されています。映画の俳優の顔からキャストされたラテックスヘッドは、電子機器とソフトウェアによって生き生きとしています。 彼らは、反論の不条理な結論に達する前に、さまざまな褒め言葉（「神様、あなたはバフを探しています。まじめな話ではありません、あなたは素晴らしく見えます！」と「かっこいい、あなたはかっこいいです！」）を含むループ型のペップトークを提供します。はい ‘と’いいえ ‘。

Маги Марин
マギー・マラン
Cendrillon
「1985年に作成されたマギー・マランによるこのシンデレラは、振付師の現在の創造物（過激で献身的）を見ると驚くべきものです。これは確かに必ずしも妖精ではありませんが、光景と不思議の側面を想定した物語です。シンデレラは幼稚な世界で巨大な人形に変身したキャラクターを作成します（プリンスチャーミングはロッキングホースで彼の美しさを求めます）。ダンサーは全員、顔をハードマスクで覆っているため、表現ができません。ただし、ステージ上の各キャラクターは不穏な方法で生きているこれらのパフォーマーは、それぞれの動きが強い意図を持っている栄養のある身体言語を通して彼らを生き返らせます。この作品がその期間に完全に刻まれているのは彼らと彼らを通してであり、パフォーマーがそれを呼吸している限り生命を見つけます彼らの人形のキャラクターに。
したがって、このシンデレラから発せられる香りは常にとても気がかりです。私たちは幼稚な世界にいますが、悪夢は決して遠くにはありません。二人の姉妹は、人形のファンタジーが生き返るホラー映画からほとんど出てくるでしょう。オーレリー・ガイヤールによって繊細に踊られたシンデレラは、最初の行為に甘さと空想をもたらすことによってバランスを取ります。その瞬間、幼稚な世界が点線で描かれています。私たちは巨大なプレイルームのようですが、2つの世界の間にある幻想的で夢のようなものです。しかし、このフェアバランスはロングボールシーンには現れなくなりました。ここでは、音楽が止まり、幼稚なせせらぎの余地ができます。すべてのキャラクターが遊び場のように演奏します。そして、さまざまな読書グリッドが消える2度目は、子供向けのシンプルな眼鏡の前にいるだけの印象を残します。ここでは、大人はもう自分自身を見つけることができません。」AmélieBertrand

世

丹尼尔·罗津
Даниэль Розин
Angles Mirror
「AnglesMirror」は、相対的な明るさと暗さに基づいて絵を描くという考えを拒否します。代わりに、オブジェクトの輪郭の方向を示す線形回転システムを探索します。壁に取り付けられた彫刻である「AnglesMirror」は、回転する黄色のインジケーターアームが点在する、鋭い三角形の鋼のブロックです。アイソメトリックグリッドに基づいて、その構造は正三角形に見られるパターンと角度を優先します。明るさや明るさを変更する機能を持たない腕は、カメラからの入力を使用して、さまざまな角度の領域でビューを再構築します。視聴者を取り巻くネガティブスペースは、画面上の水平線に変換されます。写実的な画像を作成するのではなく、人物の3次元の動きを表現し、彫刻への視聴者の近さが変化するにつれてオプティカルフローを視覚化します。視聴者が前後に移動すると、微妙な輪郭が生じ、空間の構造がどのように認識されるかが変わります。 「ファンミラー」と同様に、「アングルミラー」では、画面を横切る一連の動きは、その観客によって部分的に指示されます。視聴者が作品から離れたり、彫刻を遠くから見ることを選択した場合、一連の事前定義された画像とトランジションがオブジェクトの表面を覆います。

吉冈德仁
吉岡徳仁
mirage

ミラノの2013年サローネインテルナツィオナーレデルモービルで展示されているのは、イタリアの会社レマの「ミラージュ」です。ミラープレートのきらめくコラージュです。 著名な日本人デザイナー、吉岡徳仁氏によるデザイン。 並べて配置され、各パネルはさまざまな位置で操作および配置することができます と角度、初期構造をいくつかのきらめく反復に変換します–特別に設計されたモジュラーカップリングシステムによって可能になります。 「蜃気楼」は、伝統的な鏡の製造を現代的に再解釈したもので、芸術とデザインの分野を1つのまとまりのある作品に統合しています。

ニューヨークのアーティストSongK Kwakは、ダクトテープを唯一の表現素材（ほとんどの場合黒）として使用して感情を表現し、その言語は壁の彼女の体のジェスチャーに投影されます。キャリアとして、黒いマスキングテープは2Dと3Dの表面の間を自由に移動します。通常のテープの柔軟性とアクセスしやすさから、彼はストロークを身体の延長として指定します。このプロセスは、さまざまな視覚的および環境的空間を妨げられることなく流れる環境と統合する試みです。黒い線は、独特の建築とその周辺の間に生じる多くのエネルギーのダイナミズムを伝えています。韓国で生まれ、アーティスト、クワクとして教育を受けました。ニューヨークで勉強している間、彼は独自のフリーハンドマスキングテープ技術を開発し、階段、公共の建物のロビー、小さなアートギャラリー、建物のファサードなどの建築空間の表面に直接ペイントしました。彼は暴露します。彼のインスタレーションは、ドローイングと彫刻の中間にある空間と体験を生み出します。